Foxtel/Binge Topper Amanda Laing saliendo

La directora comercial y de contenido de Foxtel y Binge, Amanda Laing, renunció y se marchará a finales de este año. Se unió al gigante de la televisión australiana en 2018 y supervisó el lanzamiento del transmisor Binge, que está detrás del éxito mundial de la comedia. Colin de cuentas. No se sabe nada sobre su próximo paso, pero en un comunicado, el CEO de Foxtel, Patrick Delany, rindió homenaje a Laing, diciendo que ella ha “dirigido docenas de negociaciones con estudios estadounidenses para adquisiciones de canales y contenido, así como también ha apoyado el negocio como ejecutivo líder en nuestros deportes. acuerdos de derechos”. Laing dijo que había sido un «privilegio trabajar tanto en el deporte como en el entretenimiento». Permanecerá en la empresa hasta septiembre para garantizar «una transición fluida de liderazgo».

El ‘Obituario’ de la comedia dramática irlandesa de Hulu viaja

Serie de comedia dramática irlandesa oscura Obituario ha aterrizado en una gran cantidad de redes en todo el mundo. La serie RTÉ de seis partes, que revelamos en noviembre de 2022, se lanzó a principios de este año en Irlanda y en Hulu en EE. UU., y ahora se dirige a Netflix en el Reino Unido, TVNZ en Nueva Zelanda, Proximus en Bélgica, RTS en francés. en Suiza, RTP en Portugal, BluTV en Turquía y Chipre y TET en Letonia. Coproducido por APC Studios del Reino Unido y Magamedia de Irlanda en asociación con Fís Éireann/ Screen Ireland, Coimisiún na Meán y The Wrap Fund, el programa está protagonizado por el galardonado actor de teatro y televisión irlandés Siobhán Cullen (Lo seco, Origen), que interpreta a un obituario mal pagado que trabaja en un periódico de un pequeño pueblo y que se convierte en un asesino en serie. Michael Smiley, Ronan Raftery, Danielle Galligan y David Ganly también protagonizan. Ray Lawlor escribió los guiones, John Hayes es el director principal y Oonagh Kearney dirigió el segundo bloque. Nell Green es la productora.

Banijay Asia se une a Ravi Shastri en ‘Cricketainment’

Banijay Asia de Deepak Dhar se ha asociado con Sporting Beyond del veterano jugador de críquet y entrenador Ravi Shastri para crear contenido de críquet y entretenimiento («crickettainment»). La pareja colaborará para crear eventos de entretenimiento de cricket en vivo y contenido multiplataforma. Dhar, director ejecutivo del grupo Banijay Asia y Endemol Shine India, dijo que ambos trabajarían juntos para «ofrecer experiencias de entretenimiento de cricket incomparables» y «elaborar una narrativa nueva y única en el entretenimiento de cricket en la India y en todo el mundo». Banijay lanzó una división de deportes en noviembre del año pasado, centrándose en documentos, medios digitales y ‘entretenimiento deportivo’. Shastri es conocido como comentarista de cricket indio y fue el exjefe del equipo nacional. También jugó para el equipo de pruebas entre 1982 y 1991, y fundó la empresa de asesoramiento, marketing, consultoría y gestión deportiva Sporting Beyond con Jaiveer Panwar en 2021.

Faith Ringgold era una mujer motivada. Fue una defensora incansable de los artistas negros, especialmente las mujeres. Quería cambiar el mundo del arte. Y tenía una gran necesidad de expresarse, de transmitir su energía al mundo con colores fuertes. En 2022 dijo en una entrevista: «Siempre quise tener una voz, poder decir algo sobre el mundo y tener un cierto sentimiento de fuerza».

En la década de 1960, Ringgold se convirtió en uno de los artistas políticos más influyentes. En una época en la que los estadounidenses luchaban sangrientamente por la igualdad entre blancos y negros, ella luchó con éxito por la libertad en el arte. A través de su activismo, desempeñó un papel clave para garantizar que los artistas negros finalmente encontraran su camino en los museos.

Ringgold nació en 1930 en el distrito de Harlem de Nueva York. Creció en un barrio vibrante rodeada de artistas; en la misma calle vivía el gran músico de jazz Duke Ellington. Ringgold provenía de una familia de clase trabajadora; su padre era camionero y su madre era costurera. Desde el principio, el asma crónica impulsó a la joven Faith a experimentar con lápices de colores y papel. Ringgold deleitó a vecinos y amigos que la animaron a dedicarse a la pintura. Posteriormente estudió arte y educación en el City College de Nueva York.

Como mujer, no se le permitió especializarse en arte. Tuvo que matricularse en educación artística; la única opción para estudiar arte era como materia menor. Después de graduarse, Ringgold trabajó como profesor de arte durante veinte años, al mismo tiempo que pintaba paisajes en estilo impresionista. Pero pronto se liberaría de eso.

La bandera sangrante

A medida que leyó a James Baldwin y Amiri Baraka, su propio trabajo también se volvió más político. En la década de 1960, Ringgold se alejó de la teoría del arte de Europa occidental y buscó lo que describió como una “estética negra afirmativa”. En la “Serie Black Light”, una serie de pinturas al óleo, eliminó los pigmentos blancos de su paleta y mezcló negro con todos sus colores.

Las pinturas al óleo de esta época están llenas de colores profundos y saturados. La perspectiva plana y los contornos marcados recuerdan al arte pop, al cubismo y al arte africano. Ringgold retrató principalmente a mujeres y hombres negros. Sus motivos son como un clamor. En “The In Crowd” de 1964, hombres blancos tapaban la boca de un hombre negro con las manos como para silenciarlo. Por otra parte, Ringgold pinta escenas tiernas y conciliadoras como en el cuadro “Un hombre besando a su esposa”. Aquí un hombre negro besa a una mujer blanca.

Las fotografías de Ringgold hacen tangibles los grandes trastornos y agitaciones de su época. A partir de 1964, el país se vio desgarrado por grandes disturbios raciales y en 1968 el activista de derechos civiles Martin Luther King fue asesinado. Y Ringgold pintó uno de sus cuadros más famosos, “La bandera está sangrando”.

En el óleo, Ringgold muestra los abismos de América. Se puede sentir la violencia de los años 60, quizás también el comienzo de la reconciliación: la bandera estadounidense sangra, las “franjas” rojas gotean y gotean. En la bandera, una mujer blanca unía del brazo a dos hombres. Uno de ellos tiene el brazo apoyado en el pecho como para maldecir, su rostro negro desaparece detrás de las “estrellas” blancas, su cuerpo detrás de las “rayas” rojo sangre. En la otra mano sostiene un cuchillo.

Ringgold se volvió políticamente activo. Diseñó carteles para el movimiento Black Panther y se involucró. En 1968 cofundó el Comité Ad Hoc de Arte de Mujeres y Mujeres Estudiantes y Artistas para la Liberación del Arte Negro. Ella siempre protestó contra los museos que exhibían pocos o ningún artista negro. Y siempre estuvo preocupada por los derechos y la visibilidad de las mujeres.

El artista de la colcha

En las décadas de 1970 y 1980, el trabajo de Ringgold volvió a cambiar. Trabajó con máscaras, disfraces, personajes y performances. Y finalmente descubrió la colcha. Inspirándose en el arte textil tibetano y afroamericano, comenzó a trabajar con textiles de múltiples capas. Al hacerlo, Ringgold adoptó un oficio que tenía una historia en su familia. Su tatarabuela ya había hecho colchas para los propietarios de plantaciones cuando era esclavizada.

Ringgold comenzó a combinar texto e imágenes en sus colchas. Como ningún editor quería publicar las memorias de Ringgold, ella contó su historia a través de la imagen. A menudo trabajaba con óleo o acrílico en el centro del cuadro y enmarcaba los motivos con texto y tela. Sus edredones representan escenas de la vida cotidiana de los estadounidenses negros en colores brillantes. Hay escenas de baile, escenas de amor, retratos, imágenes oníricas. Todo está alineado muy juntos, una única exuberancia de formas, colores, escritura.

La obra de Faith Ringgold permaneció sin ser descubierta durante mucho tiempo. No fue hasta 2022 que el New Museum de Nueva York mostró su primera gran retrospectiva. En 2005, la artista finalmente pudo publicar sus memorias. En él critica las paredes blancas del museo. Tendían a eliminar la variación y complejidad de los tonos más oscuros. Cuando la retrospectiva de Nueva York viajó a San Francisco, los curadores pintaron las paredes. Faith Ringgold murió el 13 de abril a la edad de 93 años.

Están los intocables: Giorgio Armani, Cristóbal Balenciaga, Hubert de Givenchy, Yves Saint Laurent, Valentino Garavani, sumos sacerdotes del gusto que trascienden las preferencias personales y silencian a los entrometidos en lo que respecta al estilo. Roberto Cavalli no pertenecía a este ilustre círculo.

Más bien, era una de las controvertidas aves del paraíso de Italia. Junto a Emilio Pucci, Gianni Versace o Byblos entre los diseñadores británicos Keith Varty y Alan Cleaver y, en la misma línea temporal, Dolce & Gabbana.

Enemigo mortal del minimalismo

Roberto Cavalli nació en Florencia en 1940. Su abuelo, Giuseppe Rossi, fue un pintor respetado. El padre de Cavalli recibió un disparo como civil el 4 de julio de 1944 en represalia por soldados alemanes de la Wehrmacht en el pueblo de Cavriglia. El niño pasó los años siguientes con su madre y su hermana en malas condiciones en las afueras de Florencia. Después de estudiar en la Accademia di Belle Arti de Florencia, Cavalli pasó al cuero como material. El punto culminante de su carrera no fue Italia, sino Saint-Tropez, donde Brigitte Bardot fue un ícono de estilo mucho más allá de Francia y llevó el nombre de Roberto Cavalli al mundo de la moda.

A su elaborada moda post-hippie con cuero estampado pronto se le unió otro material central que inicialmente no parecía problemático: la piel. En la década de 1970, su marca homónima disfrutó de un gran éxito, pero el enemigo mortal de Cavalli, el minimalismo, fue ganando terreno gradualmente. Los despilfarradores sufrían la reputación de los vulgares.

En la década de 1990, la subcultura grunge dejó temporalmente de lado la sensualidad. Pero la sensualidad finalmente ganó ventaja sobre lo descuidado e imperfecto, mientras que el grunge rápidamente abandonó las revistas de moda con un eructo deliberadamente ignorado.

Roberto Cavalli se convirtió en el cazador de caza mayor de la moda, sus estampados de animales se cruzaron con los llamativos tatuajes de Ed Hardy. Los estampados animales de Cavalli triunfaron sobre los sobrios monocromos. Los estampados de leopardo no siempre llamaron la atención de los fotógrafos; a veces estaban ocultos en el forro de una chaqueta o sólo se revelaban al quitárselos, en una confusión de eufemismo y exageración, con énfasis en este último.

Fin de la cultura machista

Presentar moda es una cosa, presentarse uno mismo es otra. Cavalli encarnaba prácticamente el aura que los Geissen in corpore o Robert Geiss transmiten hoy solos en el canal RTL Plus: la vida de un millonario, tal como la imaginan los desposeídos desde las ciudades de Bottrop hasta Cottone. La exigente esposa incluida.

El alemán se casó con una ex Miss Fitness, Carmen Geiss, y el italiano se casó con una ex Miss Austria y Vice-Miss Universo en su segundo matrimonio. Pero otro macho made in Italy, Flavio Briatore, podría estar más cerca de él que Robert Geiss. Bronceados, siempre con algunos botones de la camisa abiertos dejando ver el vello del pecho y siempre acompañados de la llamada esposa trofeo, probablemente serán recordados como representantes de una cultura machista en declive.

Puede que el tiempo haya alcanzado, o incluso superado, al macho de la vieja escuela, Roberto Cavalli, pero su archivo contiene tesoros que sin duda vale la pena redescubrir. Y como en la moda todo vuelve en algún momento, los representantes de la Generación Z ahora también se interesan por el Cavalli vintage y el glamour de los años 90. El diseñador de moda italiano falleció el viernes a la edad de 83 años tras una larga enfermedad.

En Francia trabajó con líneas atrevidas y a todo color; en Suiza diseñó gráficos meticulosos. Roger Pfund era francés y suizo, pintor y artista gráfico; trabajaba con sus propias manos y con una varilla milimétrica. Para pintar viajaba a su estudio de Saboya, rodeado de cipreses, olivos y palmeras. En su oficina de Ginebra diseñó billetes, tarjetas de débito y el pasaporte suizo. Roger Pfund murió el sábado a la edad de 80 años.

Pound dijo una vez en un retrato en video que estaba tratando de darle vida al color, mientras untaba un rojo intenso en el papel con los dedos. Al principio no se podría sospechar que estas manos grandes y fuertes también pueden dominar líneas extremadamente finas, patrones y degradados matemáticos de color.

“Una nota es un mensajero”

Roger Pfund nació en Berna en 1943, hijo de padre suizo y madre francesa. Creció bilingüe. De adolescente se dedicó a la música, tocó el contrabajo en un trío de jazz y también pintó. Después de graduarse de la escuela secundaria, Pfund asistió a la escuela de artes y oficios y luego fue aprendiz del artista gráfico suizo Kurt Wirth. Fundó un estudio y comenzó a trabajar con Elisabeth Pfund, su futura esposa, bailarina de ballet y diseñadora gráfica.

El trabajo de Pfund con los billetes comenzó en los años 1970. Para él, los billetes no eran sólo títulos financieros. “Una nota es un mensajero”, dijo una vez en una entrevista de SRF. Junto con Elisabeth Pfund participó en el concurso de billetes suizos. Él tenía veintitantos años y ella poco más de treinta. Su diseño quedó en segundo lugar como serie de reserva. Sus calificaciones se habrían utilizado si hubiera habido una falsificación masiva. Aunque su diseño no llegó a circular, sus notas se exhibieron en la Documenta 5 de Kassel.

Más de 200 retratos de Proust

Pfund fue a Ginebra y continuó su trabajo como artista gráfico. Paralelamente, trabajó en sus propias obras en su estudio francés. El arte le dio la energía para todo lo demás, dijo una vez Pfund. En Saboya trabajó en collages, retratos y pinturas. Pfund estaba fascinado por iconos como Maria Callas, Rimbaud y Marcel Proust. Fue un artista de series; interpretó a Proust más de 200 veces. A menudo trabajaba con fotografías sobre las que pintaba. “J`aime les superpositions des choses”, dijo en una entrevista con RTS. Le encantan las capas de cosas.

Pfand dijo: «Toma fotografías y necesita color en la vida». Él también parece habérselo tomado en serio. En las fotografías se le puede ver con camisas rosas y pañuelos de seda naranja, siempre con un cigarrillo entre los dedos.

el pase rojo

En 1994 ganó el diseño de Pfund para los billetes de franco francés. Ahora los franceses tenían al principito en sus manos mientras pagaban. En el billete de 50 francos también se encuentra la boa devorando al elefante del libro de Saint-Exupéry “El Pequeño Príncipe”. Se dice que Pfund trabajó en la serie Francia durante más de 17 años. Junto con su equipo investigó más de 317 personajes históricos que quería representar en los billetes.

En 2002 el principito tuvo que ceder ante el euro. Roger Pfund también participó en el concurso del euro del Banco Central Europeo. Ganó. Sin embargo, por razones desconocidas no pudo completar el pedido. El diseño de Roger Pfund para los billetes de euro es alegre, lleno de color y formas libres. Un usuario de X se preguntó hace poco si la unión monetaria no habría tomado un camino completamente diferente con estos billetes.

En el estudio Pfund se diseñaron billetes argentinos, billetes de Comoras y Malasia y una tarjeta de débito para Credit Suisse. En 2003 le siguió el elegante pasaporte suizo rojo. Roger Pfund ganó premios internacionales. En 2008, su obra se exhibió en cuatro pisos del Today Art Museum de Beijing. Se exhibió toda la mezcolanza de su obra: carteles, relojes de lujo, libros, tarjetas de crédito y pinturas. En 2013 realizó una exposición en Ginebra y en 2015 su obra se mostró en Wiesbaden.

El billete de diez dólares

Después del gran éxito, las cosas empezaron a desmoronarse en la oficina. En 2016, Pfund tuvo que cerrar el estudio debido al excesivo endeudamiento. En su apogeo, Pfund empleaba a 20 personas. Finalmente quedaron solo 7, incluido su hijo. Después del cierre del estudio, Pfand anunció que quería dedicarse a su arte. Pudo mantenerse a flote con trabajos ocasionales por encargo. Su esposa ya había muerto en 2006.

Al parecer, Pfund siempre llevaba consigo un billete de 10 dólares y lo sacaba de su cartera de vez en cuando, como ejemplo negativo. “El ejemplo perfecto de lo que no se debe hacer”, dijo entonces. En términos de seguridad, el certificado es una broma para Roger Pfand: se puede copiar fácilmente. En otra ocasión, Pfund se quejó de la calidad de impresión de sus billetes de francos. Sólo en Suiza se imprimiría correctamente.

Es triste que su última pieza, que acaba de estrenar en el Volksbühne de Berlín, se llame “Nothing is OK”. Porque nada de esto puede estar bien. Es posible que el autor, director artístico y realizador René Pollesch haya fallecido el lunes a la edad de 61 años. El título suena ahora como el último saludo de un brillante creador de teatro, un legado melancólico.

Sin embargo, en las más de doscientas obras que Pollesch escribió y representó él mismo, la muerte siempre brilló a través de su astuta ausencia. Era la plenitud de vida lo que se celebraba aquí. Y tenía que seguir y seguir, de pieza en pieza, para que uno pudiera frotarla, exponerla. Discutir la finitud con ingenio desesperado, cualquiera que sea el vocabulario ofrecido.

Mayor deseo de confusión y pérdida.

Casi nadie en el teatro ha desenmascarado la realidad, la frase, con tanta obstinación e inevitablemente como René Pollesch. Conocía la línea roja entre la filosofía y la payasada y siempre la cruzaba con el mayor placer en medio de la confusión y la confusión. Las veladas de Pollesch eran una escuela preparatoria para el análisis contemporáneo y actuaban como reuniones habituales.

Los actores se sentaban al borde del escenario, fumaban sin parar y hablaban de sus conocimientos sobre la inhabitabilidad del mundo; Enormes telones de fondo aterrizaron alrededor del escenario, haciendo que los jugadores parecieran pequeños e indefensos mientras luchaban con las trampas de los objetos y las obsesiones. Pollesch les dio sin piedad las palabras clave en términos de crítica al capitalismo, locura de género o postestructuralismo y, sin embargo, fue al grano con la facilidad de un mazo que cae: “Muy pocas personas son aptas para el siglo XXI”.

René Pollesch nació en 1962 en Friedberg, Hesse, hijo de un cuidador y montador de máquinas. Este origen desde abajo era importante para el hombre y el contenido de su trabajo: no tenía que coquetear con la sencillez proletaria, él lo sabía. Y luego estudió de todos modos; Sus maestros fueron Heiner Müller y George Tabori, y creó su estilo inconfundible al margen de los grandes maestros. Desde entonces ha trabajado en todas las casas importantes de habla alemana. Finalmente encontró su hogar en la antigua Volksbühne bajo la dirección de Frank Castorf.

En 2021 heredó Castorf después de un desagradable contratiempo en la sucesión. Estaba convencido de que con Pollesch podría conectarse con tiempos revolucionarios legendarios en el camión cisterna gigante de Rosa-Luxemburg-Platz. Sin embargo, el nuevo director tuvo un poco de mala suerte en el papel de liderazgo, que no le convenía mucho a él, el solitario escritorio y trabajador de escena.

Por supuesto, sólo se vio una firma tradicional de Volksbühne cuando René Pollesch volvió a subir al escenario sus propias piezas. Por lo demás, el teatro que tenía debajo flotaba en aguas poco profundas, salvo algunos grandes éxitos que, sin embargo, satisfacían en mayor medida el deseo de entretenimiento y eventos.

Confundido hasta el punto de arrodillarse

Sólo René Pollesch aportó un cómico análisis del alma al duro discurso, que irrumpió fiablemente en la locura normal con admirable regularidad y con los mejores actores. Era adorablemente cáustico, alegre y alucinantemente retorcido en su pesadez mental, y en ocasiones también redundante porque se quedaba atascado en el bucle de repetición. El nuevo Pollesch era a veces el mismo de antes, con fragmentos de frases reorganizadas y una estruendosa tormenta de ideas.

Y a pesar de eso, o quizás a causa de eso, te reíste y te avergonzaste un poco de haber vuelto a caer en sus trucos teatrales. René Pollesch murió demasiado pronto, siendo un hombre completamente inacabado. El teatro lo extrañará.

“¿Qué quedará de mí cuando me haya ido?”, me preguntó Cornelio Sommaruga unos meses antes de su muerte. Pudo recordar una carrera muy rica: Secretario de Estado en la entonces Oficina Federal de Comercio Exterior, Presidente del Comité Internacional de la Cruz Roja, Presidente del Centro de Ginebra para la Remoción Humanitaria de Minas, Presidente y miembro de numerosas fundaciones y asociaciones. La pregunta de Cornelio Sommaruga no era una expresión de duda. Habría querido lograr mucho más si la edad no se lo hubiera impedido. Murió el pasado domingo a los 91 años de una vida plena.

El objetivo aquí no es rastrear las numerosas etapas de su vida, sus éxitos y fracasos, sino describir la personalidad de Sommaruga. No evitó las dificultades. Los abordó de frente, haciéndose popular entre algunos y menos entre otros. Este fue también el caso de su propia organización, el CICR, a la que sacudió con reformas. “Mi comité me había encomendado poner la casa en orden”, lo que desencadenó una campaña contra el presidente supuestamente autoritario. En este país: “El camino de Suiza no puede evitar la integración en Europa”.

Este es el caso del movimiento de la Cruz Roja: éste “desperdicia sus energías en luchas internas, las sociedades nacionales entre sí, las sociedades nacionales contra sus gobiernos, contra la Liga y el CICR y todos juntos contra el CICR”. Este es también el caso en Israel: “Lo que hay que decir, hay que decirlo”. Allí incluso lo insultaron como antisemita por sus declaraciones deliberadamente distorsionadas, que lo hirieron profundamente. Estos son sólo algunos ejemplos.

Después de tres mandatos, Sommaruga pudo recoger los frutos de su trabajo: elección y reelección dos veces como presidente del CICR y nombramiento como miembro honorario, cartas de agradecimiento de 10.000 empleados del CICR y palabras de elogio del Secretario General de las Naciones Unidas, Kofi Annan. , Premio Presidencial de la Universidad de Tel Aviv e innumerables honores y doctorados adicionales.

Sommaruga solía evaluar correctamente la situación, lo que le permitía proponer soluciones y compromisos adecuados en situaciones de conflicto. A lo largo de su carrera, ha adaptado sus acciones a los desafíos. Como secretario de Estado que no pertenecía a ningún partido, politizó de forma civilizada, de lo que puedo dar fe como su asistente en aquel momento. Pero como presidente del CICR, su visión de un mundo justo brilló cada vez más. Sommaruga enfatizó la importancia de una relación equilibrada entre los intereses económicos, por un lado, y las preocupaciones humanitarias y sociales, por el otro. Su compromiso con la iniciativa de responsabilidad corporativa refleja un giro hacia esta última.

¿De dónde sacó este hombre la fuerza para sus innumerables actividades? En primer lugar, su temperamento latino: encantador, abierto, empático y divertido. Todo esto lo convirtió en una personalidad carismática que inevitablemente dominaba los debates, lo que le permitía expresar su opinión incluso cuando las cosas se ponían incómodas. Luego su religiosidad. Sommaruga era un católico convencido y practicante. En sus viajes siempre encontraba la oportunidad de visitar una feria. Y finalmente, su familia, especialmente su esposa, sus seis hijos y sus nietos, le brindaron el apoyo que necesitaba para vivir su vida según sus convicciones.

Jean Daniel Gerber Es exsecretario de Estado de la Secretaría de Estado de Asuntos Económicos (Seco). (Todas las citas son de “Jürg Bischoff en conversación con Cornelio Sommaruga”, NZZ-Verlag.)

En 1985, el diseñador Hans Eichenberger estaba sentado en su estudio para un reportaje televisivo, con un artículo de periódico delante que debía comentar sobre las viviendas de los Consejeros Federales. “En Stichs” eran los titulares encima de las fotos, “En Furglers” o “En Delamuraz”. Las imágenes dejaron perplejo al diseñador. Con tranquila resignación, dijo a la cámara: “Llevo treinta años practicando, pero cuando veo esto, realmente me pregunto: ¿Quién se equivoca? ¿Ellos o yo?

Como diseñador y arquitecto de interiores, Hans Eichenberger dio forma al diseño suizo de la posguerra. De él proceden innumerables clásicos del mobiliario: mesas, lámparas de pie, cómodas, decenas de opciones de asientos, entre ellos iconos como la silla Saffa o la silla Expo. Varias piezas se encuentran en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Pero Eichenberger también diseñó espacios: un vagón de SBB, la cafetería del Museo de Arte de Berna, la sala de reuniones del Banco Nacional de Berna. Esto le hizo pensar mucho cuando miró las salas del Consejo Federal: «Algunas personas trabajan en salas que yo he preparado», dijo y concluyó con seriedad: «Quizás no se sientan nada cómodos allí si se escapan en privado a Ambientes como este en el periódico”.

Hans Jakob Eichenberger (en privado sigue siendo para muchos un “Jöggu”) nació en 1926 en Grosshöchetten, Berna, como el segundo de tres hijos. El padre trabaja en la fábrica de muebles Bigla, que también fabrica muebles de tubo de acero. Jöggu es un chico deportista y un apasionado del esquí. Después de la escuela, tiene la perspectiva de trabajar como empleado municipal en el lugar donde vive. Pero cuanto más se acerca a la enseñanza, más cómodo se siente. Preferiría ser carpintero que escriba. Finalmente dice eso en casa y es recibido con comprensión. Puede empezar un aprendizaje de carpintero en Madiswil, a cuarenta kilómetros de distancia, con alojamiento y comida incluidos. En el tercer año de su aprendizaje, durante la Segunda Guerra Mundial, fue reclutado en la escuela de reclutas. Al regresar del trabajo se graduó con el mejor examen final de aprendizaje en Oberaargau.

Eichenberger recomienda su camino formativo, desde la artesanía hasta el diseño, a todo aquel que se le acerca con el deseo de convertirse en diseñador. “Aconsejo a los jóvenes que primero busquen una empresa de fabricación, especialmente una carpintería, porque los carpinteros están abiertos a otros materiales”.

A los 19 años conoció en una fiesta del pueblo a su futura esposa, Maria Dubi, de Clarens, con quien permaneció juntos hasta su muerte en 2014 y crió a tres hijos. Los años de aprendizaje y viajes de Eichenberger lo llevaron a una carpintería en Vevey, como aprendiz de dibujante en una fábrica de muebles en Berna, como dibujante en St. Gallen y en una oficina de diseño de interiores en Solothurn. Luego se mudó a París, centro cultural de los años 50, donde recorrió las oficinas con una carpeta llena de trabajos y fue contratado como pasante por el diseñador Marcel Gascoin. Allí desarrolló muebles económicos y de producción en masa hechos de madera contrachapada moldeada para apartamentos como parte de un proyecto de reconstrucción gubernamental en Rouen y Le Havre.

En 1951, abrió su propia tienda, «form», con estudiantes de artes y oficios en la Freiheitsgasse de Berna, donde vendía muebles, textiles y gráficos aplicados de diseño propio. La tienda va bien, pero Eichenberger crea una red de contactos y recibe sus primeros encargos como diseñador. Conoció a Teo Jakob, Kurt Thut, Alfred Hablützel y a los hermanos Robert y Peter Haussmann en Zurich. En 1958 fundaron el grupo Swiss Design, que tuvo una inmensa influencia en el diseño de la posguerra suiza.

Eichenberger también se reunió con los arquitectos del Atelier 5, que entonces planeaban el asentamiento Halen en Herrenschwanden, cerca de Berna, una moderna utopía residencial de hormigón en medio de un claro del bosque. Eichenberger diseñó el bistró y la tienda de la finca y amuebló tres modelos de apartamentos para posibles compradores con muebles de Swiss Design. Muchos de los interesados, se queja un arquitecto, sólo querían comprar los muebles en lugar de la casa adosada. Eichenberger también se mudó con su familia al asentamiento y vivió y trabajó allí hasta casi el final de su vida.

El diseñador siguió siendo deportista durante toda su vida, le gustaba navegar y, como esquiador, también diseñó una fijación de esquí en 1966. Un amigo le presentó a Ueli Gertsch de Wengen, quien había inventado un nuevo tipo de fijación de seguridad que luego vendió la empresa Head.

Eichenberger trabajó en su estudio hasta una edad avanzada. Comienza a organizar sus borradores, también con vistas a reediciones. Su famosa lámpara de pie, que diseñó como regalo de Navidad para su esposa en 1954, se volvió a fabricar hacia 2005. En 2016, a la edad de 90 años, recibió el Gran Premio de Diseño de la Oficina Federal de Cultura. “Un poco tarde”, dice con una sonrisa. Ya no sabe muy bien qué hacer con 40.000 francos. Probablemente donará el dinero y lo regalará.

¿Qué tiene que aportar la economía para explicar las decisiones políticas o las acciones de las administraciones? ¿Y en qué medida estos fenómenos económico-políticos dependen de la constitución de una democracia y de las condiciones marco institucionales que prevalecen en un Estado? La parte económica política de la economía proporciona respuestas a esto con la teoría de la elección pública. Ayuda a comprender más sistemáticamente las decisiones políticas como resultado de la competencia de intereses.

El suizo Charles Beat Blankart fue uno de los padres fundadores de la Sociedad Europea de Elección Pública. A partir de los años 70, la Escuela Pública de Elección revolucionó la economía en muchas universidades europeas, también en Suiza.

Influenciadas por el trabajo del posterior ganador del Premio Nobel James Buchanan y sus colegas de investigación como Gordon Tullock en la década de 1960, las ideas innovadoras se extendieron a Europa en la década de 1970 e inspiraron a una nueva generación de jóvenes economistas, entre ellos el profesor de Zurich Bruno S. Frey y su equipo, del que surgieron los profesores posteriores Beat Blankart, Werner Pommerehne, Friederich Schneider, Gebhard Kirchgässner y Hannelore Weck-Hannemann.

Todos habían crecido en un ambiente académico dedicado a aumentar la penetración matemática de cuestiones micro y macroeconómicas como el mecanismo de precios, el análisis abstracto de las fallas del mercado, la explicación del desempleo, la inflación o el crecimiento económico, sin ninguna referencia explícita. a la política real. El Estado y su funcionamiento fueron completamente ignorados en la toma de decisiones o se consideró que aceptaría con gratitud las sugerencias de los economistas y las implementaría directamente.

En términos de pronóstico, cuanto más duraba, menos satisfactorio era y simplemente poco realista. Los estudiantes de Public Choice no quisieron aceptar eso. Analizaron en profundidad cómo se toman las decisiones políticas, qué cálculos de toma de decisiones deben tenerse en cuenta y cómo las condiciones del marco institucional influyen sistemáticamente en el proceso político. Con el apoyo de un entorno productivo, los equipos de elección pública de toda Europa, con gran capacidad de investigación, lograron acercar la economía significativamente a la realidad.

Hoy en día, la economía política está firmemente anclada en el canon de la economía y cualquier consideración seria de las recomendaciones de políticas no puede prescindir de un análisis profundo de la economía política.

Beat Blankart, procedente de una familia de banqueros de Lucerna, contribuyó decisivamente a la difusión de las ideas de la economía política. Entró en contacto con las nuevas ideas durante su tesis en la Universidad de Basilea. Luego se trasladó a Constanza para su habilitación y pronto le siguieron nombramientos en la Universidad Libre de Berlín, en la Universidad de las Fuerzas Armadas Federales de Múnich, en la Universidad Técnica de Berlín y, finalmente, a partir de 1992, en la Universidad Humboldt de Berlín. .

Muchas generaciones de estudiantes lo recordarán sobre todo por su libro de texto: “Las finanzas públicas en la democracia”. Con nueve ediciones, no sólo es uno de los libros de texto de finanzas más exitosos centrados en la economía política, sino también uno de los pocos libros de texto que aborda explícitamente las condiciones en los países de habla alemana.

Pero Beat Blankart también fue un investigador innovador y directo que no temía adoptar posiciones incómodas. Para él siempre fue importante mantener el contacto con su patria suiza. Pidió cautela al adoptar recetas de Alemania, Francia y otros países grandes de manera demasiado acrítica y abogó por utilizar las ventajas de una economía pequeña y abierta de manera más consistente. Recomendó que Alemania preste más atención a los hallazgos científicos sobre el federalismo, la autonomía fiscal y la democracia directa.

El domingo por la mañana (29 de octubre), Charles Beat Blankart murió en Berlín en presencia de su esposa Michaela después de una larga y paciente enfermedad. La familia Public Choice honrará su memoria por sus grandes contribuciones a la economía; lo mismo ocurre con la Universidad de Lucerna, que pierde con él al fundador de su facultad de economía.

Christoph Schaltegger es profesor de Economía Política en la Universidad de Lucerna y director del Instituto de Política Económica Suiza (IWP).

Fotografía: Ray Stubblebine/AP

Cuando Tina Turner, quien murió a los 83 años, abandonó a su abusivo esposo Ike en Dallas, Texas, temía que significaría el final de su carrera en el mundo del espectáculo. Era 1976, y ella había estado actuando con Ike durante dos décadas, desde que saltó al escenario y cantó con su banda por primera vez en el club de Manhattan en East St Louis, Missouri. Sin embargo, aunque estaba desesperada y solo tenía 36 centavos en el bolsillo, estaba en camino a un renacimiento como una de las intérpretes más exitosas de la música popular durante las décadas de 1980 y 1990.

Tuvo que soportar varios años de escasez, pero llegó un punto de inflexión en 1983, cuando David Bowie le dijo a Capitol Records que ella era su cantante favorita. Siguió una versión de Let’s Stay Together de Al Green. Producida por los electropoppers Martyn Ware e Ian Craig Marsh de Heaven 17, la canción llegó al número 6 en el Reino Unido y luego entró en el Top 30 de EE. UU. al año siguiente.

Turner luego consolidó el repunte de su fortuna con el álbum Private Dancer (1984). Impulsado por el gran éxito ¿Qué tiene que ver el amor con eso? (su primer número 1 en Estados Unidos), el álbum se convirtió en un fenómeno, situándose en el Top 10 estadounidense durante nueve meses y vendiendo más de 10 millones de copias. De repente, Turner fue uno de los actos más importantes en una era de superestrellas de estadios como Michael Jackson, Dire Straits y Phil Collins.

En 1985 fue contratada para interpretar a la tía Entity en la película Mad Max: Beyond Thunderdome, para la que grabó otro éxito internacional, We Don’t Need Another Hero. Un segundo sencillo de Thunderdome, One of the Living, le valió un premio Grammy, y fue una elección automática para unirse al concierto benéfico Live Aid ese año, así como para participar en su tema musical estadounidense, We Are the World.

En 1986, su siguiente álbum, Break Every Rule, lanzó a Turner a una campaña de gira mundial, durante la cual una multitud de 184.000 personas la vieron en Río de Janeiro. La gira dio lugar a un álbum doble, Tina Live in Europe (1988).

El álbum Foreign Affair (1989) vendió 6 millones de copias y generó otro himno de marca registrada, The Best, que posteriormente se usó para agregar empuje a numerosos comerciales de televisión y fue adoptado tanto por la as del tenis Martina Navratilova como por el piloto de carreras Ayrton Senna. La siguiente gira Foreign Affair terminó en Rotterdam en 1990, después de lo cual hizo un dueto con Rod Stewart en el viejo éxito de Tammi Terrell/Marvin Gaye It Takes Two. Diseñado como el tema de un anuncio de Pepsi, la pista fue un éxito en las listas de éxitos en toda Europa.

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Turner nació como Anna Mae Bullock en Nutbush, Tennessee, de Zelma Currie, una trabajadora de fábrica, y su esposo, Floyd Bullock, un diácono bautista. Abandonadas por su padre y temporalmente por su madre, en 1956 Annie y su hermana mayor, Alline, se mudaron a St Louis, Missouri, donde se encontraron con Ike Turner y su banda The Rhythm Kings. Después de que Annie convenció a Ike, inicialmente reacio, de que la dejara cantar con la banda, él la reclutó como una de sus coristas.

Fue en 1960 cuando Tina, que para entonces había cambiado su nombre porque le recordaba a Ike al personaje de dibujos animados Sheena, la reina de la jungla, cantó por primera vez como voz principal con la banda de Ike. Un cantante de sesión no apareció, y la actuación suplente de Tina de A Fool in Love fue un éxito tanto en las listas de pop como de R&B. Ike inmediatamente reconstruyó su acto en torno a Tina y lo bautizó Ike and Tina Turner Revue. Se casaron en 1962.

Con nueve músicos y un trío de coristas escasamente vestidos, los Ikettes, la Revue arrasó en el circuito de R&B. Tina se convirtió rápidamente en una artista fascinante, irradiando una sexualidad cruda y golpeando al público con la fuerza sin adornos de su voz. Comenzaron a salpicar las listas con éxitos, incluidos I Idolize You, Poor Fool y Tra La La La La, e incluso si solo cruzaron intermitentemente de las listas de R&B a la corriente principal del pop, la reputación de la banda fue insuperable. La evidencia de su destreza en el escenario se conservó en el álbum de 1965 Live! The Ike and Tina Turner Show, grabado en gira por Texas.

Sin embargo, las semillas de la destrucción de la pareja se estaban sembrando en su exitoso pero intenso estilo de vida. Ike era un mujeriego habitual y también desarrolló un hábito destructivo de cocaína. Esto provocó arrebatos violentos contra Tina, quien, como luego reveló en su autobiografía de 1986, Yo, Tina, fue golpeada, quemada con cigarrillos y escaldada con café caliente. Obtuvo un vistazo de cómo podría ser la vida más allá de la intimidante órbita de Ike cuando trabajó con el productor de «Wall of Sound» Phil Spector en 1966. Para frustración de Ike, Spector se negó a permitirle entrar al estudio mientras trabajaba en el sencillo River Deep. , Mountain High, que posteriormente se convirtió en un punto culminante de las carreras de Spector y Turner.

El trabajo de los Turner les valió la admiración de muchos de sus pares, entre ellos los Rolling Stones, quienes los invitaron a abrir una gira por el Reino Unido para ellos en 1966 y luego a unirse a ellos en su gira estadounidense en 1969. Mick Jagger fue visto regularmente en lado del escenario durante las actuaciones de Tina, fascinado por su presencia en el escenario y sus rutinas de baile. Uno de los puntos culminantes de Live Aid en 1985 fue la actuación conjunta de Tina y Jagger en el estadio JFK de Filadelfia.

Trabajar con los Stones impulsó a los Turner a importar un toque orientado al rock en su trabajo, una estratagema que funcionó con mayor éxito cuando grabaron Proud Mary de John Fogerty en 1971. gráficos pop. En 1973 marcaron otro hito con la enérgica composición Nutbush City Limits de Tina, inspirada en sus orígenes en Tennessee. Asumió el papel de Acid Queen en la película de Ken Russell de la ópera rock de The Who, Tommy (1975): su actuación fue uno de los pocos momentos aclamados por la crítica, aunque su álbum en solitario derivado, The Acid Queen, causó poca impresión en los cuadros.

Después de su separación de Ike, Tina se quedó con amigos y se vio obligada a sobrevivir con cupones de alimentos. Cuando finalizó su divorcio en 1978, ella prefirió no tomar dinero ni bienes del acuerdo, para establecer una ruptura total con su esposo. Ganó dinero con apariciones como invitada en televisión en los programas Donny & Marie y Sonny & Cher, pero sus álbumes de finales de los 70, Rough y Love Explosion, se vendieron mal.

En 1980, firmó un contrato de gestión con Roger Davies, un promotor australiano que trabajaba en los EE. UU., quien consiguió algunos contratos lucrativos en Las Vegas. Al año siguiente, los Rolling Stones galoparon al rescate una vez más contratándola como telonera de su gira Tattoo You por Estados Unidos, y también apareció con Stewart en un concierto de California retransmitido internacionalmente por satélite.

Cuando fue incluida (con Ike, aunque él estaba en la cárcel) en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1991, a Turner le quedaba poco por demostrar. Pudo pasar más tiempo en los hogares de Suiza y la Costa Azul que ahora compartía con el ejecutivo discográfico alemán Erwin Bach. Una colección de sencillos, Simply the Best (1991), se tambaleó en más discos de platino cuando Turner entró en la fase de estadista senior de su carrera.

En 1993, cuando lanzó su primera gira por Estados Unidos en seis años, se estrenó su biografía cinematográfica, What’s Love Got to Do With It, basada en I, Tina, protagonizada por Angela Bassett como Turner. La película produjo un álbum de banda sonora superventas y otro sencillo exitoso con su tema de apertura, I Don’t Wanna Fight.

En 1994 apareció una antología de tres discos, The Collected Recordings – Sixties to Nineties, y al año siguiente apareció la grabación de Turner de GoldenEye, el tema principal de la película homónima de James Bond. La gira que acompañó a su octavo álbum de estudio, Wildest Dreams (1996), se convirtió en otro récord, recaudando más de 100 millones de dólares solo en Europa. Twenty Four Seven (1999) preparó lo que Turner anunció que sería su última gran gira por arenas y estadios. Tenía la intención de hacer una gira con Elton John, pero la idea se desechó después de que ella discutiera con él sobre el arreglo para piano de Proud Mary durante los ensayos para un especial de televisión, Divas Live ’99. Sus siguientes fechas en solitario se convirtieron en la gira más taquillera del 2000.

Siguió un período tranquilo, durante el cual Turner se limitó a eventos cuidadosamente seleccionados, como una actuación de 2005 en el Show de Oprah Winfrey. Contribuyó con una versión de Edith and the Kingpin a River: The Joni Letters (2007), un álbum tributo producido por Herbie Hancock. Actuó junto a Beyoncé en los premios Grammy en el 2008.

¡Ese octubre volvió a la carretera con la Tina! 50th Anniversary Tour, sincronizado con el álbum recopilatorio Tina: The Platinum Collection. En 2010, se convirtió en la primera artista femenina en obtener los 40 mejores éxitos en el Reino Unido en seis décadas consecutivas (de 1960 a 2010), cuando The Best volvió al Top 10 del Reino Unido. Su compilación Love Songs apareció en 2014, y su remix de What’s Love Got to Do With It con el DJ noruego Kygo en 2020 creado para una séptima década que contiene éxitos del Reino Unido.

Entre 2009 y 2014, Turner apareció en cuatro álbumes de Beyond, un grupo de mujeres formado con sus vecinos en Küsnacht, cerca de Zúrich. La música reflejaba las creencias espirituales y religiosas de los participantes, y Turner se consideraba baptista-budista (fue criada como bautista, pero comenzó a practicar el budismo de Nichiren en 1973).

En 2013 se casó con Bach y renunció a su ciudadanía estadounidense para convertirse en ciudadana suiza. Tres semanas después del matrimonio sufrió un derrame cerebral, y en 2016 le diagnosticaron cáncer intestinal, luego sufrió insuficiencia renal cuando «las toxinas en mi cuerpo comenzaron a tomar el control», como lo expresó en su segunda autobiografía, Tina Turner: My Historia de amor (2018). Su marido se ofreció como voluntario para regalarle uno de sus riñones y en 2017 se llevó a cabo con éxito una operación de trasplante.

Al año siguiente, se inauguró el musical biográfico Tina en el teatro Aldwych de Londres, dirigido por Phyllida Lloyd y protagonizado por Adrienne Warren en el papel principal. Turner recibió un premio Grammy a la trayectoria, para acompañar su cuenta actual de ocho premios Grammy y tres premios Grammy Hall of Fame. Entre su vasta colección de premios, Turner también obtuvo cinco premios American Music, dos premios World Music y tres premios MTV Video Music.

En 2021 se unió al Salón de la Fama del Rock and Roll como solista absoluta y vendió los derechos de su catálogo de música a la editorial BMG por un estimado de 50 millones de dólares. Lista para retirarse por completo, se despidió de sus fans con el documental de dos partes de HBO, Tina.

Alline murió en 2010. El hijo mayor de Tina, Craig, de una relación con el saxofonista Raymond Hill, se quitó la vida en 2018. Ronnie, uno de sus tres hijos con Ike, murió en 2022.

Le sobreviven Erwin y sus otros dos hijos, Ike Jr y Michael, de su primer matrimonio.

• Tina Turner (Anna Mae Bullock), cantante y compositora, nacida el 26 de noviembre de 1939; murió el 24 de mayo de 2023

Mi padre, Alberic Fiennes, que falleció a los 75 años, fue un cirujano pionero. Defendió la idea de que la obesidad severa, lejos de ser un “fallo moral”, es una enfermedad fisiológica y psicológica que requiere intervención médica.

De 1990 a 2007 fue cirujano consultor y profesor en el hospital y la escuela de medicina de St George en Tooting, al sur de Londres. Estaba comprometido con la atención meticulosa y centrada en el paciente y la innovación quirúrgica. Uno de los primeros en convertirse a los procedimientos mínimamente invasivos que podrían reducir el tiempo de recuperación y el dolor, fue la primera persona en el Reino Unido en ofrecer reparación de hernia totalmente extraperitoneal (TEP) como cirugía ambulatoria.

Alberic finalmente se especializó en cirugía de pérdida de peso y en 2000 fundó el actual servicio bariátrico en el hospital de St George. En este campo trabajó junto a su esposa, Louise (de soltera Bidlake), enfermera. Aparecía regularmente en la radio y la televisión para argumentar que la obesidad severa es una enfermedad devastadora agravada por el estigma, y ​​que quienes la padecen no pueden curarse con la simple «fuerza de voluntad». Su enfoque innovador para el tratamiento combinó la intervención quirúrgica y la asistencia psicológica y dietética continua, que respalda la investigación en curso.

En 2007 Alberic puso en marcha la unidad bariátrica del University College hospital de Londres, siendo su director hasta 2009. También fue presidente de la Sociedad Británica de Obesidad y Cirugía Metabólica (2010-13) y posteriormente realizó labores médico-legales como perito.

Nació Alberic Twisleton-Wykeham-Fiennes en Bakewell, Derbyshire, el menor de cinco hijos de Sir Maurice Fiennes, director general de Davy and United Engineering Company, y Sylvia Finlay, hija de un oficial del ejército británico. Alberic se educó en el Lyceum Alpinum Zuoz, Suiza, donde aprendió a hablar alemán suizo, alemán, francés, italiano y romanche. También se convirtió en un experto esquiador y disfrutó de este deporte de por vida.

Comenzó una licenciatura en zoología en la Universidad de Zúrich antes de matricularse en la facultad de medicina del hospital St Bartholomew en Londres. Alberic se graduó en 1976, con honores de primera clase. Durante este tiempo también voló aviones ligeros con la reserva de voluntarios de la RAF. Aprobó los exámenes del Royal College of Surgeons en 1978 y ganó el premio Hallett como el candidato con la puntuación más alta del país.

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Como cirujano principal durante el accidente ferroviario de Clapham Junction en 1988, reconoció la necesidad de mejorar la capacitación en atención traumatológica entre los cirujanos en el Reino Unido y ayudó a establecer una capacitación de soporte vital avanzado en trauma (ATLS) para ellos.

Alberic estaba comprometido con el cuidado de por vida de sus pacientes, quienes valoraban su claridad, enfoque y empatía. Sus colegas lo describieron como extremadamente confiable; sensible a las necesidades de los demás; rápido para brindar ayuda donde sea necesario; y un maestro destacado para muchos cirujanos en el Reino Unido.

Fue un brillante artífice de la palabra y artista, un artesano talentoso y un devoto lector de The Guardian. Apoyó a la organización benéfica Freedom from Torture desde 1996 hasta su muerte, y le apasionaba el bienestar comunitario y la política.

A Alberic le sobreviven Louise, con quien se casó en 1985, sus hijas Emily y yo, y su nieto William.