que niebla es un nuevo y adorable roguelike creado por el equipo detrás Muerto a la luz del día, así que, por supuesto, Feng Min estará en él. Averigüemos cómo desbloquear Feng Min en que nieblay si vale la pena el esfuerzo de salvarla de la adorable Entidad de este reino.

Cómo desbloquear a Feng Min como personaje jugable

Si estás buscando desbloquear al jugador de eSports favorito de todos en que niebla, tendrás que asegurarte de estar listo para enfrentarte a hordas de enemigos. La única forma de desbloquear a Feng Min aquí es completando una carrera completa en cualquier dificultad. Afortunadamente, esto se activará si estás jugando para un jugador o multijugador, así que prepárate para la acción que te espera y prepárate para matar algunos demonios.

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Con una gran lista de dificultades seleccionables, esto significa que puedes complicar un poco las cosas jugando en el modo Muy Fácil. Una carrera en esto aún desbloqueará a Feng Min y su arma espada, por lo que puedes usarla para otra carrera nueva mientras juegas en una dificultad más difícil.

¿Vale la pena desbloquear Feng Min en What The Fog?

Puede parecer bastante fácil desbloquearla, pero que niebla Sigue siendo un juego exigente. Aquí podemos encontrar todas sus habilidades disponibles:

• Corte de energía
  • Corta a los enemigos para generar ondas de energía letal.
• Rebanada giratoria
  • Gira en el acto y lastima a todos los enemigos cercanos a ti.
• Aura encantadora (habilidad de apoyo)
  • Encanta a los enemigos para convertirlos en aliados por un momento.
• Estanque curativo
  • Crea un estanque de curación para que tu equipo se recupere.

Si planeas jugar como un luchador de corto alcance, entonces Feng Min definitivamente vale la pena. Incluso si estás pensando en abordar este en un jugador, su habilidad Healing Pond parece ser bastante invaluable. En general, vale la pena desbloquear Feng Min en que nieblaespecialmente porque se puede desbloquear a través del juego normal.

Ahora que tienes todo lo que necesitas saber para desbloquear Feng Min en que niebla hacia abajo, asegúrese de revisar el Muerto a la luz del día Hoja de ruta del noveno año para ver qué otras sorpresas nos esperan.

What The Fog ya está disponible en Steam.

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[Warning: The below contains MAJOR spoilers about The Greatest Hits.]

La nostalgia y el dolor se entrelazan en Los grandes éxitos, ahora transmitiendo en Hulu. Con la ayuda de canciones específicas, Harriet (Lucy Boynton) se ve capaz de viajar al pasado antes de que su novio, Max (David Corenswet), muera trágicamente.

Las canciones llevan a Harriet al momento en que ella y Max las escucharon juntos por primera vez, pero también sufre convulsiones en el proceso. A pesar de sus muchos intentos durante cada viaje en el tiempo, Harriet no puede evitar que ocurra la muerte de Max. Cuando Harriet conoce y se enamora de David (Justin H. Min), Harriet finalmente toma una decisión que cambiará su vida. Harriet descubre una manera de salvar a Max, y es, en primer lugar, no comenzar nunca una relación con él cuando viaja de regreso por última vez. Esto también significa que tiene que sacrificar su romance actual con David, pero promete buscarlo en esta nueva línea temporal.

“Es devastador. Lloré cuando estábamos filmando esto”, le dice Boynton a TV Insider. “Espero que la audiencia tenga una reacción similar al ser un catalizador de, bueno, ¿qué haría? Está tan atrapada entre la espada y la pared que, debido a esta dificultad física de las convulsiones provocadas por la música, realmente no tiene otra opción. Pero es el costo emocional lo que se necesita [which] es lo más devastador y también tenerla emocional y mentalmente alcanzando ese lugar que analíticamente sabe que es inevitable. Sólo espero que sea estimulante en el sentido de que la audiencia se pregunte si ellos harían lo mismo”.

Sin embargo, los momentos finales de Los grandes éxitos deja a los espectadores con una sensación de optimismo. En un concierto, Harriet y David se vuelven a cruzar. No se conocen en esta nueva línea temporal, pero puedes sentir una energía innegable entre ellos en ese momento.

«Me pareció muy esperanzador», dice Min sobre el final. “La escena en la que Harriet se da cuenta de que se han visto antes (Harriet y David) realmente me quedó grabada. Es esta idea de que el amor trasciende todo, por muy cliché que parezca, el amor trasciende el tiempo. [and] espacio. Y si dos personas están destinadas a encontrarse, se encontrarán. Y, por supuesto, no sabemos cómo termina esta historia, pero es maravilloso que en esta última escena los veamos cruzarse una vez más”.

Boynton cree que Harriet reconoce a David en esa escena final porque «experimentó» ese tipo de sentimiento antes. “Conoces a alguien y hay una familiaridad inmediata o simplemente una facilidad. [between them],» ella explica. “Creo que le encontré sentido en el sentido de que no quieres darle a la audiencia demasiadas respuestas de ninguna manera. Quieres dejar esa sensación de posibilidad, pero creo que hay algún tipo de magia ahí”.

La Academia Paraguas El alumno admite que la última escena fue filmada “unas 500 veces. Probamos muchas maneras diferentes en términos de cómo nos veíamos y nos miramos y si eso significaba reconocimiento o no. Me encanta cómo fue editado. Permite a la audiencia proyectar lo que quiera proyectar”.

Los grandes éxitos marca una reunión para Boynton y Corenswet, quienes protagonizaron la serie de Netflix El político juntos. Una vez que el nombre de Corenswet entró en escena, Boynton supo que sería “perfecto” para Max. «Él y yo tenemos una gran química porque sabemos cómo trabaja la otra persona», bromea Boynton. “Además, ya había llorado su rostro antes, así que fue literalmente como continuar donde lo dejé. Tengo ese tipo de asociación con él, así que fue un verdadero regalo y tuvo mucho sentido tan pronto como lo procesamos”.

Los grandes éxitosTransmisión en Hulu

“Close to You” marca la reintroducción de Elliot Page, una presencia en la pantalla a la vez cálidamente familiar y marcadamente redefinida, finalmente establecida en sus propios términos. En su primer papel cinematográfico desde que se declaró un hombre trans, el actor evidentemente ha aportado gran parte de su propia identidad y experiencia a esta historia observada con sensibilidad de un hombre trans que se reúne cautelosamente con su familia después de un período de cinco años de distanciamiento. (Además de producir el proyecto, comparte el crédito de escritura de la historia con el director Dominic Savage.) Pero la actuación de Page no se mueve simplemente por los paralelos que pueda tener con su vida: más bien, es un recordatorio de lo hábil y perspicaz que era. actor que puede ser, capaz tanto de franqueza emocional desnuda como de ingenio ácido, ambos activos para un guión que a veces peca de cauteloso.

El director británico Savage es conocido por sus colaboraciones de improvisación con actores, que recientemente obtuvieron el mejor trabajo de su carrera de Gemma Arterton en la película de 2017 «The Escape», y se extendieron al proyecto de televisión «I Am…», una serie de retratos íntimos de personajes independientes. por personas como Samantha Morton, Letitia Wright y Kate Winslet, ganadora del BAFTA. Al cruzar a Canadá para trabajar con Page en su propio terreno, la técnica del director una vez más le da a su estrella un amplio margen de libertad para explorarse a sí mismo en la pantalla, capturando en el proceso algo que parece verdadero, aunque esté construido ficticiamente. Ese sentido de cruda integridad ha mantenido a la película en buena posición en el circuito de festivales, atrayendo particular interés de programadores y distribuidores orientados a LGBT, desde su animado estreno en Toronto el otoño pasado, poco después de la publicación de las memorias de Page, «Pageboy».

Sin embargo, dramáticamente, la improvisación produce recompensas mixtas en “Close to You”, que oscila entre escenas finamente detalladas en su examen de prejuicios abiertos y microagresiones más sutiles en la esfera familiar, y otras que están ensayadas de manera más vaga, construyendo relaciones sobre historias de fondo que Todavía no te sientes completamente formado. La actuación instintiva, no solo de Page sino de un excelente conjunto de personajes de Canuck, lleva la película al otro lado de la línea, aunque incluso con unos modestos 98 minutos, podría parecer más ajustada.

Un período de un día nos da una idea limitada de quién es Sam (Page) fuera del drama inmediato que lo rodea, aunque el lenguaje corporal alternativamente tenso y de hombros cuadrados del actor transmite a un hombre acostumbrado a asumir diferentes posturas y rostros dependiendo de la compañía en la que está. Nos encontramos con él, nervioso y cáustico, en el apartamento boho-chic de Toronto que comparte con un compañero de cuarto, aferrándose a su taza de café mientras contempla con cautela sus planes para el día siguiente: un viaje en tren a su tranquila ciudad natal en el lago Ontario, donde se reunirá con su familia extendida para el almuerzo de cumpleaños de su padre. Es una visita que lleva años posponiendo. Aunque sus padres y hermanos aparentemente progresistas han aceptado teóricamente la identidad de género que eligió, él nunca se ha librado de la sensación de que es un extraño en su presencia. “Es como si les debiera mucho”, suspira; para él, su aceptación se siente como un gesto.

Efectivamente, la reunión comienza de manera amistosa pero nunca del todo cómoda, el ambiente establecido acertadamente por la lente helada y de tonos pardos de la directora de fotografía Catherine Lutes de los interiores poco iluminados y cargados de madera de la casa familiar. La madre de Sam, Miriam (una maravillosa Wendy Crewson), está ansiosa por recuperar el tiempo perdido, ofreciendo un afecto efusivo pero esforzándose demasiado: cuando distraídamente usa los pronombres equivocados, sus disculpas ponen a Sam en la posición de consolarla. Papá Jim (Peter Outerbridge) está más relajado, contento simplemente con ver a su hijo, una vez severamente retraído, llevar una vida productiva e independiente; Las hermanas mayores de Sam son más pasivo-agresivas, casi reprochadoras en sus persistentes preguntas sobre su felicidad.

«No estabas tan preocupado por mí cuando en realidad no estaba bien», responde Sam, en una de las líneas más cortantes de la película, un sentimiento que sienta las bases para una disputa familiar más acalorada en respuesta a la transfobia menos cortésmente disfrazada de su cuñado Paul (David Reale). Esta escena sirve como pieza central de la película, sacando colectivamente a la superficie cualquier cantidad de conflictos latentes, aunque hay un aire de invención, incluso de taller, en su retórica fuertemente mordaz.

Contrarrestar esta tensión es la trama secundaria separada y más suave de la inesperada reconexión de Sam con la ex mejor amiga de la escuela secundaria Katherine (Hillary Baack), ahora una madre casada de los suburbios con claros anhelos de algo más. Se conocen por casualidad en el tren desde Toronto y luego se reúnen en la ciudad para tener una conversación sincera. En contraste con las negociaciones tácitas más complicadas con su familia, la aceptación de Katherine de su nueva identidad es incuestionable e incondicional (“Pareces igual, sólo que más tú”, observa con ternura), y entre ellos se despierta un deseo realineado.

Este romance tentativo es conmovedor, pero abordado tímidamente: Katherine nunca se enfoca completamente como un personaje fuera de su relación con Sam, que a su vez está dibujada con suaves pinceladas pastel, mientras que el piano escaso y las cuerdas tristes de la partitura (compuesta por Savage con Oliver Coates) debe llenar algunos vacíos emocionales. Las historias de una frágil ruptura familiar y una chispa de una segunda oportunidad no encajan del todo, aunque le brindan a Page un espectro completo de sentimientos para jugar: duro y suave, cauteloso y desatado, combativo y seductor. Para cualquier espectador que haya perdido el contacto con la estrella, es un feliz reencuentro.

El viaje del cineasta nepalí Min Bahadur Bham para realizar el título de la competencia berlinesa “Shambhala” fue arduo pero finalmente gratificante.

El cortometraje de Bham de 2012, “Bhansulli”, debutó en Venecia. Su primer largometraje, “Kalo Pothi” (también conocido como “La gallina negra”, 2015) ganó el premio Fedeora a la mejor película en la Semana de la Crítica de Venecia y se convirtió en la entrada oficial al Oscar de Nepal. Desde entonces, ha sido un proceso de nueve años hacer realidad “Shambhala”.

El cineasta dice que después de “Kalo Pothi” le llevó mucho tiempo escribir el guión de “Shambhala”, que pasó por 45 borradores. También quería experimentar laboratorios, mercados y residencias globales que no había tenido en su primer largometraje. Entre ellos se encontraban el Asian Film Market de Busan, la Cinefondation Residence de Cannes y Open Doors de Locarno. Cuando estuvieron listos, tomó un tiempo encontrar el elenco y las ubicaciones adecuados y, una vez finalizados, llegó el COVID-19.

“Shambhala” –un reino místico y sagrado en el budismo tibetano, también un área de importancia en el hinduismo, que significa un lugar de paz– comienza en una aldea poliándrica del Himalaya en Nepal, donde Pema, embarazada, se enfrenta al escrutinio mientras su primer marido, Tashi, desaparece en un Viaje comercial a Lhasa. Acompañada por su marido de facto, el monje Karma, se embarca en un viaje para encontrarlo, evolucionando su búsqueda hacia el autodescubrimiento y la liberación.

Bham tuvo la idea de “Shambhala” antes de “Kalo Pothi” y las razones por las que quiso hacer la película son profundamente personales. “A una edad muy temprana dejé mi casa y tuve este dilema sobre la espiritualidad, las cosas materialistas y también en términos de la relación que tenía con mi familia”, dijo Bham. Variedad. “Era mi dilema personal, preguntas, confusiones sobre la reencarnación, sobre este viaje espiritual. Eso realmente me persiguió a la hora de crear la película”.

Bham dice que los amplios paisajes de la película, representados en tomas contemplativas, invitan al público a habitar el paisaje emocional de Pema, experimentar su soledad e introspección de primera mano y sirven para reflejar su mundo interior. «Siempre corremos hacia cosas materialistas, pero nos olvidamos de ver que tenemos las mejores cualidades dentro de nosotros», dijo Bham. “Para ser feliz, es mejor simplemente mirar dentro de ti y encontrarás tu propia felicidad que guiará tu vida y te hará la vida muy fácil. Esa era la idea central y el mensaje que realmente quería transmitir”.

Al igual que su protagonista, el proceso de Bham también fue interno y externo. “Al ser un director, estaba contando una historia con una protagonista femenina. Ese fue el mayor desafío interno para mí como cineasta, porque de alguna manera tenía que intentar encontrar el equilibrio y la sensación definitiva de ser un lado femenino de mi propio personaje”, dijo Bham. Otro desafío fue aprender el idioma tibetano, en el que se desarrolla la película, y los matices culturales y religiosos retratados, que son completamente diferentes del propio sistema de creencias de Bham.

La película se rodó en la región del Alto Dolpo del Himalaya, entre Nepal y el Tíbet, uno de los asentamientos humanos más altos del planeta. El elenco y el equipo sufrieron mal de altura y condiciones de frío extremo. La región no tiene electricidad y el combustible más cercano para alimentar los generadores estaba a cuatro días de camino. Todos los ordenadores portátiles de la unidad, excepto uno procedente de Francia, se negaron a funcionar en el lugar. Además, un actor se rompió una pierna, miembros del equipo resultaron heridos y el propio Bham tuvo un accidente de motocicleta. «Fue una situación extremadamente difícil», dijo Bham. «Durante el tiroteo hubo muchos rescates en helicóptero».

Bham describe la aventura como una “experiencia de aprendizaje vital” para él, su elenco y su equipo. Dice que se transformó mucho y creció como un “ser humano adecuado”, mientras que varios miembros de la unidad se volvieron vegetarianos y dejaron el alcohol. «Cuando miro hacia atrás, es muy interesante, aunque fue un gran desafío en ese momento, pero ahora tengo muy buenos recuerdos», dijo Bham.

“Shambhala” es la primera película nepalí que compite en un festival importante y la primera película del sur de Asia en tres décadas en la competencia principal de la Berlinale. La película, producida por Bham, lo reúne con su productora de “Kalo Pothi”, Catherine Dussart, quien actúa como coproductora junto a Verona Meier, Shuk Fong Chong, Zeynep Koray, Justine O. Bibhakar y Sunder Shakya, con Debaki Rai, Liao Ching. -Sung, Roger Huang, Ruben Thorkildsen, Can Aygor y Salina Shakya como productores ejecutivos y Rajesh Prasad Khatri, Jeremy Chua y Lee Chi Lin como productores asociados.

La película es una producción de Shooney Films (Nepal) en coproducción con CDP (Francia), Ape&Bjørn (Noruega), Aaru Production (Hong Kong), ZK Films (Turquía), Yi Tiao Long Hu Bao (Taiwán), Bangdel y Shakya Production. (A NOSOTROS).

El elenco incluye a Thinley Lhamo, Sonam Topden, Tenzin Dalha, Karma Wangyal Gurung, Karma Shakya, Loten Namling, Janga Bahadur Lama, Tsering Lhamo Gurung y Tsering Choeble Towa.

Best Friend Forever se encarga de las ventas internacionales.

Cuando el ejército de Myanmar derrocó al gobierno democráticamente elegido el 1 de febrero de 2021, se esperaba que ganara rápidamente. Pero los generales estaban muy equivocados. Habían subestimado la resistencia de su propio pueblo. Tres años después, la junta militar está envuelta en tantos combates en todo el país -sufriendo amargas derrotas- que las críticas son cada vez más fuertes incluso entre los partidarios del régimen. La atención se centra en el comandante en jefe y autoproclamado jefe de gobierno, Min Aung Hlaing.

El director Denny Tedesco anteriormente obtuvo un éxito entre los fanáticos de la música con su película de 2008 “The Wrecking Crew”, un documental sobre el batallón de músicos de estudio de la década de 1960 cuyos nombres eran poco conocidos incluso entre los conocedores, hasta que estos soldados desconocidos comenzaron a recibir silenciosamente sus debidas décadas. más tarde. Aunque pasaron otros 15 años después de que esa película se hiciera realidad, Tedesco tuvo una opción fácil para una secuela no oficial. “Immediate Family” se centra en un grupo más pequeño de músicos que pronto dominaron la escena discográfica de Los Ángeles y que, durante un tiempo, fueron conocidos colectivamente como la Sección. Una cosa que tenía la película anterior y que esta no tiene es una sensación de injusticia corregida, porque seamos realistas: en la década de 1970, todos sabían sus nombres.

Bueno, no exageremos, tal vez no del todo. todos se dedicó a acariciar los envases de LP y devorarlos en busca de información, incluso en la era de los medios físicos. Pero con productores como Lou Adler y Peter Asher y artistas como James Taylor, Carole King, Jackson Browne y Linda Ronstadt de repente poniendo los nombres de los jugadores en las carátulas interiores por primera vez, fue imposible hacer ni siquiera un breve escaneo de la carátula del álbum. y no notar que los mismos nombres repiten una y otra vez: el baterista Russ Kunkel, el bajista Leland Sklar y los guitarristas Danny “Kootch” Kortchmar y Waddy Wachtel. Si el reconocimiento no se ha pospuesto exactamente para estos cuatro, “Immediate Family” no necesita una narrativa de redención para servir como un sistema de entrega de placer de 100 minutos para cualquiera que tenga un cariño residual por la época dorada de los cantautores de la costa oeste. . Los fanáticos de discos clásicos, desde “Tapestry” hasta “Running on Vacuum” y más allá, deberían encontrar mucha satisfacción al ponerle cara a los nombres de las notas. (O al menos una barba, en el caso del muy hirsuto Sklar).

Dejando a un lado todos los hilos narrativos, algunas de las mejores partes de la película llegan cuando Tedesco captura a estos cuatro tipos con auriculares puestos, tocando algunos de los sencillos más famosos en los que actuaron, a menudo desvaneciendo la banda sonora completa solo después de haber tenido una oportunidad de escuchar la parte aislada. Lo interesante es que a veces los riffs y licks son inmediatamente reconocibles fuera de contexto, pero en otros casos parecen incongruentes con el clásico terminado, incluso cuando los escuchas fusionarse. Tal es el misterio de las grandes pistas rítmicas, que poder saltan al frente de su conciencia, pero normalmente no están destinados a anunciarse.

Cuando Kunkel toca la batería junto con “Fire and Rain” de Taylor, recrea una parte tan subliminal que no parece coincidir en absoluto con lo que recordamos de la canción, hasta que llega a su enfático relleno de tom-tom en la coda, en la que En ese momento dices: «Oh, por supuesto». Pero cuando Sklar toca la parte del bajo en “Your Smiling Face” de Taylor, probablemente puedas nombrar esa melodía en cinco segundos. Los solos, por supuesto, son lo suyo. Kortchmar, hablando de su guitarra solista en “It’s Too Late” de King del 71, dice: “Me alegro de no haber tenido otra oportunidad de tocar ese solo porque me habría orinado en los pantalones al darme cuenta de que todos iban a escucharlo. . No sabía que la iba a escuchar en cada supermercado, en cada farmacia, para siempre”.

La historia de cómo estos chicos se conocieron y se fusionaron en los años 70 (a veces jugando como una unidad, a veces entremezclándose en diferentes configuraciones con otros gatos del estudio) no es intrínsecamente fascinante, sobre el papel. Así que es mérito no sólo de Tedesco sino también de los editores Justin Williams, Chris A. Peterson y Ryan Ninenly que “Immediate Family” siga avanzando como un tren de carga de roca blanda, confiando no sólo en la química de entonces y ahora entre los cuatro jugadores principales, pero también en nuestro entusiasmo por saltar con ellos a la siguiente historia de la sesión de celebridades. Warren Zevon ya no está presente para contar historias, pero de todos modos tenemos una buena sobre cómo los “Hombres lobo de Londres” impulsados ​​por Wachtel pasaron por más de 60 tomas agotadoras que duraron toda la noche antes de que alguien se diera cuenta de que habían vuelto a clavarlas en el segundo intento. (Ahora hay un cuento tan antiguo como el tiempo.)

Más tarde, Wachtel confirma algo que quizás ya sospechabas desde hace tiempo: que a veces se les ocurrían estas partes en el estudio sin pensar en lo agotador que podría ser recrearlas en la carretera, como fue el caso del sencillo pero agotador riff que abre Stevie Nicks. “Edge of Seventeen”, que le gustó tanto que a veces dejaba solo al guitarrista para que la repitiera durante varios minutos antes de subir al escenario. (“No hay nadie que toque las corcheas mejor que Waddy Wachtel”, dice el productor Val Garay, en el tipo de aparte de béisbol en el que destaca la película).

Inicialmente, las personalidades del cuarteto pueden mezclarse un poco, en sus humildes evaluaciones de sus propias proezas o en su agradecida sumisión a los artistas que los pusieron en el mapa. “Mi mantra es que todo está grabado en el barro”, dice Sklar, hablando de su maleable falta de voluntad para experimentar hasta encontrar lo que la persona de la portada necesita. Su amabilidad compartida es un testimonio de cómo los chicos agradables salen adelante, pero aún así, es un poco de alivio cuando Carole King habla de falta de ego y Kortchmar la contradice, señalando que tiene uno enorme.

De hecho, Asher describe al guitarrista, que comenzó a dedicarse a la producción y la composición en los años 80, como «una de las personas más obstinadas que he conocido», y Kootch habla de su colaboración extremadamente fructífera pero necesariamente limitada en el tiempo con Don Henley en el Años 80, cuando “me despidieron tres o cuatro veces en el transcurso de los tres álbumes que hicimos”. (Henley aparece gentilmente ante la cámara para elogiar a Kortchmar, a pesar de sus enfrentamientos). Estos son jugadores por excelencia del sur de California, pero es divertido ver cómo al menos uno de ellos nunca sacó algo de esa irascibilidad de la ciudad de Nueva York de su sistema.

Es una película despreocupada, por lo que no se centra tanto como podría haberlo hecho en el final de una era. La aparición de MTV, DX7 y cajas de ritmos (e incluso el posible “fin del rock ‘n’ roll”) se invoca ominosamente durante un minuto, sin dejarnos saber cuán personalmente se lo tomaron los chicos cuando una nueva guardia de creadores de éxitos digitales arrasó. El sonido de Los Ángeles sale por la puerta. (Obviamente, todavía funcionan, como puede atestiguar cualquiera que haya visto a Wachtel pasar por la ciudad en la gira en solitario de Nicks como su eterna mano derecha).

En cualquier caso, hay un final de bienestar incorporado y bien merecido, ya que a finales de la década de 2010 los cuatro formaron una nueva banda con el guitarrista de próxima generación Steve Postell, bajo el nombre de Immediate Family. Ver a chicos de unos 70 años empezar de nuevo, 45 años después de que su amigo Jackson advirtiera que todo el mundo se estaba quedando sin nada, es una agradable nota de gracia para la película definitiva.

La impresión de impecabilidad es un estándar difícil de mantener. Es lo que el público espera de Beyoncé desde que debutó como una cuarta parte de Destiny’s Child en 1997, no sólo por su música y sus actuaciones que definen una era, sino porque las ejecuta con aparente facilidad. La sorpresa juega un papel: es parte de la razón por la cual su álbum homónimo, lanzado por sorpresa y sin precedentes en 2013, reescribió el manual de estrategia de lanzamiento para la industria de la música, y por qué su elaborado puesto como cabeza de cartel en Coachella en 2018 fue instantáneamente histórico. Ella es el listón, y lo ha sido durante la última década, y lo ha elevado una y otra vez.

“Renaissance” de 2022, un álbum centrado en la experiencia negra que se basa en gran medida y está en deuda con la cultura de salón y queer, llegó con un lanzamiento más tradicional: “Break My Soul”, una bocanada de diva house del revivalismo de los 90, no fue exactamente en la dirección esperada, y aunque fue más polarizador que su otro trabajo reciente, conectó de una manera que muchos de sus álbumes no lo habían hecho, creando un sentido de comunidad entre sus fanáticos acérrimos mientras atraía a oyentes más casuales a su atrevido y libre. atracción gravitatoria.

«Siempre se ha tratado de usar mi arte y mi influencia para celebrar realmente todas nuestras diferencias», dice durante una viñeta de voz en off en «Renassaince: A Film», la película de su concierto que entreteje una impresionante cantidad de imágenes de varias fechas de su disco. -Escenario de la gira mundial del Renacimiento. “Mi objetivo final es crear un espacio donde todos sean libres y nadie sea juzgado, y donde todos puedan ser como niños, su yo más sexy. Todos pueden estar en ese escenario. Ellos son la visión. Ellos son el nuevo comienzo. De eso se trata ‘Renacimiento’”.

“Renaissance: A Film”, que se estrenará en los cines AMC el 1 de diciembre, celebra a su comunidad, intercalando ingeniosas actuaciones con interludios que levantan el telón sobre lo que inspiró tanto el álbum como la gira. Escrita, producida y dirigida por la propia Beyoncé, la película de dos horas y media revisa el meticuloso espectáculo que, según ella, tardó cuatro años en crearse, destacando lo que el público vio en tiempo real y en las redes sociales (es decir, el coreografía pesada, las voces cortadas quirúrgicamente), pero también las vacilaciones y dudas que enfrentó mientras lo ensamblaba.

Una cosa es crear un vídeo casero o un documental estilo Netflix para una gira, los cuales Beyoncé ha lanzado en el pasado. El estreno en cines de una película de concierto es una tarea mucho mayor, aunque es seguro decir que tuvo el viento a favor para esta: al concluir a principios de octubre, la gira acumuló la asombrosa cifra de 579 millones de dólares en todo el mundo, con 2,7 millones de fans asistiendo. 56 fechas en 39 ciudades: la gira con mayor recaudación de un artista negro y la octava gira con mayor recaudación de todos los tiempos.

Además de las actuaciones deslumbrantes, la película presenta a Beyoncé hablando con franqueza sobre sus decisiones de una manera que los fanáticos de la música esperan de este tipo de películas de conciertos, y más recientemente alcanzó el máximo nivel cultural con el documental “Taylor Swift: The Eras Tour”. Su familia, por ejemplo, es una pieza central, con apariciones frecuentes de su madre Tina Knowles, su hija Blue Ivy Carter e incluso sus gemelos, Rumi y Sir. Pero también revela detalles sobre lo lejos que ha llegado como artista y hacia dónde se ve dirigiéndose, una creativa con una visión clara de lo que quiere lograr sin nada de «complacer a la gente» que describe como una antigua piedra angular de su enfoque empresarial. .

«El mayor crecimiento en mi arte se produjo al superar el fracaso, el conflicto y el trauma», dice. “Pero quiero que la próxima fase de mi vida venga de paz y alegría. Soy quien soy y me aceptas o no. Es un lugar realmente hermoso para estar como mujer… Es el mejor momento de mi vida. Pensé que estaba allí a los 30, pero no, está mejorando. La vida está mejorando. Pasé gran parte de mi vida complaciendo a la gente en serie y, finalmente, me importa un carajo”.

Uno de los momentos más conmovedores de la película se centra en su hija, Blue Ivy Carter, quien apareció en la gira para actuar con su madre en “My Power”. Beyoncé explica que solo quería que la niña de 11 años tuviera una sola cita, preocupada por su exposición a una edad tan temprana y dudando en darle la oportunidad sin haber tenido que trabajar para ello. Y luego, una de las amigas de Blue mostró críticas negativas sobre su baile en línea. Eso solo alimentó aún más su ambición, y Beyoncé detalla el crecimiento que vio a medida que avanzaba la gira. Lo presenciamos a través de clips unidos que muestran que la determinación puede ser inherente a la familia Knowles.

La visión del espectáculo “Renaissance” se ve claramente: incluye casi todas las canciones del concierto, y muchas de las actuaciones son montajes entre espectáculos separados con diferentes disfraces; la edición es cruda. Los cortes rápidos y fluidos de “Move” y los estrechos primeros planos de “Pure/Honey” son fascinantes, y la unión de las 56 fechas de la gira lo hace sentir unificado.

Pero la película realmente sobresale en su retrato de la vida más allá del escenario. Beyoncé invita a los espectadores a acompañarla en un viaje a su Houston natal, donde saborea la cocina local y visita la casa de su familia, descubriendo recuerdos perdidos en el tiempo. Ella habla de su tío Johnny, a quien canta mientras le hace el vestido en “Heated”, y su madre, Tina Knowles, describe su influencia en una joven Beyoncé y su hermana Solange. Pero también sabe cuánto dar y muestra vulnerabilidad de maneras que socavan pero enfatizan su perfeccionismo. Antes de la gira “Renaissance”, se sometió a una cirugía en la rodilla debido a un accidente en el escenario que ocurrió hace casi dos décadas, y la vemos en rehabilitación trabajando al doble de tiempo para poder actuar en el escenario.

«Estaba absolutamente aterrorizada porque tuvo que rehabilitarse muy rápido», dice Tina. “Ella ensayó sobre esa rodilla, salió de gira con esa rodilla, por lo que siempre tuve miedo de que se volviera a lesionar la rodilla, pero ella siempre es una soldado”. Corte a imágenes de puntos en la rodilla de Beyoncé. “Normalmente solo ensayo con tacones, pero debido a mi rodilla todavía no he llegado tan lejos”, añade Beyoncé. «Ha estado doliendo muchísimo, pero lo mejor que podemos hacer es volver a subirnos al caballo».

Y lo hace, literalmente. La resiliencia de Beyoncé es sólo uno de sus superpoderes, y ella simplemente hace caso omiso de las dificultades. Los aspectos más destacados incluyen a Beyoncé montada en su brillante caballo de discoteca sobre la multitud en “Summer Renaissance” y el momento durante “Energy” donde todos se quedan en silencio, cuando todo el estadio se queda en silencio, incluida Cardi B, cuya participación en el desafío se volvió viral. También vemos a Beyoncé como jefa, ya sea ofreciendo instrucciones sobre las armonías de los cantantes de respaldo o cómo los instrumentos de viento deben sonar en el momento justo. A veces, sobre todo cerca del final, los clips de la actuación pueden prolongarse, incluso cuando el arte está al más alto nivel. Es probable que los fanáticos no se cansen de verla, pero la larga duración de la película puede dejar inquietos a algunos espectadores.

Por supuesto, el público es un personaje principal de la película, y su reacción es tan entusiasta como cabría esperar: vemos lágrimas, atuendos llamativos y gestos de complicidad cuando Beyoncé canta ciertas letras, y eso se extiende a los miembros de su equipo, bailarines y cantantes. y músicos. Todos ellos la elogian en todo momento, aunque no es difícil ver por qué. Beyoncé analiza minuciosamente cada detalle pero lo toma todo con calma. Es agua que le corre por la espalda cuando el micrófono se corta durante una actuación (tiempo extra para hacer un cambio de vestuario espontáneo, sugiere un tramoyista) y ella culpa a no haber tomado su “sándwich previo al juego” y su inyección de ginseng de antemano.

A lo largo de “Renaissance”, como siempre, Beyoncé tiene el control total de su narrativa: esa impresión de perfección no ocurre por sí sola y, a pesar de la intimidad de la película, nunca logramos vislumbrar realmente detrás de la cortina. Es bastante saciante (hay lágrimas, risas y reflexiones) y ofrece bocados de lo que se necesita para ser una de las estrellas más importantes de la música. Es satisfactorio sin ser indulgente, pero sobre todo, es un monumento al estatus de Beyoncé como una de las figuras más duraderas del pop, y todo lo que se necesita para llegar allí.

En demasiados thrillers para contarlos, la escena clave, y la de mayor suspense, llega cuando el héroe o la heroína, investigando un derrame químico o un asesinato o lo que sea, se sienta frente a la computadora y se sumerge profundamente en una búsqueda en la web, el El trabajo detectivesco de la era de la información culmina con ese inevitable “¡Ajá!” momento del descubrimiento. Entonces aquí está donde conduce la oscuridad.

Hay una secuencia como esa en “Another Body”, un documental innovador, espeluznante, fascinante e importante sobre un fenómeno que sólo va a crecer en importancia: el deepfaking de la pornografía. Eso significa: sacar de la web imágenes de personas reales, cuyos rostros luego se injertan digitalmente en imágenes pornográficas para crear un archivo porno fraudulento que parece tan real como la realidad. ¿Boogie Nights? Pruebe las noches de robo de cuerpo y alma.

En “Another Body”, la figura central es Taylor Klein, un estudiante de posgrado en ingeniería de 22 años a quien le sucedió esto. Un conocido le envió un enlace a un vídeo pornográfico que se descubrió en Internet y que tenía su cara. Gran parte de “Another Body” está dedicada al miedo, la ira, la desesperación y el trauma de Klein tras descubrir este ultraje. Habría dicho «crimen», excepto que ella llama a la policía estatal y descubre que crear un deepfake, incluso uno pornográfico basado en mejorar la imagen de alguien, no es un delito en Connecticut ni en la mayoría de los demás estados. (Hay algunos estados donde sí lo es). A nivel federal, la Sección 230 de la Ley de Decencia en las Comunicaciones establece que las empresas quedan exoneradas de toda responsabilidad por este tipo de manipulación de imágenes. No hay mucho que Klein pueda hacer legalmente, lo que sólo aumenta su sentimiento de violación impotente.

Pero cuando Klein se recupera de la conmoción y el terror de lo que le han hecho, descubre algo: hay una mujer con la que era amiga en la escuela a quien también le hicieron esto. Y eso le da a Klein una corazonada: que el misterioso autor de los deepfakes es alguien a quien ambos conocieron en la universidad. (Nuestra idea inicial es que podría haber sido cualquier persona en la red mundial). Cuando Klein llama al enlace y encuentra el sitio porno al que está adjunto, reconoce un nombre familiar en un enlace adyacente. Un poco más de exploración revela que hay un círculo completo de mujeres que conoció en la universidad cuyas imágenes aparecen en deepfakes. Este momento de revelación, que parece sacado de una película de terror, es a la vez escalofriante y catártico. Le permite a Klein recuperar cierto control sobre su destino.

Según “Another Body”, el número de deepfakes que existen en Internet se duplica cada seis meses. Los investigadores dicen que habrá 5,2 millones de deepfakes en 2024; El 90 por ciento de ellos serán archivos pornográficos de mujeres no consentidos. Y eso sin mencionar cómo avanza la tecnología en sí. La película nos muestra ejemplos inquietantemente convincentes de deepfakes creados por lo que es, en esencia, IA. Aquí está el Dr. Lecter acercándose a la cámara en “El silencio de los corderos”, excepto que tiene el rostro de Willem Dafoe. Aquí está JFK en un viejo discurso en blanco y negro que dice «Lee mis labios». Aquí está el desquiciado Jack Nicholson de “El Resplandor”, excepto que miramos de cerca y la cara es la de Jim Carrey.

El factor de realidad de los deepfakes ya es sorprendente, pero es su propia convicción lo que le da a la tecnología deepfake un potencial singular para el abuso y la corrupción. Basta pensar en cómo puede funcionar (y funcionará) en política: la creación de imágenes falsas que parecen lo suficientemente genuinas como para engañar a multitudes. (Tal como están las cosas, una porción inquietantemente grande del pueblo estadounidense cree que Joe Biden se robó las elecciones…sin evidencia.)

El potencial de los deepfakes como una especie de arma pornográfica imprudente ya está en pleno apogeo. El porno deepfake de celebridades es una industria en crecimiento. (El documental muestra una lista de algunas de las actrices que ha explotado). Y cuando se trata de hacerle esto a la gente común, la tecnología tiene el potencial de arruinar vidas. En un momento, hay un intercambio en el sitio porno que Klein descubre que explica un poco cómo se hacen los deepfakes porno. Entras en la cuenta de Facebook o Instagram de alguien y extraes alrededor de 150 imágenes de esa persona; eso es todo lo que se necesita. Personalmente, creo que los deepfakes pornográficos deberían ser procesados ​​bajo la ley de robo de identidad, pero este es un caso en el que las reglas de nuestra sociedad están muy por detrás de la tecnología.

Dirigida por Sophie Compton y Reuben Hamlyn, “Another Body” es un documental de pequeña escala, más íntimo y personal que sociológico. La película no explora la pornografía deepfake con el tipo de testimonio de expertos sobre cómo funciona que marcó el muy buen documental de Netflix «Money Shot: The Pornhub Story». “Another Body” se ciñe principalmente al punto de vista anecdótico de Taylor Klein y su amiga de la universidad (y también víctima de deepfake) Julia Moreira, rastreando la investigación que los lleva a descubrir que los deepfakes de los que fueron víctimas fueron creados por Mike. , un joven de su círculo que era amigo de muchas de las mujeres. Era un tipo de amigo particularmente necesitado, que utilizaba a cada uno de ellos como una especie de terapeuta, y cuando alguno de ellos se cansaba (lo cual ocurría), se volvía contra ellos. Los deepfakes son, en parte, su retorcida venganza.

A medida que la identidad de Mike sale a la luz, la historia se ve impulsada por miedo y activismo a partes iguales. Sin embargo, tampoco es tan simple. Aproximadamente a la mitad de la película de 80 minutos, se revela que Klein y Moreira, estas dos mujeres que han hablado con tanta franqueza sobre su terrible experiencia, son en realidad figuras ocultas. Sus nombres están inventados; el lugar al que fueron a la universidad no es realmente el lugar al que fueron; y las imágenes que estamos viendo de ellos son, de hecho, deepfakes, creadas por actores que han proporcionado «velos faciales».

Esta revelación desorientadora hace varias cosas a la vez. Oculta las identidades de los sujetos, lo que la película presenta como una cuestión de seguridad fundamental. Ofrece una demostración gráfica de lo efectivos que pueden ser los deepfakes. Pero también hace que el documental que creíamos estar viendo parezca más lejano de nosotros. Lo acerca un paso más al drama y un paso más lejos de la realidad, haciendo que todo se sienta inquietantemente como un proyección. “Another Body” cuenta una historia vital sobre la pornografía y la privacidad, pero la película también se convierte en una demostración casi involuntaria de cómo los deepfakes crean no solo su propia realidad sino su propio valle inquietante, alejándonos de aquello que pretenden atraernos. dentro de. Lo que eso va a empezar a hacerle a todos nuestros cerebros es aterrador.

Si buscas una ley inviolable del cine, una que más o menos puedas llevar al banco, el Festival de Cine de Venecia acaba de confirmar una ley irónicamente deliciosa. Es esto: Murder le da la razón a Woody Allen. Eso ya lo sabíamos, por supuesto. Lo conocimos por “Crímenes y faltas”, un drama que fue impactante cuando se estrenó en 1989, y si lo ves hoy, sigue siendo impactante, porque el tema de la película no es sólo que la gente común y corriente comete asesinatos (nosotros ver eso en las películas todos los días). es que ellos parecer inquietantemente ordinario incluso mientras lo hacen, lo cual es un poco aterrador. Martin Landau, como un oftalmólogo burgués afable que contrata a alguien para matar a su amante, parecía estar interpretando a cada criminal aficionado inquieto, y el hecho de que se saliera con la suya fue la parte inquietante. Te hizo pensar: ¿Cuántas personas así hay por ahí?

“Match Point”, el thriller romántico de Allen de 2005, era un tipo de película similar pero diferente, que producía algo aún más subversivo. Te puso en la piel de un sinvergüenza total (un escalador social interpretado por Jonathan Rhys Meyers), te hizo desmayarte junto con él ante la novia de su nuevo cuñado (interpretada por Scarlett Johansson) y luego completó el viaje adúltero. con una escena de homicidio que habría dejado a Alfred Hitchcock hormigueando.

“Coup de Chance”, la nueva película de Woody Allen que se estrenó hoy en Venecia, completa lo que supongo que ahora podemos llamar la trilogía “Killer Inside Me” de Allen. Es otro drama que involucra un acto de asesinato instigado por un personaje que nos parece demasiado civilizado y “normal” para hacer tal cosa. Pero aunque Allen ofrece otra variación del tema, ha hecho una película que es tan diferente de las otras dos como lo eran entre sí. Ambientada en París, “Coup de Chance” se hizo con un elenco de actores franceses (la película está en francés, con subtítulos) y está arraigada en un hastiado conocimiento continental sobre cuestiones de amor, matrimonio, adulterio… y cómo deshacerse de los personas que están arruinando tu vida. La película tiene un tono alegre de alegría inexpresiva, incitado por su banda sonora de estándares de jazz de los años 60 y 70. No es una comedia, pero mientras la miras casi puedes ver a Woody Allen parado a un lado, riéndose de la locura humana que te está mostrando.

En los últimos años, el drama de la carrera de Allen ha quedado fuera de campo, relacionado con la negativa de las empresas a distribuir sus películas en Estados Unidos, todo ello debido a las acusaciones de abuso sexual formuladas contra él por su hija, Dylan. No se ha estrenado una película en Estados Unidos desde “Wonder Wheel”, en 2017. Eso significa que las dos películas que ha hecho desde entonces, “Rifkin’s Festival” (2020) y “A Rainy Day in New York” (2019), han No se han mostrado en Estados Unidos, pero los he visto y son espantosos. Ambas son comedias que se sienten como si Allen siguiera los movimientos de chistes, temas y tics urbanos “intelectuales” que ha hecho miles de veces antes. Ahora tiene 87 años y cuando se trata de comedia realmente ha comenzado a sentirse como si fuera un limón exprimido.

¡Pero drama! Esa puede ser otra historia. Mientras miras “Coup de Chance”, puedes ver que los personajes ocupan un entorno familiar del querido Manhattan de Allen (amplios apartamentos de buen gusto, una especie de efervescencia de clase charlatana), pero no hablan sobre el significado de la vida. y la decadencia de la cultura contemporánea y todas esas otras obsesiones de Allen, alguna vez vitales y ahora chirriantes. En realidad son más felices que eso. Es un alivio y un placer verlo escribir un guión que no está arraigado en la “neurosis”, sino que está lleno de actores vibrantes que siguen sorprendiéndonos.

Al menos uno de ellos, si entrecierras los ojos, podría parecerse al “personaje de Woody Allen”. Sería Alain (Niels Schneider), un escritor de ficción autocrítico con una chaqueta de tienda de segunda mano y una actitud de savoir faire romántico. En la escena inicial, camina por una calle llena de gente cuando ve a Fanny (Lou de Laâge), una mujer que conoció casualmente cuando iban juntos a la escuela secundaria en los EE. UU. Tal vez no era tan casual: estaba enamorado de ella – desde lejos. No tarda mucho en hacérselo saber. Pero el actor Niels Schneider no está haciendo una personificación divertida del Woody Allen francés de brazos ondulados. Es entusiasta y tres lindo, como un Justin Timberlake arrugado, razón por la cual Fanny acepta reunirse con él para almorzar. Bueno, tal vez también porque está empezando a tener una o dos dudas sobre su matrimonio.

Fanny estuvo casada una vez antes (con otro bohemio, es su tipo), pero él resultó ser un perdedor y ella se dejó arrastrar a un nivel más rico cuando conoció a Jean (Melvil Poupaud), un hombre de negocios tiburón. quien la trata como a una joya preciosa. En la mala versión estadounidense de esta película que seguía imaginando (al menos, durante algunas escenas), Woody Allen nos habría indicado que viéramos a Jean como un imbécil posesivo. Es ciertamente posesivo, pero Allen, al escribir su diálogo más entusiasta en años, también lo hace inteligente y romántico: un canalla, tal vez, pero dinámico y agradable. Podemos entender perfectamente por qué Fanny se casó con él. Sin embargo, cómo gana su dinero es un asunto de cierto misterio (él le dice que hace más ricos a los ricos), y hay una historia notoria, que apareció en los periódicos, sobre un socio comercial de Jean que simplemente… desapareció. .

Fanny ama a Jean y disfruta de su nueva vida de lujo, pero está un poco de mal humor por eso: los fines de semana de caza en el campo que le parecen aburridos, toda la charla con sus amigos ricos sobre el dinero. Se siente como en casa en el apartamento “bohemio” (bastante espacioso) de Alain, y tan pronto como él le prepara espaguetis allí, se besan. Su aventura ha comenzado y es seria.

Tan serio que Fanny, que de repente toma almuerzos largos, no cubre demasiado bien sus huellas. Lou de Laâge se parece mucho a Rachel McAdams y tiene una sensualidad sensata que es delicada y convincente. Podemos ver que Fanny está realmente desgarrada; ella no sabe muy bien lo que está haciendo, lo que le da dramatismo a la aventura. La otra cosa que le da dramatismo es que Jean, un perro astuto, puede sentir que algo está pasando. Contrata a un detective privado para que la siga y el asunto se descubre en unos tres minutos. Jean está roto. La pregunta es: ¿Qué va a hacer al respecto?

Lo regalaré (sin revelar nada más, y hay muchos giros por venir). Contratará a los mismos matones que mató a su socio comercial para asesinar a Alain y hacer que su cuerpo desaparezca en el Océano Atlántico. Sin despeinarse sin problemas. ¿Por qué es estimulante este giro morboso (la decisión de acabar con alguien que nos gusta)? Precisamente porque es tan cobarde. No parece un “giro cinematográfico”. Juega como alguien en la vida real, o tal vez alguien sacado de una novela de Patricia Highsmith, haciendo algo indescriptible, el tipo de acto que deja boquiabiertos a los tabloides colectivos. Y eso puede ser parte del poder de las películas.

Pero “Coup de Chance”, al igual que “Crimes and Misdemeanors” y “Match Point”, es también un drama moral. Quiere sopesar las consecuencias de la acción de Jean. ¿Podrá salirse con la suya? Parece que si. ¿Y qué efecto tendrá la eliminación de Alain en su relación con Fanny? ¿Empeorarlo o mejorarlo? Esa respuesta, en cierto modo, es parte de cómo la película toma la medida del crimen.

El título de «Coup de Chance» significa «Golpe de suerte» y se refiere al tema de la suerte que se abre paso a lo largo de la película. Alain sigue insistiendo en que todo en la vida es suerte. Jean dice que no hay suerte, que la hacemos nosotros. La verdad se encuentra en algún punto intermedio. Y la forma en que esto se desarrolla en la película es absorbente, emocionante y descaradamente satisfactoria. La pregunta que cabe hacerse ahora es: ¿Tendrá suerte Woody Allen con el “Coup de Chance”? Ha hecho la que es fácilmente su mejor película desde “Blue Jasmine” (hace 10 años), tal vez desde “Match Point” (hace 18 años). Es su largometraje número 50 y dice que puede ser el último. ¿Debería lanzarse en Estados Unidos? Como cultura, no me sorprendería demasiado si nos encontráramos debatiendo si ha llegado el momento de darle a Woody Allen, como cineasta, otro golpe de oportunidad.

«Pet Shop Days» de Olmo Schnabel, una historia urbana desperdiciada sobre una juventud desperdiciada, evoca los estudios de personajes de 16 mm con tomas robadas y destrozadas del cine independiente de los años 90, así como la obra bohemia del pintor y cineasta Julian Schnabel, su padre. Esto no es atribuible simplemente al hecho de que el joven Schnabel incluye una escena en la que sus personajes ven «Basquiat» de Julian de 1996, cuyos temas y tono distante (sin mencionar los acontecimientos de la vida real de Jean-Michel Basquiat) parecerían una obviedad. inspiración para su primer largometraje. Pero en una ausencia contemporánea de verdaderas historias de Nueva York contadas por cineastas aparentemente con más agallas que dinero, el recién llegado Schnabel se distingue con un debut que se siente táctil, real y convenientemente desagradable mientras intenta capturar las sensibilidades (si no siempre el sentido común). ) de veinteañeros.

Darío Yazbek Bernal (de “La casa de las flores” de Netflix) interpreta a Alejandro, un joven mimado y rebelde que se ha unido, tal vez de manera poco saludable, con su madre Karla (Maribel Verdú) bajo el control opresivo de su padre Castro (Jordi Mollà), un un bien establecido señor del crimen mexicano. Después de que su poco entusiasta intento de suicidio desemboca en un homicidio vehicular, Alejandro huye a Nueva York, donde conoce a Jack (Jack Irv), un joven de 20 años sin rumbo que vive con sus adinerados padres Francis (Willem Dafoe) y Diana (Emmanuelle Seigner) mientras trabaja en una tienda de mascotas. Navegando por la ciudad utilizando débiles contactos del imperio de su padre mientras se encuentra bajo la frecuente confusión del consumo de drogas, Alejandro seduce hábilmente a Jack antes de arrastrar al joven perdido a sus travesuras criminales.

A pesar de la imprevisibilidad de Alejandro, Jack rápidamente desarrolla sentimientos más profundos por su compañero, exacerbados por el descubrimiento de que Diana está recibiendo tratamiento médico por una enfermedad potencialmente mortal, y Francis ha comenzado una aventura con el tutor de su hermana, Andy (Camilla Rowe). Mientras tanto, Castro envía a su secuaz Walker (Louis Cancelmi) para recuperar a Alejandro de Nueva York y limpiar los restos de su hijo. A medida que los riesgos y las señales de alerta continúan acumulándose en torno a su futuro compartido, el dúo acuerda un plan desesperado para robar a un ama de casa adinerada.

Debido a que “Pet Shop Days” comienza con los eventos que precipitan el vuelo de Alejandro a Nueva York, es fácil cometer desde el principio el error de que él es el protagonista de la película. Pero Jack Irv, quien no solo interpreta a su homónimo en pantalla sino que coescribió la película con Schnabel y Galen Core, subvierte las expectativas al llevar lentamente a Jack al primer plano para un estudio del personaje que termina siendo aún más nítido y resonante que el de su volátil contraparte.

Mimado por sus padres ricos, Jack trabaja sin obligaciones. Está perdido en un mar de demasiadas opciones sin un punto focal claro, el subproducto de que le digan que puede hacer lo que quiera o lo que se proponga, y no recibir disciplina para intentarlo. La tienda de mascotas ocupa el tiempo de Jack, pero no lo estimula ni lo desafía, por lo que, aparte de un tenue coqueteo con Andy, que es solo unos años mayor que él pero mucho más equilibrado, está inquieto por comenzar una vida que ni siquiera puede. imaginar.

Por el contrario, Alejandro intimida a Jack hasta lograr la complicidad (y una versión febril del amor) dándole una dirección impredecible que resulta bienvenida aunque sólo sea porque, de otro modo, no existe en su vida. El joven fugitivo odia a su padre casi tanto como cualquier cosa en su vida que parezca imponer reglas, incluida su sexualidad, que sólo define con desdén. Sin embargo, su comportamiento es todo un intento petulante de vengarse de Castro (y llamar su atención), así como de navegar su culpa por el crimen involuntario que cometió. La diferencia que surge entre los dos es la brújula moral subdesarrollada de Jack, que lo impulsa a contrarrestar (aunque no con mucho éxito) las empresas criminales de Alejandro.

Si su delincuencia compartida (frente a la riqueza mutua y el exceso de indulgencia de los padres) no hace que ninguno de los dos sea particularmente agradable, Bernal e Irv aprovechan las circunstancias de los personajes para hacernos comprender e incluso simpatizar con su difícil situación. Schnabel ayuda enmarcando el comportamiento de Alejandro con la siniestra infraestructura y los recursos de los negocios de su padre, pero Bernal utiliza la voluble mal humor del personaje para mostrar la influencia tira y afloja de crecer bajo el férreo control y la indulgencia financiera de Castro. Irv, por otro lado, interpreta a Jack, más dulce y un poco más tonto que su posible amante. El joven actor también comunica cómo el amor juvenil obliga a las personas a ignorar las señales de alerta, muy posiblemente algunas de las mismas que hicieron los padres de Jack y Alejandro cuando se involucraron por primera vez.

En una era de redes sociales y terapia de pared a pared en las relaciones entre padres e hijos, Schnabel captura la energía de los adultos jóvenes a quienes se les brindan todas las oportunidades para vivir con éxito pero nunca han estado adecuadamente preparados: las vidas de Alejandro y Jack inicialmente están libres de consecuencias reales, y se unen porque ambos buscan algo que no pueden identificar. Mientras tanto, el director de fotografía Hunter Zimny ​​evoca una versión un poco menos sórdida del look de “Kids” de Larry Clark, aplicando a cada espacio la misma voracidad que Alejandro aplica a sus conocidos, parejas románticas y contactos criminales para una sensación de peligro inminente. Aunque no es la gran manzana de Abel Ferrara o Martin Scorsese, Schnabel captura un realismo callejero sorprendentemente crudo (incluso si las calles existen principalmente en el Upper East Side de Nueva York) que durante mucho tiempo se ha sentido ausente de las pantallas.

Dicho esto, Schnabel y sus colaboradores escritores dejan sin resolver un puñado de detalles intrigantes de la trama, algunos que no necesitan serlo, pero otros que podrían haber fortalecido las relaciones y los temas de la película. A diferencia de la relación central entre Jack y Alejandro, aquí hay mucho más de bueno que de malo, y nuevamente el enfoque del director hacia los personajes y el mundo que habitan se siente visceral de una manera que pocas películas lo son en estos días. En consecuencia, aunque el debut de Olmo cuenta la historia de dos jóvenes que luchan con la enorme influencia de sus padres, “Pet Shop Days” posee la creatividad y la sensibilidad de un cineasta que ya parece capaz de ocupar el centro de atención por sí solo.