El compositor AR Rahman, ganador de un Oscar, un BAFTA, un Globo de Oro y un Grammy, ha presentado el documental musical “Headhunting to Beatboxing” en el Festival de Cine de Cannes.

Dirigido por Rohit Gupta, el documental sigue a la tribu Naga en el estado de Nagaland, en el noreste de la India, una vez sumida en las profundidades de la violencia y el derramamiento de sangre, que resucita a través del poder curativo de la música y emerge a través de un renacimiento musical.

Rahman siempre estuvo intrigado por la música del noreste de la India y visitó la región por primera vez cuando fue invitado al Festival anual del Cálao, una celebración cultural de todos los grupos étnicos de Nagaland.

«Me quedé impresionado, toda la historia que hemos estado escuchando durante años, décadas, y de repente la transformación de los jóvenes que se acercan a la música y están todos en las calles», dijo Rahman. Variedad. “Para mí era como un país de ensueño. Dije: ‘Dios mío, esto existe y nadie lo sabe’”.

El compositor llamó inmediatamente a Gupta, en cuya serie documental de Netflix “The Creative Indians” había aparecido y que se especializa en rodar con el iPhone, ya que valoró mucho su trabajo. Gupta llegó a Nagaland y “y entonces estuvimos allí”, dice Rahman. El compositor produjo a través de su equipo ARR Immersive Entertainment.

“Allí también adoptamos un orfanato para enseñar música. Les enseñamos cuerdas. Son mucho más rápidos porque tienen este coro de iglesia, por lo que tienen música incorporada en su proceso”, dijo Rahman.

Sobre la filosofía detrás de la película, Rahman dice: “La no violencia de Gandhi fue una gran declaración para el mundo, una inspiración. Cómo se puede alcanzar la libertad a través de la no violencia es uno de los mayores logros del mundo. Y ahora el mundo es tan primitivo y está volviendo a matar y hay mucho sufrimiento. Y sentí que aquí hay una comunidad que era violenta, y no porque quisieran ser violentas. Y se han alejado por completo. [Now] Tienen un ministro de música. Y ser músico, creo que parece una combinación asombrosa de cosas, una evolución, que podría inspirar al mundo entero. Como si cualquiera pudiera convertirse en cualquier cosa. Y la música juega un papel importante en ello”.

“Y no es sólo música Naga, son cantautores independientes, donde simplemente toman una guitarra y tocan una melodía y simplemente cierras los ojos. Podrías estar en Estados Unidos, las voces y las letras son tan hermosas”, añadió Rahman.

El plan para los músicos de Nagaland es lograr una mayor exposición, lo que incluye capacitarlos en el Conservatorio de Música KM de Rahman, asesorarlos como parte de la iniciativa NEXA Indie Indian Artists, incluirlos como parte de sus composiciones cinematográficas y llevarlos al Hollywood Bowl como parte de una muestra de músicos independientes indios que el compositor está organizando.

La película ahora se dirige a los festivales.

“La película es verdaderamente especial para mí por muchas razones. Nos llevó cinco años y muchas horas de metraje llegar a una película de la que estemos orgullosos y que capture la esencia de lo que nos propusimos lograr. Cada nota contiene una historia, cada escena un viaje y no puedo esperar a que el público experimente la belleza que hemos descubierto”, dijo Gupta. Variedad.

Jake Gyllenhaal asumió las funciones de anfitrión de Sábado noche en directo Final de la temporada 49 antes de la histórica temporada 50 este otoño.

El Casa del camino El actor bromeó en su monólogo: “Cuando piensas en temporadas históricas de televisión, el primer número que te viene a la cabeza es 49”.

“Quiero decir, claro, ya sabes, un episodio más y habría presentado el estreno de la temporada 50, pero ¿a quién le importa? Cuarenta y nueve es un gran número. Quiero decir, siete por siete, clásico”, dijo. “Cuarenta y nueve es como 69 pero más fácil. Además, 49 es el número de veces que Conor McGregor me golpeó accidentalmente durante Casa del camino.”

Gyllenhaal reconoció que los espectadores están esperando la temporada 50 y añadió: «No se puede llegar a los 50 sin un poco de 49. Y estamos aquí en el final, el final del camino».

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El actor rompió a cantar y cantó sobre los otros presentadores invitados que dejaron de ser anfitriones del final de la temporada 49.

«De hecho, fui la primera opción para presentar la final después de que mucha gente dijo que no», cantó. Supongo que todos esperan el día 50, pero yo no. No el pequeño JG. Yo fui quien dijo, sí”.

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Continuó: “Le preguntaron a Pedro Pascal pero no estaba. Zendaya dijo que no porque estaría fuera de la ciudad. Incluso le pedí a Gosling que volviera, hace solo tres shows que presentó”.

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Ego Nwodim, Punkie Johnson, Devon Walker y Kenan Thompson ayudaron a Gyllenhaal en su monólogo musical.

Mirar SNLEl monólogo en el vídeo de arriba.

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Sobre el papel, parece una locura. Un musical en gran parte en español sobre un narcotraficante mexicano que cambia de sexo, con la ex estrella adolescente de Disney, Selena Gomez, como la esposa de un gángster: nadie podría negar el don del director y escritor Jacques Audiard.dMi determinación de hacer algo diferente, pero ¿cómo podría Emilia Pérez ¿Será algo más que un desastre? Pero aquí está, en la pantalla, una maravilla musical. Por supuesto que es una locura, pero Audiard ha creado su truco imposible y lo ha hecho funcionar.

Emilia Pérez se enciende inmediatamente con una canción excéntrica sobre el consumo: “compramos lavadoras; compramos microondas”, eso literalmente marca la pauta para lo que vendrá después. A Rita Moro Castro (Zoe Saldaña) le encantaría consumir un poco más; ella es una abogada junior que se perfila como la ayudante más capaz de su jefe. Su historia se cuenta rápidamente: Saldaña ofrece un hábil baile con las mujeres de la limpieza de la oficina y una canción dinámica en la sala del tribunal sobre el dilema moral de defender a un hombre que empujó a su esposa por el balcón. Cuando una llamada entrecortada de un extraño le sugiere que podría ganar mucho más dinero trabajando para él, es bastante fácil creer que se sentiría tentada. Mientras las limpiadoras cantan a coro, ¿qué tiene ella que perder?

Ingresa Manita Del Monte, la líder de un cartel criminal, para su vida futura. Manita tiene cantidades impensables de dinero escondidas en cuentas bancarias suizas, pero todavía le gusta estar con sus amigos, bebiendo en viejos asientos de auto en algún lugar del desierto mientras sus queridos hijos bailan con su grupo de asesinos. Nadie lo confundiría con una mujer. Su voz es ronca, su barba despeinada y su enfoque del reclutamiento sorprendentemente directo: hace que sus hombres le pongan una bolsa en la cabeza a Rita y la rapten. Se debe hacer cumplir la discreción, dado el secreto incendiario de Manita. Siempre ha querido ser mujer. Ahora, habiendo visto lo ingeniosa que es Rita en la corte, quiere que ella le ayude a conseguir un cambio de sexo.

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No es que sea sólo un cambio de sexo. Como Emilia Pérez, Manita puede convertirse en cualquier tipo de mujer que quiera. Influenciada por la amistad de Rita, se convierte en benefactora pública y preside una organización que rastrea a los desaparecidos: personas asesinadas por cárteles como el que ella poseía. Excepto que, como descubre Emilia, un leopardo sólo puede cambiar un número determinado de manchas. Años después de su transición, todavía añora a sus hijos y está decidida a traerlos a su lado. Rita, que ahora es una abogada que se mueve en los círculos ricos de Londres, es convocada para arreglarlo.

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Audiard siempre ha trabajado de forma muy deliberada en todos los géneros; siguió el thriller urbano El latido que mi corazón se saltó con Óxido y huesoun drama de relaciones, luego adoptó el western en Los hermanos hermanas. En 2016 ganó la Palma de Oro con Dheepan, una porción comprensiva de realismo social sobre los inmigrantes ilegales. El musical es una forma engañosamente rigurosa, obstaculizada por su artificialidad inherente. La gente no suele ponerse a cantar en la calle, y menos aún cuando se habla de posibles procedimientos en una clínica de cirugía plástica tailandesa. Emilia incluso logra cantar una canción debajo de varias capas de vendajes postoperatorios.

Sin embargo, nada de esto parece ridículo porque Audiard se inclina hacia sus convenciones; en lugar de adaptar su provocadora historia a ella, modifica la forma misma. Desde el principio, cuando vemos las luces de la Ciudad de México disolverse en luces de hadas alrededor de los sombreros de un mariachi, hay evocaciones visuales del brillo y el glamour del teatro musical; A menudo nos encontramos contemplando las estrellas, un breve respiro del drama. Los números de baile pueden comenzar en la oficina, continuar en un espacio negro neutro mientras el paisaje se desvanece mágicamente y luego regresar a la realidad. Las canciones se presentan en fragmentos en lugar de números enteros, fusionándose en diálogos y, a menudo, apenas cantadas. El brillo nunca eclipsa la seriedad esencial del tema.

Ese tema es trágico. Incluso con un nuevo rostro, cuerpo, identidad y sentido de misión, Emilia Pérez nunca dejará atrás a su otro yo. Las actuaciones abarcan esa profundidad temática. Saldaña aporta calidez y sensación de solidez a Rita, guiándonos a través de los vertiginosos excesos de la trama; Karla Sofía Gascón es apropiadamente más grande que la vida tanto como la monstruosa jefa del cartel como como Emilia, una mujer nacida de nuevo con el comportamiento orgulloso de un mascarón de proa de un barco. Gómez, como su esposa abandonada decidida a vivir su mejor vida, aporta ese toque inconfundible de Disney. Los mayores aplausos, sin embargo, son para Jacques Audiard. Puede que sea demasiado pronto para reclamar la Palma de Oro cuando queda una semana del Festival de Cine de Cannes, pero Emilia Pérez parece una ganadora.

Título: Emilia Pérez
Festival: Cannes (Concurso)
Director: Jacques Audiard
Elenco: Adriana Paz, Édgar Ramírez, Mark Ivanir, Zoe Saldaña, Karla Sofía Gascón, Selena Gómez
Agente de ventas: Los veteranos
Tiempo de ejecución: 2 h 10 min

No sabía que uno podría simplemente registrar una emoción de género compleja, pero claro, aparentemente no existen reglas para aquellos con riqueza obscena. El lunes, TMZ informó que Taylor Swift, recién llegada al inicio de la etapa europea del Gira de las erasha registrado la sección del concierto dedicada a su más reciente disco. El Departamento de Poetas Torturados.

Cuando Swift inició su show en París, con su novio Travis Kelce y sus amigos Gigi Hadid y Bradley Cooper, los fanáticos estaban encantados de descubrir que había agregado siete canciones a la lista de canciones, junto con una serie de nuevos cambios de vestuario y visuales. En un momento de la tarde, se refirió a la TTPD adiciones como “Female Rage: The Musical”, y en una publicación de Instagram del domingo, duplicó la frase. “Esta publicación está dedicada a la nueva sección Poetas Torturados del Eras Tour (¡también conocido como Female Rage The Musical!) y a todos los que hicieron que estos recuerdos fueran tan mágicos”, escribió. Ahora debemos agonizar sobre si nos veremos obligados o no a ver una producción real de Rabia femenina: el musical algún día en Broadway.

Según documentos obtenidos por TMZ, Swift habría presentado una solicitud de marca la semana pasada bajo su empresa TAS Rights Management. Si bien aún no tenemos detalles específicos, parece que el equipo de Swift planea usar la frase en grabaciones musicales, grabaciones de video y productos potenciales. El medio señaló, sin embargo, que los vendedores de Etsy ya han cubierto Rabia femenina: el musical en camisetas, alfombrillas para ratón y vasos, por lo que la presentación podría haber sido una medida preventiva para proteger las ganancias de Taylor.

Dado que la idea de “ira femenina” es a menudo invocada por mujeres que luchan por una igualdad radical racial o de género, es una extraña elección de palabrería para alguien que ha sido políticamente insulso como una oblea. ¡Pero lo entiendo! Supongo que salir de situaciones tóxicas con rockeros indie alternativos escuálidos también es una experiencia que provoca ira.

Aunque «Doctor Who» y «It’s Always Sunny in Philadelphia» no tienen mucho en común (de hecho, son polos opuestos), el episodio de la temporada 4 de este último programa, «The Nightman Cometh», se desarrolla en un forma estructuralmente similar a «The Devil’s Chord». Aquí, las canciones están igualmente desconectadas del resto del elenco, pero tampoco se sienten demasiado sin dirección porque todas tienen un propósito claro en la trama. Así como Ruby y el Doctor necesitan tocar una o dos canciones para luchar contra Maestro, la pandilla de Paddy’s Pub necesita realizar un musical para ayudar a Charlie a cortejar a la Camarera. Charlie llega a ser el maníaco excéntrico que impulsa la trama aquí, al igual que Maestro, aunque al final no está derrotado sino que ha experimentado un leve revés. (Así como los seres mágicos relacionados con el fabricante de juguetes continuarán causando caos, Charlie continuaría acechando espeluznantemente a la camarera durante diez temporadas más).

Aún así, parece un error que «Doctor Who» permita que su episodio musical siga los manuales de comedias como «Always Sunny» o «Community», cuando los planos dorados estaban ahí con «Buffy». El episodio de 2002 demostró que un programa episódico de ciencia ficción podía tener su pastel y comérselo también, que podía ofrecer al público actuaciones musicales tontas y únicas al mismo tiempo que avanzaba la trama y profundizaba a los personajes. Al observar cuánto logró «Once More, With Feeling» con un tiempo de ejecución similar, es difícil no preguntarse cómo podría haberse desarrollado un «The Devil’s Chord» más ambicioso. Sigue siendo un episodio divertido y enérgico con mucho que ofrecer, pero podría haber sido mucho más.

Los nuevos episodios de «Doctor Who» se lanzan los viernes a las 7 p.m. ET en Disney+.

El editor Humble Games y el desarrollador Summerfall Studios han Anunciado Dioses callejeros: el musical de juego de roles Contenido descargable “Orfeo”. Se lanzará para PC a través de Steam el 27 de junio y para consolas “pronto”.

Aquí hay una descripción general del contenido descargable, a través de su página de Steam:

Empezar de nuevo es el infierno.

Si las Parcas mismas siempre han escrito tu historia, ¿qué sucede cuando tomas la pluma?

Juega como Orfeo en esta nueva historia para Dioses callejeros: el musical de juego de roles! Podría decirse que la historia de Orfeo está terminada, hasta que Hermes lo trae de regreso al mundo de los vivos. Con su ayuda, guiarás a Orfeo a través de las profundidades de la toma de decisiones mortales: con quién salir, qué esperar, con qué instrumento rockear…

Protagonizada por Anthony Rapp (ALQUILAR, Star Trek: Descubrimiento), Erika Ishii (Dimensión 20, Mundos más allá de los números) y escrito por David Gaider, Dioses callejeros: Orfeo es una experiencia de largometraje cómico que pueden disfrutar tanto los amantes de la historia como los románticos empedernidos y las estrellas de rock.

¡Una canción más!

Experimenta seis nuevas canciones originales, donde cada decisión cambia la canción y la historia. Compuesto por Austin Wintory, con letra de Simon Hall (Tripod), Montaigne (Jess Cerro) y la nueva incorporación Tom Cardy (Red Flags, Artificial Intelligence), Dioses callejeros: Orfeo Tiene horas de música interactiva para que explores una y otra vez.

¡Escribe tu propia historia!

Cuando cae el telón y termina el espectáculo, ¿con quién vuelves a casa? Elige rechazar, aceptar o reescribir las historias que el mundo espera de ti. ¿Está preparado el mundo mortal para el regreso del bardo más infame de la antigua Grecia?

Dioses callejeros: el musical de juego de roles ya está disponible para PlayStation 5, Xbox Series, PlayStation 4, Xbox One, Switch y PC a través de Steam.

Mire un avance a continuación. Vea un conjunto de capturas de pantalla en la galería.

Tráiler del anuncio del DLC “Orpheus”

Capturas de pantalla

Paul Rudd protagoniza junto a Nick Jonas la próxima comedia musical del director John Carney.

La película se llama Balada poderosa y cuenta la historia de un cantante de bodas, interpretado por Rudd, una estrella de rock (Jonas) y la canción que se interpone entre ellos (vía Fecha límite).

Lo último de Carney se está rodando actualmente en Dublín y se promocionará en Cannes a finales de este mes.

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«Estoy encantado de trabajar con tanta gente maravillosa», dijo Carney sobre el proyecto.

«He estado trabajando en este guión con mi amigo Peter durante años, y ahora Paul Rudd y Nick Jonas están en mi cocina».

En Cannes, 30WEST, WME Independent y UTA Independent Film Group representarán las ventas nacionales de la película, y WME Independent se encargará de los derechos internacionales.

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«Estamos muy emocionados de traer la próxima película de John Carney a Cannes. John tiene una habilidad mágica para tejer buena música en historias maravillosamente atractivas y universalmente identificables que hacen que las emociones de la audiencia se aceleren», dijo Alex Walton de WME.

«Balada poderosa es divertido y conmovedor: temas que el público anhela hoy en día. Su visión única, junto con el atractivo global de Paul Rudd y Nick Jonas, dará a los compradores exactamente lo que están buscando».

Carney es conocido por películas musicales como la ganadora del Oscar. Una vez, Empezar de nuevo protagonizada por Keira Knightley y Mark Ruffalo, y su trabajo más reciente flora e hijocon Eve Hewson y Joseph Gordon-Levitt.

Balada poderosa marca el regreso de Jonas a la pantalla después Amar de nuevo y La buena mitad, ambos lanzados el año pasado.

En cuanto a Rudd, la estrella, vista recientemente en Cazafantasmas: Imperio congeladoPróximamente protagonizará junto a Jenna Ortega una comedia negra Muerte de un unicorniode la que también se desempeña como productor ejecutivo.

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Reportero, espía digital

Stefania es una escritora independiente especializada en televisión y películas. Después de graduarse de la City University de Londres, cubrió noticias LGBTQ+ y siguió una carrera en periodismo de entretenimiento, y su trabajo apareció en medios como Pequeñas mentiras piadosas, El flaco, Tiempos de radio y Espía digital.

Sus temas son películas de terror y dramas de época, especialmente si los protagonizan mujeres queer. Ella puede argumentar por qué Gritar es el mejor slasher en cuatro idiomas (y medio).