Así es: la inspiración para la última versión de King Kong no tiene nada que ver con la raza en Estados Unidos, sino con ese guapo James Caan. «[Caan gives] Creo que es la interpretación más masculina en la historia del cine», continuó Wingard, refiriéndose específicamente al papel de Caan en la película de Michael Mann «Ladrón» de 1981. «Tiene el pecho peludo, los brazos peludos y todo eso, y es un tipo impresionante.»

La vellosidad en particular es notable porque, desde hace un tiempo, el vello corporal masculino ha estado extrañamente ausente en la mayoría de los personajes masculinos intencionalmente atractivos. En algún momento, Hollywood decidió que el vello corporal es asqueroso incluso en los hombres y que el vello de la espalda en particular es espantoso. Es por eso que Vulture escribió un artículo completo de celebración sobre Seth Rogen atreviéndose a mostrar su cabello en su comedia de 2014 «Neighbors», e incluso entonces la película todavía estaba haciendo una especie de broma sobre cuán viejo y poco atractivo era el personaje de Rogen en comparación con su universidad. viejo rival (interpretado por Zac Efron). También es por eso que aquí en /Film dedicamos un artículo a la decisión de Henry Cavill de no afeitarse el pecho para «El hombre de acero». Estos ejemplos son tan raros que cuando suceden, aparecen en las noticias.

Mientras tanto, allá por los años 80, Caan en «Ladrón» era descaradamente peludo, incluidos los hombros y la espalda, y esto no tenía nada de especial. Ciertamente, eso no impidió que Mann lo retratara como un tipo genial y guapo. Es el tipo de tratamiento que realmente subraya cuánto han cambiado los estándares de belleza de Hollywood a lo largo de las décadas; Hoy en día, si estás buscando un personaje masculino peludo con el que puedas identificarte, King Kong de Adam Wingard probablemente sea lo mejor que encontrarás.

Jennifer López no tiene miedo de burlarse de sí misma. En su nueva película, Este soy yo ahora: Una historia de amorya disponible en Amazon Prime, ella se burla de su pasión por la astrología y su bien documentada obsesión por enamorarse. En el estreno de la película en el Dolby Theatre de Los Ángeles el 13 de febrero, también conocido como el Día de Galentine, ella se inclinó sinceramente hacia el signo zodiacal de todo, luciendo un vestido celestial transparente en negro a juego con su esposo y musa, Ben Affleck. Mientras López se dirigía a la audiencia, que incluía a Xochitl Gómez, Becky G y América Ferrera, lloró “pensando en el viaje de 20 años” que inspiró la película y el álbum. Alguien entre la multitud gritó: «¡Está bien!». mientras López se recuperaba. «¡Está muy bien!» ella respondió. «Eso es lo que me hace llorar». Hablado como alguien que ha pasado por años de terapia.

Continuó comparando el viaje desgarrador y revelador de hacer la película con la sensación de éxito en el gimnasio (“¡Realmente lo estoy haciendo!”), una comparación que algunos miembros de la multitud no entendieron. “Espero que esta película y este álbum les den un poco de lo que me dieron a mí, que es esperanza, alegría, felicidad e inspiración”, dijo. Ella lloró de nuevo (después de todo, es una luna de Escorpio) cuando agradeció a Affleck por su reunión que inspiró la película. «Sé que él odia que yo sea [thanking him] ahora mismo”, bromeó.

Mientras hablaba del director Dave Meyers y su voluntad de aceptar el proyecto, comparó todo con una “mini película de Marvel” y, para ser justos, un poco era. Hubo secuencias animadas, una escena de pelea sangrienta y un montón de cameos de celebridades (intenta identificar a Affleck). Y el público devoró cada minuto. No pude evitar aplaudir cuando J.Lo se burló de los hombres Libra. El viaje cinematográfico… y viaje es realmente la mejor palabra para describirlo: se sintió como una película completa a pesar de durar una hora, especialmente con la gente aplaudiendo después de cada canción. A medida que avanzaban los créditos, J.Lo recibió una gran ovación por su película debut en el Universo Cinematográfico de Jennifer Lopez (JLCU). Bailó, cantó y acarició su cabeza con el hombro de Affleck. Parecía una escena sacada directamente de uno de sus sueños.

Con el fallecimiento de Jane Birkin, Francia pierde tanto un ícono como uno de sus mayores enigmas. Centrarse en Francia no es menospreciar el hecho de que la muerte de Birkin será lamentada en todo el mundo. Junto a Brigitte Bardot, Françoise Hardy y Catherine Deneuve, Birkin fue una de las últimas mujeres supervivientes de la década de 1960 que despertó el interés mundial por la cultura francesa.

Excepto que Birkin no era francés. Nació en Londres y se aferró a su acento inglés toda su vida. Birkin era perfectamente fluido, pero cultivó un faux-naif forma de hablar su lenguaje adoptado que reforzaba su personalidad de eterna niña. Para los franceses, todo era parte de su singular encanto, establecido décadas antes… y del que a veces luchaba por escapar.

Como socia y musa del genio de la composición de Svengali, Serge Gainsbourg, Birkin posó para la portada de su álbum «Histoire de Melody Nelson», vistiendo solo una peluca roja y jeans azules con la cintura abierta, con un mono de peluche aferrado a su pecho desnudo. Dos años antes, grabó el dúo erótico “Je t’aime moi non plus”, escrito originalmente para Bardot. Esos son los gemidos de éxtasis de Birkin que resuenan en los segundos finales de la escandalosa pista, que llevó a que fuera censurada en varios rincones y condenada por el Vaticano.

Jane conoció a Serge en la película “Slogan”, una comedia divertida pero descartable de 1969 sobre un publicista de mediana edad tentado a abandonar a su esposa embarazada después de enamorarse de una nínfula mucho más joven (interpretada por adivina quién). Esta renuente símbolo sexual, que se atrevió a aparecer desnuda en «Blow-Up» de Antonioni e interpretó a la ingenua adolescente que Alain Delon seduce en «La piscine», nunca fue una gran actriz: no tenía ni el entrenamiento ni el rango para transformarse dramáticamente. ella misma para un papel, pero poseía esa cualidad mucho más rara e inefable de la estrella. Cuando el público miró a Jane Birkin en la pantalla, vio a Jane Birkin… o vio la figura que Jane Birkin hizo creer al público que era la verdadera ella, y que en realidad puede haber sido una interpretación elaborada de por vida.

Esa paradoja fue clave para su atractivo. ¿Birkin era una muñeca moldeada por los hombres de su vida o era una artista con un talento instintivo? Ambos eran ciertos. Los propios diarios de Birkin, recopilados y publicados como «The Munkey Diaries», revelan mucho menos de lo que exigían los fans. Gainsbourg pudo haber alentado a Birkin a hacerse omnipresente (como lo hizo, apareciendo en campañas publicitarias y comedias desechables), pero gradualmente tomó el control de su propia imagen.

Todo el tiempo, Birkin fue profundamente insegura, como descubrimos en sus dos créditos cinematográficos más reveladores: «Jane B. par Agnès V». y «Jane de Charlotte». El primero es un seudodocumental posmoderno y juguetón sobre Birkin de la pionera directora francesa Agnès Varda, quien modela el proyecto para que parezca el tipo de retratos de estrellas que el público podría ver en la televisión, alternando entrevistas personales (en las que la mujer se abre en presencia de otra mujer) con clips de sus papeles más famosos como Juana de Arco o la mitológica princesa griega Ariadna, una mujer fatal de una película policiaca o una comediante muda con cara de pastel, solo que Birkin nunca había sido elegido para ninguno de esos papeles. Este material B-roll fabricado se filmó específicamente para la película, ya que Varda le dio a la estrella, que entonces tenía poco más de 40 años, la oportunidad de interpretar los papeles que le habían negado. (La película ahora se transmite en Criterion Channel).

Por el contrario, “Jane by Charlotte” es un documental real, realizado por la hija de su relación de 12 años con Serge. Charlotte Gainsbourg es una de las actrices más atrevidas y versátiles de la actualidad, pero no puede sacar mucho de su madre, a quien filmaron, fotografiaron, miraron con los ojos y cosificaron gran parte de su vida. En cierto momento de la década de 1980, se rebeló contra la forma reduccionista en que el mundo la veía. Se cortó el pelo (es corto en la película de Varda) e insistió en dar un concierto en vivo en el Bataclan de París.

Las actuaciones anteriores habían involucrado pantomimas con audio pregrabado; Birkin tenía algo que demostrar. En los años 60 y 70, había encarnado un nuevo tipo de símbolo sexual: una embajadora de Swinging London en Francia. Donde Bardot era voluptuoso, Birkin era marimacho: el «garconne” descrito en “Melody Nelson”. Alta y esbelta, con caderas huesudas y senos planos, Birkin no se consideraba atractiva (esto fue mucho antes de que Kate Moss hiciera de la heroína chic una estética deseable). El público no estuvo de acuerdo, por supuesto, y los tipos de Jane Birkin de ojos azules y dientes separados todavía prosperan año tras año en el cine francés, todo porque accedió a hacerse pasar por la ninfa menor de edad de Gainsbourg.

La letra de Serge hablaba de un cantante de 14 años al que golpeó con su Rolls Royce y luego sedujo, una provocación que levantó las cejas en ese momento y que la hipersensibilidad de hoy simplemente no permitiría. Décadas más tarde, después de colaborar con Varda en «Jane B.», Birkin interpretó a la depredadora en «Kung Fu Master», sorprendentemente nada escandalosa, en la que su personaje se enamora de un niño menor de edad (interpretado por el hijo de Varda, Mathieu Demi).

Aunque dolorosamente tímida en la vida real, Birkin se esforzó por el bien del arte. Interpretó a una camarera gamine lo suficientemente andrógina como para seducir a un camionero gay en el debut como directora de Gainsbourg, “Je t’aime moi non plus” (como la canción). Gainsbourg consideró interpretar el papel él mismo, pero finalmente reclutó a Joe D’Allesandro, el semental residente del establo de Andy Warhol.

Si eso suena extraño, considere las escenas de Birkin en «Don Juan, o si Don Juan fuera una mujer» de Roger Vadim (también disponible en Criterion Channel). Bardot interpreta al personaje principal, que lleva a Birkin a la cama. Podría decirse que es la imagen más sexy de todo el cine francés (aunque «La piscine» se acerca), complicada por el hecho de que estamos viendo a la novia de Gainsbourg haciéndolo con su ex, quien estuvo casado anteriormente con Vadim. Decir que esos eran tiempos diferentes sería quedarse corto.

Birkin pudo haber sido un objeto al comienzo de su carrera, pero a mitad de su vida demostró, con inteligencia y clase, que estaba al mando. Al recuperar su reputación y construir un muro alrededor de sus secretos, Birkin se volvió aún más intrigante.

Los medios franceses han informado de la muerte de Jane Birkin a la edad de 76 años.

La estrella anglo-francesa era mejor conocida por su relación con el músico Serge Gainsbourg. La pareja, que estuvo casada entre 1968 y 1980, colaboró ​​en el éxito subido de tono ‘Je T’aime… Moi Non Plus’, estrenada en 1969, y grabó el año anterior, seis meses después de conocerse en el plató de la película. Eslogan.

Aunque nació en Londres, Birkin se hizo famosa cantando en francés, y vivió en Francia desde la década de 1970 en adelante. Se hizo famosa como un ícono de estilo a finales de los años 60 y 70, y su imagen personal a menudo trascendía su trabajo en la pantalla. El perdurable bolso Birkin se inspiró en su elegancia europea.

Sus apariciones en películas incluyeron Explotar (1966) y adaptaciones de gran presupuesto de Agatha Christie Muerte en el Nilo (1978) y Maldad bajo el sol (mil novecientos ochenta y dos)

Alex Wolff interpretará a Leonard Cohen en una nueva serie sobre el ícono canadiense y su musa Marianne Ihlen.

Thea Sofie Loch Næss («The Last Kingdom», «Delete Me») interpretará a Ihlen en el programa, que se llama «So Long, Marianne», el título de una de las canciones de Cohen sobre su pareja. Otros miembros del reparto incluyen a Anna Torv («The Newsreader», «The Last of Us») como Charmian Clift y Noah Taylor («Preacher», «Peaky Blinders») como George Johnston.

El programa es una coproducción entre la emisora ​​noruega NRK y Crave de Canadá, el servicio de transmisión propiedad de Bell Media. Cineflix Rights está distribuyendo la serie a nivel mundial.

La fotografía principal del programa comenzó el 24 de marzo, y el rodaje tuvo lugar en la isla griega de Hydra, donde Cohen conoció a Ihlen, así como en el país de origen de Ihlen, Noruega, y la ciudad natal del difunto cantante, Montreal, Canadá.

“Hasta luego, Marianne” se anuncia como una “historia íntima de dos personas solitarias que se enamoran, durante un período de su vida en el que intentan descubrir quiénes son y su lugar en el mundo, mientras uno se convierte en uno. de los cantantes más famosos de todos los tiempos.”

La mayor parte de la serie se centra en la pintoresca isla griega de Hydra, donde vivió la pareja durante la década de 1960. Allí, se unieron a las novelistas australianas Charmian Clift y su esposo George Johnston, la matriarca y patriarca de un grupo bohemio de escritores, artistas, poetas y marginados que exploraban un nuevo mundo de amor libre, drogas y libertad artística, al mismo tiempo que experimentaban las rivalidades. y celos que acompañaron sus vidas intensas y entrelazadas.

Wolff protagonizará este otoño en «Oppenheimer» de Christopher Nolan. La estrella también volverá a formar equipo con el cineasta de «Pig» Michael Sarnoski en «A Quiet Place: Day One» de Paramount Pictures junto a Lupita Nyong’o, que se estrenará en 2024.

Desarrollada por Ingeborg Klyve («Exit») y Tony Wood («Irvine Welsh’s Crime») y escrita para la pantalla por Øystein Karlsen («Dag»), quien también se encuentra entre los directores, y Jo Nesbø («Harry Hole»), “Hasta luego, Marianne” es una coproducción de Letters From Leonard, Tanweer Productions y Connect3.

Los productores ejecutivos son Ales Ree para NRK, Richard Tulk-Hart y Tony Wood, Vegard Stenberg Eriksen e Ingeborg Klyve para Redpoint Productions, Dionyssis Samiotis y Nancy Kokolaki para Tanweer Productions y André Barro y Pablo Salzman para Connect3.

Øystein Karlsen, creador de la serie para Redpoint Productions, dijo: «Parece que la forma en que está el mundo en este momento, una serie que celebra la vida y el amor, con un núcleo sobre cómo encontrar tu camino en la vida, es más necesaria que nunca».

Marianne Furevold-Boland, directora de drama de NRK, agregó: “Øystein Karlsen ha demostrado en sus proyectos anteriores que puede crear dramas originales que son emocionantes y emocionales. Creemos que este proyecto tiene el potencial de convertirse en un drama atemporal con un atractivo universal: se trata de la vida y la búsqueda de la felicidad”.

Justin Stockman, vicepresidente de programación y desarrollo de contenido en inglés de Bell Media, dijo: «A medida que Crave continúa expandiendo su producción de contenido original tanto en inglés como en francés, estamos emocionados de ser parte de esta oportunidad única de coproducción y apoyarnos en las fortalezas de nuestros socios internacionales para entregar historias que se traduzcan y resuenen en todo el mundo”.

James Durie, jefe de guión de Cineflix Rights, dijo: “’Hasta luego, Marianne’ debe ser una de las historias de amor más icónicas del siglo pasado. Los eventos que describe la serie, los hermosos lugares en los que se desarrolla y con un elenco increíble, lo convierten en un drama que cautivará a las audiencias de todo el mundo, ya sea que conozcan la historia o que la conozcan por primera vez”.

Wolff está representado por WME, Untitled y Definition Entertainment. Loch Næss está representado por Actors in Scandinavia, Independent Talent Group, Gallant Management, Sloane, Offer, Weber & Dern. Torv está representado por United Management y WME. Taylor está representada por Lou Coulson Associates en Londres y Andrew Freedman en EE. UU.

J-Hope de BTS está «en la calle», y no solo estamos hablando de su camino hacia el servicio militar obligatorio. Después de lanzar su primer álbum en solitario Jack en la caja en julio de 2022, J-Hope regresa con un nuevo sencillo en solitario con J. Cole, su inspiración desde hace mucho tiempo. BigHit Music compartió previamente en Weverse que el título de la pista de hip-hop es una referencia a las raíces artísticas de J-Hope en el street dance. La canción lo-fi también sirve como un mensaje tranquilizador para los fanáticos que han estado a su lado. Sobre el sonido de su propio silbido tranquilo, J-Hope canta: «Cada vez que camino / Cada vez que corro / Cada vez que me muevo / Como siempre, para nosotros». Más tarde, rapea que “hasta mi caminar fue hecho de tu amor y de tu fe”.

J. Cole obtiene varios versos extensos para reflexionar sobre su carrera, lo cual no es demasiado sorprendente. Después de todo, J-Hope nunca cortaría su favorito: llamó a J. Cole su «musa» cuando se conocieron en Hobipalooza, y previamente rapeó en 2014 sobre cuánto el mixtape Las luces del viernes por la noche lo influenció. Ahora, casi una década después, se acerca a su ídolo en un video musical. Estamos empezando a sentir un patrón aquí, dado que el miembro de BTS, Jin, usó su último sencillo previo al alistamiento como una oportunidad para pasar el rato con su amado Coldplay. Dispara tu tiro (musical), muchachos.

La palabra «visionario» se usa con bastante facilidad en el mundo del espectáculo, y se aplica con demasiada frecuencia a los creadores que atrajeron a un mercado amplio más de lo que abrieron nuevos caminos. Pero pocos estarían en desacuerdo en que la palabra es una descripción adecuada para Bryan Fuller. Fuller no solo trabajó en éxitos de culto como Star Trek: Espacio Profundo Nueve y Héroespero también creó algunos amados bichos raros, incluido el dulcemente macabro Criando malvas y Aníbal, la audaz adaptación de las novelas de Thomas Harris. A pesar de la naturaleza idiosincrásica de su trabajo, Fuller se ha establecido como un colaborador consumado, como lo demuestra su tendencia a trabajar con actores como Lee Pace y Caroline Dhavernas en varios proyectos.

Pero con las noticias de casting sobre el próximo debut como director de largometrajes de Fuller Conejito del polvo, el creador se reencontrará por fin con su mejor colaborador, el actor danés Mads Mikkelsen. Junto con Fuller, Mikkelsen ya hizo lo imposible, convirtiéndose para muchos en el Hannibal Lecter definitivo, a pesar de la interpretación ganadora del Premio de la Academia de Anthony Hopkins en El silencio de los corderos. Donde Hopkins interpretó a Lecter como un depredador reptil, mirando con los ojos muy abiertos a su presa, e incluso dando una conferencia sobre Dante en la secuela de Ridley Scott. AníbalMikkelsen trajo diversión e incluso romance al famoso caníbal.

Vemos esto en una escena de Aníbal la tercera temporada, episodio doce, que encuentra a Hannibal encarcelado siendo interrogado por el jefe de ciencias del comportamiento del FBI, Jack Crawford (Laurence Fishburne). Vemos desde el punto de vista de Crawford mientras extiende un plato que lleva un labio que alguna vez se adjuntó al director del asilo Frederick Chilton (Raúl Esparza). A medida que el enfoque se asienta para resaltar la mirada dura de Crawford, las cuerdas inquietantes sangran en la banda sonora, subrayando la seriedad del momento. «¿Dónde está el otro?» Crawford pregunta sin rodeos, refiriéndose al otro labio faltante, que Hannibal tuvo la oportunidad de examinar.

Hannibal no responde, pero los espectadores aprenden la verdad a través de un corte fuerte a Hannibal sorbiendo el labio como un niño bebiendo SpaghettiOs. En cambio, Hannibal le asegura a Crawford que pueden aprender todo lo que necesiten sobre el paradero de Chilton del único labio restante y luego le muestra una sonrisa tonta a la psiquiatra Alana Bloom (Dhavernas). «Lo siento, Jack», dice Hannibal, devolviendo su sonrisa a Crawford. “La tragedia de lo que le sucedió a Frederick me ha puesto de un humor excelente”.