«Por eso mi marido ya casi no sale. Hay que ir mar adentro», dice Florencia Hernández, de 81 años, abuela de Otsoa y Ramón, conocido localmente como Pola. En una silla de ruedas rodeada de recuerdos –retratos en blanco y negro, anzuelos de plomo, el hilo de pescar que sostiene en sus manos– es el testigo más longevo de la transformación que ha experimentado su tierra. Aprendió el oficio de pesca en su juventud.

«Mi padre me enseñó. Como mi abuelo, él era pescador. Tenía un barquito de madera y me llevó cuando yo era niño», dice Hernández mientras muestra un álbum de fotos. «Después pesqué con mi hermano Salvador. Yo era quien agarraba el motor. Salíamos de noche. Cuando me casé, acompañaba a mi marido. Me levantaba muy temprano en la mañana, dejaba la ropa lavada. y preparado para cuando regresáramos del trabajo del día, en poco tiempo llenaríamos cestas con pescado que venderíamos por la tarde», dice.

Hernández y su esposo criaron a sus hijos con lo que ganaban en el mar. «El mar que me lo ha dado todo y ahora me lo quita todo», dice con la voz entrecortada. En Las Barrancas viven cada día con el temor de la llegada de un huracán como Roxanne, que tocó tierra en 1995. «Yo tenía sólo 8 años pero lo recuerdo muy bien. Aquel pegó muy fuerte. Se llevó muchas casas». «, dice Ramón.

Cambio climático y proyectos mal planificados

Entre las marejadas ciclónicas, el nivel del mar continúa aumentando gradualmente. En las aguas del Golfo de México, ese aumento es aproximadamente tres veces más rápido que el promedio mundial, según un estudio de 2023 publicado en Nature. «Esto podría deberse a la pérdida de hábitats importantes, como las praderas marinas y los arrecifes, barreras naturales que protegen la costa», afirma Patricia Moreno-Casasola, bióloga del Instituto de Ecología.

“Aquí ya se han ocupado 100 metros de playa”, afirma Otsoa. «El impacto no ha sido sólo ambiental y sobre la pesca, de la que vivimos, sino que también ha tenido un gran impacto social. La playa era nuestra vía de comunicación con las demás comunidades vecinas», explica la pescadora. El turismo que solía atraer su ciudad también ha disminuido.

“Mi madre tenía un pequeño puesto de comida en la playa que se llenaba en Semana Santa, un negocio que vendía snacks. Vivíamos de esos ingresos casi todo el año”, dice Ramón. Incluso se organizaban carreras de caballos en la playa.»

El servicio líder de transmisión en español, ViX, firmó un pacto de primera vista con el actor y productor mexicano nominado al Emmy Juanpa Zurita y ARCO Entertainment Media, la empresa que cofundó en 2022 con Brenda Tubilla.

El acuerdo de dos años, anunciado el 14 de mayo en la presentación Upfront 2024-25 de TelevisaUnivision, otorga a ViX derechos de primera vista sobre los próximos proyectos de Zurita, que incluirían series y largometrajes en español.

El meteórico ascenso de Zurita como creador de contenido digital le ha valido cerca de 90 millones de seguidores en todas las plataformas de redes sociales. Según ViX, su participación como actor en la película ViX Original de 2023 “¿Quieres ser mi hijo?” contribuyó a su éxito.

Zurita desarrollará una variedad de contenido premium en español y también curará historias para ViX, mientras que Tubilla actuará como productor ejecutivo de estos proyectos.

“Estoy encantado de que ViX se una a nosotros en nuestra misión de empoderar a un grupo diverso de artistas digitales, desde camarógrafos hasta músicos, que están superando los límites de la narración. Juntos, estamos comprometidos a producir contenido que no sólo capture sino que también amplifique las voces de la nueva generación, resonando profundamente e inspirando acciones en todo el mundo”, dijo Zurita.

“Juanpa es un creador multifacético cuyo talento prolífico, narración original e inmensa creatividad lo establecen como una de las voces latinoamericanas más influyentes en la industria del entretenimiento actual”, dijo Augusto Rovegno, vicepresidente senior de contenido de ViX.

“Este acuerdo subraya nuestro compromiso de ofrecer contenido premium en español culturalmente relevante y solidifica nuestra posición como el servicio de streaming en español más grande, hogar de talentos creativos de primer nivel”, agregó.

“Hace once años, una sola chispa de un simple video que subí cambió mi vida para siempre, encendiendo una pasión por la creación que arde con más fuerza cada día”, dijo Zurita, quien saltó a la fama por primera vez en el ahora desaparecido Vine de X (también conocido como Twitter) y Ahora es considerada la personalidad latinoamericana más grande en Facebook, YouTube y Snapchat.

ViX cuenta con una extensa biblioteca de más de 80.000 horas de contenido bajo demanda y un promedio de 80 canales de streaming, todos seleccionados en español. Es accesible a través de todas las principales plataformas móviles, dispositivos de TV conectados y en línea en vix.com, y está dirigido a audiencias en los EE. UU., México y la mayoría de los países de habla hispana en América Latina.

En su informe del primer trimestre de abril pasado, el gigante de los medios de comunicación en español reveló un aumento del 16% en los gastos operativos durante el primer trimestre, alcanzando los 821 millones de dólares. Esto fue impulsado principalmente por las inversiones en curso en ViX y el crecimiento de un negocio de ventas de publicidad de terceros en México. La compañía espera que sus operaciones de streaming sean rentables para la segunda mitad del año, muy probablemente después de que lance una nueva versión con publicidad del nivel premium de ViX.

Durante la exhibición de la Iniciativa Triple-i de hoy, Gearbox Publishing presentó un nuevo juego que apoya desde el estudio independiente Wabisabi. El juego se llama RKGK y es una carta de amor llena de color al anime de los 90, las plataformas 3D y la cultura del graffiti mexicano.

RKGK es un juego de plataformas de acción en 3D para un jugador que tiene lugar en la distopía futurista de Cap City, donde el malvado director ejecutivo de B Corp intenta vaciar la metrópoli de color y vida. El personaje principal, Valah, tiene la misión de detenerlos luchando contra los secuaces de B Corp y cubriendo la ciudad de graffiti utilizando un elegante sistema de parkour.

Valah salta, flota, corre y se desliza por la ciudad, rociando pintura a medida que avanza como táctica ofensiva, una declaración antisistema y, en ocasiones, simplemente como un marcador para indicar que estaba allí. Los fragmentos de juego que vi emitían vibraciones deliciosamente caóticas: hay algunas de las sensibilidades de plataformas de los maratones de colección retro en 3D, pero el movimiento y las vibraciones se parecen un poco más a Jet Set Radio, y luego se ven las batallas contra jefes del infierno de balas. algo fuera de Nier: Automata.

Hablando con IGN antes de la revelación, Wabisabi compartió un poco más sobre el graffiti y la cultura en el corazón de RKGK. Desde el principio, el estudio quiso hacer un juego en torno a la cultura del graffiti, especialmente su expresión en América Latina y la Ciudad de México, donde tiene su sede el estudio. «Creemos firmemente en el graffiti como una de las formas más honestas y puras para que las personas expresen sus pensamientos, especialmente cuando el mensaje no es fácil de digerir», dice el director ejecutivo y cofundador de Wabisabi, Anwar Noriega.

El estilo de RKGK parece estar repleto de inspiraciones diferentes. Por un lado, sus diseños se inspiran en el desarrollo de AR y VR. Aunque Wabisabi se fundó en 2018 con la intención de crear RKGK, asumió una serie de proyectos de realidad virtual y realidad aumentada para mantener el estudio a flote. Como resultado, el graffiti del juego de RKGK tiene algunas vibraciones AR notables; puedo verlos incluso en el avance en la forma en que algunos de los diseños más importantes del juego parecen aparecer en la pantalla.

Pero incluso más que AR, Wabisabi infundió en RKGK su amor por la cultura de los 90 con la que crecieron sus fundadores. Me dicen que está fuertemente influenciado por la cultura pop japonesa, la «era dorada de los juegos de plataformas en 3D», la escena de música rave y electrónica de los años 90 y 2000, y el anime de principios de los 90 que se transmitió por la televisión nacional en México: Dragon Ball, Sailor Moon, Captain Tsubasa. , y más. Noriega me dice que querían especialmente mezclar los mensajes antisistema de la cultura del graffiti y el anime cyberpunk como Akira, Ghost in the Shell y Ergo Proxy, y utilizaron estas inspiraciones para dar forma al lenguaje visual de RKGK.

Wabisabi es un estudio pequeño e independiente, pero cuenta con un gran apoyo. Riot Games proporcionó financiación inicial para RKGK a través de su Programa de Fundadores Subrepresentados y luego presentó RKGK a Gearbox para publicar y apoyar el resto del camino. Noriega dice que Gearbox proporcionó recursos de desarrollo, asesoramiento de producción, herramientas de accesibilidad, esfuerzos de marketing y relaciones públicas, y experiencia y conocimientos significativos para ayudar al incipiente equipo a «evitar cometer errores comunes durante el desarrollo».

«El hecho de que confiaron en un estudio recién creado en una región donde la industria de los juegos no está tan desarrollada habla mucho de su compromiso de traer más voces al ecosistema», dice Noriega.

Gearbox Publishing ofreció el siguiente comentario: «Es un privilegio para nuestro equipo brindar nuestra experiencia y habilidades a equipos independientes de todo el mundo y capacitarlos para que se conviertan en líderes dentro de sus comunidades locales de desarrolladores de juegos. Desde el primer momento en que conocimos al equipo de Wabisabi Games, Creímos en su visión y búsqueda de crear el tipo de juego que siempre quisieron ver en el mundo. RKGK lleva su corazón en la manga y nos encanta celebrar ese tipo de pasión sincera por parte de los desarrolladores. Admiramos cómo Wabisabi ha creado cuidadosamente «Una carta de amor a las alegrías de su infancia y un homenaje a lo que hace que los juegos sean tan creativamente inspiradores. Estamos ansiosos por ayudar a llevar RKGK a los jugadores de todo el mundo este verano».

Primeras capturas de pantalla y arte conceptual exclusivos de RKGK

Ya no existe un boxeador francés vigente campeón del mundo. El único que sigue en pie hasta el momento, Arsen Goulamirian, perdió por puntos su cinturón semipesado de la AMB el sábado 30 de marzo ante el mexicano Gilberto “Zurdo” Ramírez en California.

Goulamirian (36 años), que no peleaba desde finales de 2022, nunca pudo imponer su ritmo ante su oponente de 32 años, elegido unánimemente ganador por los jueces tras los doce asaltos del combate. Los tres jueces dieron una puntuación de 118-110 en gran medida a favor de Ramírez.

Al subir al ring con los colores de Francia y Armenia, su país de origen, Goulamirian soñaba con unificar pronto los cinturones mundiales, pero tendrá que bajar sus ambiciones para su próxima pelea. El que defendió cuatro veces su cinturón adquirido en 2018, a pesar de los potentes golpes, nunca pareció capaz de hacer flaquear al mexicano, quien, por otro lado, lo golpeó clara y regularmente.

Otra pelea planeada para Goulamirian

Arsen Goulamirian, que entrena en Big Bear, en las montañas de California, peleó por primera vez en Estados Unidos, en el YouTube Theatre de Inglewood, un suburbio de Los Ángeles.

Después de ver su carrera obstaculizada por problemas con los promotores en los últimos años, Goulamirian había firmado para esta pelea con Golden Boy, la empresa promotora de la ex estrella del arte noble Óscar de la Hoya, presente el sábado para apoyar a Ramírez, el de sus protegidos. El francés todavía tiene que competir en otra pelea organizada por Golden Boy.

El cineasta radical Santiago Mohar Volkow (“Los Muertos”) presentará su cuarto largometraje “A History of Love & War” (“Una Historia de Amor y de Guerra”) al público en la 53ª edición del Festival Internacional de Cine de Rotterdam.

Un examen viscalmente ridículo de la historia colonial de México y la naturaleza engañosa de la gran riqueza, la película se proyecta como parte de la sección Harbour, dedicada a una amplia gama de narrativas contemporáneas.

La trama comienza con el insoportablemente mimado y corrupto magnate inmobiliario Pepe Sanzhez Campo (Andrew Leland Rogers) mientras sus planes de desarrollo de un megacentro comercial avanzan y una oferta de compromiso a su adinerada interés amoroso Constanza (Lucía Gómez Robledo) resulta un éxito.

Cuando las fuerzas militantes desafían sus derechos a la tierra y una despedida de soltero que de otro modo sería cliché se vuelve amarga después de que el amante de su prometido, Teo (Darío Yazbek Bernal), desencadena un cambio de marea trepidante, Pepe se marcha con un ajuste de cuentas que descarrila su futuro privilegiado.

Proporcionando una risa saciante a través de la gran depravación y la traición, el proyecto maneja una fantasía cobarde, y Pepe finalmente se convierte en un emblema del pasado brutal del país, una herramienta utilizada para examinar la disparidad residual.

“A History of Love & War” fue producida por Mohar Volkow, Santiago de la Paz Nicolau, Santiago Dosal, Jonathan David y Juan Sarquis en las productoras de Ciudad de México Nómadas (“Sísifos”), Laredo 17 (“Natural”) y Edge Films. (“Modo Avião”). Los créditos de producción ejecutiva son para Alejandro Quintero, Juan Simons, García Rulfo, Yazbek Bernal y Leland Rogers.

Manuel García Rulfo (“El abogado Lincoln”), Aldo Escalante (“Club De Cuervos”), Mónica del Carmen (“Año bisiesto”), Florencia Ríos (“The Darkest Days of Us”), Santiago Espejo (“VGLY”) , Sharon Kleinberg y Sophie Gómez (“Monarca”) completan el elenco de élite, con apariciones especiales de Hernán del Riego (“Juana Inés”), Patricia Bernal (“Pobre Rico, Pobre”) y Teresa Sánchez (“Dos Estaciones”) .

Antes del estreno público de la película el 31 de enero, Mohar Volkow habló con Variedad sobre el proyecto.

México actúa como el lienzo perfecto para sus elecciones estilísticas audaces y vibrantes, a la vez ancladas en el pasado y profundamente modernas. Él‘No hay duda de que la estética es una parte importante de tu mundo cinematográfico. ¿Puedes hablar de cómo llegar a tu estilo estilísticamente?

La mayoría de las películas y directores que más amo tienen fuertes estilos barrocos. Supongo que cuando uno finalmente tiene la oportunidad de hacer una película, es natural hacer algo que disfrute como parte del público. Estoy aburrido y harto de las limitaciones asfixiantes del naturalismo actual que caracteriza a la mayor parte del cine contemporáneo, especialmente en México, donde muchas veces es difícil distinguir una película de otra.

Es casi contradictorio imitar este estilo internacional para adaptarlo a nuestras historias cuando nuestra historia y cultura son tan intrínsecamente barrocas. Me gusta pensar que este compromiso lúdico con la forma, que rompe con los imperativos del realismo convencional, también resultará más atractivo para un público más amplio que normalmente está bastante aislado del llamado cine de autor.

El estilo de vida de los ricos y famosos se presta fácilmente al absurdo que usted captura en sus proyectos y habla de privilegios y jerarquías de clases en muchas de sus películas. ¿Qué tiene de atractivo examinar las luchas del proletariado, el vicio de los burgueses?

La desigualdad rampante a la que uno se acostumbra a vivir en México es una realidad completamente absurda que se vuelve aún más extraña cuando además tenemos en cuenta que ya no la vemos como una anomalía. Esta extraña dinámica entre un mundo que no tiene sentido y una sensibilidad que de alguna manera logra encontrar una lógica en su interior es la experiencia clave de México, es muy difícil de entender pero vivimos con ella todos los días. Hacer una película que sucede en este lugar conducirá inevitablemente, al menos a nivel personal, a un intento de explicación, de entender un poco más de por qué las cosas son como son.

¿Cuál es el aspecto más desafiante de trabajar dentro de un marco de comedia y sátira para explorar temas sociales importantes y por qué el producto final suele ser tan brillante cuando está bien ejecutado?

La comedia siempre es un desafío porque constantemente corre el riesgo de ser ridiculizada; cuando se hace dentro de un tema que es actual y sensato para una audiencia contemporánea, existe un riesgo agregado de crueldad que tratamos de evitar de forma natural. Pero, a veces, lo que puede parecer crueldad es en realidad una forma de revelación, y cuando eso se logra, creo que algo verdaderamente grandioso sale a la luz.

También están los aspectos sociales y políticos de lidiar con eventos y temas que pueden provocar algún tipo de reacción, algo que se vuelve más angustiante a medida que aumenta el tamaño de las películas. Productores, estudios y plataformas tienen que lidiar con este tipo de problemas todo el tiempo y realmente no hay una salida fácil porque hay mucho dinero involucrado, pero no hay duda de que tiene un efecto en que las películas sean menos atrevidas y arriesgado, tanto en el tema como en la forma.

Afortunadamente, esta es una imagen pequeña y realmente teníamos total libertad para hacer y decir lo que quisiéramos. No me sorprende la recepción mixta que ha tenido, incluso en su corta vida antes del estreno real. No creo que nadie pueda hacer una película hoy en día y no esperar algún tipo de rechazo, por eso es importante tomar las críticas críticamente y aceptar que, en algunos casos, el rechazo y la división son en realidad elogios.

Utiliza las conmovedoras palabras de James Baldwin para abrir la película: “La gente está atrapada en la historia y la historia en ellos”. ¿Cómo incorporaste ese sentimiento al proyecto?

La frase de Baldwin es absolutamente brutal y cierta. Incluso si lo leo en otro contexto, el ensayo en el que lo encontré casi no tiene relación con la trama de la película, es una definición tan hermosa y poética de lo que es nuestra existencia política que se sostiene sin importar dónde la pongas. Suena cierto cuando pensamos en nosotros mismos en el contexto histórico de nuestros países o incluso de nuestras familias, así que pensé en eso cuando escribí el guión, tratando de entender a los personajes no sólo como los agentes de su historia, sino también como pequeñas representaciones ambulantes. de los traumas de nuestra historia.

Antes de su presentación internacional en la competencia World Cinema Dramatic en el Festival de Cine de Sundance, Independent Film Group, de United Talent Agency, con sede en Beverly Hills, se ha abalanzado sobre la representación de ventas nacionales para la narrativa narco poco convencional “Sujo”, de los creadores de “Identifying Features” Astrid Rondero y Fernanda Valadez.

UTA se une al equipo parisino Alpha Violet (“Apples”), que se encarga de las ventas internacionales y coproduce el nuevo título de Sundance.

“Alpha Violet está encantada de seguir trabajando con Fernanda y Astrid después del éxito de ‘Identifying Features’. ¡Ser un equipo más grande para apoyar a nuestros cineastas es fantástico! Virginie Devesa, codirectora de Alpha Violet, dijo Variedad.

Proyectado dentro de la competencia de Cine Dramático Mundial del festival, el proyecto aborda la identidad heredada y las luchas de peso que asfixian a las comunidades de los cárteles a través de los ojos y las experiencias de un niño pequeño, Sujo (Kevin Uriel Aguilar Luna, Juan Jesús Varela), que alcanza la mayoría de edad después de perder a sus padres. en una ciudad marcada por la brutalidad.

“En México hay una inmensa crisis de orfandad debido a la violencia de los cárteles. Algunos de esos huérfanos son hijos de las víctimas, pero muchos otros son hijos e hijas de los perpetradores. Sentimos que contar una historia a través de los ojos del hijo de un perpetrador (una víctima al fin y al cabo), nos daba una oportunidad única para reflexionar sobre los desafíos que todos los jóvenes atraviesan en México, pero también en cualquier lugar donde las generaciones más jóvenes se enfrentan. algún tipo de violencia que parece un camino inevitable”, explicaron Rondero y Valadez.

Impulsado por las circunstancias a abandonar su inocencia, el protagonista entra y sale de una verdadera olla a presión, hombres que de otro modo podrían ser sus mentores se dedican, más bien, a convertir su tierno corazón en acero antes de que pueda aceptar un destino diferente.

“La adolescencia es una etapa en la que los jóvenes intentan encontrar un lugar al que pertenecer, pero también demostrar su valía. En el contexto de la violencia de los cárteles, esa energía pone a los jóvenes en gran peligro. La violencia puede ser percibida como un rito de paso a la edad adulta y en muchas comunidades de México los niños no tienen muchas opciones”, lamentaron los directores.

“A veces sus únicas opciones son la migración o el reclutamiento, voluntario o forzado. Queríamos explorar esa energía de la adolescencia en Sujo, cómo los cárteles atraen a los jóvenes para ser utilizados y luego eliminados, para mantener la maquinaria de los cárteles en funcionamiento”, agregaron.

Producida por EnAguas Cine de Valadez y Romero junto a Diana Arcega y Corpulenta de México, Jewerl Ross de Silent R Management de California (“Bruiser”) y Jean-Baptiste Bailly-Maitre y Devesa de Alpha Violet, la película avanza al mismo ritmo que la gravedad del tema. asunto.

Los momentos se detienen mientras vemos las reverberaciones del lento adoctrinamiento de Sujo persisten en la pantalla en medio de un telón de fondo rural por lo demás sereno. Las mujeres de la periferia que contrarrestan el terror son proveedoras etéreas y cargan con la inmensa carga de lograr una metamorfosis de los jóvenes a su cargo, por inútil que sea la tarea.

“Queríamos hacer un retrato de Sujo a través de los personajes que significaron algo en su vida, las personas que lo formaron espiritualmente. No es casualidad que muchos de ellos sean mujeres. En México las mujeres son un bastión, son ellas las que mantienen en funcionamiento a las familias y a la sociedad, incluso en las circunstancias más difíciles. Queríamos reconocer eso en esta película, incluso si se cuenta a través de los ojos de un hombre joven: las mujeres son las guardianas y las que nutren la esperanza”, compartieron Valadez y Romero.

La segunda colaboración de la pareja, cuya película “Identifying Features” se estrenó en Sundance en 2020, ganando premios de audiencia y de guion, “Sujo” cambia el rumbo de la típica comida narco, eligiendo no glorificar el estilo de vida sino pedirle cuentas.

“La forma de vida del cartel, sus mitos y sus personajes han penetrado todos los ámbitos de la cultura y la sociedad de nuestro país. Esa cultura de los cárteles se presenta como historias de resistencia y salida de la pobreza. Pero esa imagen es una completa manipulación, una trampa para los jóvenes porque la mayoría de los chicos que son reclutados terminan muertos antes de cumplir 25 años y sus familias quedan en una profunda adversidad”, remarcaron Rondero y Valadez.

“Hacer películas es una forma de cuestionar esa cultura. No podemos dar respuestas, pero creemos que una película puede abordar un problema y abrir una conversación. Irónicamente, cuanto menos didáctica, más poderosa puede ser una película. Todavía estamos demasiado cerca de “Sujo” para evaluar qué tan efectiva es como historia, pero abrir una conversación era uno de nuestros objetivos. ¿Cuáles creemos que son formas para que los jóvenes se mantengan alejados de la violencia? Educación, por supuesto. Justicia social. Pero esas son palabras sencillas que nuestras sociedades deben poner en práctica”, agregaron.

Al igual que el homónimo del protagonista, un caballo salvaje difícil de domar, la película explora caminos hacia la libertad y el deseo de escapar, al tiempo que señala la falta de recursos y apoyo que a menudo obstaculizan el camino del progreso sólido de la juventud con los ojos abiertos.

“No creemos que el cambio sea fácil, porque las circunstancias pueden presionar mucho a un joven y a veces esas circunstancias pueden ser tan extremas que lo obligan a salir de sus comunidades tenga o no recursos”, opinaron Rondero y Valadez. .

“Creemos en la posibilidad de cambiarnos a nosotros mismos y a nuestras comunidades, incluso si es extremadamente difícil y lento. Creemos que es parte de nuestra esencia como seres humanos. El cambio suele llegar cuando no estamos solos, en grupos, incluso pequeños, que se organizan con un objetivo específico. Pensamos particularmente en las madres de las víctimas de desapariciones forzadas, quienes se han convertido en las más feroces activistas por los derechos humanos en México y, poco a poco, han logrado cambios profundos en nuestra sociedad, comenzando por las comunidades donde residen”.

Ofreciendo aliento a quienes no ven una salida a sus dificultades, los directores instaron a los jóvenes a «resistir, a buscar otros que estén dispuestos a resistir e imaginar posibilidades juntos».

“Sujo” debuta el 19 de enero en el The Ray Theatre de Park City; Las proyecciones en línea se realizarán del 25 al 29 de enero.

Salma Hayek Pinault se ha unido a José Tamez y Siobhan Flynn, sus socios en Ventanarosa Productions, como productora ejecutiva de Tótemla continuación de la guionista y directora Lila Avilés a su avance internacional la camareraque ha sido preseleccionada como la candidata de México al Oscar a la Mejor Película Internacional.

Listo para ser estrenado por Sideshow y Janus Films, las compañías detrás OE y Conduce mi coche, la película se estrenará en los cines de Nueva York el 26 de enero. Se desarrollará en Los Ángeles el 2 de febrero y se expandirá a todo el país en las próximas semanas.

Nombrada una de las 5 mejores películas internacionales del año por la Junta Nacional de Revisión, Tótem se cuenta en gran parte desde la perspectiva de Sol (Naíma Sentíes), de 7 años, mientras su tía (Montserrat Marañón) y sus familiares se preparan para la fiesta de cumpleaños del padre de la niña (Mateo García). A medida que pasan las horas, preparándose para un evento tan anticipado como temido, los frágiles vínculos y el incierto futuro de la familia se vuelven cada vez más claros.

El drama, que se estrenó mundialmente en el Festival de Cine de Berlín el año pasado, donde obtuvo el Premio del Jurado Ecuménico, posteriormente obtuvo nominaciones a Mejor Película Internacional en los Premios Gotham e Independent Spirit. Su paso por el circuito de festivales también lo ha visto presentarse en Telluride, New Directors/New Films, el BFI London Film Festival y otros en el nivel superior.

Protagonizada también por Marisol Gasé, Saori Gurza y ​​Teresita Sánchez, Tótem Está producida por Avilés, Tatiana Graullera y Louise Riosse.

Vocación Tótem “una visión poética de la dureza de la vida vista a través de los ojos de una niña”, dijo Pinault que “Lila Avilés capta la soledad innata que puede llegar con la niñez, cuando la vida te enfrenta a la amargura, incluso si tienes la dulzura de tu el amor de los padres. Es un recordatorio de que, tras el dolor, todavía existe la importancia de la unidad, la alegría, el humor, los amigos, la familia, la comunidad y la celebración de la vida”.

Los cineastas Avilés, Graullera y Riousse agregaron: “Nos sentimos muy honrados de que Salma y el equipo de Ventanarosa se hayan unido al Tótem familia. Hemos admirado durante mucho tiempo el trabajo de Salma delante y detrás de la cámara en México, Estados Unidos y todo el mundo, por lo que contar con su apoyo es increíblemente significativo”.

Fundada por Pinault en 1998, Ventanarosa Productions ha liderado durante mucho tiempo la tarea de contar historias latinas a partir de voces latinas tanto en Estados Unidos como en México. Su primera producción fue la adaptación de la película de Gabriel García Márquez. Nadie le escribe al coronel, que compitió en la Selección Oficial del Festival de Cine de Cannes de 1999. Otros aspectos destacados incluyen al ganador del Premio de la Academia. Frida; El milagro de Maldonado, que le valió a Hayek un Emmy a la dirección; la serie ganadora de premios Emmy, Globo de Oro y Peabody Betty la fea; y la película animada nominada al premio Annie de Kahlil Gibran El profeta. Más recientemente, la empresa ha producido la serie de Netflix. Monarca y función de estreno TIFF El sabor de la Navidad.

En el frente actoral, Pinault ha sido visto más recientemente en El último baile de Magic Mikeasí como «Joan Is Awful», un episodio memorablemente aterrador con temática de inteligencia artificial de Netflix. Espejo negro. Lo siguiente es la película. sin sangre de Angelina Jolie. Está representada por CAA, Entertainment 360 y Edelstein, Laird & Sobel.

(dpa)

En un pequeño pueblo de México, once personas murieron en enfrentamientos entre la población local y un grupo criminal. Entre ellos se encontraban ocho presuntos delincuentes, según anunció el viernes (hora local) el gobierno del Estado de México. Según informes de los medios, miembros del cártel La Familia Michoacana exigieron el viernes dinero para protección a los residentes del municipio de Texcapilla, en el centro de México.

Un video que circuló en las redes sociales mostró peleas con armas de fuego y arma blanca en un campo deportivo al aire libre con un gran número de personas involucradas. Según informa el portal “La Silla Rota”, la población local se había defendido de los mafiosos luego de que estos declararan que no podían cumplir con sus demandas debido a una mala cosecha de guisantes debido a las condiciones climáticas.

México ha estado sufriendo durante años una alta criminalidad y una impunidad generalizada en el contexto de la llamada guerra contra las drogas. El año pasado se registraron casi 32.000 homicidios en el país latinoamericano de alrededor de 126 millones de habitantes. La mayoría de los crímenes nunca se resuelven.

La inspiradora película biográfica de Roger Ross Williams casandro es una ventana al mundo de Saúl Armendáriz, un luchador amateur de Texas que triunfó en México. luchador escena. Interpretada con ternura y encanto por Gael García Bernal, la película muestra cómo la vida de Armendáriz cambió cuando abandonó su personaje enmascarado como El Topo y se convirtió en una figura exótica, extravagante, maquillada, con piel de leopardo y spandex. Cassandro, como ahora se hacía llamar, fue un pionero que mostró al mundo machista del deporte de contacto que los hombres homosexuales también podían ser luchadores y ganar.

FECHA LÍMITE: ¿Cómo te involucraste en la realización de esta película?

GAEL GARCÍA BERNAL: La forma estándar. El director vino a verme porque había hecho un documental sobre el verdadero Saúl Armendáriz y su alter ego, Cassandro. Me dijo que quería hacer una película sobre él e inmediatamente recordé haber crecido con Cassandro y todos los demás. luchadores, y comencé a emocionarme por eso. Pero todavía estaba en proceso. Fue uno de esos proyectos que decían: «Está bien, eventualmente podría suceder». Y luego, como todas las cosas buenas, empezó a suceder poco a poco. No recuerdo lo que llevó a eso, pero hubo muchos, muchos factores diferentes que ayudaron a lograrlo. Empecé a entrenar seis meses antes (obviamente, comía mucho y hacía mucho trabajo de pesas y flexibilidad, todo ese tipo de cosas) y luego, un par de meses antes de disparar, estaba haciendo todo lo posible. luchador capacitación. Fue increíble y muy divertido.

FECHA LÍMITE: ¿Tuviste que ser examinado por el verdadero Cassandro? ¿Cómo te ganaste su confianza?

BERNAL: Supongo que Roger y él tuvieron conversaciones sobre eso. Hablé muy poco con Cassandro antes de disparar. Íbamos a tomar todo lo que sabíamos sobre Cassandro y hacerlo nuestro. Es decir, su personaje ya estaba muy estilizado. Fue como, «Está bien, tenemos que hacer algo diferente para la película». Y luego, mientras estábamos filmando la película, Cassandro sufrió una lesión en la cabeza, por lo que no pudo hablar por un tiempo, así que no hablé con él hasta después. Pero nos vimos cuando terminamos de rodar. Estaba muy feliz, creo.

FECHA LÍMITE: Por la forma en que lo interpretas, es un artista teatral muy divertido. ¿Estudiaste sus gestos o improvisaste?

BERNAL: Siempre es una mezcla, ¿no? Siempre que alguien imita a otra persona, existe ese otro elemento añadido que la persona aporta (como un pequeño subrayado, una pequeña exageración de sus gestos) que en cierto modo los lleva a otro lugar. Entonces, sí, había mucho de él, pero obviamente también había mucho de mí.

FECHA LÍMITE: ¡Ciertamente no le tienes miedo a los disfraces!

BERNAL: ¡No no no no no! [Laughs] ¡Realmente no podía esperar para llegar a ese punto! Porque antes el entrenamiento y todo era duro. Todo era, en cierto modo, físico o psicoanalítico. Pero luego viene la parte del disfraz, que te transforma inmediatamente. Y con María Estela Fernández, la diseñadora de vestuario… Hombre, nos divertimos muchísimo armándolos. Ella me dijo: «Cassandro es como un colega: ¡también hace sus propios disfraces!». Estábamos probando tantas cosas diferentes. Ella fue muy práctica y teníamos algunos disfraces increíbles: las capas, los corpiños. También nos estábamos drogando mucho con esos pantalones cortos, como pantalones cortos, para mostrar mis piernas.

FECHA LÍMITE: Tienes algunos peinados bastante horribles en la película. ¿Lo cortaste de verdad?

BERNAL: Ese era mi cabello. Estaba teñido de ese color y tuve que vivir con eso fuera de la película. La gente no me reconocería. Mis amigos no me reconocerían cuando me vieran desde lejos. Dijeron: «¿Quién es este tipo?»

FECHA LÍMITE: ¿Entraste en el mundo real de lucha libre?

BERNAL: Sí, claro. Sí. Entrené mucho con una organización llamada La Triple A, que es una de las organizaciones más grandes en lucha libre en Mexico. Tienen grandes luchadores, muchos maestros y son pilares muy fuertes de la comunidad de lucha libre. Había dos en particular, uno que se llamaba Chessman y otro que se llamaba El Texano Jr. Fueron geniales y nos ayudaron mucho. Nos invitaron a entrenar con luchadores reales, con los luchadores jóvenes y prometedores que estaban entrenando, y así entrenaríamos a ellos también.

Debo decir que esta fue una de las cosas más difíciles que he hecho en mi vida. Fue muy, muy difícil. Físicamente no podía seguir así. Por ejemplo, como calentamiento, tienes que hacer 100 caídas muertas boca arriba, para que aprendas a caer y no lastimarte. Y tienen mucho de eso. Tienen mucho entrenamiento de lucha libre y mucho entrenamiento de judo para saber caer. Tiene muchas técnicas que también son del mundo acrobático, como subir al ring. Se aprende a jugar con las cuerdas, porque hay que saber sujetarlas, porque te pueden hacer mucho daño.

FECHA LÍMITE: Es un cambio refrescante ver a un personaje gay que no es golpeado ni perseguido. Obviamente Cassandro enfrenta prejuicios, pero él está a cargo de su vida. Allí no hay victimismo. ¿Fue esa una parte importante de la historia para ti?

BERNAL: Absolutamente, absolutamente. Porque no es una historia de primer grado sobre la mayoría de edad o sobre alguien que sale del armario, es más bien un momento de tercer o cuarto grado de cómo la sociedad ha cambiado. Y eso es lo interesante de esta película, porque podemos hacer una especie de análisis antropológico y sociológico de cómo la sociedad en todo el mundo ha abordado la homosexualidad y cómo las actitudes han cambiado tanto en los últimos años. Pero en el mundo de la lucha libre, por ejemplo en México, es interesante que los exóticos existieron durante mucho, mucho tiempo, pero nunca fueron los personajes principales. Quizás mucha gente quería que fueran personajes principales, pero no se atreverían a apoyarlos abiertamente. Entonces, si vemos esto como una historia de salida del armario, creo que es la sociedad la que sale del armario en esta película. De repente, la sociedad dice: «Sí, queremos que gane Cassandro».

Eso es lo que cambió. Eso es lo que cambió. Estaba Cassandro, pero también había otros. Estaba Pimpinela Escarlata, estaba Rudy Reyna y también había algunos otros exóticos al mismo tiempo. Ellos fueron los que hicieron ese cambio y realizaron ese cambio. Todo el mundo se dio cuenta. Como, «No es gran cosa, ¿verdad?»

FECHA LÍMITE: No es una película muy política, pero hay un momento en el que los inmigrantes mexicanos pasan por la casa de Cassandro. ¿Es importante para ti tener un poco de relevancia política o social en el trabajo que realizas?

BERNAL: Es. Porque de lo que estamos hablando aquí con Cassandro es de la historia de alguien que vive en la frontera, entre dos identidades, ambas unidas por la historia y por una sociedad arquetípica que dice: «Está bien, este es este lugar, y ese es el otro lugar”. Pero lo interesante de las personas que nacen en la frontera, del lado de Estados Unidos o del lado de México, es que la frontera es completamente porosa, a pesar de que es el monumento más increíble a la ridiculez de la humanidad: un muro para mantener las cosas del otro lado. Pero la vida no ve eso como un impedimento. La vida va y viene. Y lo que hace florecer la vida es el ida y vuelta. Es muy interesante ver la frontera de esa manera, jugar con eso y retratarla, porque rara vez la vemos en las películas.

Tiene una cultura propia. Es como otro país. No es México, no es Estados Unidos, es la frontera y tiene su propio mundo. Y entonces, sí, queríamos hacer una declaración, porque queríamos retratar la vida que sucede allí. Es muy vibrante y muy curioso y también muy impulsado por la comunidad.

FECHA LÍMITE: ¿Qué te mantiene fresco cuando estás trabajando? ¿Qué te mantiene enfocado como actor?

Bernal: Cuando cumplí 31 o 32 años, hice una película llamada No de Pablo Larraín y, con esa película, recuerdo que pasó algo. Una mezcla de cosas. De repente, la energía cambió. Empecé a divertirme mucho. O sea, siempre lo disfruté, lo tomé en serio y todo. Pero me di cuenta de que había algo con lo que quizás estaba luchando. Pero con No, cuando hicimos esa película, entré por completo a otro nivel de diversión y alegría. Y tal vez tenga que ver con que encontré con Pablo una comunión y una especie de complicidad que no había encontrado antes, y que todavía tengo con él.

FECHA LÍMITE: ¿Y te sientes cómodo como director ahora? ¿Eres feliz en ambos mundos?

Bernal: Soy muy Me siento cómodo dirigiendo y también lo disfruto mucho. Algo interesante de los actores-directores es que, en cierto modo, no es nuestra carrera principal. Eran usado a publicar nuestras películas, y si a alguien no le gustan, está bien. No nos preocupamos por eso. De curso Quiero que a la gente le gusten las películas que hago, pero no es una presión lo que me frena. Y quizás por eso también me siento muy libre como director.

FECHA LÍMITE: ¿En qué estás trabajando en este momento?

Bernal: Ahora mismo estoy de vacaciones, algo que no he tenido en mucho, mucho tiempo. No he estado en un set de filmación desde abril de este año y realmente he disfrutado tomarme un tiempo libre, solo para pensar y armar las cosas. Obviamente la huelga [forced the issue]pero no tengo planes que realmente vayan a suceder. [Laughs] E incluso si ellos eran va a pasar, no te lo diría, ¡porque siempre trae mala suerte!

FECHA LÍMITE: Cuando empezaste con Alejandro Gonzáles Iñárritu y Cuarón, ¿pensaste que llegarías tan lejos con tu carrera y con historias y personajes mexicanos? ¿Te diste cuenta del impacto que tendrían ustedes tres?

BERNAL: Gracias por mencionar esa segunda parte, porque es muy importante para mí. Trabajar con ellos fue como trabajar con amigos: nunca sabíamos hasta dónde llegaríamos. Cuando estábamos haciendo amores perros, realmente, no teníamos idea. Quizás Alejandro tuvo alguna idea porque tiene mucho talento en ese sentido. Pero no teníamos idea de hacia dónde iban a ir las cosas. Y lo que mencionaste sobre hacer películas mexicanas: nunca en mi vida pensé, y te lo prometo, nunca pensé que esto iba a pasar. Que iba a poder contar las historias que puedo representar, que puedo interpretar, que tengo mucho que decir.

Me encantaría volver a trabajar con Alfonso y por supuesto también con Iñárritu. Eso sería realmente agradable. Pero también me encantaría trabajar con Guillermo del Toro; somos de la misma ciudad y él nunca me lo pidió. [Laughs] La próxima vez que hables con él, díselo. Me llama para charlar y esas cosas, y le digo: «¡Hombre, también puedes llamarme para trabajar!».

En otra vida, soy crítico gastronómico. Degustar platos de diferentes culturas es sin duda mi mayor pasión junto a los videojuegos, por lo que les pido que me perdonen antes de extenderme demasiado sobre la cocina tradicional mexicana maravillosamente representada en el próximo Metroidvania Mariachi Legends.

Como nativo de Arizona que ha pasado mucho tiempo en México, puede que esté predispuesto hacia los paisajes y la arquitectura del suroeste, pero el pixel art en Mariachi Legends está realmente entre los mejores que he visto en un videojuego. Quiero decir, santo infierno:

Pasando a la comida, este es probablemente mi componente favorito de Mariachi Legends y lo que inicialmente me atrajo al Metroidvania independiente, un género en el que normalmente no incursiono. El desarrollador Halberd Games, con sede en Guadalajara, dice que podrás Encuentra recetas tradicionales mexicanas en todos los niveles y cocínalas para «mejorar tus poderes». Puedo reconocer algo de pollo asada, cebollas curtidas (cebollas encurtidas) y churros, pero Halberd dice que también podremos «experimentar el picante del Pozole, la complejidad del Mole y el innegable deleite de los Tacos al Pastor».