Aproximadamente a mitad de camino Pozo de animales, Sentí que me habían mentido. leí todos los brillante opiniones del juego y escuchó los elogios sin aliento en las redes sociales. Pero mis expectativas no coincidían con mi realidad… hasta que gané el juego. Ahora, estoy en camino de completar al 100 por ciento un juego que estaba considerando seriamente abandonar.

Spoilers de Pozo de animales están debajo.

Aunque amaba Pozo de animalesLa novedosa versión de las habilidades de movimiento tradicionales (las herramientas que proporciona poseen múltiples usos inteligentes) las plataformas en sí a menudo resultaban desmoralizadoras. Inicialmente, Pozo de animalesParecía que la plataforma tenía picos de dificultad demasiado grandes y frecuentes. A menudo podía ver adónde tenía que ir y cómo llegar allí (y a menudo buscaba guías en vídeo para confirmar que lo estaba haciendo bien con las herramientas adecuadas), pero en realidad ejecutarlo era más laborioso que divertido y atractivo.

Siempre he pensado que la dificultad de una tarea en un juego de plataformas debería ser proporcional a su importancia: los momentos más difíciles deberían reservarse para secretos y objetivos opcionales, mientras que todo lo que implica completar el juego debería ser más alcanzable. De esa manera, todavía tengo el control de mi experiencia y, lo que es más importante, todavía teniendo una experiencia. Si descubrir un secreto es más difícil de lo que me gustaría, entonces puedo optar por no continuar y completar el juego con un punto porcentual de finalización menos. Pero si simplemente llegar del punto A al punto B es demasiado difícil, optar por no participar significa abandonar el juego por completo. Pozo de animalesLas plataformas me convencieron de que me había topado con un obstáculo tan frustrantemente difícil que lo abandonaría y nunca volvería.

Afortunadamente, eso no sucedió. De alguna manera, persistí lo suficiente para recolectar las cuatro llamas de animales para completar el primer “final” del juego, pensando que me detendría allí. Pero entonces, justo antes del encuentro final, encontré una habitación llena de calaveras que contenían una mejora para la varita de burbujas. Recuerda esto, será importante en un momento.

La varita de burbujas crea pequeñas plataformas de burbujas sobre las que puedes saltar, pero solo puedes soplar una a la vez. La varita de burbujas mejorada te permite soplar múltiple Burbujas que, con la técnica adecuada, te permitirán sortear muchos de los obstáculos del juego.

¿Recuerdas las calaveras? Descubrí que todos los cráneos en esa habitación, amontonados lo suficientemente alto como para alcanzar la varita, representaban la cantidad de veces que morí. Al darme cuenta de eso, me sorprendió que, aunque inicialmente no estaba vibrando con el juego, siempre estaba vibrando conmigo. La mejora de la varita de burbujas es inalcanzable a menos que hayas acumulado suficientes calaveras para construir una plataforma hasta ella. La única manera de conseguir lo que finalmente hizo que este juego encajara en mí fue gracias a toda la frustración que me hizo pasar en primer lugar.

Cuando me di cuenta de eso, comencé a reírme como un maníaco, con lágrimas en los ojos, pensando: «¡Oh, bastardos descarados!» Inmediatamente volví al comienzo del juego para buscar huevos, algo que ya había decidido que no iba a hacer. Pero ahora estaba encerrado. Entendí. Ahora estoy atrapado en el pozo (de los animales) y nunca saldré.

La hija gótica de las primeras películas de Tim Burton, «Heathers» y «Jennifer’s Body», «Lisa Frankenstein» es una comedia oscura algo encantadora que al final no termina de concretarse. Escrita por Diablo Cody y dirigida por Zelda Williams, la película encuentra a Kathryn Newton interpretando a Lisa Swallows, una chica gótica solitaria que suspira por la tumba de un hombre que murió durante la época victoriana. Cuando un rayo cae sobre la tumba, el cadáver revive como la Criatura (Cole Sprouse), un apuesto demonio que no duda en ensuciarse las manos para matar a algunas personas que hacen de la vida de Lisa un infierno. No hace falta decir que estos dos niños locos se enamoran el uno del otro. Algo así como.

«Lisa Frankenstein» parece hecha a medida para niños góticos y, como ex niña gótica, lo aprecio. El escenario de la década de 1980 permite un estilo espectacular y una gran banda sonora, y la comedia es absolutamente oscura. Y sin embargo… hay algo raro aquí. La película se siente en conflicto con su propio enfoque; Lisa y la criatura no están más allá del asesinato, y puede ser un poco difícil aceptar personajes principales tan sedientos de sangre, especialmente porque la película también quiere tener un toque de dulzura para acompañar su material.

No importa, puede que ahora no sea el público adecuado para una película como ésta, y está bien. Si bien «Lisa Frankenstein» fue una decepción de taquilla, parece el tipo de película destinada a convertirse en un clásico de culto. ¡Entra en acción ahora! El Blu-ray presenta varias escenas eliminadas, reportajes detrás de escena, un gag reel y una pista de comentarios con Zelda Williams.

Disponible para su compra aquí.

Altman sintió que el programa se burlaba de las cosas que eran importantes en su película, y Hornberger era muy parecido. En su obituario para The New York Times, su hijo William Hornberger dijo:

“Le gustó la película porque pensó que seguía muy de cerca su intención original. Pero mi padre era un político conservador y no le gustaban las tendencias liberales que Alan Alda describió como Hawkeye Pierce. Mi padre no escribió un libro contra la guerra. Fue un relato humorístico de su trabajo, con partes serias sobre el horrible tipo de trabajo que era y lo difícil y desafiante que era”.

Los fanáticos de la película bastante cínica de Altman encontrarían menos amor con la visión más seria y tonta de las cosas del programa (una visión que también era claramente antibélica). De hecho, el único actor que repitió su papel de la película «M*A*S*H» en la serie fue Gary Burghoff, quien interpretó al empleado de la compañía, el alférez Walter Eugene «Radar» O’Reilly, y aún así su personaje era bastante diferente entre las dos versiones. En lugar de la versión de Hawkeye de Donald Sutherland, que se acercó más a la visión de Hornberger, la gente pudo disfrutar de la versión mucho más progresista social y políticamente del personaje de Alda.

EL SEÑOR DE LOS ANILLOS: LOS ANILLOS DEL PODER

6 de marzo de 2024 a las 10:02 am

El autor de “El Señor de los Anillos” y “El Hobbit”, JRR Tolkien, sintió un “profundo disgusto” por Walt Disney y sus películas. ¿Pero por qué se sentía así?

• JRR Tolkien es conocido por su mundo ficticio de la Tierra Media. El autor británico se inspiró en los cuentos de hadas y los mitos.
• Otro hombre importante de la cultura pop también se centró en los cuentos de hadas: Walt Disney.
• Tolkien expresó su descontento con Disney y sus películas en cartas y ensayos. ¿Por qué odiaba a Disney?

JRR Tolkien es considerado hoy uno de los mayores autores de fantasía de todos los tiempos. Su creación de la Tierra Media, conocida por El Señor de los Anillos, El Hobbit y El Silmarillion, sigue siendo un referente para casi todas las obras fantásticas.

Peter Jackson adaptó hábilmente «El Señor de los Anillos» al cine, pero Tolkien ya no pudo vivir estas adaptaciones en persona. Aún así, probablemente se habría sentido aliviado de que Disney no tuviera ningún papel en estas películas, ya que «no tenía ningún deseo de darle a Disney los derechos cinematográficos». Pero, ¿qué le provocó este “disgusto” por Walt Disney?

Tolkien contra Disney: el concepto de cuentos de hadas y mitos

En una carta fechada el 13 de mayo de 1937, Tolkien escribió sobre las ilustraciones de una publicación estadounidense de su obra «El Hobbit»: «Dejemos que los estadounidenses hagan lo que consideren correcto, mientras me sea posible (podría añadir). vetar cualquier influencia de Disney Studios (cuyas obras siento un profundo aborrecimiento)».

La carta fue escrita el mismo año en que se estrenó el primer largometraje animado de Disney, «Blancanieves y los siete enanitos». A menudo se interpreta que Tolkien se refería a «Blancanieves» con su «asco». Sin embargo, eso no es cierto.

Disney ya había producido numerosos cortometrajes antes de «Blancanieves» y la película no se estrenó hasta finales de 1937, por lo que Tolkien no habría podido verla antes de escribir su carta.

Lo que Tolkien tanto criticó de Disney fue su infantilización de los cuentos de hadas. Si bien el propio Tolkien utilizó muchos cuentos de hadas y leyendas y los presentó en historias para niños como «El Hobbit», para él era importante tratar a los niños con un cierto nivel de madurez.

Sus obras son infantiles, pero nunca toman a los lectores por tontos. Tolkien sintió que Disney estaba despojando a los cuentos de hadas que adaptaba de su seriedad y, por tanto, de su temática. Lo harían, por así decirlo, con el fin de facilitar la comprensión. callados convertirse en.

Como ejemplo de ello se puede citar la adaptación de Disney de «Caperucita Roja» de 1922.

Tolkien consideraba que los niños eran lo suficientemente maduros y comprensivos como para comprender plenamente la complejidad de los cuentos de hadas. En su ensayo «Sobre los cuentos de hadas» escribe lo siguiente:

Es cierto que en los últimos tiempos los cuentos de hadas se han escrito o «adaptado» típicamente para niños. […] Es un proceso peligroso, aunque sea necesario.
[Musik, Gedichte, Romane, Geschichtsbücher oder wissenschaftliche Anleitungen] En realidad, sólo se salvan de la ruina porque las artes y las ciencias no se dejan enteramente en manos del jardín de infancia; Al jardín de infancia y al aula sólo se les dan gustos y conocimientos sobre el mundo de los adultos que les parecen apropiados a los ojos de los adultos (a menudo muy defectuosos).
Cada una de estas cosas se vería gravemente comprometida si se dejara por completo en el jardín de infancia. Del mismo modo, una bonita mesa, un buen cuadro o una máquina útil (como un microscopio) se dañarían o destruirían si se dejaran desatendidos en el aula durante mucho tiempo.
Los cuentos de hadas así desterrados y separados del arte adulto pleno acabarían siendo destruidos; de hecho, en la medida en que han sido desterrados, también han sido destruidos.

JRR Tolkien en «Sobre los cuentos de hadas» [freie Übersetzung]

La visión de Tolkien sobre los cuentos de hadas y su preparación para los niños es relativamente clara. No los ve como cuentos puramente infantiles con los que sólo los niños deberían participar. Los equipara con la literatura, el arte, la música y la ciencia.

Aunque reconoció que los adultos tendrían que hacer ajustes en algunas áreas en la forma en que se les enseñaba, criticó la forma en que se trataban los cuentos de hadas, que sólo se trataba de transmitirlos como historias divertidas para los niños. Tolkien ve aquí las metáforas, los trasfondos temáticos y posiblemente los trasfondos culturales destruidos.

Por supuesto, también es importante considerar cuándo se escribió el ensayo de Tolkien. Escribió esto en la década de 1930. “Sobre los cuentos de hadas” se publicó el 8 de marzo de 1939.

Por qué las historias de Tolkien funcionan de manera diferente a las de Disney

Un niño disfrutará de las aventuras de Bilbo en El Hobbit, mientras que un adulto podrá comprender mejor el mundo de la Tierra Media y también establecer conexiones con el mundo real.

Los enanos expulsados ​​de Erebor son una metáfora de los refugiados que tuvieron que abandonar su tierra natal. La decisión de Thorin de despertar al dragón, arriesgándose a la destrucción de Lake City, es una acción moralmente cuestionable para un protagonista de un libro para niños. Esto es algo en lo que pensar primero.

El problema personal de Tolkien con Growler and Co.

Se dice que en 1938, Tolkien decidió ver “Blancanieves y los siete enanitos” con el autor de “Narnia”, CS Lewis, a pesar de su aversión por Disney. Si bien se dice que Lewis elogió el estilo de animación, ambos coincidieron en que la interpretación de los enanos no tuvo éxito.

En las obras de Tolkien, los enanos son un pueblo mítico que comparte características como barba larga, estatura baja pero rechoncha y minería con los enanos de Disney, pero son retratados de manera muy diferente. Disney usa a los enanos para reír y los convierte en personajes de broma, por así decirlo.

Incluso hoy en día, la interpretación que hace Disney de los enanos recibe críticas. Peter Dinklage («Juego de Tronos»), por ejemplo, comentó sobre la nueva versión lo siguiente: «Todavía estás haciendo esta historia retrógrada sobre siete enanos que viven juntos en una cueva».

Como actor de baja estatura, se siente herido por la representación de la baja estatura, que continúa alimentando estos «clichés de los enanos» (a través de IndieWire).

Tolkien tampoco consideró que esta fuera una manera adecuada de presentar a este pueblo, que generalmente era retratado en la mitología como sofisticado y orgulloso, a un público joven. El hecho de que los enanos de Schneewitchen eventualmente se hicieran tan populares también aseguró que al término enanos se le diera un color diferente al que lo usaba en sus obras.

Todo esto en conjunto es, en última instancia, la razón por la que Tolkien no se llevaba bien con Disney y sus obras. Se dice que esto no ha cambiado más tarde, por lo que los herederos siguen interesados ​​en que Disney no reciba ningún derecho de adaptación de sus obras.

Fuente: Tinta y fantasía

Muchos puntos son interpretaciones y fuentes, y no siempre es posible demostrar completamente hasta qué punto son correctos. Sin embargo, la cita de Tolkien sobre los cuentos de hadas de su ensayo está claramente probada y, por lo tanto, cualquier persona puede acceder e interpretar libremente. Puedes tener tus propios pensamientos y entender por qué a Tolkien no le gustaron las adaptaciones de los cuentos de hadas de Disney.

Amazon Prime Video se encuentra trabajando actualmente en la adaptación de Tolkien “El Señor de los Anillos: Los Anillos del Poder”. La segunda temporada de “El Señor de los Anillos: Los Anillos de Poder” podría aparecer en el programa de nuevos estrenos de Prime Video este año.

El nombre fue cambiado por primera vez de Todo lo que necesitas es matar a La era de El Mañana al igual que el rodaje concluyó a mediados de 2013. Warner Bros. Sue Kroll, presidenta de marketing en ese momento, dijo Variedad Esa «charla negativa» sobre la palabra «matar» provocó el cambio, mientras que el productor Erwin Stoff explicó a El reportero de Hollywood que “la palabra ‘matar’ en un título es muy engañosa en el mundo actual… La vemos bastante en titulares de periódicos reales, y no creo que necesitemos verla cuando miramos una película».

A Doug Liman no le importaba el título Todo lo que necesitas es matar o bien, diciéndole a los suyos Guarida de frikis en 2017 que “estaba haciendo una comedia, una comedia de acción y Todo lo que necesitas es matar No sentí que fuera el tono de la película que había hecho”. Pero Liman tampoco estaba enamorado de La era de El Mañana cualquiera. En cambio, tenía su propio título preferido: Repetir vivir morir. Sin embargo, a pesar de sus mejores esfuerzos, el estudio también rechazó eso (¿tal vez pensaron que “morir” era tan problemático como “matar”?) y la película llegó a los cines como La era de El Mañanaaunque el eslogan “Live Die Repetir” ocupó un lugar destacado en carteles y publicidad.

Vivir. Morir. Retitular.

Como se mencionó anteriormente, La era de El Mañana no fue un completo fracaso en taquilla, pero tampoco fue un gran éxito, y Doug Liman dijo Guarida de frikis donde pensó que podría residir parcialmente la culpa en ese momento.

“Cuando salió la película y a la gente le encantó, pero la taquilla no fue tan buena como debería haber sido, realmente criticé al ejecutivo de Warner Bros, que había insistido en que La era de El Mañana Era el mejor título”, recordó. También añadió que “cometió el pecado capital de decirle a alguien en Hollywood cuando se equivoca”.

Aunque Liman dijo que eventualmente tuvo que disculparse con ese ejecutivo por haberlos llamado la atención, algo extraño sucedió cuando llegó el momento de liberarlo. La era de El Mañana en Blu-ray y DVD más tarde ese año. “Comenzaron a ponerle el título que siempre pensé que debería tener, que es Repetir vivir morir,» él dijo. Algo así como. El empaque del video casero de la película puso un énfasis aún mayor en ese eslogan en lugar del título real de la película, dando la impresión de que la película había cambiado de nombre. En algunos casos, los minoristas digitales como iTunes incluso promocionaron el lanzamiento como Live Die Repetir: Al filo del mañana.

La caja de los discos físicos tenía las palabras “Live Die Repeat” en letras grandes en la portada, con “Cruise/Blunt/Edge Of Tomorrow” juntos en una sola línea en la parte inferior de la obra de arte. Y así es como La era de El Mañana estuvo en los estantes de las tiendas durante los siguientes ocho años y hasta 2022, cuando la película se estrenó en 4K UHD con su título original restaurado en la parte superior de la portada (aunque “Live Die Repeat” aparece en gran medida en el fondo).

Kelly Rowland dejó la tripulación de HOY luchando el 15 de febrero, cuando la ex miembro de Destiny’s Child abandonó el programa matutino por presunto descontento con su camerino. La actriz ha sido acusada de exhibir un comportamiento de diva al eludir el compromiso, ya que estaba programada para ser copresentadora. HOYSon las 10 am con Hoda Kotb en lugar de Jenna Bush Hager, pero el padre de Beyoncé rechazó esa descripción de Rowland, llamándola «un amor».

Mathew Knowles, el padre de Beyoncé y Solange, era el manager de Destiny’s Child, por lo que conoce a Kelly Rowland desde antes de que fuera famosa, y se sintió obligado a defender la Freddy contra Jason actriz siguiendo el Hoy consecuencias, contar TMZ:

Kelly es un amor. Kelly vivía con nosotros, veo a Kelly como a mi hija. Y no sé qué pasó pero puedo decirte una cosa: ella no es una diva; ella es un amor. Eso es todo lo que sé.

En el libro «The Twilight Zone Companion» de Marc Scott Zicree, la esposa de Serling, Carol, reveló que vendió los derechos a CBS poco después de que la serie saliera del aire porque la cadena afirmó que nunca recuperarían los costos de la serie, lo que «a menudo se pasó del presupuesto.» Ella señala que debido a la sindicación, CBS terminó recuperando los costos «muchas, muchas veces» – y si Serling hubiera conservado sus derechos, presumiblemente habría compartido esa eventual ganancia monetaria inesperada. Pero la razón más importante por la que Serling odiaba ver el programa distribuido era que a menudo se hacían cortes significativos que a veces podían hacer que la historia fuera imposible de entender. A veces los cortes se debían al contenido, pero con mayor frecuencia se hacían para agregar más tiempo comercial, ya que el número de pausas comerciales aumentó con los años. Cuando Serling vio el episodio de la temporada 1 «Walking Distance» en una estación de televisión local, dijo:

«No reconocerías qué serie era. Se eliminaron escenas completas. Parecía un comercial largo y prolongado, separado por momentos fragmentarios de drama confuso».

La frustración de Serling era comprensible, ya que las estaciones locales a menudo cortaban los programas por tiempo, lo que significa que hay una multitud de versiones diferentes de los episodios de «The Twilight Zone». Lamentablemente, parece que la historia se repetirá a medida que los nuevos medios adopten lentamente los viejos modelos de medios nuevamente y los streamers comiencen a buscar transmitir sus programas en sindicación, ya que muchos de esos programas no fueron cortados para comerciales. Claro, será bueno que las nuevas audiencias tengan la oportunidad de ver ciertas series, pero esto conlleva la pérdida de escenas potencialmente importantes.

Plummer era un actor prometedor a principios de la década de 1960 cuando Robert Wise lo eligió como el patriarca de la familia cantante que escapó de la Austria gobernada por los nazis durante la Segunda Guerra Mundial. Aunque la película realmente pertenece a Julie Andrews (una estrella recién creada después de ganar el Oscar a la Mejor Actriz en 1964 por «Mary Poppins»), Plummer generó suficiente química romántica con su coprotagonista como para dejar a los cinéfilos desmayados. Y así, aunque The New York Times consideró «horrible» la actuación de Plummer, «The Sound of Music» se convirtió en un gran éxito de taquilla.

No ayudó que a Plummer no le gustara el material en primer lugar y se comportara cascarrabias durante todo el rodaje. Como le dijo al Boston Globe en 2010:

«Estaba un poco aburrido con el personaje. Aunque trabajamos lo suficiente para hacerlo interesante, fue un poco como azotar a un caballo muerto. Y el tema no es mío. Quiero decir, no puede atraer a todas las personas en el mundo. No es mi taza de té.»

A esa taza de té se le añadió un poco de leche muy cuajada a medida que pasaban los años. Llegó a llamar a la película «El sonido del moco» y, cuando The Hollywood Reporter le preguntó una vez sobre su disgusto por ella, dijo: «Porque era tan horrible, sentimental y pegajosa. Había que trabajar terriblemente duro para intentarlo». Infundirle un poco de humor.»

Claramente, si Plummer tuviera que hacerlo de nuevo, habría hecho todo lo que estuviera a su alcance para evitar «El sonido de la música» (que inicialmente tomó como entrenamiento para su interpretación musical en «Cyrano»). Pero si bien podía estar terriblemente de mal humor con la película que lo convirtió en estrella, sus protestas fueron miniactuaciones en sí mismas. Además, finalmente suavizó su visión de la película.

En el artículo de Entertainment Weekly, Burton explicó:

«Odiamos nuestros trajes espaciales. No tenían bolsillos. Por mucho que lo llamen tela elástica, el spandex en esa configuración no da mucho. No escondía nada».

Burton está lejos de ser el único miembro del elenco de «Next Gen» que comenta sobre la comodidad de los uniformes de la Flota Estelar, como Patrick Stewart, quien interpreta al Capitán Jean-Luc Picard, escribió sobre lo incómodos y ridículos que eran los uniformes en sus memorias, «Make It Entonces.» Dijo que los trajes, diseñados por el vestuario de la serie original William Ware Theiss, fueron cortados intencionalmente «de una talla demasiado pequeña para que nunca se arrugaran y mantuvieran nuestros cuerpos en exhibición constante». El creador de la serie, Gene Roddenberry, era conocido por lo que Stewart llama «pastel de queso», es decir, le encantaba poner a sus estrellas en una especie de exhibición lasciva. «Star Trek» siempre ha sido bastante cachonda y el vestuario lo refleja. Pero si bien los uniformes de la Flota Estelar probablemente eran muy incómodos y ciertamente reveladores, no eran nada comparados con algunos de los otros conjuntos de la serie, especialmente los que usaban las mujeres.