Lo que necesitas saber

• Opera Browser ahora está disponible de forma nativa para dispositivos Windows compatibles con procesadores Snapdragon ARM.
• Las descargas se ofrecen a través de un flujo de acceso temprano centrado en el desarrollador, dirigido a la próxima plataforma Snapdragon X de Qualcomm.
• Al trabajar con Microsoft y Qualcomm para probar la nueva versión, el equipo de desarrollo de Opera promete una navegación más rápida y una mayor duración de la batería para dispositivos portátiles Snapdragon X ARM.

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Desde el último lanzamiento de Qualcomm Conferencia magistral de la Cumbre Snapdragon Hacia finales de 2023, ha estado provocando computadoras portátiles y otros dispositivos Windows con tecnología próximos chips Snapdragon X. El ultraeficiente Snapdragon X Elite El procesador ARM sigue prometiendo un Ventanas en el brazo renacimiento como una serie de dispositivos de Los fabricantes de equipos originales como Dell comienzan a tener fugasy variantes más asequibles impulsadas por Snapdragon X Plus Los chips atraerán a un público más amplio que nunca.

Sin embargo, las promesas de una «duración de la batería significativamente mejor» dependen en gran medida del software nativo de ARM en lugar del emulación de aplicaciones x86-64 tradicionales. la piscina de Aplicaciones de Windows en Arm se ha desacelerado un poco en los últimos dos años, mientras que la necesidad de soporte ARM64 adecuado se ha vuelto más significativa a medida que la plataforma Snapdragon X impulsa una nueva generación de computación Windows. Afortunadamente, los desarrolladores de Opera se han asociado con el equipo ‘App Assure’ de Microsoft y Qualcomm Technologies para ofrecer una variante ARM nativa mejorada con IA de su popular navegador web.

¿Qué es el navegador Opera?

Opera es un navegador web basado en Cromola base de código abierto detrás de opciones populares como Borde de Microsoft y Google Chrome. En los términos más sencillos, esto significa que las extensiones y complementos populares son compatibles entre todos los navegadores, lo que evita que los usuarios pierdan funcionalidad al cambiar. Sin embargo, si bien muchas extensiones de terceros ayudan a bloquear anuncios intrusivos y desagradables en la web, Opera Browser tiene un bloqueador de anuncios integrado y gratuito junto con otras mejoras como la integración de aplicaciones de chat populares como Whatsapp e Instagram.

¿Cómo se beneficiará Opera del Snapdragon X?

Como ocurre con la mayoría de las actualizaciones de software, Opera promete un mayor rendimiento, pero respalda sus afirmaciones con resultados de referencia internos. Probando su compilación nativa de ARM con Velocímetro, que utiliza una variedad de tareas cronometradas para medir la capacidad de respuesta general, sus desarrolladores informaron «más del doble que los de la versión emulada del navegador». Qualcomm afirma que Las aplicaciones y juegos x86-64 emulados funcionarán «muy bien» bajo emulación en chips Snapdragon X Elite, aunque las versiones ARM64 nativas brindan el mejor rendimiento posible con la mayor duración de batería portátil.

Esperamos continuar asociándonos con (Opera) para brindar innovación de vanguardia que aproveche las nuevas capacidades de inteligencia artificial que ofrece Windows en Snapdragon.

El producto de inteligencia artificial del navegador de Opera, llamado Aria, ahora puede resumir páginas web basadas en texto en Android. La herramienta de resumen de páginas web impulsada por IA condensa rápidamente artículos de noticias, publicaciones de blogs o trabajos de investigación en un breve resumen que normalmente cabe en una pantalla.

La nueva característica, anunciada el lunes, puede ayudar a los usuarios a comprender rápidamente un tema y señalar los detalles importantes. Para usarlo, visite cualquier página web basada en texto y luego toque los tres puntos en la esquina superior derecha del navegador Opera de Android y seleccione la opción «Resumir» junto al ícono de Aria. Luego aparecerá un chat con Aria con el resumen solicitado.

Para acceder a la función, actualice a la última versión de Opera para Android e inicie sesión en una cuenta de Opera o regístrese para obtener una nueva.

Aria se lanzó el año pasado y funciona como cualquier otro compañero de búsqueda de IA. El asistente tiene una interfaz similar a un chatbot que responde preguntas como alternativa a buscar respuestas en la web.

Opera ha estado desarrollando Aria desde su lanzamiento y ha estado ampliando su funcionalidad a través de su programa AI Feature Drops, que permite a los usuarios obtener acceso temprano a funciones adicionales de AI. Más recientemente, Opera actualizó Aria con la capacidad de generar imágenes usando Imagen2 de Google. También puede leer respuestas de texto en voz alta.

Dos largos buques de guerra grises están amarrados en el muelle de una base naval, nada inusual a primera vista. Pero los barcos son corbetas de la Armada del Ejército Popular de Liberación de China. Y la base se llama Ream y está en Camboya.

La Iniciativa de Transparencia Marítima de Asia (AMTI) del centro de estudios estadounidense Centro de Estudios Estratégicos e Internacionales (CSIS) ha evaluado imágenes de satélite de los últimos cuatro meses: Los barcos chinos han estado constantemente en Ream desde principios de diciembre; sólo abandonaron el muelle dos veces durante unos días. No se trata de una visita breve al puerto, como suele ocurrir con las marinas de muchos países. Los barcos chinos parecen tener su base en Ream.

El muelle es demasiado grande para la propia Camboya

El muelle se completó hace apenas unos meses, con ayuda china. Nom Pen insiste en que la base de Ream solo sirve a su propia armada y no albergará fuerzas extranjeras. Cuando los barcos chinos atracaron en Ream por primera vez el 3 de diciembre del año pasado, se dijo que era parte de un ejercicio conjunto con la Armada de Camboya.

Pero las dimensiones del nuevo edificio suscitan dudas: el muelle tiene más de 350 metros de largo. Eso es tiempo suficiente para los buques de guerra más grandes del mundo, incluso para los portaaviones. Pero la marina camboyana se compone principalmente de patrulleras que operan cerca de la costa. Casi ninguno de estos barcos supera los 50 metros de eslora, escribe el experto marino H. I. Sutton.

En otras palabras: el muelle está completamente sobredimensionado para la marina de Camboya. El ejército estadounidense sospecha desde hace tiempo que existe un acuerdo secreto entre Phnom Penh y Beijing que permite a la marina china utilizar la base, o partes de ella.

Las imágenes de satélite evaluadas por el CSIS refuerzan esta sospecha. China tiene acceso exclusivo al nuevo muelle, escriben los expertos. Desde principios de diciembre, aparte de las corbetas chinas, no ha atracado allí ningún otro barco, ni siquiera uno camboyano. Cuando dos destructores japoneses visitaron Camboya en febrero, Según medios locales, hicieron escala en el puerto civil de Sihanoukville.a unos buenos 20 kilómetros al noroeste de la base naval de Ream.

Pero, ¿podemos realmente concluir a partir de cuatro meses de presencia continua de dos barcos que Ream es una base naval china? Los expertos de AMTI dejan abierta esta cuestión. Esto sólo se hará evidente en los próximos meses y años. Qué barcos chinos reemplazaron a las dos corbetas, cuánto tiempo permanecieron estas nuevas unidades y si otras armadas también obtuvieron acceso mostrarán qué relaciones existen entre la base de Ream y la armada china, escriben.

Ream complementa las bases navales chinas existentes

Ream es interesante para China gracias a su ubicación a la entrada del Golfo de Tailandia. La base es parte de una cadena de bases que se extiende desde la isla china de Hainan a través de las islas elevadas de los grupos de islas Paracelso y Spratly en el Mar de China Meridional. Beijing ha construido grandes bases allí durante la última década, a pesar de que un tribunal de arbitraje internacional en 2016 declaró inválidas las reclamaciones de China en el Mar de China Meridional.

El Golfo de Tailandia es actualmente un callejón sin salida. La idea de perforar con un canal el istmo de Kra, de 100 kilómetros de ancho, ronda desde hace mucho tiempo. Los enormes costes hasta ahora han hecho que el proyecto fracase. Pero ahora El gobierno de Tailandia quiere construir una conexión terrestre con terminales de contenedores en ambos lados – con financiación china.

¿Será Ream para China lo que Singapur es para los estadounidenses?

Esto ofrecería una alternativa al Estrecho de Malaca. Hoy en día, el 80 por ciento de las importaciones chinas de energía pasan por este estrecho; Pekín teme que, en caso de conflicto, Estados Unidos pueda bloquearlo. Porque tienen presencia militar en Singapur. En caso de una conexión alternativa en el istmo de Kra, Ream tendría una función estratégica similar a la de Singapur en el Estrecho de Malaca.

El Departamento de Defensa de Estados Unidos sospecha que Camboya es sólo uno de los muchos países donde China quiere construir una base militar. Beijing lo niega y señala que su única base en el extranjero, en Yibuti, se utiliza para combatir a los piratas en el Océano Índico occidental.

El último informe sobre el ejército de China, que el Pentágono publica anualmente, nombra otros 18 países además de Yibuti donde se han visto indicios de que Beijing está buscando una base. Los lugares sospechosos van desde Nigeria en la costa occidental de África hasta las Seychelles y Sri Lanka en el Océano Índico hasta las Islas Salomón o Fiji en el Pacífico Sur.

No revelan qué información tiene el ejército estadounidense sobre estos planes. Al menos en algunos casos, estos parecen ser más antiguos y es cuestionable si China alguna vez tuvo intenciones serias o tuvo alguna perspectiva de éxito. Sin embargo, las imágenes de satélite de Ream confirmarán a quienes suponen que China quiere construir una extensa red de bases militares.

El punto más bajo se alcanza entre las cuatro y cinco horas. Le duele la espalda y otras partes del cuerpo, el cerebro envía desde hace mucho tiempo impulsos cada vez más fuertes para escapar. Algunos ya han huido, pero la mayoría de los visitantes de la Ópera de Ginebra aguantan hasta el final, alrededor de medianoche, muchos entusiasmados, otros perdidos en un feliz sueño.

Quien se queda hace lo correcto de cualquier manera, porque en algún momento de la quinta hora sucede algo maravilloso: el héroe en el escenario, con quien hemos pasado por altibajos durante lo que parece una eternidad, recibe los estigmas de Jesús. En el cruce; El camino de su vida, enteramente dedicado al seguimiento de Cristo, está llegando a su fin. Todo se vuelve ligero y fácil, muere. Pero los coros celestiales cantan sobre la resurrección, y la música brilla y se regocija, como si quisiera abrazar al mundo entero con su júbilo.

Te sientes abrazado, tal vez incluso animado, o al menos completamente conmovido. “Saint François d’Assise” de Olivier Messiaen es todo en uno: retiro y ejercicio penitencial, servicio religioso que incluye sermón, meditación y oración. Sólo hay una cosa que esta gigantesca obra de casi seis horas de duración no es ciertamente: una ópera convencional. Esto se puede sentir ahora también en el Gran Teatro de Ginebra, que se ha atrevido a realizar una serie de cuatro representaciones de “Saint François d’Assise”.

Viaje espiritual

En lugar de una trama pintoresca, Messiaen cuenta la antigua leyenda de Francisco de Asís en su única obra escénica. En lugar de arias y cantos, se oyen sobre todo declamaciones solemnes y mucho silencio elocuente: todo lo esencial sucede de forma invisible en una música que no es la música de ópera tradicional. Hay que involucrarse en esta pieza extrema, que, a pesar o quizás por todas sus exigencias irrazonables, es una de las cosas más importantes que ha producido el teatro musical en el siglo XX.

La obra, que se estrenó en París en 1983, cuenta con los mejores abogados en Jonathan Nott y la Orchestre de la Suisse Romande. Messiaen, que como sinestésico decía percibir los sonidos como colores, lo puso todo en esta partitura: su armonía completamente independiente, por la que es inmediatamente reconocible, un caso raro en la música contemporánea; su entusiasmo por el canto de los pájaros, que traducía meticulosamente, no sólo onomatopéyicamente, en sonidos; Por último, pero no menos importante, su piedad, que desafía todos los shocks de la modernidad. El profundamente devoto católico Messiaen estaba así en desacuerdo con los acontecimientos de su tiempo y especialmente del nuestro. La obra de este gran vanguardista y precursor de la nueva música no parece ni por un momento atrás.

La paradoja sigue siendo su fascinación duradera hoy en día, y Nott y sus amigos logran transmitirla de una manera poderosa. La enorme orquesta y el coro aún mayor están situados al fondo del escenario: todo lo visual surge, por así decirlo, de los sugerentes sonidos. Porque esta antiópera no quiere simplemente rastrear la vida más o menos conocida de Francisco de Asís. Más bien, quiere acompañar acústicamente a los oyentes en el viaje espiritual que recorrió el santo durante su vida ascética.

Ascetismo es aquí la palabra clave: quien emprende este viaje como espectador debe también sufrir un poco en sus luchas y en su búsqueda de Dios, de manera muy concreta, en el sentido físico, como se describe al principio. La extensión exorbitante es parte de la estrategia de la obra, que lucha con las verdades religiosas palabra por palabra, escena por escena, en lugar de proclamarlas afirmativamente. Los procesos altamente ritualizados crean con el tiempo un estímulo narcótico que en realidad te cautiva o te hace huir, como hacen algunos visitantes de Ginebra durante las dos pausas.

Dirección al cosmos

Con esta forma de inmersión total del público, que cada vez más se convierte en una comunidad, «Saint François d’Assise» es único en el teatro musical moderno; a lo sumo se encuentran esfuerzos similares en el arte religioso «Parsifal» de Wagner. Sin embargo, esto supone una carga sobrehumana para el intérprete del papel principal: es una figura actuante, sacerdote y aparecido de Cristo, todo en uno. Sin embargo, Ginebra tiene con Robin Adams un cantante que puede representar de manera creíble esta extraña trinidad y también cantar la parte infinitamente larga de manera excelente.

Adams crea el encuentro del santo con un leproso (Aleš Briscein), a quien Francisco curará de su enfermedad, de una manera completamente sencilla y veraz. Suena delicadamente erótico en su diálogo con el ángel, el único papel femenino que Claire de Sévigné deja brillar maravillosamente. Pero lo más destacado es el famoso sermón de los pájaros, que el apasionado ornitólogo Messiaen ha poblado casi en exceso con animales exóticos emplumados. La orquesta chirría, cacarea, pita y revolotea, y Nott y sus músicos actúan con tal virtuosismo que por un momento realmente te sientes como si estuvieras en un enorme aviario. Pero Adams, suspendido sobre cuerdas en el cielo del escenario, irradia calma y certeza en medio del aleteo, como si realmente estuviera hablando con todo el cosmos.

Mientras que la música ya proporciona una imaginación tan vívida, la dirección tiene dificultades. En realidad, esta obra no necesita ninguna puesta en escena, sobre todo porque Messiaen, según su propia declaración, ya ha limitado su libreto a lo esencial: “Todo lo que no tiene. colores, ni milagros, no dejé de lado ningún pájaro, ni piedad ni fe.» El artista franco-argelino Adel Abdessemed, conocido por sus instalaciones y videoarte, todavía encuentra la manera de ilustrar sutilmente lo que está sucediendo.

Para ello utiliza principalmente discos de gran tamaño que recuerdan a los gongs chinos, en los que se proyectan vídeos asociativos. La mayoría de las veces simplemente duplican lo que ya se comenta en el texto y la música, un problema bien conocido en la dirección de obras de artistas visuales. Por supuesto, producciones anteriores de la pieza han demostrado que los contrapuntos escénicos o incluso las refracciones difícilmente tienen ninguna posibilidad contra el poder abrumador de la música de Messiaen. Al fin y al cabo, “Saint François d’Assise” es una ópera.

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¡Bienvenido a TechCrunch Fintech! Esta semana, analizamos cómo les está yendo a dos empresas de tecnología financiera que prestan servicios a los desatendidos, ¡y más!

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la gran historia

PayJoy es un ejemplo de una empresa con una economía unitaria positiva y la misión de ayudar a los desatendidos. No es frecuente que veamos que esas dos cosas se cruzan, así que cuando lo hacemos, nos emocionamos mucho. Escribí sobre el hito de la compañía de lograr 300 millones de dólares en ingresos anualizados y rentabilidad el año pasado, al tiempo que logró conseguir 150 millones de dólares en financiación Serie C. El modelo de la compañía es único: ayuda a las personas a generar crédito a través del financiamiento de pago por uso para teléfonos inteligentes. Una vez que los teléfonos estén pagados, los clientes pueden solicitar préstamos a través de PayJoy utilizando sus dispositivos como garantía. Lea todo sobre su crecimiento aquí.

Análisis de la semana

Pétalo es otra empresa de tecnología financiera que tiene como objetivo ayudar a los desatendidos a «generar crédito, no deuda». En mayo pasado, TechCrunch escribió sobre la recaudación de 35 millones de dólares de la compañía y sus planes de escindir su unidad de datos. La semana pasada, Empower Finance anunció sus planes de adquirir Petal, que aparentemente comenzó a buscar compradores el año pasado «cuando tenía poco efectivo», según Fortune. Un portavoz de Petal me dijo por correo electrónico: “Al igual que Petal, Empower… utiliza suscripción de flujo de caja para su conjunto de productos crediticios. … Con la adquisición de Petal, pronto tendrá una familia de tarjetas de crédito para complementar esa oferta”. ¿Veremos más fusiones y adquisiciones en 2024? Estoy ansioso por ver.

dolares y centavos

TransferirGo, la fintech con sede en el Reino Unido más conocida como plataforma de consumo para remesas globales, ha recaudado una ronda de financiación de crecimiento de 10 millones de dólares del inversor Taiwania Capital, con sede en Taiwán, con miras a expandirse en la región de Asia y el Pacífico. La última vez que recaudó una ronda de financiación Serie C de 50 millones de dólares fue en 2021. TransferGo afirma que su crecimiento, combinado con la nueva inversión, duplica su valoración.

¿Qué más estamos escribiendo?

startup brasileña Salvia, un operador de telefonía móvil para empresas, fue la única empresa con sede en América Latina en el último lote de Y Combinator, confirmó la aceleradora a Anna Heim de TechCrunch. Se trata de una caída significativa en comparación con las cohortes que pisaron el acelerador durante el COVID cuando era remoto, pero también con las clases más recientes. Por ejemplo, había 33 empresas latinoamericanas en el lote de invierno de 2022 de Y Combinator. ¿Podría ser en parte culpable el estado general del sector fintech? Históricamente, alrededor de un tercio de las 231 empresas latinoamericanas que pasaron por YC se centraron en fintech. Y con el financiamiento de fintech en declive, esto quizás podría explicar en parte la falta de interés de YC en América Latina.

Titulares de alto interés

Los inversores rodean los sectores de tecnología financiera y comercio electrónico «más odiados»

Stride y Utah sientan nuevos precedentes en beneficios para trabajadores independientes

La startup estadounidense Parafin consigue un almacén de 125 millones de dólares de SVB y Trinity Capital

Tabs obtiene una financiación inicial de 7 millones de dólares para mejorar la plataforma de cuentas por cobrar impulsada por IA

La fintech Fortis de los Emiratos Árabes Unidos obtiene 20 millones de dólares en una ronda de Serie A

Anrok alcanza una valoración de 250 millones de dólares con una idea mundana: calcular

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Muere la actriz Vera Chéjova a los 83 años

(dpa) La actriz y directora Vera Chejova falleció el miércoles (3 de abril). Murió en Berlín a la edad de 83 años tras una breve y grave enfermedad, según anunció la agencia Ute Nicolai. En su carrera cinematográfica y televisiva de décadas, Chéjova apareció en casi 100 papeles entre los años cincuenta y noventa. También hubo numerosos compromisos en los principales teatros alemanes.

Vera Tschechowa recibió el Premio Federal de Cine en 1962 por la adaptación cinematográfica de Heinrich Böll “El pan de los primeros años”. El público la conoce también por películas como “El tiempo de la sensibilidad”, “Rausch der Verwandlung” o por sus apariciones en televisión en “Tatort” o “Ein Fall für zwei”.

En los años 80, rodó con su entonces marido Vadim Glowna la película de Cannes “Desperado City”, la adaptación cinematográfica de Max Frisch “Barba Azul” y el documental “Chéjov en mi vida” sobre su famosa familia rusa. Era bisnieta del dramaturgo Anton Chejov. Tanto su madre como su abuela eran actrices.

Desde los años 90, Chéjova prefirió estar detrás de la cámara y retrató a colegas de cine como Katja Riemann, Klaus Maria Brandauer y Michael Ballhaus. Según sus familiares, Vera Chéjova murió “después de una breve y grave enfermedad”.

El director de orquesta alemán Tilman Michael se convierte en director del coro de la Metropolitan Opera de Nueva York

(dpa) El director de orquesta alemán Tilman Michael (49) pasa de la Ópera de Frankfurt al Met de Nueva York como director de coro. A partir de la próxima temporada, Michael asumirá la dirección del coro de la reconocida Ópera Metropolitana de Nueva York, según anunció la institución de Manhattan el miércoles (3 de abril). «Tilman Michael es un colega y amigo desde hace mucho tiempo cuyo trabajo respeto profundamente y a quien doy la más cordial bienvenida a la familia Met», dijo el director musical Yannick Nézet-Séguin. Michael dijo que se siente honrado y espera poder contribuir a la creación de “música excepcional en esta ópera tan especial”.

El alemán sustituye al director de orquesta estadounidense Donald Palumbo, de 75 años, que anunció su retirada el año pasado. Palumbo había dirigido el coro del Met durante 17 años.

Tilman Michael dirige el coro de ópera de Frankfurt/Main desde 2014 y anteriormente trabajó en Mannheim. También ha trabajado con muchos otros conjuntos en otras instituciones. Al igual que la Ópera de Frankfurt, la Ópera Metropolitana es uno de los mejores teatros de ópera del mundo.

Muere el ganador del Oscar Louis Gossett Jr. a los 87 años

(dpa) Ha muerto el actor estadounidense Louis Gossett Jr., a la edad de 87 años, informaron el viernes (29 de marzo) medios estadounidenses como CNN y NBC, citando un comunicado de su familia. «Con profundo pesar confirmamos que nuestro padre murió esta mañana», dijo el comunicado según citaron los medios. “Nos gustaría agradecer a todos por sus condolencias. Respete la privacidad de la familia durante este momento difícil”.

En 1983, Louis Gossett Jr. se convirtió en la primera persona negra en ganar un Oscar al Mejor Actor de Reparto. Antes de Gossett, sólo dos negros habían ganado el Oscar de interpretación: Hattie McDaniel (1940) a la mejor actriz de reparto en “Lo que el viento se llevó” y Sidney Poitier como actor principal en “Los lirios del campo” (1964). En abril de 1983, a la edad de 46 años, Gossett aceptó el Oscar por su papel en la película «Un oficial y un caballero». En él interpretó a un aterrador instructor de la Marina de los EE. UU. que somete a sus alumnos a ejercicios brutales. En su breve discurso en el escenario de los Oscar, Gossett agradeció a su antiguo agente en funciones y a sus padres. No habló de las desventajas que enfrentan los actores negros en Hollywood.

Más tarde se volvió más explícito, uniéndose a la tormenta de indignación por la no nominación del talento negro y abogando por la diversidad. “No es necesario ser negro o latino, todos somos parte de una familia”, dijo Gossett, quien ha estado casada tres veces y tiene dos hijos. El actor hizo campaña contra la discriminación y el racismo con una fundación.

El maestro del acero: muere el escultor estadounidense Richard Serra

(dpa) El artista Richard Serra falleció este martes a los 85 años. Según constantes informes de los medios, murió a causa de una neumonía. Con unas enormes esculturas de acero, Serra se convirtió en uno de los escultores más importantes y exitosos del mundo. Pero también siempre fue controvertido. El artista enfatizó repetidamente que la popularidad de su obra no significaba nada para él. “No creo que la función del arte sea agradar”.

La mayoría de las obras de Serra, muchas de ellas basadas en modelos fabricados en Alemania, son de gran tamaño y pesan varias toneladas. Ha creado esculturas para más de 100 lugares públicos, desde Filadelfia y San Luis hasta São Paulo, Bochum y Kassel. Sin embargo, en medio de una disputa, retiró su diseño para el monumento conmemorativo del Holocausto en Berlín. La idea básica con un mar de estelas surgió de él. Pero cuando cambiaron su diseño, Serra lo retiró “por motivos personales y artísticos”. Otra escultura en Nueva York fue desmantelada tras fuertes protestas. Serra era “tan férreo e intransigente como sus obras”, escribió una vez el “Guardian” británico.

Serra vivió y trabajó recientemente en Nueva York, Long Island y Nueva Escocia, Canadá. Nació el 2 de noviembre de 1938 en San Francisco. Su padre trabajó durante varios años en un astillero, donde el amor de su hijo por las estructuras de acero, que ya había surgido al observar los barcos a través de la ventana de su dormitorio infantil, se alimentó aún más.

Serra estudió literatura inglesa en la Universidad de California en Santa Bárbara y en la elitista Universidad de Yale. Luego viajó a Nueva York, donde conoció a otros artistas como Donald Judd, Dan Flavin y Jasper Johns y pronto comenzó a experimentar con plomo y acero. Las esculturas de Serra se hicieron más grandes y pesadas y finalmente el acero empezó a tener curvas. Con gran efecto, como dijo más tarde Serra: “La gente reaccionaba a las curvas como nunca antes había reaccionado ante las curvas y las líneas rectas. Nunca antes habían visto eso. La gente estaba preparada para las curvas”. Como resultado, cada vez más galerías y museos de renombre liberaron enormes espacios para Serra.

Redadas contra el rapero estadounidense Sean “Diddy” Combs tras acusaciones de abuso sexual

(dpa) Sean “Diddy” Combs es una autoridad en el mundo del hip-hop. Los investigadores estadounidenses han registrado las casas del rapero («Bad Boy for Life», «I’ll Be Missing You») en California y Florida. Está acusado de violencia sexual.

A petición de la emisora ​​estadounidense CNN, la agencia de Investigaciones de Seguridad Nacional (HSI) confirmó el lunes las redadas en Los Ángeles y Miami. No se reveló nada sobre los antecedentes. El equipo de portavoces del músico no respondió inicialmente a una solicitud de la Agencia de Prensa Alemana. Los investigadores de HSI dependen del Departamento de Seguridad Nacional de EE. UU.

Ha habido acusaciones de violencia sexual contra el rapero en los últimos meses. El productor Rodney “Lil Rod” Jones, que trabajó con Combs en su disco nominado al Grammy “The Love Album: Off the Grid”, presentó una demanda en un tribunal federal de Nueva York en febrero. Acusa al hombre de 54 años de acosarlo sexualmente, drogarlo y amenazarlo durante más de un año. Combs, uno de los representantes más exitosos de la industria del hip-hop, que también trabaja como productor discográfico, actor y en otras áreas comerciales, hizo que su equipo legal rechazara las acusaciones como mentiras.

En diciembre de 2023, una mujer anónima presentó una demanda acusando a Combs y a otros dos hombres de drogarla y violarla cuando tenía 17 años en 2003 en el estudio del rapero en Nueva York. Anteriormente, tres mujeres habían presentado demandas civiles contra Combs, incluida su exnovia, la cantante Cassie, quien acusó al rapero de, entre otras cosas, abuso sexual, violación, intimidación y violencia física durante su relación. Combs llegó a un acuerdo con Cassie en noviembre.

Douglas Wigdor, el abogado de Cassie y otra mujer no identificada, respondió a los informes de la redada el lunes con una declaración que estuvo a disposición de la Agencia de Prensa Alemana. En él, expresó la esperanza de que Combs fuera considerado responsable de su “comportamiento reprensible”.

Al recordar Final Fantasy VI, ¿qué es lo primero que me viene a la mente?

Es posible que tu respuesta sea la icónica risa maníaca de Kefka, o una batalla final contra un jefe que te haga bailar como loco, o buscar amigos en un mundo en ruinas. Pero en algún lugar de esa mezcla, y para muchos, probablemente la más importante, está la escena majestuosa pero tonta de la Ópera.

A primera vista, resulta extraño que la Ópera sea, para muchos fans, la parte más venerada del notablemente melancólico Final Fantasy VI. La actuación musical está bastante ambientada en un dispositivo de trama para conseguirle a nuestro grupo una aeronave mientras llevamos a casa la relación de Celes y Locke; no hay ninguna relevancia en la trama para el gran asunto de representar una ópera.

Además, el principal punto de tensión gira en torno a la reaparición del villano cómico del juego, Ultros, cuyo gran momento villano culmina al declararse “la realeza del pulpo” (al menos en la localización en inglés). A pesar de su posición sólo unos pocos momentos de la trama antes de los eventos del fin del mundo que definen el legado de Final Fantasy VI, esta tangente glorificada ha sido recordada con tanto cariño que fue rehecha en el motor HD-2D de Square Enix para Final Fantasy VI Pixel Remaster, una tratamiento exclusivo para él en toda la serie Pixel Remaster.

Clavar la actuación da como resultado una maravillosa sincronización que proporciona la ilusión de agencia y profundiza las conexiones personales con el juego.

Hay bastantes razones que se podrían dar para explicar esta reverencia. Por un lado, la escritura de Final Fantasy brilla más cuando se centra en momentos íntimos de los personajes, algo que la Ópera proporciona con mayor efecto que muchas de las escenas más tonalmente serias de Final Fantasy VI. En la misma línea, la ligereza es el alma del drama, y ​​la secuencia proporciona un respiro suficiente para que el público pueda llegar a amar el mundo y los personajes antes de destrozarlo todo con un rápido puñetazo en el estómago. También fue un momento virtuoso para Nobuo Uematsu en el que mostró la diversidad de sus dotes compositivas. Pero hay una razón más poderosa que todas estas por la que la Ópera brilla: mostró el poder de la narración interactiva.

En pocas palabras, la escena de la ópera es una escena que puedes reproducir. Puede que esto no parezca tan impresionante en la era moderna en la que las últimas entradas de Final Fantasy muestran escenas que rivalizan con las de películas de gran éxito. Sin embargo, fue revelador para el público de 1994 para quienes la «escena fija» aún no formaba parte de su vocabulario de juego. Por lo tanto, tiene sentido que Final Fantasy VI presente su escenario interactivo como una obra de teatro, ayudando a los jugadores a contextualizar sus deberes de juego de rol a través de la lente de un escenario real.

Para los no iniciados o aquellos que necesitan un repaso, aquí está la configuración. (Alerta de spoiler): la estratagema del partido para acceder a una aeronave en su búsqueda del imperialista Imperio Gestahliano requiere que el caballero mágico Celes desempeñe el papel de María en una ópera, preparando al dueño de la aeronave para secuestrar a la mujer equivocada. Tienes la tarea de representar el aria de María con solo el número de apertura del amante de María, Draco (que actúa como una especie de tutorial) y un vistazo rápido al guión para guiarlos. Esta representación implica elegir la letra correcta para que Celes la cante, moverla al compás de Draco para simular un baile, recoger las rosas que deja y correr hacia el balcón superior para arrojar las rosas a la luz de la luna.

Es mucho para asimilar, pero lograr la actuación da como resultado una maravillosa sincronización entre la secuencia escrita y el control del jugador que proporciona la ilusión de agencia y, con eso, profundiza las conexiones personales con el juego.

Si su familiaridad con Final Fantasy VI proviene de su Pixel Remaster, esto puede parecer una conjetura exagerada o simplemente inexacta. La razón de esto se remonta al uso del motor HD-2D para recrear el aria de María. Esto permitió mejoras visuales como cambios de ángulos de cámara y efectos de iluminación renderizados, lo que dio como resultado una presentación más reconocible como cinematográfica para el público actual.

Sin embargo, lo hace sacrificando sus raíces interactivas. Si bien el jugador aún elige las líneas de Celes, todo, desde el baile con Draco hasta correr por las escaleras del balcón, se ha reducido a solo presionar el botón ‘A’. Indicaciones contextuales como estas le dan a la escena una sensación más parecida a los infames eventos rápidos de muchos juegos de las siguientes generaciones de consolas. Es probable que este cambio se deba a que la recreación HD-2D no está codificada para permitir al jugador controlar los personajes; En particular, el guión de la ópera todavía implica que tienes que realizar las acciones tú mismo, lo que respalda la teoría de que esta concesión fue por necesidad. De todos modos, el resultado es una nueva versión de la escena que no captura por completo los logros del original.

Es un comentario interesante (aunque no intencionado) sobre las cualidades beneficiosas de la abstracción en los JRPG. Así como el combate por turnos y los mundos superiores surgieron para eludir las limitaciones de las primeras generaciones de consolas, interpretar el papel de María en la ópera también requirió que tu mente llenara los vacíos. Permitirte interpretar el papel vende la ilusión; Debido a que el jugador mueve a Celes de una manera que implica bailar, creen más fácilmente que los círculos que caminan alrededor del duende de Draco mientras la música aumenta equivalen a un tango romántico. Es el mismo truco mental que utiliza el sistema ATB para hacer que las batallas se sientan menos como dos bandos que se turnan cortésmente para lamentarse el uno del otro. Si bien los trucos de dirección que emplea la escena rehecha en HD-2D son más fluidos y dramáticos, simplificar las acciones con solo presionar unos pocos botones en última instancia subestima la ilusión de participar activamente en la obra.

Por supuesto, esto es una reflexión sobre un momento fugaz dentro de una secuencia más amplia que aún canta sin importar la versión que reproduzcas. De hecho, la nueva versión HD-2D del aria de María tiene sus propias mejoras, como esplendor visual ambiental, sprites más emotivos y música con una pista vocal. Las secciones no interactivas de la obra son igualmente convincentes, ya que brindan profundidad al escenario y al auditorio que realmente hacen que la Ópera parezca grandiosa. Realmente nos hace querer rehacer el juego completo con este estilo. Esto por no hablar de lo apasionante que es la prisa de Locke por frustrar el plan de Ultros de arruinar la obra. Cambiar de perspectiva entre los grupos del grupo es un truco que Final Fantasy VI emplea bien a lo largo de su tiempo de ejecución, pero quizás nunca sea más emocionante que aquí.

Quizás sea mejor decirlo de esta manera: 30 años después del lanzamiento original de Final Fantasy VI para SNES, tenemos una versión del juego que refleja con precisión las tendencias modernas y, en muchos sentidos, es mejor. Los pocos en los que no lo es, como la interpretación del aria de María, no restan valor, sino que nos brindan la oportunidad de apreciar el ingenio de cómo Square trabajó a principios de la década de 1990 dentro de las limitaciones del hardware para lograr una narración interactiva innovadora.

¿Recuerdas con cariño la escena de la Ópera o hay otro momento que crees que merece la atención? ¡Háganos saber en los comentarios mientras nos preparamos para celebrar el 30.º aniversario de Final Fantasy VI el 2 de abril!

Desde el martes 26 de marzo por la noche, el ballet de la Ópera de París tiene una nueva estrella. Bleuenn Battistoni, hasta entonces bailarina principal, fue nombrada protagonista del escenario del Palacio Garnier, el martes, a propuesta del director de danza, José Martínez, anunció la institución en un comunicado de prensa.

Según este comunicado de prensa, Alexander Neef, director de la Ópera Nacional de París, ha nombrado a Bleuenn Battistoni bailarina estrella “al final de la representación de ballet La chica mal guardada [de Frederick Ashton], en la que interpretó el papel de Lise ».

“Bleurenn Battistoni volverá a desempeñar este papel, con Marcelino Sambé como socio [artiste invité du Royal Ballet de Londres], el domingo 31 de marzo a las 19:30 y luego bailará el papel principal de Giselle (después de Jean Coralli y Jules Perrot) el 29 de abril (previsión para jóvenes menores de 28 años), el 4, 14 y 16 de mayo en el Palacio Garnier »añade la Ópera.

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Primera bailarina desde 2023

Nacida en 1999 en Lyon, Bleuenn Battistoni, que baila en el ballet de la Ópera de París desde hace siete años, fue ascendida a bailarina principal en 2023.

Se inició en la danza a los 4 años en su región natal antes de comenzar a formarse en el Conservatorio Nacional de Música y Danza de París y luego, a partir de 2014, en la escuela de danza de la Ópera Nacional de París, donde fue contratada en 2017 en el Cuerpo de baile de la Ópera.

El mundo con AFP

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El estreno más reciente en Munich presenta sin duda una obra del momento. Desde el ataque terrorista de Hamás y la guerra en la Franja de Gaza, el racismo y el antisemitismo se han vuelto cada vez más rampantes. Al mismo tiempo, el populismo de derecha parece estar creciendo en todas partes. Especialmente urgente adquiere la obra en dos actos “El pasajero” de Mieczysław Weinberg, estrenada ahora en la Ópera Estatal de Baviera. Uno de los personajes es Lisa, la ex guardia del campo de concentración alemán, que, años después de la guerra, cree reconocer a la polaca Marta, que estuvo prisionera en Auschwitz en un barco.

El pasado los alcanza, y en el reducido espacio del transatlántico pronto se trata de las grandes preguntas, de la culpa, la expiación y el poder de la memoria. La ópera se basa en gran medida en una historia autobiográfica de la polaca Zofia Posmysz, sobreviviente de Auschwitz. Weinberg, a su vez, huyó de los nazis a la Unión Soviética, donde una vez más estuvo expuesto a una hostilidad potencialmente mortal en el estalinismo tardío antijudío. Su familia había sido víctima de la locura racial de los nazis en Polonia.

Crimen y castigo

Weinberg completó “El pasajero” en 1968, pero la ópera no se representó por primera vez hasta 2010 en el Festival de Bregenz, casi quince años después de la muerte de Weinberg. Rápidamente quedó claro que se trataba de un hallazgo del siglo que desde entonces ha puesto en marcha un renacimiento internacional de la rica obra de Weinberg. Culmina este verano con el estreno de la ópera «El idiota» de Dostoievski de Weinberg en el Festival de Salzburgo. Aún más sorprendente fue que el director musical general de Munich, Vladimir Jurowski, hubiera vinculado la dirección de «Passenger» a la condición de que se creara una versión escénica separada para Munich.

Se dijo que en la ópera el original de Posmysz estaba distorsionado en algunos aspectos. Tras su muerte en 2022, la ópera debería experimentar ahora un nuevo nivel de acogida. Sin embargo, las intervenciones en Munich son considerables. La música se acortó hasta treinta minutos y el idioma del libreto ruso se tradujo al polaco. Con ello se pretendía honrar a Posmysz y al mismo tiempo resaltar el contraste con el alemán, en este caso el idioma de los perpetradores.

El papel de Katja, una partisana rusa encarcelada, fue completamente eliminado en Múnich porque no está en Posmysz y probablemente se deba a la censura soviética de la época: en el realismo socialista, el partidismo y el popularismo eran exigencias centrales para los artistas, y un partisano que cantar una canción patriótica es una figura típica de la ópera soviética de esa época.

Es comprensible que Jurowski, como ruso nativo con raíces ucranianas, se ofenda por esta propaganda soviética, más aún teniendo en cuenta la guerra actual en Europa. Sin embargo, queda la pregunta de si este papel se eliminó para contrarrestar de antemano posibles protestas. Munich y Kiev están hermanadas. Los esfuerzos de Jurowski por representar El pasajero con la mayor precisión histórica posible y por tener más en cuenta las intenciones de Posmysz también pueden tener algo que ver con sus orígenes judíos. Muchos de sus antepasados ​​fueron asesinados por los nazis.

Si Weinberg quería mostrar por primera vez en el escenario de forma realista un campo de exterminio como Auschwitz, también estaba procesando su propia historia familiar. Cualquier producción de esta obra debe abordar con sensibilidad este hecho personal. Tanto para Jurowski como para el director designado de la ópera de Hamburgo, Tobias scratch, estaba claro desde el principio que no debía haber una “ilustración de Auschwitz” realista que incluyera ropa de presidiario, como era habitual en varias producciones anteriores.

Más bien, deberían ampliarse los espacios asociativos en los que lo real y lo recordado se entrelazan. Esto sólo funcionó de forma limitada en el primer acto. La escenografía estándar de Rainer Sellmaier es una vista lateral del barco en el que Lisa y su desprevenido marido Walter, interpretado por Charles Workman, navegan hacia Sudamérica. Todos los compañeros de viaje parecen recordarles Auschwitz, aunque los hombres de las SS también parecen pasajeros.

La idea más fuerte aquí es la duplicación de Lisa (Sophie Koch) que canta por una Lisa (Sibylle Maria Dordel) mayor, inicialmente muda y finalmente hablando. Este doble se parece a la vieja rosa de la película «Titanic» de James Cameron. Al final del primer acto, la vieja Lisa arroja al océano una urna que contiene las cenizas de Walter y se arroja tras ella. El segundo acto retrocede, esta vez al comedor del barco. Este escenario recuerda a la espeluznante escena del bar del hotel en «El resplandor» de Stanley Kubrick.

Efecto no disminuido

Aquí los prisioneros están vestidos de negro, incluida Marta de Elena Tsallagova y su amante Tadeusz (Jacques Imbrailo). Es este contraste visualmente claro entre el bien y el mal lo que ayuda a la producción del segundo acto. La música de Weinberg retoma esto. Mientras que los prisioneros son retratados positivamente, los perpetradores son caricaturizados. Hay valses rudos o música de salón de jazz, brutales estallidos de violencia. Weinberg obtuvo estos marcados contrastes de la ópera “Lady Macbeth de Mtsensk” de Dmitri Shostakovich; Otro modelo es el “Wozzeck” de Alban Berg, y el poliestilístico remite a Alfred Schnittke.

Un punto culminante impactante es sin duda la alienación poliestilística de la “Chacona” para violín solo de Johann Sebastian Bach: justo en el medio de esta escena, Tadeusz es asesinado a golpes. Con Sophie Koch y Elena Tsallagova, Imbrailo forma un trío excepcional. La Orquesta Estatal de Baviera penetra de manera ejemplar en esta exigente partitura, y el Coro de la Ópera Estatal no está menos presente. Esta nueva producción es musicalmente toda una pieza, un gran logro. Jurowski es un maestro de la modernidad, esa es su especialidad. Lo importante, sin embargo, es que la ópera de Weinberg no ha perdido nada de su fuerza conmovedora en esta versión de Múnich.