Filmada con naturalidad, la reunión municipal incluye una gran cantidad de caracterizaciones de la comunidad (el anciano a la defensiva, el dueño de una tienda de Udon que depende del agua dulce para sus negocios, un miembro más joven tentado a cometer violencia física). Los aldeanos están haciendo las preguntas correctas. ¿Dónde está el liderazgo real del proyecto glamping? ¿Por qué el ejecutivo no está presente en persona? ¿Por qué enviar los peones a absorber todo el calor? Un manifestante evalúa correctamente que están acelerando el proyecto para cumplir con un plazo de subsidios pandémicos. El diálogo deja al descubierto la completa farsa de la empresa que intenta salvar las apariencias, aunque parece inevitable que el proyecto de glamping se abra camino.

Hamaguchi también ilustra a los intermediarios, la pareja de agentes, Takahashi (Ryuji Kosaka) y Mayuzumi (Ayaka Shibutani), atrapados en las olas mientras el ejecutivo del proyecto se sienta y no interactúa con los rostros humanos. Eso no quiere decir que la conciencia de los agentes esté intacta o que les falte alma. A pesar de la complicidad de Takahashi y Mayuzumi como engranajes de la máquina, Hamaguchi dedica un viaje en coche conversacional a humanizar sus vidas personales. Su charla evoca las conversaciones más alegres de la antología «La rueda de la fortuna y la fantasía» de Hamaguchi, y este marco empático sugiere que cada uno de ellos merece una vida mejor que la de existir como perturbadores de la aldea.

Pero en deuda con su jefe y sus sueldos, los dos agentes conducen hasta la casa de Takami para ofrecerle el puesto de jardinero en el glamping. Es un intento falso de sobornarlo y legitimar el proyecto. Su encuentro da lugar a una interacción reveladora. Hipnotizado por el corte de madera de Takami (que replica la apertura antes mencionada en una toma larga y un plano completo), Takahashi pide cortar la madera. Observamos cómo, de manera cómica, no logra emular la tala de madera de Takami. Luego, la guía de Takami le permite a Takahashi cortar con éxito un trozo de madera. Takahashi deja escapar la frase más divertida, aunque irritante: «¡Eso se sintió bien!» como un chico privilegiado de ciudad que cree haber logrado la catarsis y conquistado la naturaleza de un solo golpe.

«Coma» se refiere al alma desgastada y la cordura de una persona joven. La cámara no se enfoca tanto en ella como individuo, sino que la moldea como un símbolo de la ansiedad colectiva por el encierro.

La actriz Louise Labèque, como la adolescente sin nombre, no necesita forzar una variedad de emociones, ya que interpreta a una niña adormecida por el estancamiento del encierro. La película comienza con dicho adolescente participando en rutinas benignas, al principio jugando con un pequeño cubo musical mnemotécnico (el Revelator, se llama). Sus pequeños juegos se vuelven peligrosos. Más tarde, pone su mano sobre una tabla de cortar y clava el cuchillo entre sus dedos abiertos. Luego aumenta el desafío acelerando el apuñalamiento de su cuchillo. Nunca se ven padres que destaquen su soledad. En todo caso, la tecnología asume el papel de guardián del adolescente, de una manera muy preocupante que recuerda a Internet como The De-sensitizer (ella y sus amigos hablan sobre sus asesinos en serie favoritos en Facetime). El único adulto en pantalla es la vloguera Patricia Coma (Julia Faure), cuyos videos instructivos siguen siendo una fuente de distracción, pero no del todo consuelo, y tal vez un poco de orientación sobre cómo sobrevivir.

A veces, los límites dentro del paisaje mental de la adolescente se vuelven borrosos, como si no pudiéramos saber cuándo y si flotamos fuera de su cabeza y de su habitación. Aunque la película permanece anclada en el dormitorio del adolescente, en ocasiones la cámara nos teletransporta a diferentes paisajes imaginarios. A veces nos llevan a una casa de muñecas de comedia sombría cuando la adolescente coloca a sus muñecas Barbie en poses teatrales e imagina sus conversaciones de telenovelas. En sus poses de muñecas (con ráfagas posteriores de stop-motion), las muñecas representan episodios sobre infidelidades e incesto con voces en off inexpresivas (Gaspard Ulliel, Laetitia Casta, Anaïs Demoustier, Vincent Lacoste) proporcionadas para cada muñeca. Llega un punto en el que un muñeco de pelo pajizo comienza a hablar en extremos, algunos ad textualmente de cierto demagogo rubio llamado Donald Trump («Mi coeficiente intelectual es récord y lo sabes» está entre esos fragmentos hablados).

Cuando la adolescente no está mirando con lascivia una telenovela de casa de muñecas o mirando una pantalla, sus sueños la transportan a un paisaje de ensueño de «Zona libre» boscoso gris y envuelto en la noche. Allí, entramos en una bruma de incertidumbre y vulnerabilidad, como si fuéramos un protagonista perdido en el bosque de una película de terror. Patricia Coma también aparece en el paisaje de ensueño de Free Zone, donde ella y el adolescente tienen una conversación. “Con el terrorismo, la ecología, la economía, el futuro da miedo”, le dice el guardián virtual de la niña. A lo que el adolescente responde: «Obviamente, pero siempre lo he sabido».

María Schrader Ella dijoescrito por Rebecca Lenkiewicz y basado en el libro del mismo nombre de los reporteros del New York Times Jodi Kantor y Megan Twohey, está protagonizado por Carey Mulligan y Zoe Kazan como los periodistas que descubrieron una red de secretos, mentiras y abusos que giran en torno al famoso productor de Hollywood. (y ahora delincuente convicto) Harvey Weinstein.

La historia: Twohey (Mulligan), una reportera del New York Times, habla con Rachel Crooks, quien quiere denunciar el abuso que supuestamente sufrió a manos de Donald Trump. Por supuesto, el reportero y Crooks son acosados ​​con amenazas de muerte después de hacer pública la historia. Cuando Trump gana las elecciones presidenciales, las mujeres se aterrorizan aún más de presentar historias personales sobre figuras públicas.

Mientras tanto, también en el NYT, Kantor (Kazan) obtiene una pista sobre una historia que involucra a Harvey Weinstein y su comportamiento pasado hacia las mujeres. Escuchó que Rose McGowan tuvo un encuentro con él. Pero cuando Kantor se pone en contacto con la actriz, ella no quiere dejar constancia, y por una buena razón, ya que el Times la había despreciado anteriormente.

Con Kantor queriendo profundizar, le pide ayuda a Twohey para revelar la historia contra Miramax (la productora de Weinstein) y su historial de mala conducta en el lugar de trabajo.

Ambas mujeres son madres y también reporteras, y ahora tienen que navegar por esta historia mientras intentan criar familias. Kantor está teniendo dificultades para lograr que alguien lo haga públicamente, pero Twohey le da a la joven periodista una perspectiva sobre cómo lograr que las mujeres se abran un poco más. “No puedo cambiar lo que te pasó, pero juntos podemos usar tu experiencia para ayudar a proteger a los demás”, sugiere.

Las probabilidades comienzan a mejorar cuando habla con Ashley Judd. A partir de ahí, el dúo desciende por una madriguera de encubrimientos y corrupción que abarca décadas.

Kantor y Twohey fueron las almas valientes que asumieron la tarea de rastrear la evidencia, corroborarla, sortear las NDA y viajar por el mundo para completar esta historia. Se equilibran entre sí a través de su ética y táctica de trabajo. Twohey utilizó una ventaja agresiva para obtener respuestas, mientras que Kantor es cariñoso y reservado. Este es un testimonio del talento estelar presentado en Ella dijo. Carrie Mulligan es fuerte y confiada en este papel. Está comprometida y, sobre todo, cree en el material. La actriz ha defendido repetidamente a las mujeres en los medios, por lo que no sorprende que Mulligan sea parte de un proyecto como este. En el corazón de la película está Zoe Kazan, quien al principio parecía ser un punto débil en la historia. Pero a medida que avanza la película, ella sale adelante para ofrecer una interpretación cargada de emociones creíble.

También hay un sólido elenco compuesto por Andre Braugher, Ashley Judd, Patricia Clarkson, Jennifer Ehle y Samantha Morton, que es fascinante en sus diez minutos de tiempo en pantalla y tiene el impacto más significativo en la película.

Ella dijo no es solo una película sobre la construcción de un caso contra Weinstein. También se trata de la cultura de la sala de redacción y los pasos logísticos necesarios para elaborar un informe de investigación innovador. El guión enmarca la profesión como mentalmente agotadora y sin glamour, lejos de cómo Hollywood suele retratar a los periodistas en la ciudad de Nueva York. Sin embargo, la película hace que parezca que las cosas se juntaron rápidamente. Eso podría deberse a la edición cruda y abrupta de Hansjörg Weißbrich, que empuja la historia hasta el final. A veces es un poco también rápido.

Las actrices, productoras, asistentes y varias mujeres fueron censuradas y/o asustadas hasta el silencio con sobornos y acuerdos de confidencialidad. Había un aire de complicidad e intimidación en torno a Weinstein y su comportamiento atroz. Ella dijo repasa los insoportables detalles de la agresión y el acoso sexual cometidos por Weinstein. La película reproduce la grabación de voz completa entre Weinstein y la modelo Ambra Battilana Gutiérrez, y tiene muchos otros momentos desencadenantes. La ley, sus pares y los medios de comunicación les fallaron a estas personas. Muchos trataron de hablar, pero fueron ignorados cada vez. Estas mujeres quedaron traumatizadas y sintiéndose aisladas, sin nadie a quien acudir.

Plantea la pregunta: ¿Era demasiado pronto para lanzar una película sobre este tema? Los eventos del movimiento #MeToo (un término acuñado por la activista Tarana Burke), en particular los que involucran a Harvey Weinstein, plantean dudas sobre si una película como esta deja a sus víctimas sintiéndose inspiradas o explotadas.

Con Hollywood, puede ser difícil saber qué es sincero y qué es un robo de dinero. Salí del cine pensando en las mujeres arrojadas a la tormenta de mierda que el hombre dejó atrás y si alguna vez podrán curarse de verdad de lo que les ha hecho. Ochenta y dos mujeres ahora han presentado demandas en su contra. Espero que ahora no se sientan tan solos como antes.

Los coordinadores de intimidad, los nuevos protocolos y salvaguardas y las «cosas que parecen muy pequeñas en la página» han hecho de Hollywood un lugar mejor para las mujeres en la era MeToo desatada por la investigación del New York Times del 5 de octubre de 2017 sobre Harvey Weinstein, dijo Zoe Kazan. , que interpreta a la periodista Jodi Kantor en Maria Schrader’s Ella dijo.

“Todavía vivimos en un patriarcado opresor. Eso no es especial para nuestra industria. Quedan muchos cambios por realizar”, dijo Kazan en el estreno mundial del estreno de Universal Studios en el Festival de Cine de Nueva York. Pero, “una de las cosas que ha sucedido como resultado de este reportaje… y el reportaje que salió después, es que ahora hay una conversación que está abierta y no solo detrás de puertas cerradas, y creo que eso hace una enorme diferencia”. .”

“También hay cosas que parecen muy pequeñas en la página, como tener un coordinador de intimidad, que ahora se ha convertido en un estándar de la industria”, dijo. Brevemente «extrañado» por la idea, bastante «inmediatamente, pensé, ‘Nunca lanzaría un puñetazo sin un coordinador de dobles. Tiene mucho sentido. ¿Por qué esto no ha estado aquí todo el tiempo?’ Así que siento que hay ciertas garantías y canales de comunicación que están abiertos”, dijo en una sesión de preguntas y respuestas después de la proyección.

Ashley Judd, la primera actriz que aceptó dejar constancia de Kantor y Megan Twohey, su compañera reportera del NYT, se interpretó a sí misma en la película. “Mucho ha mejorado”, dijo. “Recuerdo que me acosaron sexualmente en el set y no sabía a dónde ir ni con quién hablar sobre eso. Y ahora nuestro sindicato está tan encendido y fuerte. En la tarjeta de membresía, hay un número de línea directa de acoso sexual. Hay una definición de acoso sexual en la página web, están todos los protocolos: Puedo llevar a alguien a una audición conmigo. Las audiciones ya no ocurren en habitaciones de hotel. No suceden antes de las ocho de la mañana, ni después de las seis de la noche”.

En términos más generales, dijo Judd, MeToo ha permitido a las mujeres «replantear» sus experiencias, denunciar el abuso, no culparse a sí mismas. Eso es algo que los jóvenes aspirantes a la industria del cine en la historia, el libro y la película les dijeron años después a los periodistas del Times que habían sido dolorosamente incapaces de hacer. MeToo ha “permitido que la conciencia de las mujeres se transforme y establezca límites y reivindique su autonomía”, dijo Judd después de un crescendo de aplausos cuando subió al escenario.

También surgieron aplausos en el desplazamiento de texto posterior a los créditos que señalaba que Weinstein había sido condenado en Nueva York y está siendo juzgado en Los Ángeles. En un capricho del momento, la selección del jurado comenzó esta semana en el juicio por delitos sexuales de la Costa Oeste del ex magnate encarcelado que se retrasó durante mucho tiempo. Un juez de la Corte Superior rechazó una solicitud de la defensa de Weinstein de retrasar el juicio porque la película podría influir en el jurado.

“Es pesado estar en esta habitación. Es una sala donde ha estado Harvey Weinstein, esta sala y este festival”, dijo el director de NYFF, Eugene Levy.

La película, basada en el libro homónimo de Kantor y Twohey, se acerca mucho al minucioso periodismo necesario para producir una pieza compleja y bien documentada. “Es sólo hace cinco años. Todos estábamos muy al tanto de la historia, lo que no sabíamos era cómo surgió esa historia y quiénes eran esas personas, y cómo comenzaron a investigar”. dijo Schrader.

Carey Mulligan, que interpreta a Twohey, llamó a los dos periodistas «verdaderos héroes de nuestra sociedad».

Los reporteros también estaban presentes.

“Esta película resume gran parte de lo que creemos sobre el periodismo”, dijo Kantor. “Es nuestro trabajo desarrollar la confianza de la gente para decir la verdad y realmente esperamos que la película ayude en ese trabajo. El grupo de fuentes y personas que compartieron información fue relativamente pequeño y, sin embargo, su impacto fue tan grande, y esperamos que esta película haga que la gente recuerde que estas historias personales pueden marcar una gran diferencia”.

Al dúo le preocupaba que la historia nunca se publicara o, peor aún, que a nadie le importara si lo hacía.

“Entonces, para nosotros, llegar a la meta y publicar la historia… pudimos sentir el impacto casi de inmediato. Nuestros teléfonos y correos electrónicos se inundaron con otras mujeres que presentaban historias de todas las diferentes profesiones y todos los diferentes ámbitos de la vida”, dijo Twohey. “Puedes ver los efectos dominó de eso incluso hoy. Es tan maravilloso ver, incluso cinco años después, que esta película te sumerge de nuevo… en la historia original. Y creo que es útil para todos, ya que la historia de MeToo sigue dando vueltas y vueltas”.

Comenzando con una nítida toma panorámica nocturna de ratas chirriando hurgando en la basura, el estado de ánimo de «All That Breathes» sigue siendo portentoso. El grosor de las amplias tomas de smog en «All That Breathes» ilustra el entorno que se vuelve gris más rápido que las manos humanas y los recursos de los hermanos curando a las aves. La relación ecológica entre el paisaje lleno de ciudad y los milanos negros se está desgastando. Sin hagiografía ni optimismo soleado, el énfasis en la decadencia sirve para enfatizar al adversario sistémico. Hay alguna esperanza, implícita a través de una observación hablada. Al principio, nos enteramos de que los milanos negros se entrenaron para recolectar basura de cigarrillos para protegerse de los parásitos. Si los raptors pueden evolucionar y adaptarse, entonces también pueden hacerlo los hermanos.

Para agregar al apocalipsis ecológico, hay una atmósfera de inquietud en las noticias y las calles de Nueva Delhi. Los hermanos se enfrentan a la volatilidad política que rodea sus vidas: en 2019, una Ley de Ciudadanía recientemente anunciada aceptará refugiados, pero con la condición de que dichos refugiados no se adhieran al Islam. Uno de sus familiares menciona haber asistido a una protesta contra la islamofobia. La familia habla sobre el peligro que las leyes podrían suponer para sus documentos de ciudadanía y el derecho a ser refugiados si tuvieran que abandonar la India.

Sen utiliza entrevistas moderadas, y nunca con una configuración pretenciosa forzada. Las pocas entrevistas tienen a sus sujetos a gusto con su entorno respectivo. Hay una entrevista clave con Nadeem, filmada casualmente en una sala de juegos con un niño en sus rodillas, donde menciona que se siente atrapado. Aunque entendemos su resiliencia y sus motivos a grandes rasgos, la deficiencia del enfoque de Sen es que estamos mayormente alejados de los rostros humanos. Llegamos a conocerlos como personas, pero estamos demasiado distantes de ellos para familiarizarnos con los rostros humanos como individuos. Aunque una de las pocas miradas efectivas llega cuando Nadeem describe sus intenciones de ir a la escuela en Estados Unidos para mejorar sus habilidades de rescate de aves. Su conversación se encuentra con una pausa embarazada, sin cortes, mientras los dos se sientan juntos a comer un bocadillo.

También hay una escena efectiva que funciona manteniendo la distancia pero permitiendo que el sonido cierre la brecha. Salik se sienta en la parte trasera del camión de mudanzas y recibe una llamada preocupada de su madre. Mira un video en su teléfono. Ni la cámara ni el corte aclaran la violencia encapsulada en la pantalla de video, pero observamos desde la distancia de un plano medio mientras Salik mira su teléfono. Distinguimos audio de disturbios, golpes sugeridos y gritos. El impacto le habla a Salik y a la audiencia con inquietante normalidad cuando Salik guarda su teléfono celular, ajusta sus anteojos y mira por la ventana del vehículo.

A pesar de haber sido sentenciado a seis años de prisión, el cineasta iraní compartió una declaración a través de la actriz Mina Kavani en la proyección de «No Bears» en el Festival de Cine de Nueva York el domingo por la noche.

Hasta, dirigida por Chinonye Chukwu y escrita por Chukwu, Keith Beauchamp y Michael Reilly, sigue a Mamie Till, una mujer que conmovió a la nación con su resiliencia ante la muerte de su hijo adolescente Emmett en 1955. La película está protagonizada por Danielle Deadwyler, Jalyn Hall, Whoopi Goldberg y Haley Bennett.

Mamie Till (Deadwyler) es una madre soltera que vive en Chicago con su hijo Emmett (Hall), de 14 años. Es más accesible adaptarse a la ciudad que ser negro en el sur. Mientras Emmett canta jingles comerciales frente a la televisión, Mamie comenta que no tartamudeó ni una sola vez, lo que indica que tiene un impedimento del habla. El niño se está preparando para un viaje a Mississippi (en el sur de Jim Crow) para visitar a la familia, pero Mamie está preocupada por su viaje. Ella le advierte sobre su comportamiento con los blancos como un recordatorio de que los blancos no son iguales en todas partes. Mamie está emocionada en la estación de tren cuando Emmett sube, y cuando el tren arranca, ella se para en la plataforma llorando lágrimas de dolor. La intuición de una madre es fuerte y sus expresiones faciales muestran que sabe que esta será la última vez que los dos estén juntos.

Cuando vemos por primera vez a Emmett en el sur, está recogiendo algodón con sus primos. La vida en el campo es lenta y sin incidentes para el joven despreocupado, por lo que elogia la apariencia de Carolyn Bryant (Bennett) sin pensar en las consecuencias porque ella toma su atrevimiento como un insulto. Emmett y sus primos quieren mantener el incidente en secreto de los ancianos y seguir con sus asuntos. Pero, ¿habría importado? Alguien habría pagado el precio aunque lo enviaran de vuelta a Chicago.

Hasta trata menos sobre el asesinato de Emmett Till y más sobre Mamie y cómo la comunidad negra, de costa a costa, se unió a ella mientras intentaba obtener justicia para su hijo. Su muerte se convirtió en un problema nacional, transmitido por todas las noticias, con familias de todas las razas opinando sobre la noticia de su muerte.

Lo que no se anticipó fue que otros hombres negros fueran cómplices de la muerte de este adolescente. Parece inconcebible que ese sea el caso, pero es plausible. Esta situación cambió el rostro de la dinámica racial en Estados Unidos. A lo largo del viaje, Mamie descubre que esta situación ya no es suya, sino que pertenece a la gente, le guste o no. Para colmo, con su procesamiento de la culpa del sobreviviente, no tiene más remedio que compartir su trauma por autoconservación. Ningún ser humano puede llevar esa carga solo.

Danielle Deadwyler toma toda esa presión, dolor y miseria y los transforma en una actuación poderosa que ancla toda la película. Esta es una historia que nos ha afectado a todos de alguna forma o moda, pero para realmente ponerse en los zapatos de una figura tan fuerte de los derechos civiles estadounidenses como Mamie Till se necesita talento, empatía y comprensión. Su desempeño es innegable y debería estar en conversación para los premios esta temporada.

Chukwu despliega algunas técnicas fascinantes, que provienen directamente del género de terror. Primeros planos dramáticos, una partitura espeluznante y el ominoso aire de pavor reinan a lo largo de la primera mitad de la película. El factor miedo no debería ser una sorpresa porque ser negro en Estados Unidos, ser negro en este mundo, es vivir en un estado de terror. Hay algo en la forma en que la película usa el sonido y la partitura como identificador. También suaviza el golpe, por lo que la audiencia no tiene que ver la violencia pero puede escucharla, lo que a veces puede ser peor de lo que cualquier imagen puede mostrar. Es estridente, penetrante y se usa como preparación para lo que viene a continuación. El estilo de vestuario de Marci Rogers es nítido e intencional con respecto a la paleta de colores y la moda de Mamie Till que refleja el estado de ánimo del personaje.

“Carolyn Bryant va a estar bien”, dijo Mamie después de leer el periódico sobre los hombres que fueron acusados ​​sin mencionar que Carolyn Bryant y sus mentiras también fueron acusadas. Sin embargo, Mamie tenía razón. En 2022, se presentaron cargos contra Bryant por secuestro y homicidio involuntario, aunque un gran jurado de Mississippi se negó a seguir adelante. Hay pruebas de que ella mintió rotundamente, y después de que los tribunales declararon inocentes a los asesinos de Till, admitieron haber asesinado a la niña abiertamente, pero se les permitió prosperar y vivir hasta la vejez, al igual que Carolyn.

Sabía el resultado final de Hasta cuando entré al cine, pero el guión de Chukwu, Beauchamp y Reilly da forma a una película que sigue el efecto dominó del odio racial y una muerte que conmocionó a los Estados Unidos en la década de 1950. La sociedad moderna todavía se está recuperando de las leyes de la era de Jim Crow. El Senado acaba de aprobar la ley contra los linchamientos en marzo de 2022, 157 años después de que se ratificara la Enmienda 13.

Hasta es una película excepcional que investiga el trauma interno y externo y es un esfuerzo agotador para sentarse. Revisar la vida de la familia Till es un recordatorio de que cuanto más cambian las cosas, más permanecen igual.

de Noah Baumbach Ruido blanco arrancó los 60^el Festival de Cine de Nueva York el viernes por la noche con un sincero himno del escritor/director a un evento que, según él, dio forma a su amor por las películas y su carrera profesional.

La película de Netflix, basada en la novela posmodernista de 1985 de Don DeLillo, que se estrenó en Venecia en agosto (revisión de Deadline), está protagonizada por Adam Driver, Greta Gerwig, Don Cheadle, Jodie Turner-Smith y Lars Eidinger. El elenco, el coproductor David Heyman, el compositor Danny Elfman y James Murphy de LCD Soundsystem (detrás de la canción de créditos finales ambientada en una extravagante secuencia de baile de supermercado) se unieron a Baumbach en el escenario en un Alice Tully Hall repleto en el Lincoln Center.

“Crecí en Brooklyn y mis padres [and I] conduciría hasta la ciudad o tomaría el metro para ir al festival. Les gustaban mucho las películas, y este festival fue una parte muy importante de mi educación cinematográfica mientras crecía”, dijo. En 1995, en NYFF’s 33^rd edición, “mi primera película Pateando y gritando no solo se estrenó aquí, sino que esencialmente se rescató del montón de videos directos que el distribuidor iba a poner. Realmente siento que le debo gran parte de mi carrera a este festival”.

“Desde entonces, he hecho pasar muchas de mis películas en el festival, pero ninguna ha tenido el honor de abrir [night]”, dijo Baumbach.

Señaló que el ex director de programación de NYFF, Richard Peña, era un gran campeón en ese entonces de Pateando y gritando – y el actual director del festival, Eugene Hernandez, estaba entre la audiencia, “lo cual es increíble”, dijo Baumbach.

Hernández, en sus comentarios, recordó haber visto la película en 1995, la segunda vez que asistía al NYFF, que también describió como un evento formativo anual para él. El festival, una venerada institución comunitaria de la ciudad de Nueva York con un público devoto estructurado en torno a una lista principal pequeña y sin premios, se trata de “grandes películas de cineastas emergentes y establecidos. Esperamos que este festival pueda ser un puente entre usted, nuestra audiencia y algunos artistas realmente especiales”, dijo Hernández.

Este es el último año en el NYFF del cofundador de IndieWire, ya que recientemente fue nombrado director del Festival de Cine de Sundance.

El director creativo Dennis Lim dedicó el festival de este año a Jean-Luc Godard, quien falleció a principios de este mes «y quien ha sido una especie de luz guía» para el festival desde su edición inaugural en 1963, con Ro.Go.Pa.G, una colección de cuatro cortos de Roberto Rossellini, Godard, Pier Paolo Pasolini y Ugo Gregoretti. Veinticinco películas de Godard proyectadas en NYFF en los años siguientes. “Sus contribuciones al cine son enormes y profundas. Creo que ningún otro cineasta ha dado forma tan radical a nuestra comprensión de esta forma de arte”, dijo Lim.

En homenaje a Godard, a partir del sábado el festival proyectará su última película de 2018 El libro de imágenes cada día en el Elinor Bunin Film Center, a la vuelta de la esquina de Alice Tully Hall.

El festival acoge esta noche el estreno mundial de Hasta.

El episodio de Screen Talk de la próxima semana se grabará frente a una audiencia en vivo en el Festival de Cine de Nueva York el lunes 3 de octubre. Para obtener detalles sobre cómo asistir, haga clic aquí.

En vísperas del 60º Festival de Cine de Nueva York, Eugene Hernandez se encuentra en una posición única. El cofundador de IndieWire y actual director del Festival de Cine de Nueva York terminará su etapa en ese cargo al final de la edición de este año. En noviembre comenzará su nuevo trabajo como director del Festival de Cine de Sundance, festival donde lanzó esta misma publicación hace más de 25 años.

Con ese gran nuevo capítulo en el horizonte, ¿cómo podría mantener la cabeza recta con los negocios de NYFF esta semana?

“No estoy pensando demasiado en Sundance y la edición de 2023 en este momento”, dijo Hernández, uniéndose a IndieWire para la edición número 400 del podcast Screen Talk de IndieWire. “La cuenta regresiva sigue corriendo para el Festival de Cine de Nueva York”.

Pero ha estado investigando muchos mensajes de felicitación. “Hay tanta buena voluntad que sentí que era realmente sobre Sundance y el papel que juega en nuestra comunidad”, dijo. “Puedo ser parte del pastoreo de esa comunidad”.

Por ahora, sin embargo, Hernández está concentrado en hacer correr la voz sobre la alineación de este año. Explicó la decisión detrás de dar el primer espacio de apertura a «Ruido blanco» incluso después de que se anunciara que la película abriría primero en Venecia, y habló sobre varios de los estrenos mundiales en la programación de NYFF de este año, desde «Till» hasta «Is That Black Enough». ¿¡¿Para ti?!?» y un documental de Martin Scorsese sobre los New York Dolls.

El episodio de esta semana también incluye un tema mucho más amplio. En medio del Mes de la Herencia Hispana, Hernández abordó la necesidad de crear un programa diverso y cómo eso se relaciona con los desafíos que enfrenta la industria en general. “Desde mi punto de vista, nunca es suficiente”, dijo Hernández. “Tenemos que comprometernos primero individualmente y luego colectivamente con la rendición de cuentas. Tengo la responsabilidad de ser parte de una conversación sobre a quién decidimos invitar a la sala”.

Esa responsabilidad, agregó, lo seguiría hasta Sundance. “Dejo ese proceso y compromiso a mis colegas en el Lincoln Center y lo llevo a un festival diferente”, dijo. “Tenemos el compromiso garantizado de ser lo más inclusivos y representativos posible. No tengo ninguna duda de que se puede decir lo mismo de mis futuros colegas en Sundance. Su trabajo habla por sí solo”.

IndieWire agradece a los oyentes de Screen Talk por sintonizar 400 episodios y más de ocho años. Más por venir.

Mira el episodio completo arriba o escúchalo a continuación.

Screen Talk es producido por Azwan Badruzaman y está disponible en Apple Podcasts, Stitcher y Spotify, y está alojado por Megaphone. Explore las entregas anteriores aquí, suscríbase aquí y asegúrese de informarnos si desea escuchar a los anfitriones abordar problemas específicos en las próximas ediciones de Screen Talk.

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Film at Lincoln Center ha anunciado oficialmente la alineación de Spotlight para el 60º Festival de Cine de Nueva York, que tendrá lugar del 30 de septiembre al 16 de octubre.

El estreno mundial de la historia real de #MeToo «She Said», dirigida por Maria Schrader y protagonizada por Carey Mulligan y Zoe Kazan, encabeza la sección Spotlight, junto con la película biográfica de Emmett Till «Till», dirigida por Chinonye Chukwu. La historia de amor caníbal de Luca Guadagnino “Bones and All” con Timothée Chalamet y Taylor Russell también se estrenará en Nueva York.

“Desde retratos esclarecedores y conmovedoras historias personales hasta historias incómodas que encienden el cambio, la tercera edición de nuestra sección NYFF Spotlight es una combinación curada de estrenos mundiales, películas de autores aclamados, una selección de documentales imperdibles, así como una una velada única de cine y música”, dijo Eugene Hernández, director ejecutivo del Festival de Cine de Nueva York. “Nuestro objetivo una vez más con Spotlight es involucrar, ilustrar y entretener”.

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Los estrenos mundiales de Spotlight incluyen además «Is That Black Enough for You?!?» del crítico de cine Elvis Mitchell, un documental caleidoscópico que crea una narrativa definitiva de la revolución negra en el cine de la década de 1970; “A Cooler Climate”, el nuevo documental profundamente personal del cineasta ganador del Premio de la Academia James Ivory y Giles Gardner que descubre cajas de película que Ivory filmó durante un viaje a Afganistán que cambió su vida en 1960; y “Personality Crisis: One Night Only”, el documental de Martin Scorsese y David Tedeschi que presenta a otra querida institución de Nueva York, el cantautor de los New York Dolls, David Johansen.

Otras obras nuevas van desde la serie de seis partes de Marco Bellocchio «Exterior Night» sobre el secuestro y eventual asesinato del influyente estadista y ex primer ministro italiano Aldo Moro por parte de las Brigadas Rojas de izquierda, y «The Kingdom Exodus» de Lars von Trier, la tercera temporada. de su serie de televisión de terror danesa «The Kingdom», con las cinco partes presentadas en la pantalla grande.

El documental de Robert Downey, Jr. sobre su padre Robert Downey, Sr., dirigido por Chris Smith y titulado acertadamente «Sr.», se centra en su legado después de su muerte en 2021. Del mismo modo, “Los Súper 8 Años” es un delicado viaje a la memoria de la familia de la escritora y directora Annie Ernaux.

También se estrena «Mujeres que hablan» de Sarah Polley, la adaptación cinematográfica de la aclamada novela de Miriam Toews sobre un grupo de mujeres de una comunidad religiosa remota que se enfrenta a las secuelas de una agresión sexual.

La lista de Spotlight se completa con la presentación del 50 aniversario de «Solaris» de Andrei Tarkovsky con acompañamiento musical en vivo de Matthew Nolan y Stephen Shannon.

Como parte de la celebración del 60.° aniversario, el Festival de Cine de Nueva York ofrecerá proyecciones de festivales en los cinco distritos de la ciudad de Nueva York en asociación con Alamo Drafthouse Cinema (Staten Island), BAM (Academia de Música de Brooklyn) (Brooklyn), el Bronx Museo de las Artes (Bronx), Centro Documental Maysles (Harlem) y el Museo de la Imagen en Movimiento (Queens). Cada sede presentará una selección de películas a lo largo del festival; una lista completa de películas y horarios se anunciará a finales de este mes.

Las películas de Main Slate previamente anunciadas para el festival incluyen “Stars at Noon” de Claire Denis; “Decisión de irse” de Park Chan-wook; la ganadora de la Palma de Oro de Ruben Östlund, “Triangle of Sadness”; y el primer largometraje de Charlotte Wells, “Aftersun”, uno de los favoritos de la Semana de la Crítica de Cannes, así como la selección de la noche de apertura de “White Noise” de Noah Baumbach, el documental de Laura Poitras “All the Beauty and the Bloodshed” como pieza central, y El debut narrativo de Elegance Bratton “The Inspection” clausura el festival. «Armageddon Time» de James Gray será el evento de proyección del 60 aniversario de NYFF, que celebra la ciudad de Nueva York y el Festival de Cine de Nueva York.

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