Le plus ancien jeu télévisé de France, « Des chiffres et des lettres », va disparaître des grilles de France Télévisions à la rentrée, après plus de cinquante ans d’existence, a annoncé le directeur des antennes Stéphane Sitbon-Gomez dimanche 5 mai, dentro La Tribuna del domingo.

“La programación del fin de semana de “Números y Letras” no se vio coronada por el éxito. Después de cincuenta años de existencia, es un encuentro emblemático. Es una decisión difícil, pero hemos tomado la decisión de detener este programa”.declaró.

Desde el inicio del año escolar en septiembre de 2022, el juego creado en 1972 solo se transmite los fines de semana. “Un espectáculo de despedida reunirá a Patrice Laffont y Laurent Romejko (su primer y último presentador) y agradecerá a todos los equipos”añadió el director de antena.

Detener programas recientes

El lugar en France 3 para el emblemático partido, el sábado y el domingo a las 17.15 horas, lo ocupará ahora la adaptación televisiva de otro programa emblemático de Radio Francia, “El partido de los 1.000 euros”, hasta entonces emitido únicamente los sábados. .

Sitbon-Gomez también anunció la no renovación de programas mucho más recientes como “Bertrand n’a pas slept” o “En bande organised”, “porque no han encontrado del todo a su público”.

“Por otra parte, muchos programas recientes se están renovando, como “Cmedia” (Francia 5) y “Bel et bien” (Francia 2). También continuaremos con nuestra estrategia dirigida al público joven invirtiendo en la plataforma Twitch desde el inicio del curso escolar”.continuó el Sr. Sitbón-Gómez.

El mundo

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El grupo audiovisual público, por el contrario, ha cambiado de rumbo con «Le magazine de la santé», que había anunciado que sería retirado después de 25 años en pantalla pero que finalmente se extenderá a France 5.

Este no será el caso de “Des figures et des lettres”: lugar de encuentro diario de los franceses, que reúne a generaciones de espectadores a la hora de la merienda desde 1972, ya solo se emitía los fines de semana desde la vuelta al cole de 2022.

Pero esta programación del sábado y del domingo «no se vio coronada por el éxito», constató el director de antenas y programas de France Télévisions, Stéphane Sitbon-Gomez, en una entrevista concedida a la Tribune Dimanche.

“Deberíamos haber parado hace dos años”

“Después de cincuenta años de existencia, es un encuentro emblemático”, admite. «Es una decisión difícil, pero hemos tomado la decisión de detener este programa». Si detener las emisiones forma «parte de la vida normal de todos los canales», según él, la desprogramación de «Números y Letras» marca el fin de una era.

«Deberíamos haber dejado de hacerlo hace dos años. La programación del fin de semana era la crónica de una muerte anunciada», reaccionó emocionado a la AFP Patrice Laffont, primer presentador del juego y productor.

«Cincuenta años de retransmisión, ¡no volverá a existir! Fue una retransmisión muy especial, basada en criterios muy simples que los franceses aprenden en la escuela, los números y las letras», añadió, precisando que había sido recibido por el grupo que lo había hecho. le contó la noticia.

Primero llamado «La palabra más larga», el programa se convirtió rápidamente en un programa de culto en Antenne 2. Después de Patrice Laffont o Laurent Cabrol, Laurent Romejko está al frente del programa más antiguo de PAF, después de «Le jour du seigneur», desde hace treinta años.

Todo es de culto: el test de cálculo mental, «la cuenta es buena», el test de vocabulario con su selección alterna de consonantes y vocales, la música de créditos («Western Patrol») que apareció en 1972.

El principio no ha cambiado, aunque los últimos años han sido más turbulentos, marcados en particular por la salida de Bertrand Renard y Arielle Boulin-Prat, los señores figuras y señora letras del juego, derrocados a mediados de 2022. y que desde entonces han atacado a France Télévisions en el tribunal laboral.

El “juego de los 1.000 euros” como sustituto

“Números y Letras”, que es también uno de los espectáculos más antiguos de Europa, se ha exportado a muchos países, desde Bélgica hasta Australia. Participaron varias decenas de miles de candidatos y existen cientos de clubes, fuera de la televisión, con sus torneos o sus campeones.

“Un espectáculo de despedida reunirá a Patrice Laffont y Laurent Romejko (primer y último presentador del partido, ndr.) y agradecerá a todos los equipos”, añadió el director de las cadenas France Télévisions.

El lugar en France 3 para el emblemático partido, el sábado y el domingo a las 17.15 horas, lo ocupará ahora la adaptación televisiva de otro programa emblemático de Radio Francia, «El partido de los 1.000 euros», hasta ahora emitido únicamente el SÁBADO .

Además, France 5 mantendrá finalmente «Le magazine de la santé», cuya supresión anunciada después de 25 años en antena había provocado una ola de protestas que expresaban alarma tras el final de un programa de divulgación científica sobre salud y medicina.

Ciertas transmisiones renovadas

Cerca de 170 personalidades, entre ellas la ex ministra de Sanidad Agnès Buzyn y la neumóloga Irène Frachon, consideraron que «salvar +la revista de salud+ es un deber de salud pública», en una columna en Le Figaro. Este programa será presentado ahora solo por Jimmy Mohamed, sin Marina Carrère d’Encausse.

Stéphane Sitbon-Gomez también anunció la no renovación de programas mucho más recientes como “Bertrand n’a pas slept” o “En bande organised”, “porque no han encontrado plenamente a su público”.

«Por otra parte, muchos programas recientes se están renovando, como ‘Cmedia’ (Francia 5) y ‘Bel et bien’ (Francia 2). También continuaremos nuestra estrategia dirigida al público joven invirtiendo en la plataforma Twitch del inicio del año escolar”, continuó.

Spotify aparentemente ha encontrado una nueva forma de impulsar a sus usuarios gratuitos a una suscripción paga: está poniendo las letras detrás de un muro de pago. Luego de varios informes que citaban publicaciones frustradas de usuarios en Reddit, la compañía confirma silenciosamente el cambio, pero sin una declaración directa. En cambio, la compañía le dijo a TechCrunch simplemente que las funciones de Spotify pueden variar con el tiempo, entre mercados y entre dispositivos. La respuesta indica que el cambio en la letra puede ser más que una simple prueba, pero que Spotify aún no está preparado para hacer un anuncio oficial sobre los mercados afectados.

Sin embargo, hubo algunos indicios de que Spotify iba en esta dirección. El otoño pasado, se vio a la compañía bloqueando letras para usuarios que no pagaban. Los usuarios gratuitos que intentaran acceder a la función verían un mensaje que decía: «Disfruta de las letras en Spotify Premium».

Sin embargo, en ese momento, un portavoz de Spotify aclaró que los cambios eran “sólo una prueba” que se estaba llevando a cabo con un número limitado de usuarios en un “par de mercados”. Spotify ya no se refiere a los cambios como una prueba, aunque no está claro por qué no documentaría el acceso a las letras como una característica premium en algún lugar de su sitio web, como en la página donde los usuarios pueden actualizar los planes o dentro de su documentación de ayuda. Esto podría deberse a que la compañía todavía está probando el límite mensual de letras para cuentas gratuitas; usuarios libres informe ver mensajes que les dicen que cada vez que tocan «Mostrar letra», cuenta para el nuevo límite.

Spotify no ofreció más detalles sobre por qué ahora está bloqueando las letras de pago, pero claramente es un intento de llevar a más personas a su nivel pago. En su trimestre más reciente, la compañía alcanzó más de 600 millones de usuarios activos mensuales, por encima de las estimaciones, y los suscriptores pagos llegaron a más de 236 millones, lo que representa un crecimiento interanual del 15 %. Sin embargo, los ingresos trimestrales no alcanzaron las expectativas de los analistas de 3.720 millones de euros, llegando en cambio a 3.670 millones (3.940 millones de dólares).

Queda por ver si el bloqueo de letras impulsará a más personas a suscribirse. Las letras están fácilmente disponibles y son gratuitas a través de la web y en otras aplicaciones que funcionan junto con Spotify, como Genius, Shazam de Apple o Musixmatch, por ejemplo.

Feliz El Departamento de Poetas Torturados ¡Día! Hay mucho que asimilar. Después de adelantar durante semanas el lanzamiento de su nuevo álbum, a las 2 am del viernes, Taylor Swift reveló que en realidad se trataba de un álbum doble, lo que significa que el disco se disparó de 16 pistas semimanejables a 31 difíciles de manejar. No tienes dos horas libres para sentarte y escucharlo todo hoy, te tengo. Aquí están las mejores, peores y más extrañas letras de TTPD. Siéntete libre de leer esto para tener algo que decir en tus chats grupales.

En “But Daddy I Love Him”, Swift se centra en el tema más fuerte del álbum: lo apesta ser famoso. Es una canción sobre estar enamorado de alguien, en este caso aparentemente Matty Healy, y tus fans te dicen en voz alta y constantemente que lo odian. Escuchar a Swift admitir que es una pesadilla que millones de personas piensen que saben cómo debería vivir su vida es reconfortante.

Esta es una buena línea clásica de Taylor Swift. Está en la colaboración de Florence Welch, “Florida!!!”, y describe sucintamente una imagen de dónde se encuentra Swift en su vida. Es la frase más «Tengo poco más de 30 años» del álbum y me hizo querer escuchar más de ella sobre tener esa edad. Por desgracia, en este álbum hay canciones sobre Peter Pan y cómo te sientes como si estuvieras en la escuela secundaria, así que no contengo la respiración.

De la canción principal. Tiene razón en esto, pero nadie está preparado para esa conversación.

Como pronto descubrirás, las mejores letras en TTPD llega cuando Swift canta sobre los detalles de ser la persona más famosa del mundo. En el puente de esta canción, «¿Quién teme a mi pequeño yo?», Swift declara: «No durarías ni una hora en el asilo donde me criaron». Todos podemos decir jeje y jaja sobre el hecho de que se crió en una granja de árboles de Navidad, pero obviamente está hablando de ser una estrella del pop adolescente. Ella dice que, en un momento, le quitaron los colmillos al público. ¿Quizás lo que realmente quiero de ella son unas memorias?

Realmente no estoy tratando de ser un disco rayado aquí, es solo que Swift está tan concentrada cuando canta sobre intentar hacer el Eras Tour a raíz de lo que claramente fueron dos rupturas catastróficas consecutivas. En “I Can Do It With a Broken Heart”, su voz baila con un ritmo brillante mientras sus palabras transmiten que estaba muy deprimida en ese momento. Es una maniobra pop clásica, poner tus letras tristes a un ritmo innegable, y aunque esto no es “Dancing on My Own”, es realmente bueno.

Me encantó este pequeño movimiento en “Last Great American Dynasty” y me encanta en “Clara Bow”, ¡demándame!

No sé si esto, de “thanK you aIMee”, es tanto la “mejor” letra como la “más chiflada y chiflada”. Los Swifties de toda la vida sabrán que Andrea Swift es una mujer apacible y muy sonriente. Es gracioso imaginarla diciendo que quiere muerta a Kim Kardashian.

Esto nos llega desde la canción principal en TTPD, que la mayoría de la gente hace payasadas para la línea Charlie Puth. Esa gente necesita abrir su tercer ojo y darse cuenta de que el puente de esta canción es peor. En esta línea, realmente puedes sentir la influencia de Jack Antonoff/Bleachers mientras intenta meter tantas palabras como sea posible en una sola respiración. «El que la gente se pone los anillos de boda». Tiene que haber una mejor manera de decir eso.

El apego de Swift a la adolescencia y las imágenes de esa época se encuentran a lo largo del álbum, y sólo quiero sacudirla y decirle que tiene 34 años. Supongo que «llorar en el gimnasio» en «Down Bad» se supone que es, como, vibraciones identificables, pero llega mal al oído.

Haremos una especie de rosas y espinas con “So High School”. ¿La Rosa? ¡Travis Kelce tiene una canción! ¿La espina? Es algo tonto. Ella canta sobre cómo su relación la hace sentir como si estuviera en la escuela secundaria (¿complementaria?) con él. Tú también lo harías si pasaras las noches mirando pie americano en una cita nocturna y saliendo con sus amigos jugando GTA. Esta canción también incluye la frase «Estoy drogado por fumar tus chistes toda la maldita noche». No hay comentarios sobre eso.

¿Por qué Swift alude a Trey Songz? ¿¿Hola?? Cuando escuché esto en “loml”, una canción muy triste sobre el amor perdido, tuve que volver a escucharla de inmediato. Esto tiene que ser algún tipo de broma interna entre ella y el novio del que se trata (sinceramente, no puedo decirlo). ¿Bien?

La línea en sí, de “imgonnagetyouback”, no es tan extraña. Lo extraño es que esta canción depende del mismo juego de palabras que el mega éxito de Olivia Rodrigo, “Get Him Back”. Dado el hecho de que la gente sospecha que hay algún tipo de conflicto entre estos dos, esta es una elección realmente descabellada por parte de Swift y su equipo. Alguien debe haber dicho: «Oye, Tay, Olivia ya hizo esto, tal vez nos saltemos». ¿Los ignoró o es tan poderosa que nadie se atrevió a mencionarlo?

Oportunamente, esta línea proviene de «I Hate It Here». A Swift, debo decirle esto: Chica… ¿qué diablos? ¿Cuáles son tus fantasías sobre la Revolución Industrial? Esta está definitivamente entre las dos líneas de Swift más locas de todos los tiempos, y no creo que sea la número 2.

Desde la new wave de los 80 hasta el grunge de los 90 y el último sencillo pop, la música ha cambiado mucho a lo largo de las décadas. Sin embargo, esos cambios se han producido no sólo en términos de sonido; Las letras también han evolucionado con el paso del tiempo.

Entonces, ¿qué ha cambiado en las letras que no podemos quitarnos de la cabeza? Después de analizar 12.000 canciones de pop, rock, rap, R&B y country en inglés publicadas entre 1970 y 2020, la investigadora Eva Zangerle de la Universidad de Innsbruck y su equipo descubrieron que las letras se han vuelto más simples y repetitivas con el tiempo. Esta tendencia es especialmente evidente en el rap y el rock, pero también se aplica a otros géneros. Otra cosa que descubrió el equipo de Zangerle es que las letras tienden a tener una carga más personal y emocional ahora que hace más de 50 años.

Conoce las palabras…

«Así como la literatura puede considerarse un retrato de la sociedad, las letras también reflejan los cambios en las normas, emociones y valores de una sociedad a lo largo del tiempo», escribieron los investigadores en un estudio publicado recientemente en Scientific Reports.

Es por eso que Zangerle creó un conjunto de datos para descubrir las diferentes formas en que han cambiado las letras. Ella y sus colegas utilizaron la enciclopedia musical virtual Genius, que también proporciona información sobre el año de lanzamiento y el género. Del conjunto de datos de letras que creó, el equipo extrajo datos relacionados con la estructura, el lenguaje, la emoción y la complejidad de las canciones. Se eligieron cinco géneros (pop, rock, rap, R&B y country) porque son los géneros con más letras que fueron populares en la plataforma de transmisión last.fm.

Se realizaron dos tipos de análisis sobre la música. El primero buscó las tendencias líricas que prevalecieron en cada año de lanzamiento, mientras que el segundo profundizó en las vistas en línea de las letras, las características de las letras (como la emoción) y el año de lanzamiento. Los investigadores obtuvieron el recuento de reproducciones de last.fm y el recuento de visualizaciones de letras de Genius.

La frecuencia con la que la gente ve la letra es inesperadamente importante. A diferencia del recuento de canciones, esta estadística muestra la importancia de las letras a pesar de la popularidad (o falta de ella) de la canción o el género.

…y el significado

¿Qué nos pueden decir las letras sobre diferentes géneros y épocas? Los resultados del primer análisis mostraron que ciertas características son más importantes en todos los géneros, incluidas las líneas repetidas, los estribillos y el lenguaje emocional. Los géneros en los que la emoción era más importante eran el country y el R&B.

Las líneas repetidas aumentaron a lo largo de las décadas en todos los géneros analizados, y las letras posteriores contienen más estribillos que las anteriores. Estos aumentos son una prueba más de que las canciones se han vuelto más simples y repetitivas desde los años 70.

Las letras también fueron más personales y más enojadas en todos los géneros estudiados. Las letras personales se identificaron por la cantidad de pronombres personales, que aumentaron especialmente en el rap y el pop, mientras que el rock y el R&B experimentaron aumentos moderados y el country se mantuvo casi igual. La ira y otras emociones negativas (expresadas a través de palabras asociadas con estas emociones) también aumentaron en todos los géneros. El rap tuvo el mayor aumento aquí, especialmente en la ira, mientras que el país mostró el aumento más bajo. Las emociones positivas disminuyeron en el pop y el rock, mientras que aumentaron algo en el rap.

Al observar los resultados del segundo análisis, Zangerle notó que las vistas de las letras eran mayores para las canciones de rock más antiguas que para las más nuevas, y viceversa para el country, que tenía recuentos de vistas más bajos para las canciones más antiguas y más para las canciones nuevas. Esto significa que la popularidad de las letras country ha aumentado con el tiempo en comparación con el rock. El recuento de escuchas no tuvo relación con esto, lo que significa que el interés en el sonido de una canción no estaba relacionado con el interés en su letra.

A lo largo de las décadas, parece que la música se ha vuelto más simple, más repetitiva, más emocional (especialmente más enojada) y más personal. El estudio no investigó qué eventos y cambios sociales podrían haber influido en esta tendencia, pero los investigadores aún tenían algunas ideas sociológicas. Creen que el pop tiene que ver con las ventas de discos y con lo que está de moda de un momento a otro, mientras que la preferencia por canciones de rock más antiguas muestra que el público principal del rock es de clase media y está en contra del comercialismo. Las palabras cargadas de emociones también podrían transmitir sentimientos hacia cambios en la sociedad.

Los investigadores «creen que el papel de las letras ha sido poco estudiado y que nuestros resultados pueden usarse para estudiar y monitorear más a fondo los artefactos culturales y los cambios en la sociedad», según el estudio.

Informes científicos, 2024. DOI: 10.1038/s41598-024-55742-x

De todos los errores estéticos que ha cometido el ámbito cultural alemán en los últimos años, éste es uno de los más bellos: los músicos pop interpretan la literatura. Uno recuerda a H. P. Baxxter, el cantante de la cacofónica banda de techno Scooter, que leyó y comentó las letras de Thomas Bernhard. De Scooter quedan líneas erráticas como “¿Cuánto cuesta el pescado?” y “Respeto al hombre de la furgoneta de helados”, letras oscuras que nunca se explican.

Esta transfiguración simbólica no se puede lograr con el Toten Hosen. “Un sándwich con jamón / Un sándwich con huevo / Son dos sándwiches / Uno con jamón y otro con huevo”: así funciona la poesía según el principio “Lo que ves es lo que obtienes”. Lo que escuchas es lo que se quiere decir. Los excesos semánticos son caprichos elitistas de una clase media educada que, atrincherada detrás de los volúmenes de Suhrkamp, ​​se acerca a su insignificancia.

El hecho de que Campino, el cantante del grupo de rock punk conocido en la jerga como “Hosen”, se haya convertido ahora en profesor invitado en la Universidad Heinrich Heine de Düsseldorf sorprenderá tanto al amante de la poesía moderna como al experto en publicidad. ¡Que esta idea no surgió mucho antes en la ciudad natal de Heine! El autor de “Atta Troll” y “Winter’s Tale” también era un punk, de alguna manera. Alguien que escribió contra las circunstancias y su afirmación.

El partido del siglo

Sin embargo, no en todos los lugares donde está escrita Heine también se encuentra la poesía del siglo. En esta cátedra visitante, el nombre del poeta está pegado como una etiqueta de Gucci en un bolso falso. La poesía instantánea de Campino no tiene nada que ver con Heine, el autor que devolvió la poesía alemana a lo popular y al mismo tiempo la transformó en pura música verbal. No esta mal. Ya lo dijo el cantante en la rueda de prensa que precedió a la lectura, como si aquí se estuviera celebrando el partido del siglo entre pop y alta cultura.

Era un “amante”, dijo Campino. “Aficionados”, los grandes poetas escribieron “textos demenciales”. Desde un punto de vista hermenéutico, eso es tan productivo como la propaganda de una revista de Reclam, pero no se trataba en absoluto de interpretar la literatura. Lo que el estudiante pudo aprender fue cómo la implementación de ideas de lógica de mercado puede llegar a los rincones más profundos del sistema educativo cuando los ideales de conocimiento clásicos tienen tanto valor social como un CD «pantalones» del mercado de pulgas.

Con Campino, la universidad llenó dos salas de conferencias con 500 oyentes y la prensa viajó por todo el país. Para luego maravillarse con un letrista pop de estadio explorándose a sí mismo. Campino reflejó su propia obra en la obra de importantes poetas, a saber, Kästner, Brecht, Biermann y Brasch. Por algunas razones enterradas profundamente en la historia de la música pop, también tuvo que servir Kraftwerk, una banda que trabajó en diluir el lenguaje hasta convertirlo en lenguaje mecánico, no en condensarlo.

«Alrededor de la manzana»

La discrepancia estética entre las letras canónicas y la retórica de los “pantalones” fue tan impactante como conmovedor el entusiasmo del cantante por sus modelos a seguir. «Quiero que los poemas que tengo conmigo resuenen en los demás». Al final, corresponde a los oyentes de las generaciones más jóvenes decidir si se puede dar un impulso a la poesía que hace época interpretando canciones de “Hosen”: Campino, acompañado por el guitarrista Andreas von Holst, conocido como Kuddel, interpretó algunas de sus piezas. en el escenario.

Es dudoso que una clientela que creció con los versos del hip-hop alemán encuentre líneas como “Una vez alrededor de la cuadra / Luego se levanta el auto” (del éxito “Opel Gang”) como estéticamente estimulantes. Cuando se le preguntó qué músico debería recibir después de él la cátedra invitada de Heine, Campino al menos dijo el nombre correcto: el rapero Marteria.

De hecho, hay más espíritu heineano de contradicción incrustado en las interpretaciones rimadas de los hip-hoppers alemanes que en el punk “pantalones” con su pedante crítica cultural. No se puede tener nada en contra de la letra de una canción de Campino, todo es verdad: el amor duele, la sociedad es mala, los nazis son una mierda, y si no fuera por el fútbol, ​​la vida sería un error.

“Ya no es un punk” sino “un ciudadano”

Pero se podría tener mucho en contra de la poesía de Heine: su obra no afirmaba la situación, sino que la irritaba, la perturbaba y la dañaba en el mejor sentido de la palabra. Su CV es una historia de pasión intelectual y una prueba de cómo los alemanes rechazan con rencor a los portadores de cultura que más los necesitan. La carrera de Campino, por el contrario, es ejemplar: un brillante ejemplo de la agilidad del mercado, que ha alimentado todas las contraculturas en su ajetreo y bullicio.

El cantante lo sabe todo y él mismo afirmó que “ya no es un punk” sino “un ciudadano”. Y es por eso que esta lectura, tan poéticamente improductiva, contenía una lección importante. Con el bardo del pop rasgueando canciones y rugiendo, se podía ver que la aburguesización de las contraculturas es mucho más fácil de lograr que la domesticación del espíritu genuinamente artístico, por muy burgués que parezca exteriormente.

El impulso de las subversiones estéticas en los tiempos modernos se desplaza desde el sujeto ciudadano hacia las propias filas. Sin embargo, cualquier fuerza repugnante que llegue al centro desde los bordes se agota rápidamente. El punk es ahora una moda pasajera y un tema de los documentales de Arte sobre los años ochenta. Pero los demandados, Mann y Benn, todavía nos molestan con sus ideas. Tonio Kröger escucha la frase “Eres un ciudadano extraviado” en la novela homónima de Thomas Mann. Andreas Joachim Wolfgang Konrad Frege, alias Campino, no es un ciudadano perdido, sino un ciudadano consolidado. Otra mascota de la empresa.

Nos grita fuerte y estridentemente: “¡Agamenón!” es lo primero que grita la orquesta, todavía sin decir palabra. “¡Agamenón!”, grita un poco más tarde con extrema excitación la heroína del título con el mismo motivo sonoro, evocando el nombre de su padre muerto. Al mismo tiempo, algo tercero llama a esta velada inusual en el Festspielhaus Baden-Baden: es el escenario mismo, también es un solo grito: el nombre del rey asesinado de Micenas aparece en el fondo como si letras de un metro de altura y llena imperiosamente todo el escenario del escenario.

Philipp Stölzl, conocido entre otras cosas por su opulenta adaptación cinematográfica de “El Medicus”, y su codirector Philipp M. Krenn han ideado algo especial para esta nueva producción de “Elektra” de Richard Strauss en el Baden-Württemberg. Fiesta de Pascua de Baden: en este poderoso drama antiguo se vive una especie de palabra musical visual o, adaptando el título de un famoso libro de Nietzsche, el nacimiento de la tragedia a partir del espíritu del texto.

Escuche mientras lee, lea mientras escucha

No son sólo nombres y señales lo que parpadean en la escenografía, que Stölzl y Franziska Harm han reducido a unos pocos escalones arcaicos del templo. Más bien, aquí se presenta el texto completo de la ópera y se coloca en escena en igual medida. A veces las letras suenan por los escalones como antes en un teleimpresor, a veces las palabras se distribuyen alternativamente a izquierda y derecha en diferentes niveles. Y cuando las cosas se ponen particularmente dramáticas, el escenario pronto se asemeja a una nube de palabras de Internet en la que los términos clave se agrupan siniestramente.

No se canta un texto cualquiera, sino un drama del joven Hugo von Hofmannsthal, al que Richard Strauss puso música en consulta con el poeta. La cooperación que comenzó con “Elektra” dará lugar a una asociación artística legendaria que ha producido media docena de éxitos mundiales, desde “Rosenkavalier” hasta la fallecida “Arabella” y ha redefinido la interacción entre música y libreto en la ópera.

Stölzl y Krenn nos dejaron leer ahora en Baden-Baden, con la proyección casi sincronizada con los labios del texto cantado, cómo exactamente había reaccionado el psicólogo compositor Strauss ante el drama preexistente de Hofmannsthal, plagado de teorías freudianas. Normalmente, ese es exactamente el problema con «Elektra», porque la partitura más radical de Strauss requiere una de las orquestas de ópera más grandes de la historia de la música con 111 músicos; Por lo tanto, a menudo no es posible entender mucho sobre el rico significado del texto. Aquí, sin embargo, es literalmente difícil escapar del texto, ya que las palabras siguen apareciendo a la vista.

Sin duda, esto ayuda a comprender el complejo trabajo. Pero también crea problemas estéticos. Porque las más de mil proyecciones que fluyen unas sobre otras como un torrente de conciencia limitan gravemente el alcance real de los personajes en escena. A veces los protagonistas desaparecen literalmente detrás de un montón de letras.

Puede ser que Stölzl y Krenn quieran abordar la dicotomía central de Hofmannsthal entre hablar y actuar, entre imaginar un acto y llevarlo a cabo. De hecho, Elektra no canta nada más que su deseo de venganza por el asesinato de su padre Agamenón. Pero se rompe debido a la venganza finalmente llevada a cabo por Orestes. El concepto visual todavía tiene dificultades para combinarse con la estética operística naturalista de Strauss, que se centra en gran medida en los personajes que actúan. Porque no confía lo suficiente en la presencia teatral de cantantes siempre de primera.

Utopía de la felicidad familiar

En el caso de Nina Stemme en particular, cae como un velo sobre su extravagante interpretación. Elektra es desde hace años uno de los papeles estrella de esta especialista tan dramática. Stemme sigue afrontando la parte difícil, aparte de algunos signos audibles de desgaste en las alturas extremas, con una confianza que recuerda a grandes precursoras como Birgit Nilsson y Astrid Varnay. Pero, sobre todo, encarna el conflicto neurótico de Elektra de una manera tan multifacética e intensa que uno hubiera deseado que tuviera más oportunidades de desarrollo escénico.

Al menos esto también se aplica a la brillante y joven Elza van den Heever en el papel de la hermana Crisótemis, cuya apasionada defensa del “destino de la mujer” al director le resulta poco útil. Y más aún para la magnífica cantante y actriz Michaela Schuster en el papel de la madre Clitemnestra, que una vez cometió el asesinato de Agamenón con su ridículo amante Ägisth (Wolfgang Ablinger-Sperrhacke). Antes de que su encuentro con Elektra se convierta en un odio abierto, madre e hija se reúnen aquí por un breve momento: sin decir una palabra, Schuster coloca su cabeza en el regazo de Stemme, como si estuviera cuestionando, y este indicio íntimo de felicidad familiar utópica tiene un efecto escénico más fuerte. que cualquier proyección de texto.

El concepto de dirección se ve finalmente socavado por una fuente inesperada: la Filarmónica de Berlín. Bajo la dirección de Kirill Petrenko, parecen querer demostrar que la música puede llevar a los cantantes en lugar de aplastarlos; y que el texto puede entenderse casi palabra por palabra sin asistencia escénica, especialmente si diseñas la dinámica de forma tan sutil y diferenciada como Petrenko. La pieza quizás suene tan rica, tan punzantemente moderna, pero también tan sensual en manos de las mejores orquestas como la Filarmónica de Berlín o Viena, que logró una interpretación igualmente sutil con Franz Welser-Möst en el Festival de Salzburgo de 2021.

Los berlineses regresarán dentro de dos años a Salzburgo y luego reanudarán allí su residencia orquestal en el Festival de Pascua, que finalizó en 2012. Petrenko y sus músicos se despedirán el año que viene de Baden-Baden con “Madama Butterfly” de Puccini y la novena sinfonía de Beethoven.

Taylor Swift: The Eras Tour (versión de Taylor) Llegó a Disney+ el 14 de marzo, brindando finalmente a los fanáticos la oportunidad de verlo todo desde la comodidad de sus salas de estar. La película del concierto, que narra a una mujer que intenta desesperadamente mantener el control de su flequillo durante tres horas y media, lo tiene todo: un cisne que se zambulle en el escenario, bicicletas, palos de golf y, por supuesto, nueve eras de coreografía. planeado por Mandy Moore que no estaba en Un paseo para recordar. Pero a pesar de todos los nuevos y emocionantes movimientos, ya sean brujos (“willow”) o sexys (“Vigilante Shit”), también está el trabajo de muñeca característico de Swift que los fanáticos esperan.

Otro clásico que realmente se destaca al ver esta nueva película del concierto es la inclinación de Swift por imitar o representar sus letras mientras las canta. Por ejemplo, si Swift canta la palabra «tú», lo más probable es que esté señalando a la audiencia. Si hay alguna referencia al tiempo, seguramente está dando golpecitos al reloj invisible en su muñeca. Para Taylor Swift, un concierto es un gran juego de charadas y ella siempre sale ganando. De hecho, hace esto con tanta frecuencia que si vieras el concierto en silencio (lo cual no es recomendable), probablemente aún entenderías la esencia de lo que está cantando.

Los gestos amplios y literales tienen sentido dada la teatralidad de la producción, que está destinada a presentarse en la última fila de los estadios. Pero con el equipo de cámara de la película capturando esos amplios movimientos de cerca, podemos disfrutar de todos y cada uno de los gestos, lo que sería un excelente juego de beber si así lo deseas. Aquí hay solo una pequeña muestra de las veces que Taylor Swift interpretó sus letras mientras las cantaba durante La gira de las eras película de concierto.

Hacer gestos al tirar los dados es un juego peligroso, y Swift, sabiamente, no se demora y, en cambio, lanza los dados lo más rápido posible.

También lloro cuando tengo que salir del bar.

¡El melodrama!

Es el gesto titular, así que, por supuesto, Swift nos dará su mejor Katniss Everdeen. Después de todo, ella nos dio “Sano y salvo”.

Imitar a un capitán de porristas es mucho más fácil que imitar estar en las gradas. A menos que Jack Antonoff esté allí, entonces ella puede señalarlo.

Este es uno de sus movimientos favoritos. Si Taylor Swift canta sobre mirar, ¡esa mujer estará mirando!

¡Rugido del motor!

Responder a una propuesta (según la canción) con el pulgar hacia arriba es sinceramente una locura. Se estaba tomando algunas libertades creativas con este.

No lleva tanto tiempo fichar a «Marjorie».

Esta podría estar haciendo trampa ya que tiene un accesorio, por lo que técnicamente no es una imitación.

Esto plantea la pregunta: ¿y si todas sus metáforas líricas fueran literales?

Un clásico absoluto. Cada vez que aparece un teléfono en una de sus canciones, ella saca el pulgar y el meñique.

Todo el concierto comenzó con una cuenta regresiva en un reloj gigante, por lo que, naturalmente, mira su reloj imaginario cuando menciona «tiempo».

Duh.

Oh, otra revisión de reloj tan pronto…

¿En realidad? ¿Este reloj imaginario también cuenta los meses?

No solo tira las llaves del auto, sino que incluso hace un gesto para indicar que el llavero termina en el suelo.

Cuando llega el momento de controlar su pulso, afortunadamente va por el cuello, dándole a sus muñecas un merecido descanso del foco de atención.

¿Taylor Swift tomó una clase de improvisación sobre trabajo con objetos en la UCB?

No te equivoques, “loco” no significa enojado, significa loco. Y lo sabemos porque ella hace este movimiento durante lo que parece la mayor parte de la canción.

Ella clava la lágrima aquí, pero no veo suficiente rebote…

¿Cómo podría no hacerlo?

No se deslizó, sino que paseó, para citar a las verdaderas amas de casa del Potomac.

Hay muchos apuñalamientos fingidos en este programa, ¿eh?

Había tantas direcciones que podría haber tomado cuando se le asignó la tarea de representar la idea de un “congresista”, pero aquí optó por un saludo diplomático y una ronda de apretones de manos.

Extrañaba su vocación de estrella del cine mudo. Y hablando de estrellas de cine, nunca olvides que la nuera a la que se hace referencia aquí fue interpretada por Mary Elizabeth Ellis en el vídeo musical.

Este movimiento también funcionará si quiere escribir una canción sobre cómo limpiarse los mocos en los ojos después de despertarse.

Ella tenía este movimiento listo gracias a la gatos película.

La emisora ​​pública de Israel ha revertido su postura anterior y solicitará una modificación de la letra de una canción que se está considerando para la competición de Eurovisión de este año.

Eurovisión prohibió la canción la semana pasada por violar las reglas sobre neutralidad política en las letras de las canciones. Entrada de Israel del artista Eden Golan, lluvia de octubrecontiene referencias al ataque de Hamás del 7 de octubre contra Israel.

La emisora ​​israelí Kan, que determinará qué canción entrará en Eurovisión en el país, prometió la semana pasada que no solicitaría ninguna modificación de la letra. Pero el presidente de Israel, Isaac Herzog, pidió hoy «ajustes necesarios» para garantizar que Israel pueda entrar en el espectáculo.

Kan también está considerando una canción llamada Baila para siempre.

Los mensajes políticos han llevado a que se prohíban canciones en el pasado, como la entrada de Georgia en 2009.

Israel ha ganado cuatro veces el Festival de la Canción de Eurovisión. El evento de este año se llevará a cabo en Suecia en mayo.

Kan emitió un comunicado el domingo diciendo que había pedido a los letristas de ambas canciones bajo consideración que «readaptaran los textos, preservando al mismo tiempo su libertad artística».

El presidente Herzog, dijo Kan, “enfatizó que es precisamente en un momento en que quienes nos odian buscan reprimir y boicotear al Estado de Israel”, y que el país “debe alzar su voz” en los foros internacionales.

El próximo domingo se confirmará la determinación sobre qué canción presentará Israel.

La letra original de lluvia de octubre – escritos en inglés – fueron publicados en el sitio web de Kan el mes pasado.

Incluyen las líneas “Todos eran buenos niños, cada uno de ellos” y “¿Quién les dijo que los niños no lloren/ Horas y horas/ Y flores/ La vida no es un juego para cobardes”.

La referencia a las flores a menudo denota muertes en la guerra, señalaron los medios israelíes.

Los artistas han pedido que Israel sea excluido de Eurovisión este año por su trato a Gaza. Entre ellos se incluyen artistas de Islandia, Finlandia, Noruega, Dinamarca y Suecia, y varios señalaron que Rusia ha sido descalificada desde su invasión a gran escala de Ucrania hace dos años.

Los organizadores de Eurovisión dicen que las situaciones en Ucrania y Gaza son diferentes.

Como dijo Hannah Horvath en el Chicas piloto, ella es la voz de su generación… o al menos una voz de a generación. Y ChicasEl continuo lugar que ocupa en el espíritu de la época ha demostrado que eso es cierto. Durante una entrevista reciente con Variedad sobre su nueva película TesoroLena Dunham habló sobre ese resurgimiento, gritando los muchos memes que aún se comparten en línea todos estos años después.

Un sello distintivo de esos memes, por supuesto, es cada vez que cantaba Marnie Michaels (Allison Williams). “Me encanta que Allison dijera constantemente cuando estábamos filmando Chicas, ‘Dios mío, ¿de verdad me vas a hacer cantar esto? Esto es muy vergonzoso.’ Y yo decía: ‘No será gran cosa’. Y esas son las cosas que se convertirán en memes durante los próximos 20 años. Así que lo siento, Allison”, dijo Dunham sobre la longevidad de esos momentos. Y hablando de una de las interpretaciones más famosas de Marnie, la de la canción “Stronger” de Kanye West, Dunham reveló: “Le daré crédito por algunos de los cambios en la letra. Estamos muy agradecidos con Allison”. El ajuste lírico más notable fue el famoso cambio de Marnie: «Puedes ser mi Kate Moss negra esta noche» por «Puedes ser mi Kate Moss blanca esta noche». Simplemente todos tenemos que inclinarnos ante la presencia de la grandeza.