Lamentablemente, no hay clones de Tatiana Maslany (o sus «sestras») a la vista, pero «Orphan Black: Echoes» parece listo para servir un plato fresco de bondad de ciencia ficción. El mundo de la serie original siempre parecía estar listo para expandirse algún día, dadas todas las conspiraciones ocultas, clones rebeldes y asesinos siniestros que se esconden detrás de prácticamente cada rincón. Aunque la serie original concluyó con una reverencia ordenada y emocional después de cinco temporadas de montaña rusa, esta nueva serie de AMC podría elevar el listón aún más y (me atrevo a decirlo) dar el siguiente paso en la evolución de la franquicia.

«Echoes» proviene de la creadora, escritora, showrunner y productora ejecutiva Anna Fishko junto con el cocreador original de «Orphan Black», John Fawcett, quien regresa como director y productor ejecutivo. Además de Krysten Ritter, la serie está protagonizada por Keeley Hawes, Amanda Fix, Avan Jogia, Rya Kihlstedt y James Hiroyuki Liao. Los fanáticos pueden esperar que el episodio de estreno se transmita en AMC y BBC America (así como en AMC+) el domingo 23 de junio a las 10 p.m., hora del Este. Consulte la sinopsis oficial a continuación.

Ambientada en un futuro cercano, «Orphan Black: Echoes» se sumerge profundamente en la exploración de la manipulación científica de la existencia humana. Sigue a un grupo de mujeres mientras se abren camino en la vida de las demás y se embarcan en un viaje emocionante, desentrañando el misterio de su identidad y descubriendo una desgarradora historia de amor y traición. Ritter interpreta a Lucy, una mujer con una historia de origen inimaginable, que intenta encontrar su lugar en el mundo.

«La Suiza del mañana les invita hoy». Los organizadores de la Exposición Nacional Suiza de 1964 en Lausana hicieron publicidad con esta frase. El 30 de abril, el presidente federal Ludwig von Moos cortó una cinta de tela en el recinto de la Expo e inauguró la Expo 64. Y las campanas de las iglesias repicaron en todo el país. Eso fue hace 60 años.

Doce millones de personas visitaron la Expo 64. Más del doble de personas que Suiza en aquel momento. La Expo 64 ofreció numerosas atracciones en más de 600.000 metros cuadrados. Pero detrás de la atmósfera festiva surgieron líneas de falla.

Años antes de la inauguración, un trío en torno a Max Frisch había lanzado un contraproyecto a la exposición nacional bajo el título “Atención: Suiza”, lo que suscitó profundos debates. Más tarde, poco antes de la inauguración de la Expo, el Consejo Federal interfirió en el programa y provocó un escándalo.

Tras la apertura hubo decepción, especialmente en los círculos progresistas. Los intelectuales esperaban una exposición que abordara de manera más crítica el futuro del país. El «Observer» escribió que la Expo mostró un «espejismo de Suiza». El filósofo Arnold Künzli habló de una “neurosis del erizo”.

La Expo 64 era un Chilbi de gran tamaño. Representaba una Suiza de prosperidad económica, pero también exponía contradicciones y agitaciones sociales. Y, en última instancia, a los ojos de muchos, fue una oportunidad perdida.

Más que un Landi 2.0

La Expo 64 fue la tercera exposición nacional del siglo XX. Las exposiciones estatales de 1914 y 1939 coincidieron con el comienzo de las guerras mundiales. El llamado Landi acuñó en Zurich en 1939 el término “defensa nacional espiritual” al mostrar a Suiza como un pequeño Estado robusto que se había mantenido firme en las tormentas de la historia mundial. Como se demostró en la Expo 64, este motivo de defensa contra amenazas e influencias externas continuó hasta los años sesenta.

Entonces las guerras mundiales habían terminado. Por tanto, el ejército jugó un papel secundario en la planificación de los organizadores. A continuación intervino la Sociedad Suiza de Oficiales con el apoyo del ministro de Defensa, Paul Chaudet. El ejército todavía llegó a su propio pabellón, al que los visitantes llamaron «Erizo». Allí los militares mostraron modernos aviones de combate, armas y voluntad de defenderse.

El “erizo” simbolizaba las contradicciones de la Expo 64. A mediados de los años 60, Suiza pasó por el llamado “trente glorieuses”. En las tres décadas posteriores a la Segunda Guerra Mundial, la economía experimentó un auge. La prosperidad alcanzó a sectores más amplios de la población. Como demostró la Expo 64, el ambiente en la política todavía se caracterizaba por una retórica de espíritu militar, eficiencia y los viejos valores federales. Como si Suiza todavía tuviera que defenderse de una amenaza externa.

El presidente federal Ludwig von Moos afirmó que la Expo 64 debía tener “características claramente suizas” que también demostraran su valor en los nuevos tiempos. Tras la inauguración de la Expo, el “Swiss Film Newsreel” habló con razón de una oportunidad para la “autorreflexión”.

Sin embargo, los organizadores de la Expo 64 intentaron tener en cuenta los nuevos tiempos. Los pabellones se caracterizaron por la arquitectura moderna. Los organizadores destacaron los avances técnicos y económicos.

El Monorraíl, un moderno monorraíl de la época, conducía a los visitantes a través del lugar. El submarino «Mésoscaphe» de Jacques Piccard le llevará al mundo submarino del lago Lemán por 40 francos por persona durante 25 minutos. El submarino, más conocido como el «Cisne Blanco», Fue una primicia mundial y se convirtió en un símbolo de la Expo 64.

El Consejo Federal prescribió el conformismo

Sin embargo, el proyecto socialmente más ambicioso de la Expo 64 fue el llamado Juego Gulliver. Basado en el protagonista ficticio Gulliver de la novela de viajes de Jonathan Swift, una figura gigante del mismo nombre debía involucrar a los visitantes de la Expo en un debate sobre el estado de Suiza mediante tecnología moderna.

Dos años antes de la Expo 64, los científicos llevaron a cabo un estudio piloto representativo. 1.200 personas de Suiza respondieron un cuestionario. Se trataba de la ética del trabajo federal, los abortos, la negativa a servir, la posible adhesión a la CEE, el comunismo, la neutralidad.

El plan era que un personaje de Gulliver hiciera las mismas preguntas a los visitantes de la Expo. Luego, las computadoras recopilarían las respuestas y las publicarían continuamente. El Juego Gulliver habría reflejado el estado de ánimo del país en tiempo real. Gulliver habría sido un escéptico subversivo, como escribió el historiador Koni Weber. Pero los políticos no querían sorpresas.

El Consejo Federal intervino. Como resultado, los organizadores eliminaron preguntas sobre el aborto, la neutralidad y la negativa a servir. del catálogo. El Consejo Federal también prohibió publicar los resultados. El historiador Koni Weber escribió que el Consejo Federal había degradado al subversivo Gulliver a la categoría de «maestro de concursos inofensivo».

Umberto Eco, el escritor italiano de fama mundial, lamentó en una reseña el conformismo de la Expo 64. Escribió que la Expo cumple la función de una gran agencia de relaciones públicas. Y una agencia de publicidad no critica la política de la empresa.

Contra una política de inercia

Pero años antes de la Expo, los intelectuales intentaron suscitar un debate en la sociedad sobre las condiciones y las perspectivas de futuro en Suiza. En 1955, Lucius Burckhardt, Markus Kutter y Max Frisch publicaron “Atención: Suiza”, una alternativa radical a una exposición con pabellones y atracciones. Su sugerencia: en lugar de una exposición nacional, Suiza debería construir una nueva ciudad.

El trío de Frisch vio en Suiza una idea, algo innovador. Para ellos, la nueva ciudad era una antítesis del espíritu de la época predominante. Un contrapunto a la mayoría burguesa que, desde su punto de vista, seguía una política de inercia y estancamiento.

Burckhardt, Kutter y Frisch escribieron: “Nuestra debilidad (…) es el hecho terrible de que nosotros, como país, hemos dejado de pensar y diseñar durante años; Somos herederos y beneficiarios de una gran idea, sin vivir de nuestra propia idea”.

Como es bien sabido, Frisch y sus colegas nunca construyeron la nueva ciudad. Al menos la idea hizo pensar a Suiza. Más de mil artículos periodísticos y comentarios criticaron, elogiaron y discutieron la propuesta.

Quizás pronto el tema de una exposición nacional vuelva a estar en la mente de los medios suizos. Varios grupos de proyecto están trabajando actualmente en esto. Planes para una nueva exposición estatal.. El Consejo Federal espera compartir los gastos debido a la “desafiante situación presupuestaria”. Pero escribió que una exposición estatal podría fortalecer la cohesión del país y promover debates sobre el futuro.

Esto es lo que muchos suizos esperaban entonces, hace 60 años.

The Acolyte es el próximo programa de acción en vivo de Star Wars que llegará a nuestras pantallas, y parece algo muy diferente para la galaxia muy, muy lejana.

Por un lado, está ambientado en la era de la Alta República, que nunca antes se había representado en acción real. Y, como le dice la estrella Amandla Stenberg a Total Film en nuestro nuevo número que saldrá el jueves 25 de abril, que presenta a Furiosa en la portada, el programa Star Wars combinará lo antiguo y lo nuevo.

Star Trek El jefe creativo de televisión, Alex Kurtzman, lo dijo mejor cuando habló sobre el enfoque de ese universo para atender a diferentes tipos de fanáticos: “Honestamente, lo más importante ha sido que nunca queremos que nuestro Star Trek muestra sentirse repetitivo. No queremos que pienses que al mirar Descubrimiento, no deberías ver ninguno de los otros programas porque obtendrás todo de ese programa. Cada espectáculo es diferente”, continúa Kurtzman. “Así que para nosotros no se trata de hacer un programa que agrade a todos porque esa es la manera segura de no complacer a nadie. Se trata más de hacer un montón de programas diferentes que se dirijan a sectores específicos del grupo demográfico”.

Cuidado con la nostalgia

Sin embargo, mientras Guerra de las Galaxias Haría bien en basarse en los mundos de las tres trilogías, no debería centrarse simplemente en la nostalgia. Sí, eso suena como una sugerencia ridícula de un Emigrar perspectiva, dada la tercera temporada de picardo. Sin embargo, picardo funcionó porque usó la nostalgia exactamente de la misma manera que Guerra de las Galaxias Los fanáticos rechazaron. Cuando Luke Skywalker lanza el sable de luz al comienzo de El último Jedihorrorizó a muchos fanáticos mayores de la Trilogía Original.

Y, sin embargo, eso es muy similar a cómo Star Trek trató a Jean-Luc Picard en el aclamado último año de su serie en solitario. Si bien las dos primeras temporadas se inclinaron demasiado por derribar el modelo que alguna vez fue, la tercera temporada encontró el equilibrio perfecto. En el USS Titan, Picard mostró signos del liderazgo y la sabiduría que lo hicieron grande en La próxima generación, pero también mostró madurez y voluntad de aprender. A lo largo de la tercera temporada, personajes como Geordi y Ro Laren expresaron agravios razonables con Picard. Y al escucharlas y admitir sus faltas, faltas que alguna vez hicieron GNV El público aplaude, Picard se convierte en un personaje más interesante.

Fue una despedida perfecta que también dio paso al futuro potencial de la franquicia, con un nuevo Enterprise bautizado y listo para emprender un nuevo viaje. E hizo lo que esperaba hacer la Trilogía Sequel: pasar efectivamente la antorcha a una nueva generación de oficiales de la Flota Estelar.

Compare ese tratamiento de Picard con una de las devoluciones de llamada menos controvertidas de los últimos tiempos. Guerra de las Galaxias historia. Cuando Rey y Finn abordan el Halcón Milenario en La fuerza despiertason recibidos por Han y Chewie, que vuelven a ser los contrabandistas sinvergüenzas en los que estaban. Episodio IV, crecimiento cero o cambios en exhibición además de su edad. Claro, Han luego se disculpará brevemente con Kylo Ren por sus fracasos como padre, pero eso nunca se expresa visualmente en la pantalla. Y por muy agradable que sea ver a Harrison Ford invocar el carisma que lo hace grande, su Han mayor es una cifra, solo una devolución más al original. Guerra de las Galaxias en una película que suena como una versión de una canción.

Si Guerra de las Galaxias tiene la intención de construir su universo sobre la base de la saga Skywalker, entonces necesita reconocer que sus personajes populares tienen que crecer y cambiar con el tiempo. Rian Johnson tuvo el enfoque correcto con Luke en El último Jedi, ya sea que ciertos fanáticos se entusiasmaran con el nuevo status quo del personaje o no. Por supuesto, Luke tuvo que cambiar, crecer y aceptar nuevas lecciones, así es como funcionan los personajes, especialmente cuando la misión era claramente pasar la antorcha al siguiente trío de héroes. Es muy malo El ascenso de Skywalker volvió a tocar los éxitos e incrustar a su próxima generación de héroes en un Guerra de las Galaxias historia que ya había sido contada innumerables veces antes.

La empresa de ventas de documentales Rise & Shine, impulsada por el talento, se ha embarcado en “Fire Fire Fire” (“Feu Feu Feu”), el primer largometraje de la voz en ascenso suiza Pauline Jeanbourquin (“Dusk”), que se estrenará mundialmente en la sección de competición nacional de Nyon. Festival de documentales Visions du Réel. Variedad ha tenido acceso en exclusiva al tráiler internacional.

La poética y cautivadora historia sobre la mayoría de edad de una joven con talentos curativos, está producida por la destacada Close Up Films, con sede en Ginebra, acreditada por la candidata suiza al Oscar 2023 “Thunder” y como coproductora de la película Oscar- nominado «No soy tu negro».

“Disfruto trabajar en óperas primas, conocer una nueva voz, explorar y cuestionar lo que significa dirigir, descubrir cosas juntos. Es una responsabilidad que me llena profundamente”, afirma Flavia Zanon, productora y copropietaria de Close Up Films.

“Pauline se acercó a mí en 2019 y al instante me sentí atraída por el tipo de historias que quería contar y sentí que podía ser el socio adecuado para ayudarla a llevarlas a la pantalla. Me gusta su forma de ver el mundo, cómo es capaz de encontrar gracia en las cosas más pequeñas”.

Anja Dziersk, directora del festival de Rise & Shine, añade: “Es uno de los mayores desafíos para cualquier realizador de documentales capturar historias genuinas y auténticas sobre la mayoría de edad. Nos pareció bastante sorprendente lo que Pauline Jeanbourquin logra con ‘Fire Fire Fire’, y estamos seguros de que le ayudó el hecho de que ella todavía está bastante cerca de ese grupo de edad. Estamos felices de trabajar con este gran talento en su primera película”.

“Fire Fire Fire” sigue a la ordinaria pero extraordinaria Juliette, durante un campamento de verano de exploradores. La joven de 17 años acaba de terminar la escuela y aspira a ser partera. Pero ella es mucho más que eso. En las redes sociales, donde tiene más de 40.000 seguidores, “Junniverse” es conocida como “habladora de fuego”, un don que heredó de su abuela.

“Crecí en Jura, una región rural de Suiza donde la tradición de los curanderos es muy fuerte, y el tema siempre me intrigó”, explica Jeanbourquin a Variedad. “Quería contar la historia de estos ‘magos’ yendo en contra de la visión estereotipada que podríamos tener de ellos. Así es como llegué a contar la historia ordinaria de un adolescente con un don extraordinario”.

“Después de algunos años de investigación sobre el tema, Juliette apareció en mi cuenta de TikTok e inmediatamente encontré en ella el personaje que había soñado retratar desde el principio. Después de que nos conocimos, era obvio que tenía que acompañarla durante ese verano crucial después de la secundaria. Elegí seguir mi intuición y capturé la historia de la mayoría de edad de una bruja moderna”.

Para Jeanbourquin, la película “es también el retrato de una determinada generación: su relación con la fe y las creencias, su necesidad de darle sentido a un mundo que podrían percibir como desencantador y su necesidad de conectarse con otros a través de las redes sociales”.

Para ser una verdadera “mosca en la pared” y sumergirse por completo en la vida cotidiana de Juliette, Janbourquin la siguió a ella y a un grupo de jóvenes en un campamento de verano de exploradores. «Con mi pequeño equipo, sólo teníamos dos semanas para crear una película», recuerda. “Para mí era importante encontrar un buen equilibrio entre dejarlos solos, libres para que tuvieran sus propias experiencias y filmar. El desafío era escuchar sus necesidades, reajustándonos cada día, sin perder de vista la película a realizar”.

El cineasta contrató al experimentado director de fotografía Augustin Losserand para capturar los fugaces momentos del verano y los talentos curativos de Juliette. “Creo que Augustin tiene el don de jugar con la realidad y la luz natural para aportar magia a sus imágenes. Esta búsqueda de la magia fue nuestro lema durante todo el proceso”, dice Jeanbourquin.

La película ha sido coproducida por la cadena pública RTS (“son verdaderos campeones del documental y están dispuestos a arriesgarse con los directores emergentes”, afirma Zanon), con el apoyo de la Oficina Federal de Cultura, el Cinéforom y la Loterie Romande, con subvenciones adicionales de la SSA, Suissimage y MEDIA Desk Suiza.

Zanon, nacida en Nyon, espera presentar su película en Visions du Réel, que alimentó su amor por el cine y la realización cinematográfica. “Estrenar una película aquí es definitivamente algo especial, aunque sólo sea para que mis padres vean a qué me dedico”, bromea el productor.

La 55ª edición de Visions du Réel se celebrará del 12 al 21 de abril.

Lo que necesitas saber

• The Elder Scrolls V: Skyrim de Bethesda es conocido por su enorme y apasionada comunidad de modding, que ha estado creando miles de mods impresionantes para el juego de rol durante más de una década.
• Un nuevo mod para la versión para PC llamado «Skyrim Modern War Simulator» revisa la Guerra Civil de Skyrim entre los Imperiales y Stormcloaks agregando armas, tanques, aviones y más, junto con un cambio de imagen con temática de la Segunda Guerra Mundial para ambas facciones.
• El mod es, como era de esperar, completamente absurdo, aunque también es sorprendentemente divertido de jugar, especialmente porque puedes comandar tropas una vez que eliges una facción a la que unirte.
• Lo que necesita saber sobre la instalación del mod, incluidos todos sus diferentes requisitos y enlaces a todo lo que necesitará, se incluye en el texto a continuación.

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Lo último alucinante Skyrim El mod está aquí, y no, no es una loca revisión de texturas de 8K o una reelaboración de combate al estilo Dark Souls. Permíteme presentarte a Simulador de guerra moderno Skyrimun proyecto del autor del mod MixedMartialArtist para la edición para PC del juego que transforma la guerra entre las facciones de la Legión Imperial y la Rebelión Stormcloak en una moderna con armas de fuego, granadas, tanques, aviones y artillería que funcionan, junto con una Segunda Guerra Mundial. cambio de imagen temático para las banderas y uniformes de los ejércitos de ambas facciones (hay una versión para Skyrim VRtambién).

La experiencia es exactamente tan absurda y cómica como cabría esperar; Dentro de los primeros 10 segundos de iniciar la famosa secuencia de introducción de Skyrim, serás recibido por la vista y el sonido de los aviones de combate imperiales patrullando sobre Helgen, junto con Ralof diciéndote «finalmente estás despierto» vestido con el traje completo de oficial de la Unión Soviética (completo). con una ushanka adornada con la estrella roja). No pude evitar reírme de inmediato por lo poco serio que era esto. ya tomando forma para serlo, y mis risas solo continuaron cuando me di cuenta de que todo los Stormcloaks habían sido hechos para parecerse a las tropas soviéticas (el himno nacional soviético incluso suena en su cuartel general en el Palacio de los Reyes en Windhelm), mientras que todo el ejército imperial recibió equipo nazi.

Las últimas dos semanas antes de la fecha límite fueron frenéticas. Aunque oficialmente algunos miembros del equipo todavía tenían escritorios en el edificio 1945, trabajaron principalmente en 1965 porque tenía una mejor máquina de café expreso en la micrococina. “La gente no dormía”, dice Gómez, quien, como pasante, vivía en un constante frenesí de depuración y también produjo visualizaciones y diagramas para el artículo. Es común en este tipo de proyectos realizar ablaciones: sacar cosas para ver si lo que queda es suficiente para realizar el trabajo.

“Había todas las combinaciones posibles de trucos y módulos: cuál ayuda y cuál no. Arranquémoslo. Reemplacémoslo con esto”, dice Gómez. “¿Por qué el modelo se comporta de esta manera contraria a la intuición? Oh, es porque no nos acordamos de ponernos el enmascaramiento correctamente. ¿Funciona todavía? Bien, pasa al siguiente. Todos estos componentes de lo que ahora llamamos el transformador fueron el resultado de esta prueba y error iterativo de ritmo extremadamente alto”. Las ablaciones, con la ayuda de las implementaciones de Shazeer, produjeron «algo minimalista», dice Jones. «Noam es un mago».

Vaswani recuerda haberse quedado dormido en el sofá de la oficina una noche mientras el equipo escribía el artículo. Mientras miraba las cortinas que separaban el sofá del resto de la habitación, le llamó la atención el patrón de la tela, que le parecía sinapsis y neuronas. Gómez estaba allí y Vaswani le dijo que lo que estaban trabajando trascendería la traducción automática. «En última instancia, al igual que con el cerebro humano, es necesario unir todas estas modalidades (habla, audio, visión) bajo una sola arquitectura», dice. «Tenía el fuerte presentimiento de que estábamos ante algo más general».

Sin embargo, en las altas esferas de Google el trabajo fue visto como otro interesante proyecto de IA. Pregunté a varias personas de Transformers si sus jefes alguna vez los convocaron para recibir actualizaciones sobre el proyecto. No tanto. Pero «comprendimos que esto era potencialmente un gran problema», dice Uszkoreit. «Y eso hizo que nos obsesionáramos con una de las oraciones del artículo hacia el final, donde comentamos sobre trabajos futuros».

Esa frase anticipó lo que podría venir después: la aplicación de modelos transformadores básicamente a todas las formas de expresión humana. «Estamos entusiasmados con el futuro de los modelos basados ​​en la atención», escribieron. «Planeamos extender el transformador a problemas que involucran modalidades de entrada y salida distintas al texto» e investigar «imágenes, audio y video».

Un par de noches antes de la fecha límite, Uszkoreit se dio cuenta de que necesitaban un título. Jones señaló que el equipo había llegado a un rechazo radical de las mejores prácticas aceptadas, en particular los LSTM, para una técnica: la atención. Los Beatles, recordó Jones, habían titulado una canción «All You Need Is Love». ¿Por qué no llamar al periódico “Lo único que necesitas es atención”?

¿Los Beatles?

«Soy británico», dice Jones. “Literalmente, me llevó cinco segundos pensarlo. No pensé que lo usarían”.

Continuaron recopilando resultados de sus experimentos hasta la fecha límite. “Las cifras inglés-francés llegaron como cinco minutos antes de que enviáramos el artículo”, dice Parmar. “Estaba sentado en la micrococina en 1965, registrando ese último número”. Cuando apenas habían transcurrido dos minutos, expulsaron el partido.

Sentimientos reales y referencias reales en Shaun of the Dead

Temprano en Shaun de los muertos, Shaun y Ed ebrios salen a las calles cantando “White Lines” de Duran Duran. Mientras los dos hacen el dúo, una figura en la distancia gime, aparentemente llenando los espacios en blanco de la canción. Esa figura es claramente un zombi, sus contribuciones a la actuación no son más que ruidos sin sentido.

Pero Shaun y Ed no reconocen el peligro. Y no es porque la cultura pop los haya vuelto tontos. Más bien, es porque han bebido tanto mientras Ed intenta ayudar a su amigo a superar el abandono de su novia Liz (Kate Ashfield). Más tarde, cuando intenta convencer a la madre de Shaun, Barbara (Penelope Wilton), de que necesita ser rescatada, Ed grita por teléfono: «¡Vamos a buscarte, Barbara!». haciendo eco de una línea clave de Noche de los muertos vivientes.

Como lo demuestran estos casos, los personajes de Shaun de los muertos tratan la cultura pop no como algo sacrosanto, sino más bien como el lenguaje a través del cual ven el mundo. Y eso tiene sentido, dado el mundo referencial que creó Wright. A lo largo de la película, Wright toma prestados planos y ritmos de la trama de otro material. Una toma lenta y constante de Shaun colapsando después de una visita al pub proviene directamente del trabajo de John Carpenter. Shaun habla de un empleado minorista llamado Ash, recordando el personaje de Bruce Campbell de Ejército de las tinieblas. Wright copia las imágenes de John Landis del vídeo de “Thriller” para representar las hordas de zombis que rodean a Shaun y sus amigos.

En otras películas, estas referencias distraerían a los espectadores, pidiéndoles que pensaran en otras obras en lugar de disfrutar la que están viendo. Pero Wright no permite ninguna división entre la cultura nerd y la vida real. Vemos el mundo a través de los ojos de Shaun, que comprende la realidad a través de las películas, canciones y juegos que le encantan.

Esa conexión entre la cultura pop y las emociones humanas queda clara en quizás la secuencia más conmovedora de la película. Después de darse cuenta de que Barbara ha sido mordida, Shaun corre al lado de su madre y trata de cuidarla. Mientras ella muere en sus brazos, Shaun se niega a reconocer que regresará como un zombi, a pesar de las demandas de su conocido David (Dylan Moran). David apunta con una escopeta a Barbara caída, mientras Ed y Shaun, junto con la novia de David, Dianne (Lucy Davis), se apuntan con instrumentos afilados al cuello. Pero cuando Barbara se levanta de nuevo, habiéndose dado la vuelta por completo, Shaun finalmente accede a dispararle en la cabeza. Al final de la secuencia, David intenta escapar, solo para ser destrozado por zombis afuera.

Es una secuencia poderosa, divertida, sensible y aterradora al mismo tiempo. Y está repleto de referencias a otros medios. El enfrentamiento entre los miembros refleja una escena similar en Perros de reserva. La revelación del brazo ensangrentado de Barbara copia la revelación del eminente cambio de Vera (Elizabeth Moody) en el papel de Peter Jackson. Muerto vivo/Muerte cerebral. La sangrienta muerte de David está tomada directamente del destino de un motociclista condenado al fracaso en Amanecer de los muertos.

EXCLUSIVO: La gama de Danny Dyer continúa ampliándose a medida que Fábrica de fútbol La estrella consigue una serie documental de Channel 4 que explora la masculinidad moderna.

Danny Dyer: Cómo ser un hombre Verá el EastEnders El alumno profundiza en el panorama en evolución de la masculinidad. En un momento en que la gente etiqueta la masculinidad como «tóxica», Dyer, quien se hizo un nombre en una serie de películas interpretando a los tradicionales «hombres duros» y también fue anfitrión Los hombres más mortíferos de Danny Dyer Bravo, preguntará a personas de toda Gran Bretaña qué creen que significa ser un hombre en nuestra sociedad y cuál es el futuro de la identidad masculina.

La serie de Whitworth Media incluirá entrevistas con un político, psicólogos, un experto en salud mental, un experto en fitness, un terapeuta sexual, una persona influyente, hombres víctimas de abuso doméstico y miembros del Brighton Gay Men’s Chorus para ofrecer una variedad de voces. y perspectivas sobre este complejo tema. A lo largo de los dos episodios, Dyer también explorará los estereotipos de género y las actitudes masculinas hacia la salud mental.

«Como alguien de la misma edad que Danny, ha sido fascinante, impactante pero también inspirador viajar por el país hablando con viejos», dijo el director James Routh. «Es importante que tengamos estas conversaciones como sociedad, preferiblemente cara a cara».

Dyer protagonizó una serie de películas que incluyen Tráfico Humano, La Fábrica de Fútbol y Maquina mala en la primera parte de su carrera. Más recientemente estuvo en una telenovela británica. EastEnders y desde que se fue ha presentado el programa de juegos de la BBC. La pared y el canal 4 Asustado de la oscuridad entre otros conciertos, además de hacer un documental sobre Harold Pinter.

Dyer también regresa a las películas de hooligans de fútbol con Polvo de marcha, el primer proyecto para True Brit Entertainment, el recientemente formado distribuidor británico de Zygi Kamasa.

Channel 4 está pasando por momentos difíciles en este momento al implementar un plan de despido de 250 personas, pero la cadena ha anunciado recientemente una serie de documentales que incluyen una serie presentada por Riz Ahmed sobre asiáticos británicos, un programa sobre el asesino en serie de The Serpent, Charles Sobhraj, y un trío de películas sobre Israel-Gaza.

Aunque solo ha habido dos juegos de la serie principal de Mega Man en los últimos 14 años, los fanáticos todavía, en cierto modo, tienen muchas opciones para elegir.

En el frente oficial, Capcom ha relanzado prácticamente todos los juegos de Mega Man, Mega Man X, Mega Man Zero y Mega Man Battle Network en una variedad de compilaciones retro. Además de eso, también ha habido un flujo constante de juegos independientes que toman una clara influencia de la serie Mega Man, con la esperanza de recuperar algo de su magia para aquellos que anhelan algo nuevo.

Berserk Boy es el último ejemplo de esto, pero si bien su deuda con la serie clásica de Capcom es clara, también ofrece lo suficiente para que destaque por sí sola. La trama del juego es una tontería y tiene a los jugadores controlando a Kei (el Berserk Boy titular) mientras intenta derrotar al malvado Dr. Genos y sus secuaces de Energía Oscura. Mentiríamos si dijéramos que la historia nos atrajo, pero también mentiríamos si dijéramos que la mayoría de los juegos de plataformas de acción en 2D se jugaron principalmente por su historia.

Visualmente, el juego tiene ese tipo de estilo artístico ‘HD retro’ que tienen varios juegos independientes modernos, donde está claramente inspirado en la era SNES de gráficos basados ​​en sprites, pero lo logra con un nivel de fidelidad que nunca hubiera sido posible. En el momento. Es uno de los mejores usos del estilo que hemos visto y es el primer ejemplo de cómo el juego se aleja de su aparente inspiración y avanza en su propia dirección.

Donde lleva esto más lejos es en su combate, que se centra más en ataques físicos cuerpo a cuerpo que en los tiroteos que aparecen en los juegos de Capcom. Poco después del juego, Kei conoce a un pájaro llamado Fiore (su equivalente del perro robot Rush de Mega Man), quien lo ayuda a hacer uso de una variedad de poderes especiales llamados Berserk Orbs.

Obtienes el orbe de Rayo poco después del juego y recolectas orbes de Fuego, Tierra, Aire y Hielo a medida que avanzas por los distintos mundos, cada uno de los cuales le otorga a Kei diferentes habilidades. Y si no crees que esas habilidades tendrán sus propias fortalezas y debilidades contra varios enemigos, entonces no sabemos qué decirte. También hay una ligera pizca de Metroidvania, ya que los poderes recién adquiridos se pueden usar para encontrar áreas ocultas en etapas previamente completadas.

Sin embargo, los poderes se utilizan con mayor frecuencia en combate y es aquí donde Berserk Boy satisface más. Los golpes son agradablemente crujientes en la forma más deliciosamente táctil, y los jugadores pueden encadenar ataques para crear combos, lo que a su vez les permite llenar su Berserk Meter y realizar ataques más fuertes.

Puede dar lugar a situaciones en las que el protagonista está bastante dominado, especialmente al principio del juego, donde puedes atravesar enemigos como si fuera mantequilla. Incluso algunos de los primeros jefes son un poco fáciles de superar, que es otra área clave en la que Berserk Boy se diferencia de los juegos de Mega Man.

Afortunadamente, el nivel de dificultad eventualmente se pone al día, y cuando llegas al final de las 6 a 8 horas, ciertamente hay un desafío aquí (especialmente si juegas en el modo ‘Retro’, donde tienes vidas finitas y jefes más difíciles). .

También se debe hacer una mención especial a la música del juego, compuesta por Tee Lopes de Sonic Mania y TMNT Shredder’s Revenge. Camina perfectamente en la cuerda floja entre lo retro y lo moderno y es uno de los aspectos más destacados de una partida de Berserk Boy.

La suma de todas estas partes es un juego de acción muy entretenido que puede que no ofrezca nada que impulse el género de manera significativa, pero que, sin embargo, ofrece lo bueno en cuanto a lo divertido que es jugar.