Convertirse en un político de alto nivel antes de cumplir 40 años ya no es raro en Francia desde la elección de Emmanuel Macron. Jordan Bardella también lo consiguió, y en condiciones difíciles. Ni los vínculos familiares ni una red universitaria han contribuido a que el joven de 28 años sea el oponente más peligroso del primer ministro Gabriel Attal, que además tiene sólo 35 años.

Su mayor valedor afirma haber reconocido hace años su extraordinario talento político. Cuando era adolescente pidió una cita con Marine Le Pen, a quien admiraba y para cuyo partido distribuía folletos en los suburbios de París. El encuentro fue el comienzo de una relación cada vez más estrecha.

Bardella estaba comprometido con el partido nacionalista de derecha, que entonces se llamaba Frente Nacional, hasta tal punto que nunca aprendió una profesión, y mucho menos la practicó. Pero Marine Le Pen lo recompensó: a los 23 años era miembro del Parlamento Europeo y poco después lo nombró su diputado. Antes Durante un año y medio ella le cedió el puesto al frente del partido, que hasta entonces sólo había sido regentado por la familia.

Un “segundo” – con reaseguro

Además de su talento, Le Pen reconoció que Bardella era adecuado para ampliar la base de votantes de RN: por un lado entre los votantes más jóvenes, por otro lado en el entorno de la clase trabajadora, posiblemente incluso entre los trabajadores de origen inmigrante. La personalidad de Bardella está predestinada a ello: tres de sus cuatro abuelos llegaron a Francia desde Italia.

Jordan creció con su madre soltera, nacida en Italia, en el famoso departamento de Seine-Saint-Denis, al noreste de París. Dice conocer por experiencia propia los problemas de los suburbios y de sus habitantes. La causa de sus quejas es la inmigración incontrolada de personas que no quieren integrarse, a diferencia de sus abuelos. Su madre, que trabajaba como profesora asistente en una guardería, a menudo tenía dificultades para cubrir los gastos mensuales. Eso significa: Bardella sabe cómo vive el precariado.

El hecho de que su padre consiguiera una riqueza considerable como empresario y permitiera a su hijo viajar a Estados Unidos, adquirir su primer coche y vivir en una zona mejor sólo se puede leer en las biografías. Hoy en día, el niño de la banlieue viste trajes que le quedan perfectos. Con su peinado siempre cuidado, su amplia sonrisa y sus modales educados, muchos lo ven como el yerno ideal, o incluso como un ídolo.

Bardella también se ha convertido en una estrella de Tiktok. No se acerca al presidente, pero tiene más seguidores que Marine Le Pen y Gabriel Attal. Cualquiera que quisiera conocerlo podría aceptar su invitación a una discoteca de París en enero. Allí no dedicó mucho tiempo al programa político, pero posó de buena gana para selfies. El Encuesta demuestran que cada vez a más franceses les gusta Bardella.

En la correa corta de Le Pen

Las elecciones europeas también demuestran que la estrategia de Le Pen está funcionando. Con Bardella como principal candidato, los nacionalistas de derecha lideran las encuestas desde hace semanas con tanta claridad que su triunfo se considera seguro. Sobre todo porque Bardella también domina con confianza la campaña electoral. La semana pasada se batió en duelo con Gabriel Attal en el horario de máxima audiencia de la televisión nacional.

La reunión fue criticada porque el propio Attal no se presentaba a las elecciones europeas y los demás candidatos no habían sido invitados. Se supone que el bando gubernamental presionó por este formato para desacreditar a los nacionalistas.

Pero el plan no funcionó. En la encuesta del día siguiente, una clara mayoría encontró que Bardella lo hizo mejor que Attal. Ambos cometieron errores en términos de contenido. Bardella estaba a menudo a la defensiva, pero parecía más tranquilo y sereno. Y fue más educado, por ejemplo cuando le pidió a Attal que “por favor permanezca elegante”, pues él era el jefe de gobierno.

Bardella se ha convertido en la estrella fugaz de la RN. ¿Está también marcando nuevas tendencias en el partido? En términos de contenido, apenas se diferencia de Marine Le Pen. En sus apariciones públicas, habla con frases que bien podrían salir de su boca: que la inmigración -una ideología supuestamente promovida por la élite- es una amenaza existencial para el pozo. -ser de los franceses. Que los poderes de la UE deberían ser recortados porque disuelven la soberanía de los estados, o que la actitud de Macron hacia Rusia está intensificando el conflicto.

Ni siquiera el equipo de investigación de la cadena pública pudo encontrar un verdadero escándalo en su biografía. Bardella niega estar detrás de una cuenta X anónima en la que difunde contenidos racistas. Sin embargo, los miembros de RN confirman que Le Pen todavía está al mando del partido y que Bardella simplemente está absorbiendo sus posiciones como una esponja. Lee poco, sigue poco las noticias y apenas tiene perfil propio.

Es necesario corregir los errores

Marine Le Pen contradice esta imagen de su alumna. Es muy directo y definitivamente tiene sus propias opiniones. Sin embargo, sólo se le permite expresarlas públicamente si se ajustan al concepto del jefe. Consentimiento al matrimonio para todos o legalización parcial del cannabis: no hay problema.

Las cosas se vuelven más difíciles cuando Bardella duda públicamente de que el padre Le Pen sea antisemita, a pesar de que ha sido condenado por ello varias veces. Poco después, Bardella calificó su afirmación de “torpeza”. Porque era una molestia para Marine Le Pen, que lleva años trabajando para deshacerse de la imagen de su partido como un grupo antisemita, racista y malhablado verbalmente.

Bardella es el estribo ideal para el cuarto intento de Le Pen de ganar la presidencia. Abre nuevos segmentos de votantes y encarna una ruptura con el pasado. Y aunque encabeza el partido, respeta el orden jerárquico interno. Hasta ahora ha dominado su tarea de manera brillante.

Lo que necesitas saber

• Más de 200 artistas radicados en el Reino Unido firmaron recientemente una carta internacional abierta para ayudar a protegerlos del uso indebido depredador de la IA para robar sus obras.
• Los legisladores del Reino Unido redactaron un nuevo informe que se hace eco de sentimientos similares y quieren implementar una nueva ley que proteja a los artistas de las falsificaciones, la apropiación indebida y el respaldo falso de la IA.
• La famosa cantante británica FKA Twigs reveló que usó inteligencia artificial para generar un deepfake de sí misma diseñado para interactuar con sus fans y periodistas mientras trabaja en su música.

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Es bastante sorprendente lo que se puede lograr aprovechando las capacidades de la IA, desde generando diseños estructurales sofisticados hasta casi dejar obsoletos los trabajos de arquitectura ‘reencarnar’ a un rapero fallecido para aparecer en una canción.

Si bien la tecnología es bastante impresionante, ha provocado un debate controvertido en las plataformas de redes sociales sobre su privacidad y seguridad. Las ofertas mejoradas de ChatGPT de Microsoft Copilot y OpenAI continúan mejorando con nuevas funciones y actualizaciones. Rumores que llegan al molino de viento que indican GPT-5 será «realmente bueno, materialmente mejor».

Imagina una escuela suiza de lucha libre así: en el quinto piso de un viejo edificio industrial, hacinado entre asientos de avión desechados, motocicletas polvorientas y una pared hecha de cajas de cartón, hay un ring.

Hace 30 grados afuera y no hay aire acondicionado. Dos luchadores corren de un lado a otro en el cuadrilátero, dejando que sus cuerpos sudorosos caigan en el alambre de acero, sin los gemidos del tenis, y tratando de no dispararse mientras se cruzan.

Rorbas es un bastión de la lucha libre. Pero eso no lo notas cuando estás en Rorbas: casas unifamiliares, iglesia, Volg. Aquí viven 3000 personas, se tarda 30 minutos en coche hasta Zúrich. A pocos metros del Töss se encuentra la Wrestling Academy Rorbas (abreviatura «WAR»), que desde el exterior pasa totalmente desapercibida. Es la única escuela de lucha en la Suiza de habla alemana. Quince hombres y mujeres entrenan aquí regularmente. Los espectáculos se realizan cinco o seis veces al año y atraen hasta un centenar de espectadores.

La lucha libre es un deporte de lucha que es popular en los Estados Unidos, México y Japón. El objetivo no es ganar, sino entretener a los espectadores de la mejor manera posible. Normalmente uno de los luchadores encarna el bueno (cara) y el otro el malo (talón). Ambos deben desempeñar el papel que se les ha asignado de la forma más creíble posible y despertar fuertes sentimientos en la audiencia.

En consecuencia, la apariencia segura de sí mismo y las habilidades de actuación son tan importantes en la lucha libre como la forma física y la técnica. Los principiantes entrenan en Rorbas los lunes. En esta tarde de junio hay seis hombres y una mujer. Los luchadores viajan desde toda la Suiza de habla alemana: desde Berna hasta Schaffhausen.

En primer lugar, se ejecuta una publicación en el programa. Mientras dos luchadores corren de un lado a otro en el ring, otros dos suben y bajan las escaleras. Cuatro veces cinco pisos. Junto a una caja de helados, Thomas Heri está apoyado contra la pared con las rodillas dobladas. El sudor gotea de su rostro. Heri no solo dirige el entrenamiento ese día, fundó la escuela de lucha libre.

Thomas Heri alias Mariscal T

Hace 21 años, Thomas Heri subió al ring por primera vez. Su maestro fue el exitoso luchador suizo Claudio Castagnoli (Cesaro), quien se hizo profesional en USA. El personaje de Heri, Marshal T, es un oficial de policía. El personaje surgió porque inicialmente luchó contra banqueros corruptos y quería representar un contrapunto. «Ya sea como un rudo o como un rostro, la audiencia siempre reacciona emocionalmente a la policía». Cuatro años después de su debut fundó la Academia de Lucha Libre Rorbas, donde también actúa como entrenador. Heri tiene 49 años, reclutadora, concejala y orgullosa de la Academia: «Esta es mi bebé». Lleva once años viviendo en un pueblo cerca de Thun y siempre soporta un viaje de cuatro horas para entrenar.

Golpea, duele

Thomas Heri se pasea por el pasillo: «Siempre mantén la espalda recta cuando saltes las cuerdas», les dice a los luchadores en el ring. Un hombre agradable, pero también con principios: «Cuando yo hablo, tú escuchas». De lo contrario, será peligroso. El riesgo de lesionarse en la lucha libre es mayor que en otros deportes. La técnica y la coordinación son aún más importantes. «Los músculos también reducen el riesgo de lesiones», dice.

Caer correctamente es fundamental. Bajo la dirección del entrenador, todos se paran en una línea. Luego, uno tras otro salta en el aire, solo para golpear el piso del ring con toda su fuerza. Primero en la espalda, golpea fuerte y duele un poco, pero al menos no ves el suelo viniendo hacia ti. Según Heri, exhalar es lo mejor. O no respirar en absoluto. Saltar sobre tu estómago requiere más coraje. Haces un «Ränzler» sin agua.

Siguen los giros de alta cadencia: primero hacia adelante, luego hacia atrás. Algunos luchadores saltan de la cuerda floja. El entrenador asegura que es completamente normal marearse.

Sanja Baur es la única mujer en la sala. Su padre Sascha, también en el lugar, da entrenamiento en la academia de lucha libre, como Heri. Aquí no hay diferencia entre mujeres y hombres. Todos hacen de todo, nadie se salva. Las competiciones son mayoritariamente mixtas.

Sanja Baur alias WARChild Saga

Cuando Sanja Baur luchó por primera vez, tenía 10 años. Es raro empezar tan temprano. El padre de Sanja, él mismo un luchador entusiasta, llevó a su hija con él a una edad temprana. Recientemente la joven de 17 años tuvo su primera aparición en el extranjero. En Alemania compitió contra el actual campeón suizo. Antes de la pelea siempre estaba nerviosa. «Pero tan pronto como estoy en el ring, el nerviosismo desaparece. Entonces ya no soy Sanja, sino WARChild Saga.» Tu carácter de luchador es «arrogante», «quitado» y «puta». Como heel, lo pasa mal por su edad, pero el «efecto Jö» va desapareciendo poco a poco. Cuando Sanja está teniendo un mal día, deja ir su ira. en la lucha libre heyafuera. La gente aquí se han convertido en una segunda familia.

Al final de la sesión en Rorbas, dos luchadores compiten entre sí en un combate de entrenamiento. Como espectador, rápidamente te das cuenta de quién es Face y quién es Heel. El tacón llama la atención con acciones desleales. Asfixia a su oponente. Todos aplauden al face y abuchean al heel. Gritos, gemidos, cuerpos de hombres volando por los aires. El entrenador Heri se sienta en una silla y dice: «Parece tan fácil, pero hay mucho trabajo detrás».

Cada programa cuenta una historia

Dos días después, Sascha Baur entrena a los avanzados. El aspecto deportivo es hoy secundario, todo gira en torno al espectáculo. Los luchadores se sientan en círculo, escuchando las palabras del entrenador: «En los espectáculos de lucha ya está claro para los participantes quién ganará y quién perderá. Todo está acordado. A veces más, a veces menos detallado».

Los espectáculos de lucha libre siempre se organizan de la misma manera. Cada programa cuenta una historia. Un equipo creativo de tres personas es responsable del llamado storyline en Rorbas. Lo que se necesita es un conflicto, una razón para luchar entre sí. Solo cuando se establece la historia se buscan los luchadores adecuados. Baur: «Hay historias entre luchadores que duran muchos años y que solo puedes entender si asistes regularmente a los espectáculos».

Como luchador, apegarse a la historia no siempre es fácil. Las emociones se disparan en la pelea, muchas cosas pueden salir mal y la reacción de la audiencia no está clara. En casos raros, puede suceder que te animen a pesar de que eres un rudo y luego tengas que cambiar de roles durante la pelea. Los luchadores experimentados pueden reaccionar espontáneamente ante los imprevistos. En el ring habláis entre vosotros, si es posible de forma que los espectadores no se den cuenta.

Es el acuerdo entre los luchadores y los promotores que todos los eventos mostrados en el ring serán representados como no jugados. Se habla de «kayfabe» cuando un acontecimiento forma parte de la trama, de «romper kayfabe» cuando uno se sale del personaje. Después del espectáculo, los conocedores discuten cómo deben evaluarse las acciones individuales.

La lucha libre es teatro, puesta en escena, ilusión. Los actores acuden regularmente a Rorbas para dar consejos. ¿Cómo se camina correctamente en el ring? ¿Cómo fortaleces la identificación con tu personaje? ¿Qué tipo de infancia tuvo el personaje interpretado? Como luchador, debes estar completamente inmerso en tu personaje, dice Baur. «Si no puedes hacer eso, puedes irte de inmediato».

Sascha Baur alias Skarin

En comparación con otros luchadores, Sascha Baur llegó tarde. No comenzó a luchar hasta los 31 años. En sus propias palabras, el “segundo saco más antiguo” de la Academia celebra este verano su 15 aniversario en la lucha libre. Antes de eso hizo judo y jiu-jitsu. Baur organiza los espectáculos y realiza entrenamientos avanzados. Si se sube al ring él mismo, lo hará. Skarin, que es ciego de un ojo. Baur dice: «Cuando mi hija Sanja me vio por primera vez, tuvo que llorar porque pensó que la lesión era real». Eso no ha estropeado su disfrute de la lucha libre. Cuando llevó a Sanja a entrenar a la edad de 10 años, Baur les dijo a sus críticos compañeros: «Asumo toda la responsabilidad».

Todo lo que hacen los luchadores, lo hacen por el público. Se trata de provocar a las personas, despertar la ira, jugar con las emociones: lástima, ira, emoción. Probablemente Baur haya hecho la siguiente comparación decenas de veces: “Somos los gladiadores de la modernidad”, dice. En Suiza es un desafío particular ganarse a los espectadores, ya que la mayoría de ellos no tienen idea de lucha libre. Los suizos también son más reservados por naturaleza. «Se necesita mucha cerveza antes de que pierdan sus inhibiciones».

Cuando sales como luchador, las reacciones son impredecibles. «O crees que es genial o apesta, no hay nada en el medio», dice Baur. La crítica de que la lucha libre glorifica la violencia no le atrae. Los juegos de disparos y las películas de acción también son populares, eso es parte de ello. En la lucha, puedes controlar esta «inclinación humana» y vivirla de forma lúdica, en lugar de negarla. Baur está convencido: «La violencia duerme en cada uno de nosotros».

Sigue una última pelea de la noche: Skarin vs. WARChild Saga. Sascha contra Sanja. padre contra hija. Sanja pone a su padre a través del escurridor, presiona su cabeza contra el cable. Sascha grita y al mismo tiempo da instrucciones: «Siempre mira a la audiencia y haz que parezca que estás sufriendo». Sanja llama: «Me siento abrumada». Su padre la anima: “¡Adelante! Aprovechas al máximo mi discapacidad». Entonces Sanja empuja a su padre al suelo hasta que se derrumba.

El editor Devolver Digital y el desarrollador Doinksoft han lanzado un nuevo tráiler de Gunbrella apodado «Multitool of the Trade».

El tráiler muestra el homónimo del juego, «Gunbrella», junto con sus entornos y enemigos. Los jugadores asumirán el papel de un leñador en busca de venganza, armado con un arma de fuego que también funciona como paraguas.

Aquí hay una descripción general del juego, a través de su página de Steam:

Acerca de

Gunbrella es una aventura de acción y punk noir ambientada en un mundo que depende de un recurso natural que disminuye rápidamente. Los jugadores asumen el papel de un brusco leñador en busca de venganza, armado con el misterioso Gunbrella: un arma de fuego que también funciona como paraguas. Su investigación se enreda con el funcionamiento interno de demonios y gánsteres, policías y listas de cortes, y las consecuencias de la explotación corporativa.

Características clave

• Participa en combates de acción de desplazamiento lateral con un enfoque en la maniobrabilidad y el juego de armas cuerpo a cuerpo. Su arma es también una herramienta de movimiento. Usa el paraguas para deslizarte, balancearte, correr y bucear.
• Interrogar y hablar con un elenco de personajes extraños. Lo que aprendes se registra en tu cuaderno de investigación.
• Administre sus recursos. Encuentre chatarra y repuestos para intercambiar por diferentes municiones y mejoras.
• Explore varios lugares, desde un pequeño pueblo amenazado por secuestros de culto, hasta un depósito de chatarra convertido en fortaleza gobernado por una pandilla de basura, y tal vez incluso la mítica ciudad de Avalon, donde se rumorea que todavía se puede ver el cielo.
• Descubre los misterios de lo sobrenatural a medida que espectros y monstruosidades se materializan en lugares donde se ha derramado sangre…

Gunbrella saldrá para Switch y PC a través de Steam en 2023.

Mira el tráiler a continuación.

Tráiler multiherramienta del oficio

La antigua tienda de C&A en la rue de Rivoli en París, que cerró en febrero, todavía no ha encontrado comprador. De las veinte tiendas Gap cerradas definitivamente en mayo, sólo quedan las modelos, desnudas, expuestas en el escaparate. Los 163 locales de la zapatería San Marina están en el mercado desde su liquidación en febrero. El que se encuentra en la rue du Commerce, una calle famosa en 15^mi distrito de París, todavía está vacío.

también escucha Camaïeu, San Marina, Kookaï… Desastre en prêt-à-porter

Desde la primavera se han multiplicado los procesos colectivos en torno a las cadenas de ropa. “El número de fallas está en el nivel anterior a Covid. Es decir, en total, todos los sectores juntos, 50.000 al año en Francia”explicar Frédéric Abitbol, ​​Delegado General del Consejo Nacional de Administradores Judiciales y Agentes Judiciales. Y el sector del comercio es el que presenta el mayor número de averías, según la Banque de France (+50%, en mayo, en un año, sabiendo que esta categoría incluye la reparación de automóviles).

La marca marsellesa Kaporal, en suspensión de pagos desde finales de marzo, debería conocer el nombre de su comprador durante una audiencia en el tribunal comercial de Marsella prevista para el martes 11 de julio: 434 empleados están esperando. Don’t Call Me Jennyfer, una marca con 220 tiendas que emplea a 1112 personas, fue puesta en suspensión de pagos el 21 de junio. Lo mismo para De lo mismo a lo mismo (DPAM, propiedad del grupo General para el niño), o 130 tiendas, 2.600 empleados. Su empresa hermana, Sergent Major, se encuentra en procedimiento de salvaguardia. El plan de recuperación previsto por su fundador, Paul Zemmour, prevé el cierre de 87 DPAM y 47 Sergent Major. Eso es el 25% de las sucursales del grupo.

Conceptos de envejecimiento

Los planes de salvaguarda del empleo (PSE) también están aumentando en número. El 23 de mayo, el grupo japonés Fast Retailing, conocido por sus 2.394 tiendas Uniqlo en todo el mundo, impone nuevas reducciones de costes a Comptoir des Cotonniers y Princesse Tam-Tam, dos cadenas francesas adquiridas en 2005, ante el envejecimiento de sus conceptos nacidos antes de la llegada de comercio electrónico Tendrán que cerrar 55 puntos de venta.

Ya, en 2021, el primero había recortado 74, y el segundo, 26. Entonces desaparecieron más de 200 puestos de trabajo. Esta vez quedan en el camino 304 posiciones, incluidas 185 en puntos de venta. En Pimkie, otra figura de los 2000, se validó un PSE el 5 de julio. Se trata de 250 puestos, durante el cierre de 63 tiendas, para 2027.

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Para Nat Fuller, editor de Netflix Carne de resuna de las escenas más desafiantes de la serie para editar también fue una de las «más fuertes», siendo el desglose de la iglesia del Episodio 3 de Danny de Steven Yeun.

Mientras la banda de la iglesia toca en la pieza titulada «I Am Inhabited by a Cry», su contratista emocionalmente volátil que lucha por cambiar la mala suerte profesional se rompe. hace de hecho, rompió a llorar y encontró catarsis al cantar la canción «O Come to the Altar» del colectivo de música de adoración Elevation Worship en un momento crítico de su vida.

“Ese fue uno en particular en el que sé que había una visión muy clara de lo que queríamos que fuera, y la acumulación de hacerlo llorar de esa manera fue un poco desafiante, solo porque no había palabras”, recuerda Fuller. en la edición de hoy de la serie de videos artesanales de Deadline, The Process. “Fue todo emoción; todo fue Steven pasando por este proceso internamente. Por lo tanto, lograr ese equilibrio de darse cuenta de que él está en la iglesia y está comenzando a sentir estas emociones, y lograr que eso se desarrolle correctamente fue un desafío”.

Al final, Fuller comparte: “Creo que definitivamente es una de las escenas más fuertes y emotivas. y Steven hizo un gran trabajo… La forma en que se unió al final fue muy, muy emotiva y muy satisfactoria de ver, y creo que mucha gente está resonando con esa escena en particular».

También elogiando la actuación de Yeun en ese momento, en una conversación con el editor, está Jake Schreier, uno de los directores y productores ejecutivos contratados para ayudar a organizar este «espectáculo muy extenso y complicado» de su viejo amigo Lee Sung Jin, a quien se refiere. con el nombre Sonny.

“Era algo interesante en el que lo que siempre había querido para eso era simplemente estar en Steven y ni siquiera hacer que la cámara empujara, para que no se sintiera apretado en el momento, sino para aferrarme a él y ver este desglose. en una sola toma, muy simple, sin locuras”, dice Schreier. “Pero luego encendimos la cámara y simplemente no sucedió. Steven había sentido que la iglesia era una experiencia tan mágica, y estaba emocionado de hacerlo, pero había una cosa en la que estaba esa canción que estaba escuchando, y [there was] algo sobre no tener gente cantando al principio, y que sea así más nuevo versión de la canción, cuando en realidad la versión original de Elevation Worship de la canción siempre es parte de lo que lo haría llorar”.

Después de tomarse un descanso de filmar esta escena para reflexionar sobre lo que estaba saliendo mal, la producción se reanudó con la versión de la canción de Elevation Worship. Pero esta versión tocada en el set para Yeun, recuerda Schreier, «tiene un ritmo ligeramente diferente y, creo, clave» que la que había sido arreglada previamente para el espectáculo por el pastor de Los Ángeles Jason Min y su banda «maravillosa». que se tocó en vivo en el set. “Entonces, en la publicación, tenemos esta increíble actuación, pero muy sutilmente se alinea de manera diferente, en cuanto al tempo, [from] lo que la banda realmente está tocando”, explica el director-EP. “Entonces, cortando eso, te recuerdo a ti, a mí y a Sonny, fue un proceso muy delicado de preservar la mejor actuación con algo que realmente interviniera en esa escena”.

Debutando en Netflix con gran éxito de crítica el 6 de abril de Carne de res observa cómo el personaje de Yeun se involucra en un altercado de ira al volante con la dueña de una pequeña empresa Amy Lau (Ali Wong), una pequeña disputa que tiene lugar en un momento difícil en la vida de ambos, lo que lleva a consecuencias cada vez más graves para ambos a medida que consume sus vidas. ninguno dispuesto a ceder en su búsqueda de venganza.

Fuller se sintió atraído por el drama de comedia oscura dada su inclinación por los «buenos estudios de personajes» y la idea aquí de trabajar con personajes «a los que estás apoyando» en un momento que puede convertirse en un centavo y hacer algunas cosas «despreciables».

Parte del desafío gratificante para el editor en su trabajo en la serie fue la oportunidad que se le presentó de pensar a través del «lenguaje cinematográfico» de nuevas maneras. “Creo, en particular, que la experiencia que tú y Sonny tienen… aprendí mucho al escucharlos discutir… cómo abordaron las cosas, y cambió un poco la forma en que abordé el corte debido a la importancia de tener todo en orden. este lenguaje cinematográfico apretado que muchas personas probablemente no noten necesariamente cuando están mirando, lo cual es algo bueno”, dice Fuller. “No quieres que sean conscientes de esas opciones. Pero cuán limpia y sin obstrucciones fue la forma en que me hizo construir las ediciones, [was] algo que realmente disfruté, y me hizo repensar cómo enfoco las cosas”.

Fuller continúa diciendo que eran cosas como hacer coincidir las líneas de los ojos que llegaría a abordar de manera ligeramente diferente, o con más enfoque. “A veces, como editor, dices: ‘Rendimiento, rendimiento, rendimiento’, lo cual siempre hacemos”, comenta. “Pero prestando atención a la forma en que [the scene is] ser construido narrativa o estructuralmente también tiene sus propios méritos como una experiencia placentera para el espectador”.

Schreier también amplió su oficio, quien sacó un nuevo truco para hablar visualmente de la vida interior de los personajes de Jin. “Estaba tan claro en los guiones que esta era una historia sobre estas dos personas que realmente no sentían que encajaran en su entorno, y solo cuando se conectaron entre sí cobraron vida, para bien y muy bien. a menudo, para mucho, mucho peor. Entonces, cómo hacer cumplir esa idea de la perspectiva del personaje en la cámara, algo que hicimos mucho en el programa fue esta idea que quería probar con una cobertura desequilibrada”, comparte. “Tradicionalmente, en una escena de plano-plano inverso, igualarás la distancia focal porque es lo más simple y agradable a la vista, para ver tamaños y fotogramas coincidentes cuando pasas de un plano a otro. Y casi nunca hicimos eso en Carne de res. Siempre estaríamos en una lente un poco más amplia, más cerca de Amy, más cerca de Danny, y luego con quien sea que estuvieran en una conversación, en una lente un poco más larga, más lejos de esa persona”.

Schreier señala que optó por «una versión bastante extrema de ese [idea], que funciona” al comienzo de la temporada antes de retroceder un poco en episodios posteriores. «Especialmente a medida que los episodios se hacen más tarde y quieres sumergirte un poco más, hicimos una especie de versión más sutil de eso», dice. “Entonces, creo que llegar a resolver eso, porque era algo que quería probar durante mucho tiempo, y ver que realmente funcionaba y funcionaba, y luego incluso modularlo un poco a medida que avanzaba la temporada. adelante, eso fue realmente gratificante y divertido de probar”.

La otra gran recompensa de trabajar en Carne de res, para Schreier, fue poder servir como un «traductor» en el set para la visión de Jin, un viejo amigo que aquí estaba presentando un trabajo con una voz propia. “Creo que lo que fue tan gratificante de Carne de res es que es mucho el show de Sonny. Estoy tan orgulloso de él por un trabajo tan personal como para conectarse con tanta gente”, dice. “Al mismo tiempo, probablemente me siento tan orgulloso de Carne de res como hago con casi todo lo que he hecho, [even though] no es mío.'»

En conversación con Schreier, quien volverá a formar equipo con Carne de res‘s Jin y Yeun como director de la próxima película de Marvel rayosFuller habla sobre cómo comenzó a editar después de estudiar biología en la universidad, sus primeras experiencias profesionales trabajando en el mundo publicitario de San Francisco, su primera entrevista para Carne de res with Jin, que reveló la «buena visión común» que tenían para el programa, la primera escena que cortó para la serie, su experiencia con el crossboarding del programa y la creciente prevalencia de este método de armar tomas post-Covid, su objetivo de continuar trabajando en historias que son «emocionalmente conmovedoras y bellamente contadas», la división dentro de la comunidad de edición sobre el uso de herramientas y trucos de edición modernos que permiten un nuevo nivel de ajuste fino del rendimiento y el ritmo, y los activos únicos de El enfoque de Schreier para planificar sus sesiones.

Schreier habla por su parte de editarse a sí mismo en los videos musicales que ha dirigido, los desafíos que vienen con el cruce de tableros, siendo un autodenominado «loco por la continuidad de la línea de visión y la pantalla», su «extraña carrera» moviéndose entre el cine, la televisión, los videos musicales y comerciales, claves para una colaboración exitosa entre un director y un editor, la «perspectiva sólida» que busca aportar a su trabajo, con el objetivo de ser respetuoso pero aditivo como director en televisión, donde el showrunner es el líder creativo, por qué Carne de res fue «el buen tipo de duro», su episodio favorito de la serie y sus aspiraciones en el futuro.

Vea la conversación completa de Fuller con Schreier arriba.

Guionistas de televisión y cine, en huelga por la «crisis existencial» de una fábrica de sueños de Hollywood que maltrata al origen de sus historias, están hartos de ver precaria su profesión en la era del streaming.

«Lo que los estudios están tratando de hacer es básicamente convertir nuestro trabajo en un concierto y hacer que sea imposible que los escritores tengan una carrera», dijo Sarah Fischer, en el piquete del miércoles frente al importante estudio Warner Bros.

Después de 10 años trabajando como asistente en series importantes como «Agents of SHIELD» de Marvel, el escritor de 30 años fue admitido recientemente en el Writers Guild of America (WGA).

El poderoso sindicato representa a 11.500 guionistas y ordenó una huelga esta semana después de que colapsaron las conversaciones con los estudios de Hollywood y los servicios de transmisión sobre mejores salarios y condiciones.

A pesar de la codiciada membresía de Fischer en el grupo de élite, ha estado buscando trabajo desde noviembre y sobrevive con ahorros que «están disminuyendo rápidamente».

Su caso está lejos de ser único.

El modelo de larga data de la televisión en red, en el que los escritores serían contratados durante meses para trabajar en temporadas compuestas de 20 o más episodios, ha sido interrumpido por gigantes de la transmisión como Netflix.

Hoy en día, las temporadas encargadas por las plataformas de transmisión pueden tener tan solo seis episodios, a menudo todos escritos antes de que comience la filmación.

Como resultado, el trabajo es más raro, los equipos de redacción son más pequeños y obtener la valiosa experiencia en el set necesaria para ascender en los rangos es un desafío aún mayor.

«Tengo amigos en este momento que han salido de programas exitosos y que literalmente conducen Uber, pasean perros y compran Instacart, solo para llegar a fin de mes», dijo Fischer.

– ‘Pedazo de pizza’ –

La escritura de guiones como profesión siempre ha tenido que lidiar con la naturaleza intermitente de las producciones de Hollywood.

Pero hoy, «ya no es una carrera sostenible», dijo Brittani Nichols, de 34 años.

Como escritor de la exitosa serie de televisión de ABC «Abbott Elementary», Nichols señaló que la industria está experimentando una fuerte caída en lo que se paga en «residuales», las regalías que los estudios pagan a los escritores por las reposiciones de su trabajo.

La historia continúa

Si bien estos pueden ser muy altos para programas exitosos en la televisión tradicional impulsada por publicidad, a menudo son mucho más bajos en los servicios de transmisión, incluso cuando el programa es popular, ya que las plataformas como Netflix no comparten cifras detalladas de visualización.

Los residuos tradicionalmente proporcionaron un colchón financiero para los escritores durante los períodos en que no estaban trabajando. Pero hoy, incluso después de una década en el negocio, los sobres verdes que recibe por transmitir residuos son insignificantes.

«No es casi nada. Tal vez pueda ir a comprar una porción de pizza», dijo.

Antes de encontrar el oro con «Abbott Elementary», Nichols solía vivir «cheque en cheque, mes a mes, sin apenas poder pagar mi alquiler» de $3900 por un apartamento de dos habitaciones en Los Ángeles, donde la vivienda es exorbitantemente cara.

«Todos los programas que estaba escribiendo eran de seis semanas, ocho semanas, 10 semanas. Y eso no es suficiente dinero para sostener un año entero viviendo en Los Ángeles», dijo.

El salario mínimo para un «escritor del personal», el rango sindical más bajo, es de $4,500 a la semana. Pero muchos escritores entrevistados por AFP no encuentran más que unas pocas semanas de trabajo al año.

Y todos señalaron los costos ocultos de su profesión. Después de que sus agentes, gerentes, abogados y el recaudador de impuestos hayan tomado parte, la mitad del dinero se ha ido.

– La tecnología revoluciona Hollywood –

En la era del streaming, casi la mitad de los escritores de televisión reciben solo el salario mínimo exigido por el sindicato, en comparación con solo un tercio en 2014.

Esto significa que incluso los escritores con mucha experiencia están sintiendo la presión financiera.

Algunos, como Adam Pava, dicen que Hollywood ha sido contaminado por la cultura y las prácticas comerciales de Silicon Valley, hogar de Uber y Netflix.

En negociaciones recientes con un estudio para el que había trabajado anteriormente, al hombre de 48 años se le ofreció una cifra de 150.000 dólares por debajo de la cantidad que recibió por su última película.

La regla no escrita de Tinseltown de que la paga de un escritor no retrocederá con el tiempo parece que ya no existe.

“Los ejecutivos están haciendo las cosas de una manera mucho más inspirada en las tradiciones del mundo de la tecnología, a diferencia del viejo mundo de Hollywood”, dijo.

«Todo está mucho más basado en conciertos. Se basa en ahorrar dinero de todas las formas posibles, y es mucho menos amigable para los artistas».

«Los estudios solían ser para hacer grandes películas. Ahora se trata de apaciguar a los accionistas».

Los escritores están furiosos con los jefes de los estudios que, culpando a la presión de Wall Street para perseguir ganancias cada vez mayores, están eliminando trabajos, como los 7,000 que se están sacrificando en Disney.

«Este es un momento difícil en la ciudad… pero todo es producto de la avaricia corporativa», dijo Danielle Sanchez-Witzel.

«Si recibimos todo lo que pedimos, es menos del dos por ciento de las ganancias que obtienen de estos programas de televisión y las películas que creamos para ellos».

Ella agregó: «Solo estamos buscando nuestra parte de lo que creamos».

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Se trata del ritmo, el ritmo, el ritmo, alguien señaló alguna vez sobre el rock ‘n roll. Otros dicen que todo comienza con una canción.

La verdad de esas declaraciones probablemente se revelará el lunes, ya que el Salón de la Fama de los Compositores celebrará el Oscar de este año. -compositores nominados con un evento virtual de estrellas, «Una conversación con los compositores nominados al Oscar 2023 a la Mejor Canción Original», que se presentará el 13 de febrero a las 9 a.m., hora del Pacífico.

El evento virtual es gratuito para el público y se requiere inscripción previa a través de Eventbrite. También estará disponible para ver por tiempo limitado en el sitio web del Salón de la Fama de los Compositores, songhall.org, a partir del lunes.

El séptimo programa anual del Salón de la Fama de los Compositores destaca a los principales compositores que están nominados para un Premio de la Academia en la categoría de Mejor Canción Original. El evento es coanfitrión y moderado por los miembros del Salón de la Fama de los Compositores Nile Rodgers, quien actualmente se desempeña como Presidente del Salón de la Fama de los Compositores, y Paul Williams, ganador del Premio de la Academia de 1977 a la Mejor Canción Original por «Evergreen».

Compositores del panel: Chandrabose, coautor de “Naatu Naatu” de RRR; Ludwig Göransson, coguionista de “Lift Me Up” de Pantera Negra: Wakanda para siempre; Ryan Lott y David Byrne, coguionistas de “This is a Life” de Todo en todas partes, todo a la vez; y la miembro del SHOF Diane Warren, escritora de «Applause» de Dilo como una mujer.

Cartwright, quien en estos días también brinda docenas de voces para programas como «Rugrats» y «Animaniacs», creció en Ohio, que resultó ser el estado natal de la estrella de doblaje Daws Butler. El hombre detrás de una gran cantidad de personajes de dibujos animados clásicos, desde Huckleberry Hound hasta Yogi Bear y Quick-Draw Mcgraw, Butler fue algo así como un héroe para Cartwright, quien, en 1977 a la edad de 20 años, trabajaba en una estación de radio en Dayton, Ohio. Como explicó en un breve clip, fue allí donde encontró la información de contacto de Butler y se acercó, solo para descubrir que el famoso actor de doblaje estaba más que dispuesto a ser su mentor.

Durante un año, la pareja intercambió casetes, con Butler enviándole los guiones de su nueva protegida y brindándole comentarios sobre sus actuaciones hasta que finalmente se mudó a Los Ángeles, donde vivía su mentor. La actriz recuerda sus primeros años en la ciudad en su sitio web:

«Los domingos, tomaba el autobús número 86 a Beverly Hills para trabajar con Daws. Él y yo íbamos a hacer una lección de una hora, trabajando con su propio material: leyendo, cambiando, ajustando, trabajando con el micrófono, editando. simplemente pasando un buen rato».

Esa reunión duraría mucho más de una hora y sería el comienzo de una práctica continua que continuó durante algún tiempo antes de que Butler comenzara a llevar a Cartwright a las sesiones de grabación en Hanna-Barbera. Con el tiempo, Cartwright comenzaría a hacer audiciones y finalmente consiguió su primer papel como Gloria en la serie animada «Richie Rich». Pasaría algún tiempo antes de que fuera a leer para Bart, pero gracias a Butler, quien falleció en 1988, el año anterior al debut de «Los Simpson», estaba bien preparada cuando finalmente se reunió con Groening y compañía.

El segundo FYC Fest anual de Variety: The Shortlist inauguró la votación de los Oscar este jueves 12 de enero. El evento virtual contó con 13 paneles con los principales cineastas y artesanos contendientes que fueron preseleccionados por la Academia en el documental, el cine internacional, la canción, el cabello y categorías de maquillaje, cortometraje animado, cortometraje de acción en vivo y efectos visuales, incluidos los creadores de «Wakanda Forever», «Avatar: The Way of Water», «Spirited» y mucho más.

A continuación, reunimos todas las conversaciones con los preseleccionados para su consideración.

Canción original: ‘My Mind & Me’, Selena Gomez (Coguionista)

Selena Gomez sabía que quería crear una canción original para complementar su documental de Apple TV+ «My Mind & Me», y optó por compartir sus diarios con un grupo muy unido de colaboradores para darle vida a la canción. “Ni siquiera teníamos un nombre para el documental…. la canción es definitivamente de donde vino todo”, comentó Gómez. Con respecto a la canción homónima, Gómez sintió que gran parte de su éxito personal se ha relacionado con la realidad y la vulnerabilidad extraída de los momentos difíciles de su vida, con la esperanza de que esas canciones se conecten y resuenen con los demás: «Encuentro más alegría en ser vulnerable».

Canción original y partitura: ‘Guillermo del Toro’s Pinocchio’, Alexandre Desplat (Compositor)

El compositor Alexandre Desplat habló sobre trabajar con Guillermo del Toro y dar vida a su visión musicalmente, comenzando cuando ambos trabajaban en Dreamworks Animation. Al crear la canción “Ciao Papa”, el compositor Desplat colaboró ​​con Del Toro y Roeben Katz para crear letras en las que el público pueda identificarse tanto con Pinocho como con el creador de marionetas Geppetto. “Está la aprensión y la alegría al mismo tiempo que vas a descubrir un mundo nuevo. Pero al mismo tiempo, estás dejando personas que amas y un hogar”, remarcó Desplat. “Y es lo mismo para los padres. Están felices de que el niño se vaya y se convierta en un adulto. Pero al mismo tiempo, [there is] la aprensión que va hacia los peligros.”

Maquillaje y peluquería, efectos visuales, partitura original, canción original y sonido: ‘Black Panther: Wakanda Forever’, Ludwig Göransson (compositor), TBC y Steve Boeddeker (sonido), Geoffrey Baumann (VFX), Camille Friend (pelo)

Los artesanos de «Wakanda Forever» Ludwig Göransson, Steve Boeddeker, Geoffrey Baumann y Camille Friend volvieron a trabajar en la secuela de «Black Panther» con la intención de honrar a la fallecida estrella de la franquicia Chadwick Boseman. Parte de ese tributo incluyó los esfuerzos de Göransson y Boeddeker para evolucionar los sonidos de los habitantes de Wakanda con nuevas innovaciones, al tiempo que presentaba el Talokanil con sonidos extraídos en gran medida de la cultura maya. Friend y Baumann discutieron el trabajo en equipo involucrado entre los efectos prácticos y visuales para que se transmitieran sin problemas en la pantalla, con la guía y la estrecha colaboración del director Ryan Coogler que supervisó toda la operación.

Canción original: ‘Applause’ de ‘Tell It like a Woman’, Diane Warren (compositora) Sofia Carson (intérprete)

¿Cómo se encontraron la compositora Diane Warren y Sofia Carson para colaborar en “Tell It Like a Woman”? En un DM! “Como mujer, como músico, como artista, mi corazón y mi alma están en usar mi voz para levantar a las mujeres, para hacer mi parte en eso. Y cuando leo la letra de [“Applause”], me conmovieron profundamente y estaba muy agradecido de que ella pensara en mí para esto”, comentó Carson. Los amigos y colaboradores hablaron sobre trabajar juntos y dar vida a la canción edificante de Warren a través de la actuación de Carson.

Música original: ‘Devotion’, Chanda Dancy (Compositor)

“Esencialmente lloramos juntos por Zoom, la conexión fue muy inmediata y nos vimos cara a cara muy rápidamente”, dijo el compositor Chanda Dancy sobre la reunión con el director JD Dillard sobre la música de la película biográfica de guerra “Devotion”. Dancy comentó el proceso único de ser contratado para componer la música de la película antes de que comenzara la producción, y habló sobre cómo la música tomó forma mientras se filmaba la película, a menudo intercambiando mensajes de texto con Dillard mientras estaba en el set. Ella sintió que era necesario honrar mejor a los aviadores militares de la vida real retratados en la película con una partitura centrada en grandes sonidos orquestales.

Canción original: ‘Good Afternoon’ de ‘Spirited’, Sukari Jones, Benj Pasek y Justin Paul (compositores)

Inspirándose en éxitos de Broadway como “Oliver!” y «Mary Poppins», los compositores Benj Pasek, Justin Paul y Sukari Jones crearon «Good Afternoon», un número de conjunto obsceno en la película «Spirited». “Parece que al menos hemos comenzado a penetrar la cultura de la manera más traviesa”, dijo Paul, quien se desempeñó como productor ejecutivo en la función navideña con Pasek. “Literalmente, uno de los padres de la escuela de mi hijo se me acercó y me dijo: ‘Mi hijo me está dando las buenas tardes. ¿Cómo lidio con eso?’”. Un cameo en pantalla durante la pista de la actriz inglesa Judi Dench también se convirtió en un momento favorito entre los espectadores, que Jones reveló que ella lanzó.

Canción original, partitura original, sonido original y efectos visuales: ‘Avatar: The Way of Water’, Simon Franglen (compositor), Joe Letteri (VFX) y Julian Howarth (sonido)

Los artesanos Simon Franglen, Joe Letteri y Julian Howarth jugaron papeles cruciales para completar la base musical y visual del éxito de taquilla “Avatar: The Way of Water”. Franglen recordó su estrecha colaboración con el director James Cameron, quien hizo que el compositor leyera los guiones de la película para comprender mejor el propósito narrativo al que serviría su partitura, destacando además los diferentes desafíos de crear paisajes sonoros alrededor del agua. Letteri y Howarth hablaron sobre cómo emplearon todas las herramientas a su disposición para evocar las mejores actuaciones del elenco y asegurarse de que brillen incluso con imágenes de VFX.

Cine Internacional: ‘Argentina, 1985’, Santiago Mitre (Director, Guionista, Productor)

Una conversación íntima con Santiago Mitre, el director, escritor y productor de “Argentina, 1985”, reveló que el proyecto tomó toda una vida. En gran medida influenciado por el trabajo de su madre en la justicia penal, Mitre dijo Variedad “comprendió la relevancia para la reconstrucción de la democracia en Argentina” a una edad temprana luego del Juicio a las Juntas. Mitre también enfatizó cómo el lanzamiento de la función provocó una reevaluación de los sistemas políticos en todo el mundo: “Cada país tiene una herida en su historia que necesita ser sanada a través de la justicia para construir un mejor país, una mejor democracia y un mejor lugar para la gente que vive allí y quién vendrá”.

Cine internacional: ‘All Quiet on the Western Front’, Edward Berger (Director, Escritor, Productor)

El director y guionista Edward Berger no quería sentimentalizar la guerra en “All Quiet on the Western Front”. En cambio, buscó un equilibrio entre vivir esta experiencia con Paul Baumer (Felix Kammerer) y seguir siendo objetivo sobre los eventos de la Segunda Guerra Mundial. “En Alemania, no hay nada de qué enorgullecerse con esa parte de la historia”, explicó Berger. “Solo hay vergüenza y culpa y el sentido de la responsabilidad, y compartir eso ahora con una audiencia internacional significa mucho para mí”. Agregó: “Alemania no es la víctima en esta historia, otros países lo son”.

Cine Internacional: ‘The Quiet Girl’, Colm Bairéad (Director y Guionista)

Cuando el guionista y director Colm Bairéad terminó de leer «Foster», el cuento en el que se basa «La chica tranquila», no pudo evitar estallar en «lágrimas calientes e infantiles». Con la esperanza de que el público sintiera lo mismo, Bairéad adaptó la historia a la pantalla, poniendo énfasis en el reparto y las ubicaciones para sumergir a los espectadores en la perspectiva del protagonista de la película, de 9 años. La partitura minimalista, y en ocasiones, el silencio, también se utilizó para llamar la atención sobre las interpretaciones de los actores: “Incluso la partitura temporal que habíamos utilizado había sido realmente moderada. Siempre supimos que no queríamos que la película dirigiera demasiado a la audiencia emocionalmente”.

Cine Internacional: ‘Bardo’, Alejandro G. Iñárritu (Director, Guionista, Productor)

El escritor, director y productor Alejandro Inarritu miró hacia adentro al determinar los temas universales que guiarían a los espectadores a través de su último largometraje épico, “Bardo, falsa crónica de un puñado de verdades”, reflexionando sobre sus propias experiencias de vida, así como conceptos de amor, muerte. , arte, éxito y paternidad. “Algunas cosas las pones en la página, pero luego, cuando de repente te enfrentas a cómo desarrollarlas, cómo materializar algunos sueños, emociones y sentimientos abstractos, es un desafío”, dijo Iñárritu. Variedad. El tiempo de ejecución del primer corte superó las cuatro horas, momento en el que Iñárritu se encargó de consolidar el proyecto de su pasión manteniendo la incertidumbre onírica de la narrativa.

Cortometraje animado: ‘El niño, el topo, el zorro y el caballo’, Charlie Mackesy (autor, codirector)

Para el autor de «El niño, el topo, el zorro y el caballo», Charlie Mackesy, su libro es más una «larga conversación entre personajes». “En realidad, no sucede una gran cantidad, pero creo que lo que sucede principalmente es interno y discursivo”, dijo. Variedad. “Descubrieron cosas sobre los demás, sobre sí mismos y sobre la existencia”. Al adaptar el amado libro ilustrado a un cortometraje animado, Mackesy y el codirector Peter Baynton tuvieron que “profundizar en los personajes y descubrir una narrativa real y un propósito para su viaje”. Otro elemento crucial para el corto: emular el estilo de ilustración del libro. “Nuestro viaje realmente fue crear dibujos en tinta y acuarela en una forma animada, y mantener vivo el espíritu del libro y los mensajes que contiene”, dijo Mackesy.

Efectos visuales: «Trece vidas», Jason Billington (supervisor de efectos visuales)

Para el supervisor de efectos visuales Jason Billington, los efectos visuales en «Thirteen Lives» de Ron Howard debían ser lo suficientemente sutiles para que «no alejaran al espectador de la historia emocional». “Cuando se trata de efectos visuales, siempre ha sido así, permanecemos ocultos”, dijo. Variedad. Billington explicó que las secuencias bajo el agua se filmaron en escenarios prácticos en lugar de depender en gran medida de los efectos visuales. «Lo más importante que tuvimos que hacer, que probablemente fue la mayor parte del trabajo en toda la película, fue hacer que sintieran que no estaban pasando por un set». él explicó. “Todas esas escenas submarinas en las que los buzos fluyen para llegar a los niños o salen de la cueva… todos tendrían que estar peleando con [or against] la corriente… Y teníamos que mostrar eso visualmente”.