Jordan Peele no está listo para revelar ninguna información sobre su próxima película, que servirá como continuación de su thriller de ciencia ficción de 2022 “Nope”, pero sí cree que podría ser “mi película favorita” siempre que haga bien. Sin presión. Se suponía que Peele ya estaría haciendo su cuarto esfuerzo como director en solitario con Universal Pictures, pero las huelgas de Hollywood retrasaron el proyecto en 2023 y no es probable que la filmación comience hasta finales de este año.

«Este ha sido… obviamente, ha sido un año interesante porque la huelga de escritores me había dejado en un estado de escucha, y ahí es donde necesito estar», dijo Peele en el podcast «Conan O’Brien Needs a Friend» cuando se le preguntó. sobre su nueva película. «Siento que tengo claro mi próximo proyecto y estoy emocionado de tener otra película que, ya sabes, podría ser mi película favorita si la hago bien».

Así como lo hizo en el período previo a “Get Out”, “Us” y “Nope”, Peele se ha mantenido muy reservado sobre su cuarta película. Ni siquiera se conoce el título por el momento. Universal Pictures anunció en marzo de 2023 que la próxima película de Peele se estrenaría en los cines el día de Navidad de este año (miércoles 25 de diciembre), donde se habría enfrentado a películas como “Sonic the Hedgehog 3” y “Nosferatu” en el taquilla, pero desde entonces la película ha sido retirada del calendario debido a retrasos en el desarrollo relacionados con la huelga. No se ha anunciado una nueva fecha de lanzamiento, aunque parece probable 2025.

El primer largometraje de Peele, la película de terror psicológico de 2017, “Get Out”, se convirtió en un éxito comercial y de crítica, recaudando 255 millones de dólares y obteniendo cuatro nominaciones al Oscar, incluida la de mejor película. Peele recibió el Oscar al mejor guión original. Siguió esa película con el thriller doble de 2019 “Us”, que también generó 255 millones de dólares en todo el mundo. “Nope”, que reunió a Peele con su estrella de “Get Out”, Daniel Kaluuya, recaudó más de 170 millones de dólares a nivel mundial.

Preguntado por Variedad En la alfombra roja del estreno mundial de “Nope” sobre lo que está planeando para su cuarto trabajo como director, Peele respondió: “Siempre tengo algo en lo que estoy trabajando y que estoy tratando de resolver. A medida que pasa el tiempo, el mundo me da horrores para interpretar”.

Peele anunció después del estreno de “Get Out” que tenía “otros cuatro thrillers sociales que quiero revelar en la próxima década”, pero le dijo a Associated Press en 2022 que no disminuirá el ritmo del género en el corto plazo.

«Siento que estoy listo para las carreras», dijo Peele. “Simplemente no sé si podría limitar cuántas películas tengo de mí. Estoy empezando a perder de vista lo que estaría haciendo si no estuviera haciendo películas como esta. Entonces yo diría que el proyecto se ha extendido”.

Escuche la entrevista completa de Peele en el podcast “Conan O’Brien Needs a Friend” aquí.

Algunos de los compositores de cine y televisión más comentados de la actualidad se llevaron los Composers Choice Awards en los Screen Music Awards anuales de la Sociedad Estadounidense de Compositores, Autores y Editores (ASCAP) del martes por la noche en West Hollywood.

Michael Abels ganó la banda sonora del año por la película de terror y ciencia ficción de Jordan Peele «Nope». Cristóbal Tapia de Veer y Kim Neundorf ganaron la banda sonora televisiva del año por la comedia negra de HBO «The White Lotus» y Bear McCreary ganó la banda sonora de videojuegos del año por el aclamado «God of War: Ragnarok» de Sony Interactive.

En un empate, la Puntuación de Documental del Año fue para Amanda Jones por la serie de naturaleza de National Geographic «Super/Natural» y Jeff Cardoni por el documental sobre patinetas de HBO Max «Tony Hawk: Hasta que las ruedas se caen». Cristóbal Tapia de Veer también ganó un segundo premio como Tema Televisivo del Año por “El Loto Blanco”.

Solo de Veer no asistió. El público de compositores y cantautores fue recibido por el presidente de ASCAP, Paul Williams, junto con ejecutivos de las oficinas de la sociedad de derechos de interpretación en Nueva York y Los Ángeles.

Para Abels, marcó el segundo premio importante en solo ocho días: su ópera «Omar», con la coguionista Rhiannon Giddens, ganó la semana pasada el Premio Pulitzer de música. Y para McCreary, es un segundo premio importante por su partitura de «Ragnarok», que ganó un BAFTA hace un mes y medio.

Los Composers Choice Awards son votados por compañeros compositores y compositores de ASCAP de nominaciones elegidas por líderes de la industria del cine, la televisión y los juegos. Todos los nominados se basaron en lanzamientos de 2022 en sus diversos campos.

Los ganadores se anunciaron durante la fiesta a la que solo se puede acceder con invitación, junto con muchos otros premios ASCAP Screen Music Awards, que se otorgan anualmente en varias categorías diferentes. Los compositores premiados por las mejores series de transmisión incluyeron a Kyle Dixon y Michael Stein por «Stranger Things», Natalie Holt por «Obi-Wan Kenobi» y Siddhartha Khosla por «Only Murders in the Building».

Entre las mejores películas de transmisión, John Debney fue honrado por su música para «Hocus Pocus 2», mientras que Benj Pasek, Justin Paul, Khiyon Hursey, Mark Sonnenblick y Sukari Jones fueron citados por su trabajo en las canciones y la partitura de «Spirited».

Simon Franglen ganó como compositor de la película más taquillera del año por «Avatar: The Way of Water», y el veterano compositor David Vanacore fue honrado por los temas más interpretados y subrayado por su trabajo en programas que incluyen «Survivor», «The Kardashians». ” y “El programa diario”.

Los compositores Matthew Hawkins, Maurice «mO» Jackson y Neil Martin obtuvieron los máximos honores en series de televisión por su tema principal para «NCIS», mientras que John Sereda recibió los máximos honores en series de cable por su música para «When Calls the Heart».

Una lista completa de ganadores está disponible en el sitio de ASCAP aquí.

(En la foto de arriba: los ganadores del premio Composers Choice Award de ASCAP, Kim Neundorf, Jeff Cardoni, Michael Abels, Amanda Jones y Bear McCreary, asisten a la fiesta de los premios ASCAP Screen Music Awards en Cavatina en el Sunset Marquis Hotel en West Hollywood).

Muy poco de «Quantumania» tiene lugar en la Tierra-616 (la designación multiversal «oficial» para la MCU). De hecho, es justo decir que alrededor del 10% tiene lugar allí, siendo el Reino Cuántico y sus diversas tierras el verdadero punto focal. No se puede negar que estos mundos y los seres que los habitan son geniales de ver; de hecho, hay algunos efectos visuales y de maquillaje que se ven geniales. Sin embargo, el estilo visual de la película solo puede hacer mucho para ocultar el hecho de que no hay razón para su rareza.

The Quantum Realm es un escenario para que el público «ooh» y «aah». Su broma es que es extraño e inusual, y no le da a él ni a sus residentes ningún tipo de gancho real. Combine esto con lo emocionalmente distante que es todo lo demás sobre la película (la caracterización, las relaciones, las motivaciones, los chistes) y obtendrá una película que no dice absolutamente nada de sustancia, pero se comporta como si lo hiciera. Se supone que debemos creer que las interacciones tensas entre Scott (Paul Rudd) y su hija, Cassie (Kathryn Newton) constituyen un vínculo padre-hija.

Quiere que pensemos que algunas de las frases ingeniosas ridículamente bromistas, que nos atrevemos a llamarlas «Joss Whedon-esque», son encantadoras en lugar de irritantes. En realidad, sin embargo, nada funciona porque la película solo existe para llegar a la siguiente película de la manera más llamativa posible. Es un espectáculo sin sentido en su forma más hilarantemente obvia.

Ya sabes lo que dicen: cuando Dios cierra una puerta, abre las fauces de un monstruo gigante e incomprensible del espacio. El Sindicato de Escritores de América publicó sus nominaciones para los Premios del Sindicato de Escritores, un día después de que la Academia dejara caer su No-menos lista. La lista de películas destacadas de la WGA incluía películas nominadas al Oscar como Todo en todas partes a la vez y Alquitrán, pero también películas rechazadas por la Academia como la de Jordan Peele No, doctor bowie ensueño de la edad lunar, y yo tambien cronica Ella dijo. En el lado de la televisión, el programa de premios favorito Primaria Abbott fue nominado tanto para Serie de comedia como para Serie nueva. En esa categoría competirá contra gente como Andor y El oso. Y en la animación, Los Simpsons está nominada a tres episodios. Los 75th Writers Guild Awards se llevarán a cabo el 3 de marzo de 223 en ceremonias simultáneas en Nueva York y Los Ángeles. La lista completa de nominados se encuentra a continuación.

guión original
Todo en todas partes a la vez
Los Fabelman
El menú
No
Alquitrán

Guión adaptado
Pantera Negra: Wakanda para siempre
Cebolla de cristal: Un misterio de Knives Out
Ella dijo
Top Gun: Inconformista
mujeres hablando

Guión documental
2da oportunidad
Caída: el caso contra Boeing
Último vuelo a casa
Ensueño de la edad lunar
¡Viva Maestro!

Series de drama
Andor
Mejor llamar a Saul
La corona
Ruptura
Chaquetas amarillas

Series de comedia
Primaria Abbott
barry
El oso
trucos
Solo asesinatos en el edificio

Series nuevas
Primaria Abbott
Andor
malas hermanas
El oso
Ruptura

Serie limitada
el abandono
Fleishman está en problemas
pam y tommy
la escalera
el loto blanco

Películas de televisión y nuevos medios
Lo importante del asuntoCanal Hallmark
Sociedad de HonorParamount+
Ray Donovan: La películaTiempo de la funcion
corazones rotosEpix
Raro: La historia de Al YankovicEl canal de Roku

Animación
«Chicas solo Shauna diviértanse» Los Simpsons
“El jardín del dolor”, Tuca y Bertie
“Pixelado y asustado” Los Simpsons
«Rectificar,» Deshecho
“El sonido de las encías sangrantes”, Los Simpsons

drama episódico
“Un camino difícil por recorrer”, Ozark
«El fin de todo» la buena pelea
“Plan y Ejecución,” Mejor llamar a Saul
«El pinchazo», malas hermanas
«Roca y lugar duro» Mejor llamar a Saul
“Los que somos”, Ruptura

Comedia episódica
«El principio,» gracia y frankie
“Braciole,” El oso
«Escuela privada,» Lo que hacemos en las sombras
«El único,» trucos
“Red amplia”, Reservas Perros

Serie de charlas de comedia/variedades
Frontal completo con Samantha Bee
Infierno de una semana con Charlamagne Tha God
¡Jimmy Kimmel en vivo!
Tarde en la noche con Seth Meyers
La semana pasada esta noche con John Oliver
El problema con Jon Stewart
Stephen Colbert presenta Tooning Out the News

Serie de bocetos de comedia / variedad
Dentro de Amy Schumer
PAUSA con Sam Jay
Sábado noche en directo

Especiales de comedia/variedad
Concierto del Día Nacional de los Caídos
Stand Out: una celebración LGBTQ+
El problema con Jon Stewart: especial de resumen de las elecciones
Jerrod Carmichael: Rothaniel

Cuestionario y participación del público
hornearlo
Tazón universitario Capital One
¡Peligro!
Eslabón más débil

Teatro diurno
Dias de nuestras vidas

Episódico, formato largo y especiales para niños
“Un viaje peligroso”, La misteriosa sociedad benedictina
«Jueves,» La vida de Ella
«Piloto,» Ambar marrón
“Prisión o Palacio,” La vida de Ella
«Sujeto de prueba trece» Rompedores de circuito

Nuevos medios de formato corto
Rompeolas
Carpool Karaoke: la serie
Tres debras ocupados

Guión Documental — Eventos Actuales
“Episodio Dos: Resiliencia,” Esconderse a simple vista: enfermedad mental juvenilPBS
“Dentro del presunto encubrimiento de agresión sexual en las escuelas de Charlotte”, Noticias de vicio esta noche
“Mentiras, Política y Democracia”, Primera línea

Guión documental, aparte de los eventos actuales
“Episodio dos: un estadounidense (1775-1790)”, Benjamin FranklinPBS
“Episodio uno: La puerta dorada (Comienzos-1938)”, Estados Unidos y el Holocausto, PBS
lucy y desi
«Invasores del océano» Estrella nueva
“El poder de Pelosi”, Primera línea
“Plaga en el Golden Gate”, Experiencia AmericanaPBS

Guión de noticias: Programado regularmente, Boletín o Informe de última hora
“Masacre en Buffalo” Noticias de fin de semana de CBS
“Disparos en Robb Elementary” Noticias del mundo esta noche con David Muir
“Edición especial: desde la frontera con Ucrania”, Noticias del mundo esta noche con David Muir
“La crisis del agua en Jackson, Mississippi”, CBS Evening News con Norah O’Donnell

Guión de noticias: análisis, artículo o comentario
“Batalla por Ucrania”, 20/20
“Ciudad de los Leones”, 60 minutos
«La chaqueta verde: el premio definitivo del golf» CBS sábado por la mañana
«Cosecha de guerra», 60 minutos
“El derrame de petróleo de mayor duración” 60 minutos
“Apuntando a los estadounidenses”, 60 minutos

Noticias digitales
“El único distrito histórico LGBTQ de Estados Unidos se está desmoronando”, Vice
«Cómo el sistema penitenciario de Oregón tomó represalias contra su abogado carcelario más eficaz», HuffPost
“Pasé 72 horas depravadas buscando el antro más retorcido de Las Vegas”, Vice
“La consecuencia más inesperada de la prohibición del aborto en Texas”, Slate
“¿Qué es tan aterrador sobre un niño transgénero?” Vox

Documental de radio/audio
«Dr. REGALO,» Un año: 1995
“Como un león sin dientes”, Espectáculo de crimen
“Haciendo sentido: cómo el sonido se convierte en oído”, inexplicable
“El poeta más famoso que nadie recuerda”, Anillo decodificador
«No paz,» Slow Burn: Los disturbios de Los Ángeles
«El último viaje de campo», Un año: 1986
“La guerra en Jennifer Weiss”, Espectáculo de crimen

Guión de noticias de radio/audio: programa regular, boletín o informe de última hora
“Resumen de noticias mundiales de CBS”
“Hail And Adiós: Saludando a 5 que marcaron la diferencia”, CBS Radio
“Noticias – 11 a.m. 9/9/22”, CBS Radio
“Noticias mundiales esta semana – Semana del 9 de septiembre de 2022”, ABC Radio
“Noticias mundiales de este año 2021”, ABC News Radio

Guión de noticias de radio/audio: análisis, reportaje o comentario
“Informes de fin de año de Ley y Justicia 2021”, ABC News Radio
“¿Fue exitosa la Marcha de las Mujeres?” Las olas
«WCBS Author Talks Summer Reads», WCBS Radio
“Lo que me gustaría saber antes de comenzar la FIV” Las olas
“You Will Be Found: The Impact of Dear Evan Hansen” (“Somalia Suffering From Starvation”, Perspectiva) abcaudio

Promoción al aire
“Campaña de Amazon Bessemer: Esta vez voto SÍ; una diferencia; Sindicato SÍ”, Facebook
“CBS celebra el diecinueve de junio”, CBS News

No El director Jordan Peele finalmente habló sobre el significado detrás del zapato en la película.

El artículo en cuestión, que Jupe (Steven Yeun) guarda, juega un papel importante durante el ataque de un chimpancé en la comedia. La casa de Gordyde la que Jupe da testimonio de niño.

El personaje se fija en el zapato, que improbablemente aterriza con la punta hacia arriba, mientras todo el caos ocurre a su alrededor.

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Por supuesto, el significado de la utilería permanece abierto a la interpretación de los espectadores, aunque Peele ha explicado que simboliza una respuesta humana al trauma, por lo que las víctimas tienden a separarse del horrible evento.

«El zapato representa un momento en el que salimos de un trauma», dijo a la Feliz Triste Confundido pódcast. «Jupe se centra en este pequeño zapato, ese es el zapato de Mary Jo, que ha aterrizado en una situación extraña y precaria, y este es el momento en que se disocia».

Peele también explicó que se relaciona con la idea de «malos milagros», o eventos horribles aparentemente imposibles, que juega un tema en Noexplicando: «En cierto modo, es el tiro imposible. Es el momento imposible».

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Agregó al presentador Josh Horowitz: «Sí, es un mal milagro. Muy bien. Lo tienes. Tienes el zapato».

El año pasado, Peele también intervino en la ambigua toma final de la película, bromeando con Los New York Times: «Creo que hice una película que tiene una secuencia de eventos muy clara en cuanto a lo que sucedió. Creo que es muy claro, y lo dejaré así.

«Cuando una historia funciona, es porque estoy aprovechando una historia dentro de alguien. Lo que encuentro interesante es, ¿qué pensaste primero? Sé lo que pensé, pero lo que pensaste es lo más importante para mí».

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El escritor, productor y director Jordan Peele dio un gran salto adelante en términos de ambición conceptual y escala logística con su épica invasión alienígena “Nope”, pero afortunadamente encontró al compañero perfecto para su gran salto en el director de fotografía Hoyte van Hoytema. Trabajando juntos por primera vez, Peele y van Hoytema crearon la gramática cinematográfica perfecta para la combinación de Peele de espectáculo arrollador, sátira social y estudio de personajes penetrante; al combinar tecnología de punta con técnicas narrativas sencillas y clásicas, crearon una película tan emocionalmente satisfactoria como visualmente impresionante. Los dos cineastas hablaron con IndieWire sobre su colaboración y por qué adoptaron un enfoque de terror de «menos es más» en su obra maestra de ciencia ficción.

Esta conversación ha sido editada y resumida para mayor claridad.

IndieWire: Una de las cosas a las que realmente respondo en tu trabajo, Jordan, es la precisión y elegancia de tu estilo visual. Dónde está la cámara y cómo se mueve y cuando cortas, todo se siente muy decidido. ¿Cómo concibes tus tomas? ¿Eres el tipo de director que crea guiones gráficos y previsualiza todo antes de tiempo, o tú y Hoyte responden a lo que los actores están haciendo ese día y dan forma a tus elecciones en torno a eso?

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Jordán Peele: Es una combinación. Confío en algunos increíbles artistas del guión gráfico en preparación para que me ayuden a descubrir cómo quiero que se vea, pero los considero un punto de partida, porque rápidamente te das cuenta de que realmente tienes que ser uno con el día. Hoyte está extremadamente ansioso por participar en el momento, y yo soy un improvisador, ese es mi pedigrí alternativo. Entonces, creo que la historia de amor de Jordan-Hoyte se basa en gran medida en la idea de que hemos hecho toda la preparación que podemos hacer, pero descartemos eso y averigüemos qué necesita el día y, lo que es más importante, cuál es el momento. necesidades. Luego, gran parte del propósito viene, como notaron, en la edición. Ahí es donde puedes tomar desechos dentados y hacer algo con un propósito, o puedes tomar algo que es muy ordenado y reglamentado en el oficio y estropearlo todo.

Hoyte van Hoytema: No me gustan mucho los guiones gráficos porque siempre siento que me esclavizan, pero cuando comencé a interpretar el de Jordan como un cuaderno con ideas muy específicas que representan la esencia de lo que él quería, me resultó muy útil. Hay muchas cosas específicas en este guión que se basan en el hecho de que puedes ver algo pero no, lo cual es sugerente de una manera que es imposible de poner en un guión gráfico. Los guiones gráficos no tienen movimiento, ni ritmo, ni sentimiento, pero son un recordatorio de lo que es esencial.

Esa idea de lo que apenas ves versus lo que no ves en absoluto es parte integral de la efectividad de la película. Algo así como la escena de Gordy en la que el chimpancé ataca al elenco de la comedia de situación: ¿Cuáles son sus principios rectores en términos de averiguar cuánto mostrar y qué dejar a la imaginación de la audiencia?

Pelar: Siempre hablo con mis colaboradores sobre esta idea de que menos es más, y que al final la imaginación de la audiencia está puesta en sus propias pesadillas. Si puedes sugerir que está ocurriendo un asesinato a la vuelta de la esquina, se les ocurrirá algo mejor que tú con esa información. Entonces, con Gordy, hay un momento en el que se involucra en un poco de violencia oscura con la actriz y lo ponemos detrás de un sofá. Esto es algo que aprendí, creo que a los 13 años: hay una escena culminante desgarradora en ‘El príncipe de las mareas’ donde se divide la violencia: solo se nos permite ver una parte, y eso me afectó desde el principio. Entonces, en todas mis películas, si la violencia se vuelve lo suficientemente oscura, retendré parte de ella, para no inducir repulsión, pero al mismo tiempo estoy entrando en un momento más oscuro en la mente de la audiencia de lo que podría. pintura.

Van Hoytema: También hay otra cosa de la que Jordan y yo hablamos al principio, y es que no necesariamente estamos mostrando cosas que nuestros personajes no podrían ver, tenemos que descubrir lo que sucede a través de los ojos de nuestros personajes principales. Con la escena de Gordy, por ejemplo, el niño se esconde debajo de la mesa y literalmente colocamos la cámara donde está sentado y filmamos solo desde su punto de vista en lugar de colocarla en otra posición donde podamos obtener un mejor ángulo. Jordan fue muy meticuloso a la hora de distribuir la información en las porciones correctas como si estuviéramos aprendiendo con nuestros personajes. Es por eso que al principio solo vemos destellos de Jean Jacket o lo escuchamos, a diferencia de más tarde, cuando tenemos una vista completa.

Glen Wilson/Universal Pictures

Pelar: Stephen King escribió este libro sobre el arte del horror llamado ‘Danza macabra’, y habla de las categorías de terror, horror y repulsión: el terror es la expectativa de algo, el horror es el momento en que ves al monstruo y la repulsión es el cosas asquerosas. Ese desglose me ayudó a preguntarme qué tipo de narrador de historias de terror quería ser, y básicamente soy un tipo de terror. Esa es aquella en la que tienes la imaginación de la audiencia en la palma de tu mano. Pero con ‘Nope’ también quería explorar momentos de terror —con Gordy o con la escena de la digestión— que no había hecho tanto en mis películas anteriores.

Tengo curiosidad de cómo te das cuenta de todo eso en el set. Cuando filmas algo como la secuencia de Gordy, por ejemplo, ¿cómo funciona el día entre ustedes dos en términos de bloquearlo todo?

Pelar: La escena de Gordy es en realidad un buen ejemplo porque fue el primer día de rodaje y estábamos descubriendo muchas cosas sobre nosotros mismos. Fue el primer día en el que Hoyte preparó un tiro y dijo ‘Oye, mira. ¿Qué opinas?’ Una de las primeras cosas que filmamos fue el punto de vista de Jupe, y teníamos a Terry Notary, un actor increíble, interpretando a Gordy. Sobredimensionamos los muebles para que Terry interactuara con el entorno en la escala correcta, hasta el punto de que incluso la adolescente que está siendo destrozada es en realidad una mujer alta. Básicamente, cuando haces esto, acortas y el equipo de Hoyte ayuda a determinar dónde colocar todo para que parezca que tiene el tamaño correcto. Es un verdadero engaño de la vieja escuela. Cuando Hoyte configuró por primera vez ese punto de vista y lo revisamos, creo que todos sabíamos que iba a ser una toma mágica.

Hoyte y yo también hablamos sobre la cámara y el hecho de que estamos imitando la historia de la película en la forma en que estamos tratando de capturar esta imposibilidad. En un momento le pedí a Hoyte que básicamente fuera un actor detrás de la cámara: si el OVNI se acerca, realmente tiene que tener miedo. No te he preguntado Hoyte, ¿alguna vez te sentiste actor?

Van Hoytema: Hay momentos en los que puedes comprometerte mucho, por ejemplo, cuando Angel mira hacia arriba y ve a Jean Jacket cerniéndose sobre él y hay máquinas de viento y todo. Lo estamos filmando y no vemos al extraterrestre, pero al mismo tiempo tienes una cámara en tu hombro y lo estás imaginando y te vuelves muy reactivo en tu operación. Tienes que fingir que esto está ahí, y así, como un actor, realmente te involucras y comienzas a creer en él y lo traduces nuevamente a tu funcionamiento. Y eso también puede suceder en las escenas más pequeñas, a veces es muy íntimo cuando estás operando una cámara: cuando fotografío a Keke Palmer, a veces una lágrima sale de su ojo a un pie de distancia de mi cara. Estoy tratando de contener la respiración y se vuelve muy íntimo y sientes que eres parte de la actuación.

Imágenes universales

También hay una intimidad que proviene de la forma en que mueves la cámara en la película, que es muy sutil y restringida en cierto modo. El trabajo de cámara está coreografiado de manera muy elaborada, pero nunca de una manera que presuma, siempre sirve para los efectos emocionales que estás tratando de lograr.

Pelar: Mi principio general, y Hoyte lo reforzaba mucho, es que todo lo que haces tiene que tener una razón. No estás haciendo nada extra. No hacer más de lo necesario. Eso elimina muchas opciones, y una de las razones por las que realmente amaba a Hoyte como colaborador es que está en contra de la invención. Puede olfatear cualquier cosa que estés haciendo porque sientes que se supone que debe hacerse de esa manera. Él tiene una forma de desnudar aún más mi sensibilidad y mantenerlo simple.

Van Hoytema: Es ese viejo principio de diseño que la forma sigue a la función. Soy sensible a cuando las cosas se vuelven decorativas por el simple hecho de hacerlo, y en mi profesión eso sucede mucho. La gente disfraza las cosas con trucos, y es bastante fácil hacer que las cosas se vean bonitas, elegantes y suaves. Es mucho más difícil reducir las cosas a su esencia. Pero Jordan es un purista.

Pelar: Hay una paradoja de la que me di cuenta aproximadamente un tercio del camino, y es que, por un lado, esta es una aventura técnica increíblemente elaborada. Nunca he estado en estos grandes momentos de acción como lo ha estado Hoyte, es un veterano experimentado, pero para mí conducir un helicóptero levantando polvo y caballos y la cámara moviéndose de un lado al otro del auto… es como tanto como podrías arrojar a una película. Lo que fue realmente genial para mí fue ver cómo, cuando se trata del lado práctico de la resolución de problemas, Hoyte nunca deja de innovar y de ir más allá, pero en estilo y gusto artístico todo es muy simple.

Van Hoytema: Una vez que descubras cuál es la tarea, si puedes reducirla, el resto es solo tecnología. Terminamos con todos estos artilugios y herramientas y juguetes, pero todos entran para cumplir una función muy específica. Ese helicóptero que volaba fue solo una forma de que explotáramos lo suficiente como para que realmente creyeras que provenía de la fuerza de Jean Jacket. Tenía sentido que nuestro helicóptero se convirtiera en nuestra máquina de viento, pero no lo estábamos usando para hacer locas tomas aéreas gratuitas solo porque lo teníamos.

Pelar: Hoyte llama a un objetivo largo el objetivo ‘haz que se vea bonito’, y es difícil convencerlo de que utilice un objetivo cuyo único propósito es hacer que una toma se vea bien. Quiere presentar lo que hay ahí fuera, no mejorarlo ni tratar de endulzarlo. Encuentro ese enfoque realmente interesante y realmente adictivo.

Van Hoytema: Me gusta porque te obliga a resolver las cosas y dar un salto de pensamiento adicional que generalmente te acerca a lo que inicialmente querías. Jordan y yo también pensamos mucho en el principio del oner, de presentar todo en una sola toma. Lo bueno de eso es que tienes que resolverlo: tienes el comienzo de tu toma, tienes un final, tienes una pieza intermedia; tienes que ser ancho, tienes que ser apretado. Construyes un ballet y luego ejecutas ese ballet y el ballet tiene su propio ritmo, y al hacerlo revelas la clave de la escena. ¿De qué trata la escena? ¿Qué ritmo tiene que tener? Muy a menudo ayuda a desbloquear cuál es la escena.

Pelar: La primera fue la primera escena de ‘Get Out’, pero fue la última escena que filmé. Cuando lo hicimos, me di cuenta de lo inmersivo que es y lo mucho que puede simplificar, y ‘Nope’ tiene que ver con la inmersión. Se trata de ser el joven Jupe, o ser OJ o Ángel, porque realmente sentimos que si podíamos darle a la audiencia la imposibilidad de estar en presencia de algo de otro mundo y tener ese asombro, valdría la pena el precio de la entrada. .

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Curado por el equipo editorial de IndieWire, Craft Considerations es una plataforma de video para que los cineastas analicen cómo aplicaron su oficio a un trabajo reciente que creemos que merece ser considerado para los premios. Para esta edición, analizamos cómo la actriz de “Nope”, Keke Palmer, colaboró ​​con el escritor y director Jordan Peele para dar vida a la divertida y tenaz Emerald en el éxito de taquilla de terror y ciencia ficción.

Keke Palmer todavía estaba aprendiendo exactamente quién era Emerald, su personaje de «Nope», cuando filmó su memorable entrada, un repaso divertido de cómo su compañía familiar ha servido a Hollywood desde los primeros días de la industria.

“Fue muy divertido, porque eso no estaba en el guión original. Eso fue algo que terminé viendo cinco días antes de que empezáramos a filmar”, dijo la estrella a IndieWire. «Yo estaba como, ‘¿Cuándo diablos pusiste esto aquí?'»

El guionista y director Jordan Peele confiaba en que Palmer estaba preparado para el desafío, ya que había escrito Emerald, la ambiciosa hermana del entrenador de caballos OJ (Daniel Kaluyya), quien lo convence de la búsqueda mortal de un «momento Oprah» con un objeto volador no identificado como un medio de salvación, pensando en la actriz.

Para capturar a Emerald, Palmer dijo que estaba «usando el diálogo como una hoja de ruta para decirnos quién es el personaje», destacando cómo el discurso de seguridad de ritmo rápido que pronuncia les da a los espectadores una idea de su anhelo de ser incluida en el negocio familiar. una vez encabezada por su padre ahora fallecido.

“Ella siempre quiso ser parte del rancho de una manera real, pero en realidad nunca se le permitió”, dijo la actriz. “Así que probablemente conoce este discurso que su padre hizo como la palma de su mano. Iban con él a todas partes. Y es performativa como su padre a su manera”. Agregó que la escena “solo apoya la evolución de en quién se convierte más, porque se aleja mucho de eso”.

Para aprovechar otra de las reimaginaciones de Peele del tropo femenino final, Palmer se centró en permanecer presente. “En la actuación, realmente no ensayo demasiado nada más que asegurarme de que conozco mis líneas y mi diálogo”, dijo la actriz.

Para transmitir horror en particular, Palmer dijo: “No creo que lo practiques. Creo que lo sientes en el momento, porque también es como un escenario extraño y loco”. Palmer bromeó diciendo que, antes de filmar el emocionante clímax ambientado en el desierto de la película, “Estaba como loco en el set. Estaba corriendo como loco. Me sentí como Dwayne ‘The Rock’ Johnson. Estaba saltando de un lado a otro y tratando de mantener la adrenalina de lo que Emerald estaba sintiendo en los últimos 20 minutos de la película”.

«No» fue material que emocionó a Palmer, quien dijo que aprovechó la oportunidad «para hacer terror, hacerlo real y aterrizarlo». Pero también hazlo consciente de sí mismo de alguna manera”. Aunque siente que en los últimos años ha habido “algunas historias de terror que muestran la gloria de lo que puede hacer el horror”, dijo que “la mayoría de las veces, cuando vemos horror ahora, por lo general solo buscamos los tropos, o la emoción, en realidad no usamos al monstruo como una metáfora de nuestros problemas de la vida real”.

La historia humana que el OVNI que los hermanos llaman Jean Jacket (después de un caballo anterior que la joven Emerald deseaba entrenar) saca de Emerald es «su punto de vista simplemente está conectado con su familia, su legado, su necesidad de encontrarse a sí misma fuera de eso, para ser validada como persona porque nunca se sintió validada en casa y siente que solo necesito un momento”, dijo Palmer. «La película y su personaje pasan tanto por esa perspectiva hasta que se da cuenta al final de que la persona que me vio era realmente la única persona que necesitaba verme».

Trabajar con el cineasta ganador del Oscar fue un punto de inflexión en una larga carrera que comenzó con el estrellato infantil. “Simplemente es algo diferente cuando tienes a un director al frente de algo que es igualmente detallado, serio y se preocupa, y quiere decir algo, y está emocionalmente involucrado con todo su trabajo de la forma en que lo está Jordan”, dijo Palmer. . “Simplemente crea una atmósfera en la que todos dan lo mejor de sí mismos”. —marcus jones

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Es un viejo adagio durante la temporada de los Oscar que a Hollywood le encanta celebrarse a sí mismo, pero ningún ciclo de premios en la memoria reciente lo ha hecho tan explícitamente como este. Si bien la categoría de Mejor Película ha dejado espacio para el extraño interrogatorio de la mitología cinematográfica durante la última década: “Mank”, “Once Upon a Time a Hollywood”, “La La Land”, ha pasado una década desde que “The Artist” arrasó con la lista. Oscar con su adulador tributo a la era del cine mudo, y se enfrentó a “Hugo”, que hizo más o menos lo mismo.

Esta vez, los votantes de la Academia son bombardeados con candidatos a Mejor Película que defienden las películas, tanto en pantalla como fuera de ella.

A raíz de la pandemia y las preguntas omnipresentes sobre la sostenibilidad de la forma de arte, esta reflexividad no debería sorprender, pero lo que sí se destaca es la falta de duplicación. No hay dos películas sobre películas de esta temporada que presenten el mismo argumento a favor de su importancia como arte o como medio de comunicación de masas. Un extraterrestre que visite este planeta milenios más adelante podría mirar a esta cosecha de contendientes para comprender el valor de las películas para las personas que las hacen ahora.

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La cámara no miente…

“The Fabelmans” de Steven Spielberg puede ser su película más personal hasta la fecha, pero incluso sin el contexto que proporciona una historia de origen para el cineasta más exitoso de la historia, el argumento principal se sostiene.

Si bien los huesos del drama provienen de una historia de divorcio bastante melodramática, ese mismo tropo recibe un valor renovado al convertirlo en una especie de historia de detectives cinematográfica. El joven Sammy Fabelman (Gabriel LaBelle) encuentra pura alegría en el arte de hacer películas escapistas con todos los recursos que puede improvisar, pero es la naturaleza reveladora de sus películas caseras lo que profundiza su relación con el medio de formas que no predijo desde el principio. .

Merie Weismiller Wallace/Universal

Al enfocar su cámara de 8 mm en pequeños momentos domésticos, Sammy se encuentra con la atracción oculta de su madre por un amigo de la familia y llega a comprender su complejo sentido de distanciamiento emocional de su entorno. Ese es un profundo testimonio de lo que el cine puede hacer sin ninguno de los complejos trucos de la maquinaria de Hollywood.

Tome cualquier película de Spielberg al azar anterior a «The Fabelmans», elimine la metáfora y obtendrá … «The Fabelmans», una historia sobre cómo Spielberg llegó a comprender que la base de cada gran película debe ser más que trucos sofisticados.

…pero los anteojos pueden

¡Oh, pero qué trucos tan elegantes ofrecen las películas! “Top Gun: Maverick” caminó por la alfombra roja de Cannes (y arrasó sus cielos con jets) por una buena razón: resucitó los ritmos de una fórmula tradicional de gran éxito de taquilla justo a tiempo, demostrando tanto en sus atrevidas travesuras de avión como en su éxito comercial definitivo. que el escapismo de Hollywood ofrece un atractivo singular.

No tienes que estar loco por esta secuela para reconocer lo bien que funciona en sus propios términos. Ningún actor en la historia del cine desde Charlie Chaplin ha encarnado la naturaleza performativa del estrellato cinematográfico desde Tom Cruise, y la película construye sus enfrentamientos por números en torno a su atractivo duradero. A pesar de todo el peso de la cinematografía que se exhibe, en realidad se reduce al atractivo subyacente de Tom en la cabina, dando vueltas hasta el infinito, y el atractivo visceral de sentir que estás metido allí con él.

Sin embargo, “Top Gun” es solo el más conservador de los contendientes a los premios de este año para ilustrar el atractivo del espectáculo. James Cameron ya demostró que su magia de captura de actuaciones en “Avatar” podría impulsar el arte de la actuación cinematográfica en una nueva dirección; ahora ha demostrado que solo puede agregar agua para continuar con el experimento. Desde un punto de vista narrativo, “Avatar: The Way of Water” es una fórmula de secuela bastante familiar, con su personaje principal aprendiendo a ser un hombre de familia y viejos villanos arrojados de nuevo a la mezcla con nuevas variables para aumentar las apuestas. Pero es lo suficientemente bueno para el trabajo del gobierno cuando el cine de atracciones es el verdadero punto de venta.

Cameron filmó a sus actores bajo el agua y luego lo reemplazó con CGI, lo que resultó en una combinación fascinante de lo real y lo imaginario que ningún ojo humano había procesado antes. Elimina la noción sentimental de «magia cinematográfica» a favor de la magia cinematográfica literal.

©Walt Disney Co./Cortesía Colección Everett

Sin embargo, «RRR» demuestra que la credibilidad no tiene que ser el único factor en un espectáculo satisfactorio. El gran espectáculo de Hollywood de SS Rajamouli se ha beneficiado de un ingenioso lanzamiento de autor mejorado por su disponibilidad en Netflix, pero no habría permanecido en la conversación tanto tiempo si no fuera una mezcla tan rica y satisfactoria de ficción histórica y acción caricaturesca. Un aspecto clave de esta historia épica de persecución y resiliencia contra el pulgar opresivo del Imperio Británico no niega el otro: el CGI se ve ridículo (¡ese tigre!) pero también tiene mucho sentido dentro de la lógica intensificada de una película que te invita en su locura y te anima a bailar.

Sin embargo, como recuerda “Nope” de Jordan Peele, existe el peligro de un escapismo tan elegante una vez que entra en un contexto comercial. El intento de capturar la extravagante criatura ovni de la película produce más que un pequeño derramamiento de sangre, al igual que cierta comedia de situación con un mono involuntario que se mete en el centro de su espectáculo. «Nope» tiene mucho que decir sobre las películas por implicación, pero en un reportaje detrás de escena de la película, el escritor y director no se anda con rodeos:

“El ADN de la película tiene esta gran pregunta sobre la adicción humana al espectáculo y qué sucede cuando el dinero se involucra en eso. Existe esta explotación masiva de lo que debería ser puro, lo que debería ser natural”.

Y eso nos lleva al otro punto destacado de esta temporada sobre el cine.

La historia del cine es desordenada…

En “Nope”, Daniel Kaluuya y Keke Palmer interpretan a los hermanos entrenadores de caballos para las producciones de Hollywood en un negocio familiar que se remonta al primer ejemplo de realización cinematográfica de la historia: resulta que el jockey del experimento cronofotográfico de 1878 de Eadweard Muybridge fue su gran… tatara abuelo. Es un poco de especulación histórica imaginativa que funciona como una lección rápida sobre los orígenes de la forma de arte, pero el punto principal de Peele es que la gama completa de contribuyentes al medio aún no se ha apreciado por completo.

Las voces marginadas siempre han estado ahí. La canonización de la historia tiene muchos agujeros.

Además, todo ese alboroto asociado con la Edad de Oro de las películas oscurece su núcleo más oscuro. «Babylon» de Damien Chazelle ofrece un tributo sensual al pre-Code Hollywood, pero a pesar de esa apertura orgiástica y mucho dinamismo en todo momento, en realidad se trata de la naturaleza grotesca (y a menudo peligrosa) de una industria joven sin barandillas para sus miembros más vulnerables. El racismo y el crimen florecen en esta película como si el sistema de estudio estuviera diseñado para crearla desde cero. A pesar del montaje culminante de Chazelle que celebra la forma de arte, «Babylon» persiste en la paradoja de la magia del cine: sí, el cine es esencial para encontrar significado en el mundo, pero ¿a qué costo?

©Paramount/Cortesía Colección Everett

Bueno, «She Said» nos muestra exactamente el costo. Si bien puede ser una de las representaciones más precisas del periodismo de investigación, la absorbente historia de Maria Schrader sobre los reporteros del New York Times que dieron a conocer las historias de los abusos en serie de Harvey Weinstein también trata sobre cómo la industria permitió tal comportamiento en primer lugar. Aunque tuvo problemas en la taquilla y podría tener dificultades para mantener el impulso de la temporada de premios, «She Said» ofrece una perspectiva crítica de la metatendencia de esta temporada.

Debido a que el cine tiene un atractivo tan inherente, ofrece un gran atractivo para las personas jóvenes e ingenuas y los depredadores ansiosos por explotarlos. Ese peligro fundamental va mucho más allá de los crímenes de Weinstein. La escena más efectiva de «She Said» son sus primeros minutos, un montaje absorbente en el que una joven se enamora de un plató de cine y luego, en una toma devastadora que la encuentra corriendo por la calle llorando, sufre las consecuencias. del monstruo detrás de escena.

La ilustración de esta vulnerabilidad, la alegría de hacer películas que oscurece sus riesgos ambientales, debería servir como una advertencia para las generaciones. Y si eso parece demasiado serio, pruebe con «Pearl» de Ti West, que hace lo mismo con su proyeccionista depredador que intenta persuadir a la antihéroe de la Primera Guerra Mundial (Mia Goth) de la película para que participe en el porno mudo. En un año menos competitivo, Goth sería una candidata seria a Mejor Actriz por vengarse de su horrible plan, logrando una especie de respuesta proto-MeToo al sistema de abuso en su fase más temprana.

…pero ir al cine es sagrado

Afortunadamente, algunos proyeccionistas también son buenas personas. “Empire of Light” de Sam Mendes ha recibido críticas mixtas con su nostálgica historia de amor entre los empleados de un cine en un pueblo costero de la era de los 80, pero nadie puede discutir lo bien que Toby Jones se roba el espectáculo. Como el sabio gurú de la cabina de proyección que acecha en la cúspide del romance principal, ofrece catarsis a cada paso a través del celuloide que tiene a su disposición. Al proyectar «Being There» para su compañera de trabajo deprimida (Olivia Colman), activa el último interruptor para mejorar su estado de ánimo. Es una escena cursi pero innegablemente contagiosa si puedes relacionarte, especialmente porque el acto mismo de las experiencias teatrales está en riesgo.

Considere “TÁR”. Si bien no es una película explícita sobre películas, la mirada inmersiva de Todd Field a los impulsos autodestructivos de una mujer exitosa es una experiencia teatral pura: un ejemplo de tres horas de construcción cinematográfica del mundo y narración subjetiva que exige la atención pura e ininterrumpida de sus espectadores. , algo que solo el cine puede aportar.

Es un himno mayor a la magia del cine que incluso “Avatar”, un espectáculo de emociones que te obliga a prestar atención. En estos días, eso equivale a un acto radical, y es exactamente el tipo de maniobra audaz que necesita esta forma de arte para sobrevivir a cualquier amenaza existencial que se presente a continuación.

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Es la época más maravillosa del año: la temporada de premios, o más específicamente, el período de cortejo de la temporada de premios donde los estudios lanzan maravillosas muestras detrás de escena de la las mejores peliculas del año pasado para aumentar la exageración de FYC. Claro que no somos nosotros los que nominamos cosas para los premios, pero de todos modos es bueno cosechar los beneficios.

El último beneficio es que durante el fin de semana, Indiewire compartió el guión completo que Jordan Peele escribió para su maravilla de ciencia ficción No como parte del impulso de la temporada de premios de la película. Si bien puede haber algo que decir acerca de experimentar No sin el elemento visual como un ejercicio interesante en sí mismo, dada la naturaleza del OVNI misterioso y convincente en el corazón de su historia. Pero es una oportunidad de ver de cerca lo que Peele puso en la película antes de que pasara frente a las cámaras: lo que cambió, lo que apareció de manera diferente, lo que no está allí por completo.

Puedes revisar Noguión completo aquí.

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Exclusivo: descubre los siniestros secretos alienígenas entre nosotros de la ostentosa película de terror veraniega de Peele que ahora recibe una revisión por cortesía de la temporada de premios.