Casi 40 años después de que Wim Wenders ganara la Palma de Oro en Cannes por París, Texassu enigmático final sigue generando debate en los círculos cinéfilos.

Hablando sobre su carrera en una clase magistral del Festival de Cine Lumière durante el fin de semana, el director alemán mantuvo su decisión de que el solitario personaje de Harry Dean Stanton, Travis, se fuera de noche, dejando atrás a su ex esposa y a su hijo pequeño.

“Estaba muy, muy convencido de que el final de París, Texas era correcto. Para mí, fue un acto heroico por parte de Travis dejar a madre e hijo juntos”, dijo Wenders.

«Él sabía que había hecho tanto daño que nunca lograrían sobrevivir como familia, mientras que el hijo y la madre tenían muchas posibilidades de hacer una vida juntos si él se iba».

Wenders reveló que recibió críticas en torno a la escena final, incluso por parte de la distribuidora estadounidense 20th Century Fox, que adquirió la película después de su victoria en Cannes.

“Recibí una llamada”, relató. “Querían proponer sólo una cosa: ‘No queremos cambiar nada, pero nos gustaría añadir una toma al final donde vemos a Travis llorando en su coche. Ni siquiera necesitamos a los actores, sólo un coche. Nos gustaría agregar una toma en la que veamos al auto dar una vuelta en U… estamos seguros de que la película tendrá mucho más éxito’”.

“Ya había tenido esta batalla con Harry, quien absolutamente quería que su personaje cambiara y lo había convencido de que era mejor así. Incluso en Cannes, se volvió hacia mí y me dijo: ‘Verás, debería haberme dado la vuelta’. Les expliqué que de ninguna manera iba a agregar la toma incluso si eso significaba que la película no saldría. Me dejaron en paz, pero a partir de ahí no se esforzaron mucho en su distribución”.

Rodada discretamente en el transcurso de sólo cinco semanas entre Fort Stockton y Marathon, en el oeste de Texas, a partir de un guión de Sam Shephard y con un equipo formado por su fiel director de fotografía Robby Müller y Claire Denis como asistente de dirección, la película llegó a Cannes con poco fanfarria allá por 1984.

«Estaba bastante nervioso porque sólo había enviado una copia de trabajo», recuerda Wenders. “Se llevaron la película sin ver la versión final. La mañana de la primera proyección para la prensa había venido desde el laboratorio de París, donde habíamos hecho los subtítulos en el último minuto”.

“Llegué a la estación con la primera y única copia subtitulada. Había siete carretes y la película era bastante pesada. En aquella época no había asistentes ni nada parecido y yo mismo entregué la copia a la proyección para la prensa y luego salí a dar un largo paseo”.

El éxito de la victoria en Cannes marcó un momento fundamental para Wenders después de casi una década de vivir en los EE. UU. y del desafortunado rodaje de una película de misterio neo-noir. Hammett para Francis Ford Coppola bajo su marca Zoetrope Studios y Orion Pictures, que el director terminó filmando dos veces después de ser rechazado por alejarse demasiado del guión original.

“Esa fue una etapa esencial en mi vida, no sólo por las dificultades que viví con Hammett”, dijo Wenders sobre su estancia en Estados Unidos.

Una gran lección fue darse cuenta de que necesitaba trabajar de forma independiente.

“Puedes tener mucho dinero pero si no lo controlas, no significa nada. Me juré a mí mismo que a partir de entonces sólo quería hacer películas, aunque eso significara trabajar con presupuestos pequeños, donde pudiera ver la relación entre el dinero y la historia”, dijo.

“Por supuesto, eso significa que hay limitaciones, pero al menos sabes cuál es tu situación. He producido todas mis películas desde entonces y esa es una condición de mi cine… Estoy agradecido a Orion y Francis porque si no hubiera aprendido esa lección, no sé si me habría convertido en el director que hizo.»

La otra lección fue comprender que su lugar estaba en Europa, haciendo cine europeo.

“Nunca iba a convertirme en estadounidense, ni en director estadounidense, ni en hacer películas estadounidenses. En el fondo, yo era un alemán romántico”, dijo.

“París, Texas me permitió volver. Finalmente pude hacer la película, quería hacerla pero no había podido hacerla con Hammetto Aligeramiento sobre el aguao incluso El estado de las cosas… era mi película, bajo mis reglas, con mi producción y un presupuesto muy pequeño, con las mejores personas del mundo como Robby Müller, Sam Shepherd y Ry Cooder… Pude regresar con la cabeza en alto”.

Wenders, que este año está en la carrera por los Oscar con su drama ambientado en Tokio Días perfectos (que es el Mejor Largometraje Internacional de Japón) estuvo en el Festival de Cine Lumière de Thierry Frémaux en Lyon este año para recibir su Premio Lumière, siguiendo los pasos de artistas como Clint Eastwood, Coppola, Martin Scorsese, Jane Fonda y Tim Burton.

A la clase magistral le siguió una animada ceremonia de entrega de premios el viernes por la tarde, a la que asistieron más de 3.000 personas en el centro de conferencias de Lyon, entre ellos directores como Alfonso Cuarón, Gaspar Noé y Michel Hazanavicius y Jean-Jacques Annaud.

Jean-Jacques Annaud ha trabajado con una impresionante lista de actores a lo largo de sus 60 años de carrera, incluidos grandes nombres como Sean Connery, Tony Leung y Brad Pitt, así como Christian Slater y Jane Marsh, quienes eran talentos emergentes cuando los eligió. El nombre de la rosa y El Amante respectivamente.

En una clase magistral en el Festival de Cine Lumière de Lyon el domingo, el director francés reveló que el proceso de casting le parecía una de las etapas más agotadoras de la realización de una película.

“Nunca escribo pensando en un actor porque un personaje suele evolucionar, alguien que empieza con 60 años, puede terminar trabajando mejor con 35… No quiero quedar atrapado. Espero hasta que mis ideas estén claras”, dijo Annaud.

El director, cuya variada filmografía también abarca la película ganadora del Oscar ambientada en África en 1976. Blanco y negro en color, El Oso, enemigo en la puerta, Tótem del lobo y más recientemente Notre Dame en llamas – dijo que su proceso de casting solía ser largo.

«Los únicos días en los que llego a casa agotado son los días de casting», dijo el director, que se enorgullece de no dejar nunca decaer su entusiasmo.

«¿Por qué? A menudo me doy cuenta de que no va a funcionar tan pronto como se abre la puerta. Lo siento. Pero también sé que el actor que tengo delante podría trabajar en otros proyectos en el futuro, así que hago un gran esfuerzo para tener una idea de quiénes son. Nunca les pregunto qué han hecho, me interesa más lo que pasa entre nosotros”.

“A veces veo entre 30 y 40 personas al día, como un médico. Muchas veces me cuentan historias tan personales que acaban llorando. Esto me ayuda a entender quiénes son, pero al mismo tiempo también me molesta lo que he oído”.

Annaud sugirió que, si bien en general era fácil trabajar con los técnicos en el set, los actores debían ser tratados con más cuidado.

“Los actores suelen tener miedo, sobre todo cuando son muy famosos. Actuar es una profesión de fragilidad. Nosotros [the directors] «Son como toros, atacando para hacer nuestras películas, mientras tienen esta fragilidad humana que debemos iluminar y proteger», dijo.

“Cuando te encuentras con Sean Connery y Christian Slater, en su primer gran papel, y el pequeño Christian tiene sólo 15 años y está lleno de admiración por Sean Connery, quien a su vez ve el peligro en este niño, ¿cómo manejas eso? Eso me emociona, y aunque todo lo demás está preparado de antemano, eso es lo más delicado del set”.

Annaud dijo que adoptó diferentes enfoques para preparar a sus actores, según la producción y el papel. Para Marsh, la novata en la pantalla grande, tenía escrito en su contrato que no se le permitía tomar lecciones de actuación antes de llegar al set.

«No quería que ella escuchara a un profesor que no tenía idea de lo que yo quería hacer, así que ella llegaría al set no como la persona que yo había elegido, sino como alguien entrenado por un desconocido», explicó.

Annaud habló antes de una proyección con capacidad para 5.000 personas de una copia restaurada en 4K de una película de 1986. El nombre de la rosa como película de clausura del Festival de Cine Lumière, que se ha desarrollado durante los últimos nueve días con Wim Wenders como principal invitado de honor y otros cineastas presentes, incluidos Wes Anderson, Alfonso Cuaròn y Alexander Payne.

El director reveló que fue en esta película donde tuvo su peor experiencia con un actor, citando el comportamiento de F. Murray Abraham, quien había ganado el Oscar al Mejor Actor el año anterior por Amadeo.

“Todo el mundo me advirtió que Sean Connery era un personaje imposible y extremadamente difícil. Era un sueño absoluto y me llevaba fantásticamente con él”, relató. “Mi único mal recuerdo de un actor a lo largo de toda mi carrera, y creo que he dirigido a miles de actores, es F. Murray Abraham, quien interpretó al inquisidor.

“Él fue terrible, no tanto conmigo, sino más bien con Sean. Él decía: «Tengo el Oscar y él es un viejo idiota». Ambos llegaban tarde porque Sean no quería esperar a F. Murray, y F. Murray no quería esperar a Sean… era como el patio de la escuela”.

Annaud reveló que a Connery no le agradaba tanto Abraham que organizó una petición pidiendo que expulsaran al actor del SAG.

Las cosas llegaron a un punto crítico para Annaud cuando Abraham llegó tarde a su último día de rodaje programado y, en cambio, había ido de compras.

“Lo llamamos para recordarle sus obligaciones contractuales, pero se negó a venir. Se suponía que debía estar allí a las 7 de la mañana y apareció al mediodía”, dijo Annaud.

“Vino a buscarme y le dije: ‘No hay problema, hemos trasladado el último día de rodaje al final del rodaje. La gente de allí son abogados y alguaciles, estás incumpliendo tu contrato. Te quedarás aquí y pagarás los gastos de tu propio bolsillo”. Me miró y dijo: ‘Touché’. Se quedó corriendo con los gastos y filmamos su escena final el último día”.

Wim Wenders y Thierry Frémaux expresaron su apoyo el sábado a la huelga de actores de Hollywood cuando la huelga llega a su día 100.

«Entiendo a los actores que quieren ganar un poco más… en lugar de que haya sólo una docena de grandes nombres que tienen salarios altos… mientras que todos los demás ganan nada o muy poco», dijo Wenders en una conferencia de prensa en el Festival de Cine Lumière.

El director alemán es el invitado de honor de la 15ª edición del festival, encabezado por el Delegado General de Cannes, Frémaux, en su papel de director del Instituto Lumière de Lyon, preservando el legado de los pioneros del cine Auguste y Louis Lumière.

Frémaux secundó las palabras de Wenders.

«La dimensión universal de esta huelga quizás esté un poco subestimada… Francia, que tiene fama de luchar y de luchar, también puede mirar con admiración lo que sucede en Hollywood como algo que nos afecta a todos», afirmó.

Wenders vivió en Estados Unidos durante poco más de una década, desde mediados de los años 1970 en adelante, y realizó películas como Hammettparte de Tel estado de las cosas y su película revelación de la Palma de Oro de Cannes de 1984 París, Texas.

El director explicó sus ideas sobre las medidas tomadas por los estudios estadounidenses para reducir el riesgo confiando en secuelas y franquicias derivadas, así como los costos a través de desarrollos tecnológicos como la inteligencia artificial.

«Esta creencia en los grandes estudios de que podemos reducir el riesgo reutilizando ideas que ya funcionaron… es una completa ‘mierda… vacía el enorme potencial creativo que existe en Hollywood», dijo.

“Si me doy cuenta de que una película tiene como realidad otra película, la dejo porque estoy perdiendo el tiempo. Creo que una película tiene que encontrar su propia historia y no una historia ya contada por otra persona porque funcionó”, continuó.

«Hay grandes guionistas que están muy, muy frustrados porque las oportunidades de llevar un guión original a un gran estudio son muy limitadas… el director se ha convertido en una persona que ejecuta un plan que ya ha sido puesto en marcha».

Refiriéndose a su película de 1982. Habitación 666en el que entrevistó en la misma habitación de un hotel de Cannes a 15 directores de renombre internacional sobre el futuro del cine, Wenders recordó un comentario de Jean-Luc Godard.

«Desarrolló la teoría de que los estudios estadounidenses iban a hacer cada vez menos películas y que al final todos harían una sola película juntos, una película que todos irían a ver», dijo Wenders. “Ese sería el final de un desarrollo que ya estaba viendo en el que las películas se estaban repitiendo… Ahora estamos en Rápido y furioso 12.“

Wenders habló sobre sus propias ideas contemporáneas sobre el desarrollo.

«Mata la imaginación… cuando las películas están formuladas así, mata la idea de un cine que habla de algo en lugar de repetir lo que otra película ya ha dicho», añadió.

Refiriéndose al auge de la inteligencia artificial, Wenders dijo que su uso en el desarrollo de guiones acabaría con la profesión de guionista, mientras que los avatares también tendrían implicaciones para los actores.

Wenders también aludió a las críticas de James Cameron a la medida de reducción de costos de los estudios hacia las conversiones de posproducción en 3D, que sacaron el proceso de realización cinematográfica en 3D de las manos del director.

“Dice que es una tontería. Te da dolor de cabeza cuando ves esas películas… y que es mejor hacer estas películas con dos ojos, que es más humano… así aprendí a rodar en 3D [on Pina] con Alain Derobe, un gran maestro europeo que construyó la primera cámara 3D en Europa”.

La celebración de Wenders por parte de Lumière incluyó una grandiosa ceremonia de entrega de premios el viernes por la noche a la que asistieron más de 3.000 personas; Proyecciones retrospectivas y avances de sus nuevas películas. Anselmo y dias perfectos; exposiciones fotográficas y una carta blanca para la que el director eligió la película de Barbara Loden WandaClaire Denis Beau Travail y el de Gaspar Noé Dentro del vacío.

Wenders también abordó cuestiones más cercanas a casa en la conferencia de prensa del sábado, y sus temores sobre el creciente nacionalismo en Europa y la amenaza que esto representa para la unidad europea y la paz que ha traído consigo.

El director, que nació pocos meses después de la rendición de la Alemania nazi en mayo de 1945 en la Segunda Guerra Mundial y es hijo de la reconstrucción de su país, ha sido durante mucho tiempo un defensor de una Europa unida.

Recordó las escenas iniciales de su película de 1994. historia de lisboa en el que el protagonista conduce a través de Alemania, Francia, España y Portugal en una celebración de los primeros días de los viajes sin fronteras en Europa, un viaje que él mismo realizó como parte de la preproducción.

“En ese momento toda Europa estaba un poco emocionada porque las fronteras estaban cada vez más abiertas. Estábamos progresando”, dijo. “Hoy, 30 años después, ya no hay progreso, estamos retrocediendo”.

Wenders sugirió que el bloque de la Unión Europea –que reúne a 448,4 millones de personas en 27 estados miembros– había perdido de vista su razón de ser original.

«La idea de Europa es cada vez más reducida», afirmó. «Se trata cada vez más de ideas burocráticas de carácter financiero y económico; la idea de una Europa de los corazones aún no se ha realizado».

«Para muchas personas, Europa se ha convertido en un enemigo… en muchos países, parte de la población piensa que Europa es algo contra lo que hay que luchar», continuó.

El director destacó un punto positivo en el resultado de las elecciones generales de Polonia del pasado fin de semana, en las que el partido de derecha Ley y Justicia (PiS) fue derrocado del poder por los partidos de la oposición, encabezados por el partido centrista proeuropeo de Donald Tusk, la Coalición Cívica, con un 30,7%. .

“No podía creer lo que veía cuando me levanté por la mañana. Habían ganado el grupo proeuropeo. Fue el final de la pesadilla. Tengo muchos amigos polacos que estaban desesperados por vivir en un país gobernado por reaccionarios”, dijo. “Las creencias nacionalistas han provocado cientos de guerras en Europa y quién sabe cuántas guerras entre Alemania y Francia”.

El director insinuó que estaba pensando en un proyecto futuro imbuido del ambiente actual en Europa en una línea similar a Historia de Lisboa allá por 1994, pero no quiso dar más detalles.

“Anselmo habla un poco sobre ello y qué pasa si olvidamos la historia. Mi próxima película ciertamente hará este esfuerzo, pero no quiero hablar de eso porque soy supersticioso… En alemán tenemos un dicho: ‘No cuentes tus pollos antes de que nazcan’”.

La actriz Charlotte Gainsbourg realizó una emotiva presentación de su documental jane por charlottecapturando su compleja relación con su difunta madre Jane Birkin, antes de su proyección en el Festival de Cine Lumière el sábado.

El documental se proyecta como parte de un homenaje a la icónica actriz y cantante franco-británica Birkin, quien murió el 16 de julio a la edad de 76 años.

Impulsada por el deseo de Gainsbourg de acercarse a su madre en medio de la sensación de que el tiempo se acababa, la película sigue a Birkin en una gira por Japón, en su querida casa bretona y también en una visita a la mansión intacta de París que una vez compartió con Serge Gainsbourg.

“Aún no me he atrevido a asumir lo que esta película significará para mí en el futuro. La extraño tanto que todavía no estoy formulando nada”, dijo Gainsbourg visiblemente conmovido en un cine abarrotado en Lyon.

“Pero sé que tuve una suerte increíble durante los años que estuve haciendo la película. Hubo un comienzo bastante complicado, se podría decir fallido, en Japón… luego una pausa de uno, dos años, para luego comenzar de nuevo en 2018 hasta el otoño de 2019… con reuniones en todos los lugares en los que se me ocurrió ponerla en el camino. pantalla.»

“Todas estas preguntas que iba a hacer, ansiosa por escuchar sus respuestas, sus reacciones. Fue un placer enorme para los dos conocernos, cada vez más cerca, su generosidad iba creciendo a medida que hablaba de todo”.

Gainsbourg se interrumpió en cierto momento cuando el director del Institut Lumière, Thierry Frémaux, le dio un abrazo consolador en el escenario, antes de que ella pronunciara el resto de la introducción de espaldas al público.

“Teníamos este paréntesis suspendido, los dos, que hoy es tan valioso para mí. Recuerdo el montaje, en el que pude pasar todas estas horas mirándola, aislada, delante de su rostro, de su voz, donde entendí cómo los directores nunca sueltan a sus actores cuando los aman”, añadió.

“No sé muy bien cómo presentar esta película. Hice muchas presentaciones cuando ella aún estaba viva, a veces a mi lado. Tenía mucho miedo durante el rodaje de que llegara este día, en cada etapa, tenía miedo de que sucediera, y ahora así ha sido. Ya no tengo miedo por ella, eso se acabó, pero la extraño, así que aprovéchala al máximo”.

El Festival Lumière, donde Gainsbourg estará acompañada el domingo por su hermana Lou Doillon, también proyectará la película de Jacques Doillon de 1987 ¡Comedia! y el primer drama familiar de Birkin como director Cajas.

Este último drama biográfico, que se estrenó mundialmente en Cannes Un Cierta Mirada en 2007, está protagonizado por Birkin como una mujer que repasa su vida (con tres matrimonios fallidos y una hija de cada una de las relaciones fallidas) mientras examina cajas de efectos personales.

Frémaux también rindió homenaje a Birkin, que era un visitante habitual de Lyon, la ciudad natal del instituto, y un invitado al festival.

“Era una persona multidisciplinaria, desde Jane, la joven actriz de la película de Jacques Deray. La piscina, a la cantante y a la increíble intérprete en el escenario que era”, dijo. “Perdimos a alguien a quien amábamos mucho. Ella vino mucho a Lyon… Creo que actuó en todas las salas de conciertos de la ciudad”.

Señaló que Birkin había sido amigo del difunto presidente y cofundador del Institut Lumière, el director Bertrand Tavernier.

“Ella apareció en su película. Papi nostalgia (también conocido como Estas Cosas Tontas), una película que merece la pena volver a ver. También llegó a cantar para Martin Scorsese, cuando este recibió el Premio Lumière. [in 2015],» él dijo.

“Ahora se ha ido para gran tristeza de todos”, dijo Frémaux. “Es allí donde vemos cómo estos grandes artistas se cuelan en nuestras vidas y cuando ya no están, hay una tristeza colectiva”.

El especialista sueco en películas de nicho Klubb Super 8 y su empresa hermana, la plataforma de transmisión global Cultpix, han lanzado una iniciativa de restauración para «preservar la diversa herencia cinematográfica que ha dado forma al cine sueco en todos los géneros».

El cine sueco y los esfuerzos de restauración en el país son el foco de atención en el Mercado Internacional de Cine Clásico (MIFC) del Festival Lumière de este año.

En colaboración con importantes instituciones internacionales, Klubb Super 8 ha llevado a cabo extensos trabajos de restauración en una variedad de películas bajo sus derechos.

Está trabajando con el Instituto Británico de Cine (BFI) en el venerado clásico “Champagne Rose is Dead” (1970) y el Instituto Sueco de Cine (SFI) en tesoros cinematográficos como “Anita – Swedish Nymphet” (1973), protagonizada por Christina Lindberg. y Stellan Skarsgård; “El Vicario Lujurioso” (1970); “El lenguaje del amor” (1969) y “Terror en el sol de medianoche” (1959).

El SFI también presta una ayuda esencial al Klubb Super 8 en la restauración de tres películas del famoso actor y director sueco Per Oscarsson, entre ellas la experimental «Ebon Lundin» (1973), la versión de Calvin Floyd del clásico gótico de Mary Shelley «Victor Frankenstein». (1977) y el thriller proto-Giallo de Arne Mattsson de 1962, “The Doll” (“Vaxdockan”).

También desempeña un papel crucial el American Genre Film Archive, que se ha asociado con Klubb Super 8 para revivir el drama erótico de 1972 de Joe Sarno, “Young Playthings”.

El año que viene, el SFI y el Klubb Super 8 estrenarán “Farlig frihet”, de Arne Ragneborn (1954), una película sobre delincuencia juvenil de uno de los directores más prometedores de Suecia, aplastado por el sistema de censura del país.

Rickard Gramfors, cofundador y director general del Klubb Super 8, destaca la importancia de restaurar películas más allá del ámbito de las obras de directores prestigiosos como Ingmar Bergman.

“Si bien el legado de Bergman es innegablemente significativo, es crucial reconocer y preservar la herencia cinematográfica diversa que ha dado forma al cine sueco en todos los géneros. Nuestra colaboración con instituciones estimadas subraya este compromiso con un esfuerzo de restauración cinematográfica inclusivo”.

En el Festival Lumière, Gramfors fue panelista destacado en el MIFC. Al participar en la mesa redonda del evento, se unió a otros expertos de la industria, Danial Brännström, director de acceso, derechos y distribución del SFI; Agneta Perman, directora de adquisiciones de SVT International; y la historiadora de cine, archivera y restauradora Camille Blot-Wellens para una inmersión profunda en los problemas actuales del cine patrimonial en Suecia.

Destacando la dedicación del Klubb Super 8 a la restauración cinematográfica y su “compromiso de preservar el rico tapiz del patrimonio cinematográfico sueco”, Gramfors dijo: “El Mercado de Cine Clásico del Festival de Cine Lumière ofrece una plataforma adecuada para celebrar estos notables logros y subrayar la importancia de una diversidad legado cinematográfico”.