Furiosa, una precuela de Mad Max: Fury Road, tiene un nuevo avance ahora, y es absolutamente épico. No sólo eso, sino que las entradas para la película dirigida por George Miller ya están a la venta.

Furiosa está protagonizada por Anya Taylor-Joy como el personaje principal, Furiosa, interpretada por la ganadora del Oscar Charlize Theron en Fury Road. Chris Hemsworth interpreta al antagonista principal, Dementus. Furiosa es una película independiente de Mad Max que profundiza en los orígenes de Furiosa y, como muestra este nuevo avance, hay mucho que saber sobre quién es Furiosa y de dónde viene.

«Mientras el mundo cae, la joven Furiosa es arrebatada del Lugar Verde de Muchas Madres y cae en manos de una gran Horda de Motociclistas liderada por el Señor de la Guerra Dementus», se lee en una línea de la descripción de la película. «Atravesando Wasteland, se encuentran con la Ciudadela presidida por The Immortan Joe. Mientras los dos Tiranos luchan por el dominio, Furiosa debe sobrevivir a muchas pruebas mientras reúne los medios para encontrar el camino a casa».

Alyla Browne y Tom Burke también protagonizan Furiosa. Miller también coescribió el guión con Nico Lathouris de Fury Road. Detrás de la cámara, Furiosa trae de vuelta a varias personas del departamento de vestuario que ganaron premios Oscar por Fury Road.

Furiosa se estrena en cines el 24 de mayo, justo a tiempo para el fin de semana largo del Memorial Day en Estados Unidos. Sin embargo, los mercados internacionales recibirán la película primero a partir del 22 de mayo.

La película tuvo su debut en Sydney, Australia, el 2 de mayo. Es la película más grande jamás filmada en Australia y recibió exenciones fiscales por filmar allí.

Para la primera vez que Zendaya como copresidenta de la Met Gala, decidió usar no uno, ni dos, sino tres vestidos. ¿No suelen cambiar las celebridades? Sí, pero normalmente es después de que termina la gala y se dirigen a las fiestas posteriores. El primer look de Zendaya fue un vestido de organza con forma de sirena con pájaros metálicos, hojas y más signos de la naturaleza de John Galliano para Maison Margiela. (Era una reinterpretación de un vestido de Dior de la primavera de 1999). La actriz trabajó con su estilista de toda la vida, Law Roach, para idear este look.

El primer vistazo de Zendaya.
Foto: Día Dipasupil/Getty Images

Y justo cuando pensábamos que habíamos visto a todos los que venían caminando por la alfombra, se acercó un espectacular tocado con ramo de flores: Zendaya se comprometió a tener otra gran entrada, esta vez vistiendo un vestido negro de seda de Givenchy Haute Couture primavera de 1996. Vestido de hombro diseñado por Galliano. Los detalles del vestido eran complejos, desde el corsé hasta los volantes de encaje. El tocado era un accesorio de la colección primavera de 2007 de Alexander McQueen. El compromiso total de Zendaya de desafiar la alfombra dos veces es impresionante, especialmente considerando que su maquillaje era completamente diferente para cada look. Para el primer vestido, su maquillaje inspirado en Galliano presentaba cejas finas, sombras de ojos rojas excesivas que se derramaban sobre sus mejillas y un labio oscuro. Cuando llegó por segunda vez, su maquillaje era suave y natural, con las mejillas sonrojadas y el labio apenas visible.

Tercer look de Zendaya.
Foto: Kevin Mazur/MG24/Getty Images para el Museo Met/

¡Pero eso no es todo! Mientras estaba dentro del Met, Zendaya se presentó junto a sus copresidentes, Jennifer López, Bad Bunny y Chris Hemsworth, con un vestido ceñido al cuerpo bordado a medida de Celia Kritharioti, la casa de alta costura más antigua de Atenas, Grecia. El vestido tenía un escote profundo, una silueta que podría considerarse una de las firmas de Zendaya. Era la primera vez que no usaba un look de John Galliano (incluso usó uno en la cena previa a la Met Gala en la casa de Anna Wintour). Es seguro decir que ella y Law Roach tuvieron una historia de amor con Galliano este año, como muchas otras celebridades, pero a diferencia de todos los demás, la apariencia de Zendaya no terminó con sus vestidos de fantasía de Galliano. Cuando eres Zendaya, eso es exactamente lo que haces. Y sí, ella cambió. de nuevo para after-party como todo el mundo. Asistió a la fiesta posterior de Loewe con un vestido gris pizarra personalizado de Loewe.

Foto: Kevin Mazur/MG24/Getty Images para el Museo Met/

Agarrad vuestros bajos; Han pasado casi 10 años desde que se lanzó por primera vez “All About That Bass” de Meghan Trainor. Y para celebrarlo, la cantante interpretó el éxito pop que encabezó las listas nada menos que con Kelly Clarkson en el programa de esta semana. El show de Kelly ClarksonLa actuación de Kellyoke.

En YouTube (incluido arriba), Clarkson publicó un vídeo de adelanto de la próxima actuación de Kellyoke, un adelanto que Clarkson rara vez entrega antes de sus versiones de sus principales éxitos. El video consiste en el presentador del programa y Trainor calentando, armonizando juntos y sacudiéndose los nervios antes del trascendental dueto.

“Quiero vomitar”, cantó Trainor en broma, mientras ella y Clarkson estaban en lo que parecía ser una prueba de micrófono, Clarkson adornado con una bata de baño borrosa y con el cinturón impecable.

«Voy a vomitar, eso es lo que está pasando», continuó Trainor ante la cámara. «Estoy tan nervioso. Tengo que cantar con Kelly Clarkson. Mi canción.»

En 2014, la canción de Trainor «All About That Bass» rompió récords no solo como su sencillo debut sino también en su sello Epic Records, estableciéndose como el éxito número uno de mayor duración en la historia del sello, según Cartelera. Desde entonces, Trainor ha lanzado cinco álbumes de estudio y ganó dos Billboard Music Awards, un People’s Choice Award y un Grammy.

Aunque esta no es la primera vez que Trainor es invitado: el cantante apareció por primera vez en El show de Kelly Clarkson en 2019, esta es la primera vez que cantan juntos una de las canciones de Trainor.

“Estoy como deslumbrado mirando la pantalla”, dijo Trainor. “Somos Kelly y yo. ¿Qué estoy haciendo aquí?»

La modestia de Trainor no pasó desapercibida para los fanáticos en línea, quienes acudieron a la publicación de Instagram del mismo clip para expresar su entusiasmo y apoyar esta celebración de sus logros.

“Lo que más me gusta de ella es que Meghan Trainor olvide constantemente que ella también es famosa y que la gente se siente honrada de cantar con ella”, escribió un fan. «Ella no se ve a sí misma como la celebridad que el resto del mundo ve en ella».

Otros fanáticos han notado lo bien que combinan las voces de los dos cantantes.

“Una combinación perfecta de voces”, escribió otro usuario. «Guau.»

“¡¡Reinas!! ¡Esas voces! elogió a otro.

El show de Kelly Clarksonentre semana, consulte los listados locales

En el lapso de un episodio, «Discovery» hizo oficialmente historia de «Star Trek».

Tratada durante mucho tiempo como un misterio que dejaba todo en manos de nuestra propia imaginación, la revelación de Breen pone una cara específica a lo que anteriormente solo había sido un nombre… en realidad, haz que sean dos caras. Mientras Moll y L’ak llegan a un tenso enfrentamiento con Burnham y Cleveland Booker (David Ajala) a bordo de la versión del universo espejo del USS Enterprise mientras están atrapados en un espacio multidimensional (es una larga historia), los escritores tratan esto como el perfecto oportunidad de profundizar en el pasado compartido de los carroñeros. En una serie de flashbacks, descubrimos que L’ak era parte de la familia real Breen y fue deshonrado por su poderoso tío Primarca. Con la esperanza de volver a ganarse el favor de su pueblo, todos sus planes se ven trastocados por un tórrido romance con el entonces mensajero Moll. Con la espalda contra la pared y sin ningún otro lugar al que recurrir, los amantes eligen su propio camino y, en el camino, L’ak revela su aspecto más privado de sí mismo: su rostro de Breen.

Por supuesto, el episodio añade otro giro e introduce el concepto de que Breen tiene dos caras: una forma sólida y corpórea que pueden presentar a los demás si así lo desean, y una más translúcida. (En realidad, sólo se puede describir como más blando.) De hecho, este rostro espeluznante y completamente único simboliza una diferencia mucho más significativa, como aprendemos cuando el tío de L’ak llama a su rostro elegido un «insulto a tu herencia». Aparentemente, la mayoría de los Breen han ido más allá de esta forma «débil» y consideran que esto es una especie de paso en falso social. En tan solo unos minutos, descubrimos más sobre la cultura Breen de lo que jamás habíamos conocido.

Los nuevos episodios de «Star Trek: Discovery» se transmiten todos los jueves en Paramount+.

Respuesta rápida: El Qualcomm Snapdragon X Plus es un SoC ARM64, con CPU Oryon, GPU Adreno y NPU Hexagon, de la misma familia que el Snapdragon X Elite. El X Plus de Qualcomm debería ser una opción más asequible que complemente al X Elite, trayendo una CPU con 10 núcleos y características similares para las computadoras portátiles Windows on Arm.

¿Qué es el Snapdragon X Plus?

Anunciado el 24 de abril de 2024, el Snapdragon X Plus es un SoC de Qualcomm con un procesador (CPU) Oryon de 10 núcleos, gráficos integrados (GPU) Adreno y una unidad de procesamiento neuronal (NPU) Hexagon. Se espera que se lance junto con el X Elite «mediados de 2024». Debería proporcionar a los fabricantes de portátiles una opción más asequible que, no obstante, pueda ofrecer un rendimiento sólido para la informática, los juegos y la aceleración de la IA todos los días.

La UE ha vencido efectivamente una función de TikTok que el comisario digital de Europa describió como “tóxica” y “adictiva como los cigarrillos”. El propietario ByteDance dijo el miércoles que se suspendería la función de recompensa por ver de TikTok Lite. Ha sido un día brutal para TikTok cuando el presidente Biden firmó un proyecto de ley (también el miércoles) que obliga a ByteDance a vender las operaciones de la plataforma en EE. UU. o enfrentar una prohibición.

TikTok Lite, lanzado a principios de este mes en Francia y España, permite a los usuarios ganar recompensas viendo vídeos y dándoles me gusta. Luego pueden canjear sus puntos por beneficios del mundo real, como vales de Amazon o dentro de la aplicación, como la moneda virtual de TikTok, que se utiliza para dar propinas a los creadores. La Comisión de la UE dijo que la función de “tarea y recompensa” puede estimular un “comportamiento adictivo” en los niños.

«Nuestros niños no son conejillos de indias de las redes sociales», dijo el comisario de la UE, Thierry Breton al corriente en X (Twitter) el miércoles. «Tomo nota de la decisión de TikTok de suspender el ‘Programa de Recompensas’ #TikTokLite en la UE».

Sin embargo, añadió un comentario final para recordarle a ByteDance que no está fuera de peligro: «Los casos contra TikTok por el riesgo de adicción de la plataforma continúan».

Breton lanzó un tiro de advertencia a ByteDance a principios de esta semana, diciendo que la UE había abierto una investigación formal sobre TikTok por violar la Ley de Servicios Digitales (DSA). La legislación histórica, adoptada en 2022, brinda a los reguladores europeos la capacidad necesaria para imponer cambios significativos en las plataformas de redes sociales para proteger a los consumidores.

Las empresas que violen las reglas pueden arriesgarse a multas de hasta el seis por ciento de sus ingresos globales, suficiente para obligar a cumplir incluso a las empresas más ricas. La suspensión del miércoles marca el primer ejemplo concreto de cómo la UE utiliza los poderes de aplicación de la DSA para forzar cambios significativos en una plataforma social.

La investigación formal de la UE sobre TikTok Lite fue la segunda dirigida a la plataforma este año. Un caso anterior, iniciado en febrero, abrió procedimientos contra TikTok y Meta por su manejo de la privacidad y seguridad de los menores. El guardián señala que ambos casos siguen activos.

“TikTok siempre busca colaborar de manera constructiva con la Comisión de la UE y otros reguladores”, cuenta la plataforma Policy Europe X al corriente El miércoles. «Por lo tanto, suspenderemos voluntariamente las funciones de recompensas en TikTok Lite mientras abordamos las preocupaciones que han planteado».

Peter Morgan está interesado en rehumanizar la fuerza más deshumanizadora: el poder. La autoridad total, la riqueza extrema y los privilegios: estas cosas convierten a los seres humanos en símbolos, en entidades abstractas incluso para ellos mismos. Hay una razón por la que el gran éxito de Netflix de Morgan se llama La corona y no La reina, y no es sólo porque Morgan ya escribió esa película en 2006. Es porque, como los escritores británicos han entendido al menos desde Shakespeare, la ronda dorada subsume a la persona. En algún lugar debajo del cetro, el sello presidencial o los miles de millones hay alguien que siente necesidad, saborea el dolor, necesita amigos, pero también todo lo que está enterrado durante mucho tiempo comienza a descomponerse. Morgan ha hecho una carrera imaginando los deseos y dolores ocultos de los gobernantes de su país, al mismo tiempo que representa el fastuoso relleno ceremonial que los rodea y mantiene a la plebe sintonizada. Es una fórmula adictiva, y su propia política, como las almas de sus personajes, es marcadamente recesivo y ambivalente. Por un lado, ¿no es un buen ejercicio para la psique tratar de ver a otras personas, por famosas o imperfectas que sean, en su plenitud? Por otro lado, cada vez que soltamos un comprensivo “Awww” cuando Margaret Thatcher aparece en Balmoral con los zapatos equivocados, o hace el papel de aduladora niñera de su arrogante idiota de hijo, ¿estamos también embotando nuestros propios impulsos hacia el cambio estructural? Morgan era un antimonárquico cuando empezó a hacer La corona y al año de trabajar en el programa hablaba de haberse convertido en realista. Esto, como diría Shakespeare, debe hacernos reflexionar.

Una combinación similar de reticencia moral y fascinación por el estatus súper alto impregna la nueva obra de Morgan. Patriotas, que desplaza la lente del escritor de su Inglaterra natal al enorme enigma de Rusia. “En Occidente no tienes ni idea”, dice la primera persona que nos habla desde el escenario (una mezcla imponente y bastante concurrida de paseos de gatos rojos, largas mesas de poder, discotecas de mala muerte y curvas que parecen prisiones). pared de ladrillos diseñada por Miriam Buether; “Está dando… Bondage de empacado de carne con cinta LED”, dijo el amigo que vio el espectáculo conmigo). El orador es Boris Berezovsky (Michael Stuhlbarg, privado de cabello pero vibrando con energía), el oligarca ruso de la vida real que fue encontrado muerto en Londres en 2013. Las circunstancias que rodearon la muerte de Berezovsky siguen siendo un misterio, y Morgan no está aquí para aclararlas. cualquier cosa para nosotros. Su proyecto es complicar (y tal vez para muchos, simplemente informar) nuestra imagen del país que se ha vuelto cada vez más peligroso, aislado, autoritario y brutal bajo la presidencia indefinida de Vladimir Putin. “Piensas en Rusia como un lugar frío y sombrío, lleno de dificultades y crueldad”, nos dice Boris de Stuhlbarg antes de elegizar las peculiaridades y bellezas de su tierra natal. Si bien no pienso en Rusia de esa manera en absoluto, entiendo el punto: este es un lugar de Morgan, y vamos a estar desmontando fachadas culturales en busca de drama humano, especulando sobre qué constituye exactamente a los creadores de naciones.

En otras palabras, Patriotas es una obra de historia actual, y Morgan ha aprendido mucho del cuervo advenedizo: sus Berezovsky y Putin (interpretados por un Will Keen adenoideo y de mirada dura, cuyo parecido en el aura con el presidente ruso es a veces siniestro) contienen ecos de Falstaff y Hal, Marco Antonio y Octavio. Uno es ardiente, brillante, amoral e insaciable; el otro, deliberado y circunspecto, frío y húmedo como una criatura de una caverna sin ojos. Incluso si todo esto fuera ficción y no viviéramos en nuestro actual presente afligido por Putin, no haría falta mucho para descubrir quién va a subestimar a quién, y qué muro del castillo acabará siendo perforado por la caída y la muerte. La profesora de la Nueva Escuela Nina L. Khrushcheva (que también es bisnieta de Nikita Khrushchev) trabajó con Morgan como asesora en Patriotas y describió a Berezovsky como “el Rey Lear” del programa: “la figura más trágica que puedas imaginar”. Su tragedia es personal y, lo que es más convincente, nacional convertida en global: como el más poderoso de los oligarcas rusos en la década de 1990, Berezovsky estaba estrechamente relacionado con Boris Yeltsin y era responsable de elevar al poco glamoroso Putin: un burócrata de nivel medio, un “burócrata de escritorio”. -jockey” y “jobworth de la KGB”, primero al cargo de primer ministro y luego a la presidencia. Pero, como observa el Putin reptiliano de Keen, “una vez que un hacedor de reyes ha creado un rey, se ha creado un problema”. En la narración de Morgan de la historia, al intentar instalar una marioneta, Berezovsky libera a una bestia destructora del mundo.

La aplastante ironía es que Berezovsky se imaginaba a sí mismo como un arquitecto del futuro: “La ambición es la creencia de que el infinito es posible”, le dice a su antiguo maestro, el profesor Perelman (Ronald Guttman), antes de dejar la academia para aprovechar su trabajo en economía. teoría de la toma de decisiones en la realidad de hacer dinero. La obra de Morgan salta en el tiempo, mostrándonos a Boris en la cima (todo carisma y complacencia, novias menores de edad y malabarismos telefónicos al estilo Roy Cohn) junto con Boris en ascenso y Boris como un adolescente prodigio de las matemáticas, todo en el período previo a su inevitable caída. Incluso en el apogeo de su riqueza, sentado en lo alto de una montaña de acciones y yates, Berezovsky conserva de manera crucial una imagen de sí mismo como “un patriota que intenta despertar a Rusia después de setenta años de letargo”. En un momento dado, le dice a un joven y ambicioso comerciante llamado Roman Abramovich (Luke Thallon): «Los políticos no pueden salvar a Rusia… Nosotros, los empresarios, debemos hacerlo». Más tarde, al recién nombrado presidente Putin, le dice, con los ojos brillando con celo reconstruccionista: “La historia de Rusia y Occidente es una serie de oportunidades perdidas”.

PatriotasLos principales placeres son intelectuales. El trabajo de Morgan es reflexivo, a veces ingenioso y siempre alejado del juicio. Tiene la cualidad de ser interesante porque interesa, y en el corazón de su obra se encuentra la paradoja inherente a los grandes sueños de Berezovsky para su país: el capitalismo, la liberalización y la consolidación de amistades con Occidente serían personalmente excelente para un hombre ya rico. Cuando el Putin de Keen, tan sombrío y de mandíbula férrea como el Boris de Stuhlbarg es pícaro, hedonista y teatral, estalla que “los rusos honestos y trabajadores se están muriendo de hambre mientras un puñado de ‘cleptócratas’ no sólo son ricos, sino obscenamente ricos”, ¿cómo puede ¿No estamos de acuerdo con él? Por supuesto, el truco es que Putin, tan convencido de su propio patriotismo como Berezovsky, en realidad no se preocupa en absoluto por los rusos honestos y trabajadores; le importa el poder. Y a medida que su estrella asciende y la de Berezovsky se apaga, el multimillonario se convierte en un revolucionario improbable. Keen ganó un Olivier para el papel en Londres, y su Putin es un roedor de ojos saltones que visiblemente intenta cultivar un machismo físico casi cómico. Comprueba y vuelve a comprobar su postura frente al espejo; practica el andar rígido y con las piernas arqueadas de un vaquero, con un brazo sujeto al costado como si hubiera recibido una flecha en la batalla. En un momento, abrió tanto las piernas mientras ocupaba el centro del escenario que me reí a carcajadas; por alguna razón, me encontré pensando en ver a Michael Flatley en danza del río hace años y años. Cada vez que entraba, su camisa acampanada tenía un botón más desabrochado. El Putin de Keen es igualmente vergonzosamente descarado en su autoconstrucción. Sería divertido si no fuera profundamente una broma. Es la hija de Boris Yeltsin, Tatiana (interpretada por Camila Canó-Flaviá con irónico dominio de sí misma), quien lo evalúa con mayor precisión (y de manera más shakesperiana): “Se siente pequeño. Poco es peligroso. Según mi experiencia, lo pequeño sólo quiere ser percibido como grande”.

Aunque Morgan es muy perspicaz sobre el carácter, hay algo interesante en el centro de Patriotas que comienza a irritar a medida que la obra se acerca a su final. Esta no es una obra rusa; es una obra muy británica sobre Rusia, y Berezovsky de Morgan quizás tenga más razón de lo que él cree. En Occidente no tenemos ni idea. Nina Khrushcheva levanta una ceja ante la idea de que Berezovsky se suicidó (“Soy una de esas personas que piensan que se puede esperar todo de la KGB”). Alexander Litvinenko (aquí interpretado por Alex Hurt), que trabajó para Berezovsky tras denunciar y abandonar la policía secreta, fue envenenado con polonio. Los manifestantes, líderes de la oposición y artistas rusos están muertos, en prisión y en el exilio. En cierto punto, estos dejan de ser meros datos interesantes. Quizás en un contenedor más simple y austero, Patriotas podría haber superado parte de su elegante desapego, pero Rupert Goold es un director al que le gusta el flash, y el vestuario que agrega al guión en realidad no ayuda a su sentido de lo que está en juego real y presente. Hay muchos videos en la pared trasera, mucha luz LED roja, mucho humo y espejos literales: tiene zazz sin tener impacto psicológico o ético.

Sin embargo, la primera dirección escénica de Patriotas es: “Un escenario desnudo”. Mientras dejaba atrás las sombras de Boris y Vladimir, me preguntaba qué eso cómo habría sido la versión de su historia, y si podría haberse convertido en algo más que un ejercicio (en palabras de Morgan) de “fascinantes interacciones personales”; si, en su intento de tocar el alma rusa, podría haber pedido más de nuestro almas y arriesgó más de las suyas.

Patriotas Está en el Teatro Barrymore.

La última tanda de rumores deja bastante claro que este año llegará una PlayStation 5 Pro, pero ¿a alguien realmente le importarán unos gráficos 4K ligeramente mejores? Esta semana, la editora senior de Engadget, Jessica Conditt, se une a Cherlynn y Devindra para conversar sobre la PS5 Pro, así como su artículo sobre PlayDate dos años después de su lanzamiento. Se podría decir que Playdate es prácticamente lo opuesto a otra costosa consola de alta gama.

En otras noticias, hablamos de la muerte del robot hidráulico Atlas de Boston Dynamic y del nacimiento de un modelo digital completamente nuevo. También charlamos sobre el abrupto cierre de Possibility Space, un ambicioso estudio de juegos independiente.

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Temas

• Jess Conditt sobre los rumores de Playstation 5 Pro – 0:48

• Lo que piensa Jess sobre la innovadora computadora de mano de Panic, Playdate, 2 años después – 14:24

• El estudio de juegos independiente Possibility Space anuncia su cierre, el director ejecutivo culpa a las filtraciones en los medios – 27:29

• Otras noticias: Boston Dynamics presenta el nuevo robot Atlas totalmente eléctrico – 35:39

• Menteebot es un robot de tamaño humano impulsado por GPT que puedes controlar con lenguaje natural – 39:52

• NASA confirma que la casa de un hombre de Florida fue alcanzada por basura espacial – 44:06

• Sony (finalmente) cambia los confusos nombres de sus productos – 46:05

• Trabajando en – 50:35

• Selecciones de la cultura pop – 56:35

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Créditos

Hospedadores: Cherlynn Low y Devindra Hardawar
Huéspedes: Jessica Conditt
Productor: Ben Ellman
Música: Dale North y Terrence O’Brien

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El éxito de terror independiente “Late Night With the Devil” sigue el episodio de Halloween en tiempo real de un programa de entrevistas ficticio de los años 70, que rápidamente desciende a la locura. Los escritores y directores de la película, los hermanos australianos Cameron y Colin Cairne, se inspiraron en la sensación de emoción y peligro de los programas de entrevistas nocturnos de su juventud.

«Esos programas nocturnos eran muy emocionantes para nosotros cuando éramos jóvenes», dice Cameron Cairne. “Quedarse despiertos hasta tarde para mirar televisión era una especie de tabú, pero lo haríamos y veríamos cosas que los niños probablemente no deberían ver. Así que estábamos tratando de capturar esa vibra, así como el peligro de la televisión en vivo, su naturaleza sin guión”.

Con un presupuesto limitado, el dúo, junto con su equipo creativo, pudo crear su propio programa de entrevistas estadounidense apropiado para la época en Melbourne. El diseñador de producción Otello Stolfo estudió inmediatamente los programas nocturnos que esperaban emular, hasta el más mínimo detalle.

«Comenzamos a mirar programas como Johnny Carson, Dick Cavett y cualquier otra cosa que existiera en ese momento», dice. “Comenzamos a observar cómo funcionan sus decorados y todo lo demás. Sabía cómo había hecho estos conjuntos de entrevistas antes, así que tuve una idea. Observamos sus fondos, los acabados, los colores y las cosas y partimos de ahí. Dije: ‘Predominemos los marrones y los naranjas’”.

Al final, incluso después de redactar diseños precisos, Stolfo tuvo que recalibrar según el tamaño del proyecto.

“El dinero y el tiempo nos presupuestaron”, afirma. “Cuando me dijeron cuánto, dije: ‘Está bien, veamos qué podemos hacer’. Fue interesante, porque cuando hice mi primer diseño y lo envié para alojamiento inicial, superó con creces lo que tenía, por lo que tuvimos que repensar el proceso. Logramos algunas cosas inteligentes al buscar recursos para seguir adelante y al proponer nuevas ideas y nuevas formas de hacerlo. Así que ese fue el lado bueno de esto”.

Además de los decorados, los Cairne sabían que el trabajo de cámara debía reflejar una época específica de la televisión, por lo que contrataron a Matthew Temple como director de fotografía. Temple era un veterano de la industria con experiencia en rodajes en estudios con cámaras de pedestal a finales de los años 80.

“Desenterró sus viejos álbumes de recortes de los años 80 cuando era operador de cámara en prácticas”, dice Colin Cairne. “Era lo que todos los chicos de la vieja escuela de los años 60 y 70 le habían enseñado sobre cómo rodar televisión. Eso se convirtió en la Biblia para su equipo de cámara. Fue maravilloso verlos adoptar un nuevo estilo de filmación: tuvieron que desaprender cómo ser cinematográficos para hacer un programa de televisión auténtico. Incluso la iluminación: era cuestión de ir a todos esos viejos almacenes y desempolvar todas las luces viejas, cosas que no habían usado en 30 años, y arreglarlas. Fue así en todos los departamentos”.

Esta autenticidad era fundamental tanto delante como detrás de la cámara, ya que los hermanos sabían que, incluso cuando el público suspendía su incredulidad ante los sangrientos sucesos satánicos, cualquier elemento de la vida real que pareciera fuera de lugar inmediatamente sacaría al espectador de la experiencia.

«Solo recuerdo los micrófonos… teníamos estas conversaciones sobre los micrófonos apropiados para la época», dice Cameron Cairne. “Tenían que ser largos y delgados. Recuerdo que un día el departamento de utilería sacó unos micrófonos de color azul neón que parecían de plástico y pensé: ‘No, simplemente no creo que la gente vaya a comprarlos’. Necesitamos dedicarnos a esta idea de autenticidad en todos los departamentos”.

A pesar de los elementos táctiles del set, el equipo aún necesitaba mucha magia en pantalla para que la historia cobrara vida. Adam White, uno de los productores de la película que también supervisó los efectos visuales, dice que con un presupuesto de efectos visuales de 150.000 dólares, el equipo realizó casi 300 efectos visuales, dejando sólo unos 500 dólares por efecto. Ese presupuesto limitado inspiró mucha creatividad por parte del equipo.

«Vengo del cine de bajo presupuesto», dice White. “Simplemente haces que suceda. Así es como funciona. Descubriríamos cosas a lo largo del camino, aunque intentáramos planificarlo, y a veces puedes tener las mejores intenciones de pensar que sabes exactamente cómo va a suceder. Pero hasta que empezáramos a construirlo, y con las limitaciones de nuestro presupuesto, significaba que teníamos que encontrar soluciones básicas”.

En última instancia, Colin Cairne está encantado de que el diligente equipo haya hecho una película que resuene en el público y les brinde la misma alegría que el equipo sintió al trabajar en ella.

«Es una validación un poco surrealista», dice. “Hicimos la película hace casi dos años, al final de COVID. Todavía era una época bastante oscura. Estuvimos encerrados durante 100 días seguidos, varias veces. Así que salir de eso y poder hacer una película que ha sido un trabajo de amor durante años ha sido muy especial. Creemos que hemos hecho algo decente”.

Continúe desplazándose para ver el desarrollo del set y los dibujos detallados, así como fotografías del set, de “Late Night With the Devil”.