AutoForge es el juego independiente más nuevo en Steam que combina dos ideas muy populares, combinando la exploración de desplazamiento lateral de Terraria con la intensa gestión de Factorio.

Lanzado en acceso anticipado a principios de esta semana, el 27 de marzo, AutoForge presenta a los jugadores como un golem mecánico llamado Otto que un día se despierta en un mundo abandonado en el que todos sus antiguos maestros han desaparecido. Depende entonces de nosotros buscar respuestas en un mundo que combina la generación de procedimientos con algunas áreas personalizadas.

Las Minnesota Lynx continúan demostrando que los deportes profesionales y los videojuegos van de la mano, y se proponen hacer que la agencia libre de la WNBA de este año sea la mejor, como nadie lo ha sido nunca. El equipo dio la bienvenida a varios de sus nuevos jugadores al estilo Pokémon, intercambiando Pokébolas por contratos de la WNBA.

La agencia libre de la WNBA ofrece de manera confiable una avalancha de anuncios, con muchas jugadoras estrella intercambiando ciudades o renovando contratos con sus franquicias existentes, pero esta noticia rara vez se ha entregado en un formato de 8 bits. Los anuncios iniciales de Minnesota en las redes sociales sobre su entrada en la agencia libre fueron comunes y corrientes, con una publicación estándar de agradecimiento para la saliente Tiffany Mitchell y una publicación de bienvenida para la ex guardia de Connecticut Sun, Natisha Hiedeman, apareciendo en Instagram. Sin embargo, Lynx luego se sumergió en el mundo de Pokémon para despertar algún misterio sobre un agente libre entrante.

La primera publicación sobre Pokémon del Lince de Minnesota presentaba sólo una silueta y la tentadora promesa: “LOS LINCES están evolucionando”. El adelanto, junto con otro vídeo vago de llegada, generó especulaciones y entusiasmo entre los fanáticos. El primer día de la agencia libre confirmó la sospecha de que la escolta de Chicago Sky, Courtney Williams, se uniría a la franquicia de Minnesota. Las versiones de 8 bits de Williams y Alanna Smith fueron bienvenidas oficialmente como nuevas incorporaciones a la lista de Lynx en clips que siguieron la estética de Pokémon.

Estos anuncios inspirados en Pokémon no son la única ocasión en la que la WNBA ha incorporado la cultura pop a su presencia en las redes sociales. Cuando los equipos de la WNBA lanzaron sus calendarios de la temporada regular de 2024, Lynx aprovechó la anticipación que rodeaba a Grand Theft Auto 6 modelando su anuncio de calendario según la franquicia. El Seattle Storm también adoptó una franquicia actual de la cultura pop al presentar su calendario para 2024, replicando el Burn Book de Chicas malas. En general, la WNBA a menudo ha abrazado el lado más nerd de la cultura popular, y las Indiana Fever incluso lucieron una camiseta City Edition inspirada en la serie de Netflix. Cosas extrañas.

Aunque las incorporaciones de Hiedeman, Williams y Smith han sido bien recibidas por los fanáticos de Lynx, ningún equipo de la WNBA realmente puede atraparlos a todos en la agencia libre y las salidas de Minnesota han incluido a Mitchell, Lindsay Allen y Rachel Banham, y se espera que Aerial Powers firme con el sueño de Atlanta. Este tipo de reorganización de la plantilla es típico durante la agencia libre de la WNBA y, aunque la historia más importante de la temporada baja tiene que ver con el destino de la ocho veces All-Star Nneka Ogwumike, las Minnesota Lynx han logrado gamificar este caótico período fuera de temporada. de una manera verdaderamente encantadora.

«¿Lo que hay de nuevo viejo?» es una comedia loca en la que el fallecido Ryan O’Neal interpreta a un hombre desventurado que queda atrapado con un agente del caos interpretado por Barbra Streisand. Es muy divertido y presenta una de las mejores escenas de persecución jamás capturadas en la pantalla. «Soy un gran admirador de todos los actores de esta película, pero soy particularmente un gran admirador del trabajo de Ryan O’Neal como Howard Bannister. Creo que es uno de los grandes papeles de comedia heterosexual», dijo Tarantino, y agregó:

«Creo que es realmente fantástico. Y, de hecho, me recuerda algo. Me encanta ‘Bringing Up Baby’ tanto como a cualquiera, especialmente tanto como le encantaría a un amante de los Hawks. De hecho, creo que Barbra Streisand y Ryan O’Neal son mejores que Grant y Hepburn allí. Son fantásticos juntos, combinado también con el hecho de que Ryan O’Neal actúa frente a tornados cómicos, en el caso de Barbra Streisand y Madeline Kahn. Y él simplemente está saltando de un lado a otro entre estos dos derviches giratorios y es un compañero magnífico. Vibra con ambos. Tiene una química maravillosa con ambos, y es ligeramente diferente con cada uno de ellos. Los prepara a todos para sus mejores chistes.»

Quizás más interesante que «¿Qué pasa, doctor?» El material es el hecho de que durante el transcurso del mismo podcast, Tarantino se tomó un tiempo para burlarse del aclamado neo-occidental «McCabe & Mrs. Miller» de Robert Altman. Como dijo Tarantino, cree que «el primer carrete de la película es el carrete peor mezclado en la historia del cine de Hollywood», y continúa:

«Hay un fuerte nivel de mediocridad que nunca baja más. Es terrible. [Altman] es un maldito marihuano que no conoce nada mejor. Él piensa que suena bien. Mucha gente piensa que Warren Beatty fue en realidad el codirector de esa película».

Como fue el caso con su versión de «Los amigos de Eddie Coyle», este es un caso en el que tendré que estar en desacuerdo con el Sr. Tarantino: «McCabe y la Sra. Miller» es fantástica. Pero eso es lo que pasa con Tarantino: incluso cuando no estoy de acuerdo con sus tomas, siempre tengo curiosidad por escucharlas o leerlas. Esperamos conocer pronto la fecha de lanzamiento de «Cinema Speculation Vol. 2».

“El tiempo es lineal, ya ves, aunque te mueves rápidamente en él, así que cuando dijiste “Gravedad”, esa es la palabra que aprendiste. Pero entonces [Isaac Newton] Si te entiende mal, lo cambia a “Mavity” y como está acuñando la frase allí mismo, cambia la historia a partir de ese momento. En ese momento cuando lo cambia, es como un dominó temporal y afecta todo a partir de ese momento. Cambiaste de hora. Cambias tu propio sistema educativo en ese momento”. Simple.

12. Los ensayos con el Doctor y Donna y sus malvados homólogos fueron complicados, dice el director Tom Kingsley. Cada escena fue ensayada con Tennant y Tate como el Doctor y Donna, y luego ensayada con esos dos como sus monstruosos gemelos alienígenas, por lo que los dobles del cuerpo tenían una idea de cómo actuarían Tennant y Tate, y luego siguieron intercambiando hasta que estuvo bien. .

13. “Jimbo”, el robot, es un títere físico a escala creado por el titiritero de criaturas y efectos especiales Brian Fisher. Hay un marco de aluminio hecho a medida dentro de su cuerpo que se puede colocar como una pequeña armadura de marioneta, y los titiriteros usan palos adheridos a sus extremidades para hacerlo caminar y moverse. «Es esencialmente el modelo stop-motion más grande que hemos hecho en nuestras vidas», dijo Fisher. Doctor Who: desatado.

14. Bernard Cribbins apareció por primera vez en Médico que en el especial de Navidad «El viaje de los condenados» y se repitió en múltiples episodios, incluida de manera memorable la historia final del Décimo Doctor «El fin de los tiempos». Cribbins filmó sus escenas para este episodio en Camden Lock el 16 de mayo de 2022 y lamentablemente murió dos meses después, a la edad de 93 años. El regreso de Cribbins significó mucho para todos en Médico quecomo dijo Russell T Davies Doctor Who: desatado:

“Es una de las grandes alegrías de mi vida que al final de la carrera de Bernard, al final de su vida, haya vuelto con nosotros para rodar lo que en realidad resultó ser su escena final, no lo sabíamos en el momento. tiempo. Le encantaba volver. Estaba un poco retirado pero amaba Médico que. Vino a nuestra lectura, estuvo allí, todos salimos a cenar, lo pasamos muy feliz. Queríamos hacer más porque lo amábamos, él no estaba lo suficientemente bien como para hacer más, pero esa escena que completó me llena de absoluta alegría”.

15. Catherine Tate tenía una prótesis para el largo brazo de su copia malvada y una pierna falsa adicional atada a ella para la escena en la que los monstruos discuten cuántas rodillas tienen los seres humanos. Los dientes afilados eran protésicos y tampoco CGI: hay muchos juegos de palabras en el set sobre hacer todo lo posible, meter los dientes en las cosas y completar escenas con la piel de los dientes.

15. Bernard Cribbins, quien interpreta al abuelo de Donna, Wilf, regresó a filmar escenas para un episodio posterior que resultaron ser las escenas finales que filmó, ya que lamentablemente falleció en julio de 2022 a la edad de 93 años.

dieciséis. Se suponía que los Wrarth Warriors volarían usando cables, pero no había manera de sujetar los cables y arneses a través de los disfraces de los zancos, así que cuando vemos a Wrarth volar, el artista está inmovilizado en un balancín que Alguien salta al otro extremo y de repente asciende al cuadro, y las alas se agregaron en VFX.

17. El presupuesto de CGI y VFX para una serie completa de 13 partes cuando Collinson y Tennant estaban haciendo por última vez Médico que, es lo que ahora gastan en VFX para un solo episodio. Gracias, Disney+.

18. El momento en que el Doctor se pone la peluca de abogado es un homenaje al Cuarto Doctor de Tom Baker, que hizo lo mismo en la historia de la temporada 16 de 1978, «Las piedras de sangre». La peluca “causó estragos en mi peinado”, dice David Tennant. «Verás que cuando se quita la peluca, es un corte muy rápido, porque no querrás mirar el desastre que queda».

19. En la escena en la que Rose es intimidada fuera de su casa por niños locales y recibe un nombre muerto (llamada por su nombre de nacimiento después de la transición a su género y nuevo nombre), nos enteramos de que Donna la llamó Jason cuando era bebé. RTD explica en el podcast oficial de Doctor Who: “Lo interesante de ‘Jason’ es que en realidad significa ‘sanador’ o ‘Doctor’, lo que significa que Donna realmente le puso a su hijo el nombre del Doctor sin darse cuenta, inconscientemente, lo cual es una Es un buen hecho entrar allí”.

20. Cuando los soldados de The Meep transportan al Doctor y a los Nobles en la camioneta, el vehículo no se mueve, sino que la tripulación lo mueve afuera. Del mismo modo, cuando ‘suben’ en el ascensor, no se mueven en absoluto, sino la cámara. “¡Hacían cosas así en 1963 y nosotros todavía las hacemos!” se ríe Phil Collinson.

«Blade Runner» de Ridley Scott es, por supuesto, objeto de una controversia de edición que se ha debatido durante mucho tiempo. Ambientada en el futuro cercano de 2019, “Blade Runner” trata sobre un detective futurista llamado Rick Deckard (Harrison Ford) que se especializa en rastrear replicantes rebeldes, criaturas parecidas a humanos creadas artificialmente y construidas para mano de obra barata. Verás, detectar replicantes es difícil. Los replicantes también están programados con fechas de muerte preestablecidas, lo que lleva al replicante Roy (Rutger Hauer) a tener una crisis existencial. La película de Scott contiene algunas imágenes y un diseño de producción realmente deslumbrantes, pero sus fintas en dirección a la profundidad resultan asombrosamente planas. En última instancia, «Blade Runner» es un ejercicio sorprendentemente aburrido de mirarse el ombligo adolescente y sin sentido.

La película termina con el público preguntándose si Deckard es o no un replicante. La respuesta, de cualquier manera, no haría que «Blade Runner» fuera más interesante.

Sin embargo, cuando se estrenó por primera vez, Warner Bros. reeditó «Blade Runner», sin la participación de Scott, para incluir una torpe narración en off de Ford, así como un final más feliz. La voz en off inicial es particularmente odiada por los fanáticos de «Blade Runner», y muchos la critican popularmente por ser innecesaria para comunicar la historia.

El odio a la voz en off es un tema de conversación tan infame entre los compañeros de cine, incluso más que las discusiones sobre «La Liga de la Justicia», que Gerwig tuvo que satirizarlo inicialmente en «Barbie». En lugar de que el personaje de Shipp se sintiera desconcertado por estar realmente involucrado en «la visión de Zack Snyder», ella vino al rescate de la versión teatral de «Blade Runner».

Gerwig dijo:

«Una de las Barbies le dice a Ken: ‘Dios mío, nunca me habría dado cuenta de que Deckard era un replicante’. […] Luego, cuando le quitan el lavado de cerebro, hay una versión en la que dice: «Me gustó la voz en off». Lo necesitaba para ayudarme a entender lo que estaba pasando. Nadie está siguiendo esto'».

Gusto.

Este año se cumplen 40^th aniversario de John Carpenter cristina. Para conmemorar la ocasión, la película disfrutó de un relanzamiento en cines en los Estados Unidos el mes pasado y en el Reino Unido esta semana.

Situado en medio de la fenomenal carrera de Carpenter que se extiende desde Asalto al Recinto 13 a Ellos viven, cristina frecuentemente se pasa por alto en favor de películas como Víspera de Todos los Santos o La cosa. Dice mucho sobre la calidad y consistencia de la producción de Carpenter que películas como cristina y Príncipe de la oscuridad tienden a ser ignoradas porque son simplemente “muy buenas” en lugar de obras maestras que redefinen el género. Aún, cristina Es una película que parece madura para una reevaluación.

carpintero llego cristina por accidente. Su adaptación de Stephen King Iniciador de fuego se descarriló por el fracaso comercial de La cosahaciendo de King cristina una segunda opción. En retrospectiva, admite cristina «Resultó mejor de lo que debería». Al discutir la readaptación planeada por Bryan Fuller de la novela de King, Carpenter simplemente dijo: “Bueno, buena suerte para él. Probablemente será mejor”. (Queda por ver si la versión de Fuller llegará a la pantalla, dadas las acusaciones de acoso en su contra).

Aún, cristina ha desarrollado una especie de culto devoto a lo largo de las décadas. En particular, fue una influencia clave en la obra de David Gordon Green. Halloween terminahasta el punto de que Green le pidió a Carpenter que le hiciera saber si el guión era “demasiado cristina.” Halloween termina‘ Corey Cunningham (Rohan Campbell) comparte apellido con cristinaes Arnie Cunningham (Keith Gordon), y ambos personajes encuentran trabajo en depósitos de chatarra reparando coches. Ambos jóvenes también sufren transformaciones similares.

Stephen King cristina Es obviamente la historia de un coche asesino, un concepto que está maduro para la burla. Hasta cierto punto, Carpenter simplemente juega así. La secuencia de apertura de la película tiene la banda sonora reproduciendo “Bad to the Bone” mientras el auto avanza por la línea de ensamblaje de Detroit. Aparentemente operando por pura malicia, el automóvil le rompe la mano a un trabajador automotriz (Joe Unger) y asesina a otro (Art Evans). Carpenter nunca explica por qué el auto es malo. Es solo es.

Sin embargo, como muchas de las novelas de Kings, cristina está lleno de subtexto sobre las ansiedades masculinas. De hecho, Carpenter y King forman una buena pareja y comparten muchas influencias e intereses similares. Avanzando dos décadas en el tiempo, el coche llega a manos de Arnie Cunningham. Arnie es un nerd y un perdedor. Buddy (William Ostrander) lo acosa en la escuela y su madre Regina (Christine Belford) en casa. Arnie es un joven lleno de resentimiento.

Gran parte de ese resentimiento es de naturaleza explícitamente sexual, incluso antes de que el automóvil se involucre. En su primera escena, charla con su mejor amigo Dennis Guilder (John Stockwell) sobre su deseo de perder la virginidad. También se queja del juego de Scrabble que jugó con su madre la noche anterior, que perdió porque ella lo descalificó por el uso de la palabra “fellatio”. Recuerda: “Ella dijo que la obscenidad no estaba permitida en el scrabble. Lo busqué. Está en el diccionario”.

cristina no siempre es sutil al comunicar su tema de ansiedades masculinas frustradas. En un momento, Regina envía a su hijo a la escuela con un almuerzo para llevar que incluye yogur. Buddy roba la bolsa de papel marrón y la penetra con su navaja. La sustancia blanca salpica todo el suelo de su clase de tienda. Hay una sensación de que algo está hirviendo bajo la superficie, que las ansiedades masculinas y sexuales de Arnie están siendo sublimadas.

Parecen estar sublimados en el coche. Como su nombre lo indica, la propia Christine frecuentemente tiene un género y está sexualizada. Incluso antes de comprar el coche, Arnie se refiere a él como «ella» y «ella». El propietario anterior, George Lebay (Roberts Blossom), recuerda que Christine “olía a coche nuevo. Es el mejor olor del mundo, excepto quizás el del coño. Más adelante en la película, Arnie opina que «no hay nada mejor que estar detrás del volante de tu propio auto, excepto tal vez por un coño».

Sin embargo, Christine se presenta como una alternativa a la sexualidad femenina. La violencia del automóvil a menudo se enmarca en términos explícitamente sexuales y, a menudo, en términos sexuales masculinos. Christine es muy contundente. Golpea y aplasta. Asfixia. El auto se mete en un muelle de carga increíblemente estrecho para cortar al amigo de Buddy, Moochie (Malcolm Danare), “por la mitad”, recordando un Hombre de familia broma. Más tarde embiste repetidamente el coche de Buddy y se estrella contra un garaje. Luego, ese garaje explota dramáticamente.

Arnie está obsesionado con el sexo, pero desde un lugar de inseguridad. Cuando invita a Leigh (Alexandra Paul) a una cita en un autocine, se siente impotente cuando Christine intenta estrangularla. Observa impotente cómo otro cliente realiza la maniobra de Heimlich en su cita. Filmada desde un ángulo bajo, con lluvia cayendo mientras la pareja empuja y gruñe, terminando con ambos colapsando de satisfacción, esta es una escena explícitamente sexual. Arnie está observando a Leigh y a otro hombre. ¡Quita tus malditas manos de ella! él grita.

Sin embargo, cristina No está realmente interesado en la relación entre Arnie y Leigh. Leigh se presenta como un posible interés amoroso tanto para Arnie como para Dennis, pero luego simplemente se queda a lo largo de la película. La película está mucho más fascinada por la dinámica entre sus dos protagonistas masculinos. En particular, la idea de que el propio coche interviene en la relación que comparten estos dos jóvenes. “Sé que estás celoso”, le dice Arnie a Dennis cuando su amigo expresa su preocupación por el auto.

Dennis es un contraste fascinante con Arnie. En muchos sentidos, Dennis es más convencionalmente masculino. Juega al fútbol, ​​conduce un coche y es popular entre las chicas del colegio. Si Arnie es un nerd estereotipado, entonces Dennis inicialmente parece ser un deportista estereotipado. Sin embargo, como cristina A medida que se desarrolla, Dennis llega a encarnar un tipo de masculinidad mucho más complicada y matizada. De hecho, a menudo parece que el propio Arnie no entiende qué hace que Dennis sea mucho más popular y mucho más feliz que él.

Dennis no es hiperagresivo. Cuando descubre a Buddy intimidando a Arnie, no resuelve la situación recurriendo a la violencia; llama a su maestro, el Sr. Casey (David Spielberg), y le informa sobre la navaja automática de Buddy. Dennis es retratado como alguien genuinamente cariñoso. Está constantemente cuidando a Arnie. Hay una vulnerabilidad convincente en la actuación de Stockwell, quien interpreta la segunda mitad de la película como si Dennis estuviera constantemente a punto de romper a llorar. Dennis comprende sus propios sentimientos.

Hay un subtexto definido en la relación de Arnie y Dennis. Cuando Arnie confiesa que se siente atraído por el coche porque “por primera vez en [his] vida, [he] Encontré algo más feo que [him]”, responde Dennis, “No eres feo, Arnie”. Cuando Arnie rechaza esto, Dennis añade: «Queer, tal vez, pero no feo». En la página, este momento podría leerse como casualmente homofóbico como lo son muchas películas de la época. Sin embargo, interpretado por Stockwell, es extrañamente tierno. Mientras se aleja, Dennis escucha “Runaway” de Bonnie Raitt: “Mientras camino me pregunto qué salió mal con nuestro amor, un amor que era tan fuerte”.

Arnie carece del consuelo de Dennis en su propia piel. Como corresponde a una película estrenada a mediados del primer mandato de Reagan, la riqueza influye en esto. Arnie vive en los suburbios y va a la universidad. A su madre no le gusta que esté tomando clases de comercio, como si “le avergonzara o algo así”. Class informa la relación de Arnie con Darnell (Robert Prosky), quien dirige el taller de automóviles. Darnell insiste en que el taller es para “los trabajadores que deben mantener sus autos en funcionamiento para poder poner pan en la mesa”, no para diletantes ricos que viven en los barrios bajos.

En el transcurso de cristinaArnie se transforma de un nerd aparentemente dulce y tímido en un completo monstruo. cristina depredado La venganza de los nerds por un año entero, pero sin duda había algo que se agitaba en la conciencia popular. cristina ha envejecido notablemente bien; el estudio de un joven que canaliza sus propias inseguridades y frustraciones por su incapacidad para encarnar un ideal masculino estereotipado en algo venenoso y monstruoso.

Dicho eso, cristina aborda muchos de los temas y fijaciones recurrentes de Carpenter. Después de todo, siguió directamente La cosa, que también trata sobre un conjunto de ansiedades masculinas no articuladas. Sin embargo, existen otros puntos de superposición dentro de la filmografía de Carpenter. cristina se siente como una extraña pieza complementaria para Víspera de Todos los Santos. Al igual que la novela original de King, la mayor parte de cristina incluso está ambientada en 1978, el mismo año que Víspera de Todos los Santos. Ambas son también historias sobre la represión suburbana.

En algunas formas, cristina es una versión invertida de género Víspera de Todos los Santos. Carpenter ha sostenido que Víspera de Todos los Santos se entiende mejor como la historia de la frustración sexual de Laurie Strode (Jamie Lee Curtis). «La única chica que es sexualmente más tensa sigue apuñalando a este tipo con un cuchillo largo», explicó. “Ella es la más frustrada sexualmente. Ella es la que lo mató. No porque sea virgen sino porque toda esa energía sexual reprimida empieza a salir. Ella usa todos esos símbolos fálicos en el chico. Ella no tiene novio… y encuentra a alguien… él”.

Según esta lógica, Laurie casi parece evocar a Michael Myers (Nick Castle) de regreso a Haddonfield. Durante su primer encuentro, mientras deja la llave en la antigua casa de los Myers, canta distraídamente para sí misma: «Ojalá te tuviera completamente sola». Myers entra amablemente en escena. En sus conversaciones con sus amigas Lynda (PJ Soles) y Annie (Nancy Loomis), queda claro que Laurie tiene deseos, incluso si se niega a cumplirlos. Como dice Carpenter, Laurie «es más como una asesina, porque está reprimida».

El Víspera de Todos los Santos La serie utiliza repetidamente “Mr. Sandman” como una señal musical, como si Michael fuera el sueño de Laurie manifestado. El uso de esa canción, muy parecido al uso de gran parte del rock and roll de los años cincuenta en cristina, sugiere la represión que marcó esa década. En cristina, la propia represión de Arnie parece atraer y empoderar al Plymouth Fury de 1958 de la misma manera que la represión de Laurie pareció atraer a Michael. Todos esos sentimientos no expresados ​​tienen que ir a alguna parte y los resultados son horribles.

Por supuesto, teniendo en cuenta la escena inicial de Resurrección de Halloween, Laurie siempre vence a Michael. Arnie no tiene tanta suerte. En el clímax de cristina, sale del coche a trompicones y agarra a Leigh. Jadea y colapsa, una secuencia tan sexual como la maniobra de Heimlich al principio de la película. Al final, se revela que Arnie ha logrado la penetración: un fragmento de vidrio le atraviesa el abdomen. Arnie ha sido empalado por Christine. La represión mata.

Leonardo DiCaprio, de 48 años, nacido en West Hollywood, Los Ángeles, tiene tres pilares. En primer lugar, es un actor extraordinariamente bueno. En segundo lugar, es un inquieto activista medioambiental al que también le preocupa su propio CO2, que se debe a su vida en la jet-set.₂-Se mantiene el balance. Y en tercer lugar, el hombre defiende su fama de soltero perpetuo, de filou con novias que le doblan la edad.

Sus habilidades como actor no están sujetas a debate. DiCaprio puede retratar cualquier cosa imaginable, el buitre con traje a medida (“El lobo de Wall Street”), el aventurero cazador de osos de principios del siglo XIX (“El renacido”); Incluso en el papel del llorón, que alguna vez fue un actor estrella, no parece fuera de lugar («Érase una vez en Hollywood»).

El rostro y la apariencia son adecuados para todos los géneros. Incluso cuando DiCaprio interpreta a un bastardo completamente podrido (el dueño de esclavos Calvin Candie en “Django Unchained”), sigue siendo casi confusamente accesible. Se le dan especialmente bien los personajes ambivalentes porque nunca falta mucho, desde una sonrisa hasta una mueca. Con su entrada alta y sus cejas tipo boomerang, tiene una cara diabólica como la de Jack Nicholson.

Reiniciar después de «Titanic»

Leonardo DiCaprio es una excepción. En realidad, es “la última estrella”, escribe el periódico líder del sector “Hollywood Reporter”. A lo sumo, Tom Cruise todavía tiene un aura comparable, pero a pesar de sus exitosas incursiones en el cine serio (Kubrick, Paul Thomas Anderson), siempre ha sido un hijo de las superproducciones de acción.

DiCaprio, con su tierna cara de bebé, fácilmente podría haberse quedado con el primer papel estelar del rompecorazones: después de “Romeo + Julieta” y “Titanic”, empezó todo de nuevo. Ya no quería interpretar nada jabonoso, sino que los directores debían aportar una ventaja. Ya no lo hace con Scorsese o Tarantino (la televisión y las series, el mísero formato pequeño, están fuera de discusión para él de todos modos).

DiCaprio no filma mucho. Pero una vez en el set, filma todo lo que puede: cada escena debe repetirse hasta que la estrella pueda vivir con ella. El director James Cameron tiene una regla de hierro: si una escena no sienta bien después de veinte ejecuciones, hay algo fundamentalmente malo en ella. Una escena como ésta debería ser eliminada. Ésta es la actitud equivocada de DiCaprio. En “Titanic”, el director y la estrella chocaron porque esta última no quería ceder una escena. «Es incluso más perfeccionista que yo», se dice que Cameron se molestó.

El pecado de la juventud

Hay una película de la que Leonardo DiCaprio se avergüenza: “Don’s Plum”. Junto con su amigo y coprotagonista Tobey Maguire, intentó sacar legalmente de circulación el pecado juvenil. Los actores se quejaron de que el director, un tal R. D. Robb, hizo un largometraje en lugar de un corto a mediados de los años 90 sin su conocimiento. La verdadera razón por la que el asunto llegó a los tribunales puede haber sido que las estrellas estaban avergonzadas por la producción barata y púber.

La película, que en realidad fue prohibida en Estados Unidos pero no en Europa, trata sobre cuatro amigos que ligan mujeres y se babean por tener sexo con ellas durante una noche en un restaurante. “Don’s Plum” es desagradablemente mala, pero vale la pena analizar la película por dos razones: El caso judicial demuestra cuán serio es DiCaprio con respecto a su imagen. Y es más, a veces es la dirección más incompetente la que revela lo que realmente hay dentro de un actor.

Puede que Leonardo DiCaprio no respalde el trabajo, pero demuestra cómo lo hace arriba se encuentra una obra. Una película puede ser vergonzosa, pero DiCaprio no. Ya entonces quedó claro que era un actor fenomenal. Pero hay otras razones por las que debería convertirse en un fenómeno. Lo importante es el panorama general, y esto también incluye el activismo ecológico y promiscuo de DiCaprio.

DiCaprio es también un escarabajo y un árbol.

No siempre es fácil decir en qué campo se desempeña principalmente el hombre. En sus canales oficiales (19 millones de seguidores en Facebook, 61 millones en Instagram) prácticamente sólo está presente como conservacionista. Los perfiles hablan de especies en peligro de extinción en lugar de la estrella de cine. Los esfuerzos para evitar que el Gran Lago Salado de Utah se seque son un tema, al igual que la búsqueda de especies animales, plantas y hongos que se creían extintos, promovida por DiCaprio.

Los fanáticos y los investigadores de reptiles saben que DiCaprio recientemente nombró a una serpiente recién descubierta en honor a su madre Irmelin, «Sibon irmelindicaprioae». También hay un árbol que lleva el nombre del actor: “Uvariopsis dicaprio” en la selva tropical de Ebo en Camerún. En Borneo se encontró el escarabajo “Grouvellinus leonardodicaprioi”.

Cualquiera que busque noticias sobre Leonardo DiCaprio terminará casi inevitablemente en su “historial de citas”. Porque normalmente la estrella tiene una nueva novia más rápido que una nueva película. Entre sus ex están las top models Bar Refaeli, Gisele Bündchen y Toni Garrn.

Según los informes, DiCaprio está actualmente en una relación con la modelo italiana, Vittoria Ceretti. Ceretti tiene 25 años y, por tanto, se encuentra en el extremo superior del límite de edad. Según todo lo que sabemos y Wikipedia, Leonardo DiCaprio nunca ha tenido una pareja mayor de veintitantos años. En una ceremonia de premiación, Ricky Gervais, el tóxico comediante británico, dijo una vez: «Leonardo DiCaprio estuvo en el estreno y al final su cita era demasiado mayor para él».

DiCaprio ahora habla en serio sobre Vittoria Ceretti, podemos leer. Se dice que la pareja fue vista visitando la Pinacoteca Ambrosiana de Milán, en presencia de la madre de DiCaprio, Irmelin Indenbirken.

En su colección, “El retrato de un músico” de Leonardo da Vinci es una de las obras más famosas. Si la madre llevó a su hijo aparte frente al cuadro y le dijo: «Mira, tu nombre te lo dio él», no lo sabemos. Según la leyenda, Indenbirken estaba parada frente a un cuadro de da Vinci, entonces en la Galería de los Uffizi de Florencia, cuando su bebé le dio una patada en el estómago hace casi 50 años. Luego llamó al niño Leonardo.

Creciendo en la miseria

La emigrante Irmelin Indenbirken de Oer-Erkenschwick, en Renania del Norte-Westfalia, conoció al autor y editor de cómics George DiCaprio en la universidad de Nueva York. Se convirtió en un gran nombre en la escena del cómic alternativo en la costa oeste en la década de 1970. Trabajó con Laurie Anderson, con el papa del LSD Timothy Leary; Bukowski también era un amigo. El director Baz Luhrmann llamó a George DiCaprio el “Zelig de la contracultura”, una figura hippie al estilo Woody Allen.

Cuando Leonardo DiCaprio habla de su infancia en raras declaraciones privadas, elogia a sus padres bohemios, pero también describe el incómodo barrio de Los Ángeles, donde incluso cuando era pequeño veía a las prostitutas en las esquinas y a los traficantes de drogas. Al mismo tiempo, la miseria lo preparó temprano para las tentaciones y trampas de Hollywood, dice la estrella en entrevistas. La joven estrella Timothée Chalamet reveló que Leonardo DiCaprio le dio una vez dos consejos para su carrera: «No a las drogas duras ni a las películas de superhéroes».

La clave del éxito de DiCaprio reside en el comentario casual. La estrella no se subordina a ninguna marca, quiere ser la marca él mismo. Así como mucha gente va a una película porque dice Marvel, otros van a una película porque aparece DiCaprio. Es un sello de calidad para la fina artesanía de la gran caja.

La duración de sus obras por sí sola habla de su inclinación por el material épico. Desde «Revolutionary Road» de 2008 (119 minutos), Caprio no ha hecho una película que supere las dos horas. Leonardo DiCaprio es un hombre que sabe lo que le gusta: mujeres grandes, películas largas.

El plano climático

Es la combinación lo que lo hace accesible a diferentes grupos objetivo. Los cinéfilos ven al actor ambicioso y atrevido que sólo aparece para los mejores directores, los lectores de “Gala” ven a un hombre en yates.

Es omnipresente y, sin embargo, difícil de clasificar. A los liberales les resulta reconfortante ver a los ganadores saboreando su éxito. Los hombres lo aprecian porque es un hombre, y las mujeres también. Es verde, muy verde, pero no deja que la diversión se le escape. Habla sobre el cambio climático con António Guterres y luego se va en avión a la próxima fiesta en Ibiza. Algunos son los pegadores climáticos, DiCaprio es un piloto climático. Tal vez esté mintiendo, tal vez simplemente sea honesto.

Hay celebridades que son elogiadas por su naturaleza con los pies en la tierra. Pero las estrellas no pertenecen a la tierra. Las estrellas brillan sobre nosotros, deben ser inalcanzables. Como Leonardo DiCaprio, cercano a la naturaleza y al mismo tiempo distante.

Después de años de camisetas sin mangas y cuero negro que se destrozan fácilmente, Deadpool 3 finalmente está poniendo al actor de Wolverine, Hugh Jackman, con el característico traje azul y amarillo del mutante. Sin la ropa interior azul (al menos en el exterior), el disfraz de Wolverine para la pantalla grande es una fiel adaptación del clásico spandex que la mejor exportación de Canadá ha usado en cómics y series animadas a lo largo de los años. Entonces, ¿cómo encontró el director de Deadpool 3, Shawn Levy, el look adecuado para Wolverine? Consultando a los «nerds más nerds» que el Universo Cinematográfico de Marvel tenía para ofrecer, explicó Levy.

En declaraciones a Entertainment Weekly, Levy dijo que él y su equipo pasaron por «múltiples, múltiples, múltiples iteraciones y ajustes» antes de decidirse por el aspecto final de Wolverine. «También ayuda que esté haciendo esta película dentro del MCU, así tengo acceso a un ejército de los nerds más nerds disponibles para un proyecto de Marvel», dijo Levy.

Lo más cerca que estuvieron los fanáticos de ver a Wolverine con un disfraz de cómic fue en una escena eliminada de The Wolverine de 2013. En esa escena, Logan recibió un disfraz marrón y tostado como regalo de despedida de Mariko Yashida, completo con su máscara característica. En X-Men: Días del Futuro Pasado, el traje de batalla de Logan contenía varios guiños a los orígenes de su cómic, pero todavía era un guiño apagado al material original.

La fecha de estreno de Deadpool 3 parece estar en duda, ya que la película ha sido eliminada del calendario de estrenos de Disney para la primera mitad de 2024. La producción de la película se detuvo después de que el sindicato de actores de Hollywood, SAG-AFTRA, convocara una huelga. uniéndose a los escritores que están en huelga desde mayo.

Shawn Levy está dando una idea de Deadpool 3 y el traje de Wolverine que lucirá Hugh Jackman en la película de MCU que tiene precisión cómica.

“Como el resto del mundo, he esperado dos décadas para ver a Wolverine en una película completa con Deadpool, y no sé si esta es nuestra última oportunidad de ver a Wolverine en la pantalla, así que iba a asegurarme de que obtener el viejo amarillo y azul solo una vez, y que lo hagamos bien”, dijo Levy EW.

Los fanáticos de Marvel pudieron ver un adelanto del traje amarillo de Wolverine de Jackman cuando apareció una imagen del set de Dead pool 3 fue compartido en las redes sociales. El traje es brillante y amarillo y es una devolución de llamada al que usó Wolverine en X-Men: La serie animada de los años 90.

Levy dijo que para llegar al diseño final, el equipo detrás del traje pasó por múltiples iteraciones y agregó: «También ayuda que esté haciendo esta película dentro del MCU, así que tengo acceso a un ejército de los nerds más nerds disponibles para un Proyecto Marvel”.

El director mencionó que Ryan Reynolds «quería que nuestra película estuviera basada en la tierra y no pareciera un montón de entornos físicos filmados en un estudio de sonido». Desde que compartió las fotos de los disfraces en línea, Levy dice que la reacción «ha sido abrumadoramente positiva».

A partir de ahora, la producción de Deadpool 3 se detuvo debido a la huelga de SAG-AFTRA.