Hay momentos en los que el vasto conjunto brilla y el personaje más convincente es definitivamente Dano’s Gill. Dano es un intérprete talentoso y es excelente aquí como un hombre que mantiene su cabeza fuera del agua cuando la mayoría estaría enormemente abrumada. Su esposa, interpretada por Shailene Woodley, está allí principalmente para sonreír y asentir conscientemente en los momentos adecuados y brindar aliento; es una pena que su personaje caiga en el molesto tropo de la esposa cariñosa de un gran hombre, sin adquirir mucha personalidad. propia.

Para una historia tan sorprendente e impredecible como lo fue la verdadera historia de GameStop, es frustrante ver que «Dumb Money» sigue una estructura tan familiar. Lo que hace especialmente bien es explorar el aspecto comunitario de la situación. Para que las acciones de GameStop se dispararan, fue necesario que personas de todo el mundo se unieran y no vendieran las acciones en constante aumento, que subieron más y más rápido de lo que cualquier experto podría anticipar. Las escenas de esos inversores, para quienes el dinero no les cambia la vida, luchando por venderlo o mantenerlo (¡manos de diamante!), es donde la película es más emocionante e incisiva. Vender cambiaría la vida, pero conservar es un impulso para un cambio social y estructural más amplio, y una oportunidad muy rara de dejarlo en manos de las empresas que tienen todo el control. También hay una mirada fascinante a la división general, donde los padres están desconcertados por las nuevas carteras de acciones de sus hijos, tal vez comprendiendo una verdad universal mejor que sus hijos: lo que sube debe bajar.

«Dumb Money» es un momento divertido en el cine, con buenas actuaciones y grandes momentos. Pero también parece demasiado pronto para hacer una película sobre eventos que sucedieron hace menos de dos años. Es imposible comprender realmente el impacto que tuvo la situación de GameStop en las finanzas y en el mundo en general porque simplemente es demasiado pronto. En este momento el impacto se siente como ondas, pero quizás dentro de 10 o 20 años podrían ser ondas.

/Calificación de la película: 6 sobre 10

Bob Bakish, CEO de Paramount Global, se encontró en su segunda llamada de ganancias para discutir una huelga en Hollywood.

“Me gustaría tomarme un momento para abordar el tema que es lo más importante para todos nosotros. Las continuas huelgas de escritores y actores. nos entristeció que, como industria, no pudiéramos llegar a un acuerdo que hubiera impedido esto. Nuestra asociación con la comunidad creativa es fundamental para la salud de nuestra industria, por lo que mantenemos la esperanza de una resolución oportuna y estamos comprometidos a encontrar el camino a seguir. Al mismo tiempo, tenemos la responsabilidad de minimizar las interrupciones para nuestra audiencia y otros constituyentes”, dijo.

Esto se produce después de que la WGA y la AMPTP no lograron llegar a un acuerdo para reanudar las negociaciones del contrato después de una reunión el viernes.

Si bien la compañía reveló que el flujo de caja libre sería «significativamente» mayor como resultado de los ahorros en costos, no puso un número al respecto, como lo hizo Warner Bros. Discovery al decir que ahorró alrededor de $ 100 millones como resultado. resultado de ambas huelgas.

El director financiero, Naveen Chopra, dijo: «Estimamos que el flujo de caja libre en la segunda mitad del año será significativamente más alto de lo esperado anteriormente» debido a la proyección cerrada relacionada con la huelga.

Bakish, quien destacó el éxito de la última serie de Taylor Sheridan de Paramount+ Operaciones especiales: Leonatambién señaló la forma en que estaba usando series como piedra amarilla para aumentar la pizarra de otoño de CBS.

“La pizarra ilustra la fortaleza de nuestra estrategia y base de activos multiplataforma global. Y es una de las formas en que nos mantenemos ágiles”, agregó.

Bakish también habló sobre su serie original internacional. Dijo que hay 85 originales internacionales ya producidos, en producción o con luz verde para Paramount+.

Esto incluye el drama británico. La bestia dorada y sexyuna adaptación de la clásica película británica de gánsteres y serie coreana que incluye un thriller criminal Ganga, Reina Woo y Un maldito día de suerte.

Les Films du Losange se ha embarcado en “Un silencio”, la nueva película sugerente del cineasta belga Joachim Lafosse (“Los inquietos”) protagonizada por Daniel Auteuil y Emmanuelle Devos. La compañía ha presentado una primera imagen exclusiva del drama oportuno en la víspera del mercado Unifrance Rendez-Vous en París que comienza esta semana.

La trama sigue siendo enigmática, pero Les Films du Losange dijo que girará en torno a Astrid (Devos), la esposa de un aclamado abogado (Auteuil). Silenciada durante 25 años, el equilibrio de su familia se derrumba repentinamente cuando sus hijos inician la búsqueda de justicia.

Auteuil y Devos se encuentran entre los actores más conocidos de Francia. Auteuil ganó previamente los premios Cesar y BAFTA. Sus créditos incluyen «La belle époque» de Nicolas Bedos y «Hidden» de Michael Haneke, mientras que Devos, quien también ganó un premio César, protagonizó anteriormente «Read My Lips» de Jacques Audiard y las películas de Arnaud Desplechin, incluida «A Christmas tale». y «Reyes y Reina».

Ahora en posproducción, “Un Silence” marcará la continuación de Joachim a “The Restless”, que compitió en Cannes en 2021. Uno de los cineastas más conocidos de Bélgica, Lafosse también dirigió anteriormente “Our Children”, un drama con Emilie Dequenne y Tahar. Rahim que representó a Bélgica en la carrera por los Oscar.

La película está producida por Stenola Productions («The Restless»), Samsa Film, Les Films du Losange y Prime Time.

Además de gestionar las ventas internacionales, Les Films du Losange estrenará la película en Francia. Otros distribuidores a bordo incluyen Cineart para Bélgica y los Países Bajos, y Samsa Film en Luxemburgo.

El esperado drama ha sido precomprado por Canal +, Ciné +, France 3, RTBF (televisión belga), Proximus y BeTV.

Les Films du Losange fue adquirida el año pasado por Charles Gillibert, el poderoso productor independiente francés de Mia Hansen-Love, Olivier Assayas, Pietro Marcello, Kirill Serebrennikov y Leos Carax, entre otros.

Para los fans de David O. Russell, Ámsterdam valió la pena la espera.

La primera película del escritor y director desde Alegría en 2015 es uno de sus mejores en una lista que incluye nominados a Mejor Película El luchador, libro de jugadas Silver Linings y ajetreo americano. Nunca un cineasta fácil de definir, excepto por su agudo talento para combinar la sátira, algunos elementos cómicos más oscuros y siempre la condición humana, su última película toma un camino sinuoso y sinuoso para convertirse quizás en la más alentadora hasta el momento, incluso como su mitad final. hora nos lleva a un territorio escalofriante cuando la realidad se encuentra con la ficción de formas inesperadas.

Sin embargo, todo esto está envuelto en un misterio de asesinato que abarca una era con capas complejas que siguen desarrollándose, así como una conmovedora historia de amor y amistad que trasciende los peores impulsos de la raza humana que extrañamente logran darnos alguna esperanza de que la vida de hecho vale la pena vivir.

Ese sería un tema clave para el viaje en el que Russell envía a su grupo de personajes de concepción única (interpretados por un conjunto de estrellas), en particular las tres personas en el centro de su historia, quienes, como otros, simplemente están buscando hogar de nuevo, habiéndolo perdido y esperando renovarse.

Inaugurado en 1933, nos encontramos con el Dr. Burt Bernedsen (Christian Bale) y su amigo abogado Harold Woodman (John David Washington), quienes se reunieron años antes sirviendo en la misma unidad durante la Primera Guerra Mundial en 1918. Dañados físicamente, surgieron como amigos para vida con optimismo, a pesar de los tiempos más oscuros que vivieron juntos. Sanando después de la guerra, como nos enteramos en los flashbacks, se reunieron con la artista/enfermera Valerie Voze (Margot Robbie), quien no solo pudo extraer metralla de los soldados heridos sino también convertirla en hermosos objetos de arte, un talento único. para una mujer con entusiasmo por la vida mientras los lleva desde un hospital belga a un gran momento en la Ámsterdam de la posguerra, un lugar donde se crearon recuerdos.

Sus caminos se vuelven a cruzar cuando ella recomienda a sus viejos amigos a una pariente llamada Elizabeth Meekins (Taylor Swift), cuyo padre, Bill Meekins (Ed Begley Jr.), nos enteramos en otros flashbacks, era el jefe de su unidad del ejército en Francia, una persona para que tienen en alta estima. Convocado para un procedimiento, o eso cree el Dr. Burt, pronto descubre que es el cadáver de Bill, y se le pide que participe en una autopsia ya que Elizabeth sospecha que fue asesinado. Después de un incidente sorprendente en las calles, Burt y Harold de repente se ven envueltos en el centro de una investigación complicada y en una madriguera de conejo que los pone de nuevo en contacto con Valerie y una serie de otros personajes ricamente dibujados que pueden, o no, — ofrecen pistas en el camino hacia un acto de violencia que tiene largos tentáculos.

La trama compleja permitió a Russell, un imán para los actores, interpretar deliciosamente esta película con un quién es quién de los actores. Aparecen para agregar intriga al misterio que se desarrolla, a menudo cómico, que también logra explorar el misterios de la vida, el amor y los buenos amigos como mecanismo imprescindible de supervivencia en un mundo oscuro que se oscurece cada minuto. Decir más sería estropear la diversión y, a pesar de que es una película con algunas cosas profundas para reflexionar sobre estos tiempos, en su mayoría es un viaje divertido para conocer a estos personajes y esperar lo mejor para ellos.

Bale, como de costumbre, desaparece en su papel de médico de buen corazón que se ve envuelto en un matrimonio superficial con su esposa Beatrice (Andrea Riseborough) provocado por una familia que decidió que debería casarse con un veterano de guerra solo por su apariencia. . Realmente no encaja, y eso queda muy claro cuando conoce a la enfermera de autopsias Irma St. Clair (una Zoe Saldana melodiosa), que tiene sus propios problemas de relación pero que realmente ayuda a Burt a ver que el amor puede ser la respuesta a todo. Harold de Washington arroja luz sobre lo que sufrieron los afroamericanos durante la guerra, ya que también emerge con una actitud más brillante a pesar de muchos inconvenientes, trabajando con socios enérgicos, incluido su número 2, Milton (bien interpretado por Chris Rock).

Agregue a Tom Voze (Rami Malek), el hermano difícil de leer de Valerie, y su esposa Libby (Anya Taylor-Joy), así como a los observadores de aves/espías internacionales (como nos dicen los gráficos en pantalla) Paul Canterbury (un excelente Mike Myers) y su socio Henry Norcross (Michael Shannon). Todos figuran en el misterio en curso, al igual que el más grande de todos los generales, Gilbert Dillenbeck, quien es interpretado con gracia y valor por quizás el más grande de todos los actores vivos, Robert De Niro, quien nuevamente encuentra un papel elegido en una película de Russell. Él también era amigo y colega de Bill y también tiene sus dudas sobre cómo murió. Acepta una invitación para hablar en una reunión de veteranos de Nueva York, que se convierte en un momento clave de mayor suspenso más adelante en la película. Un agradecimiento especial a la maravillosa actriz de carácter Beth Grant, que se roba sus escenas como la esposa de Dillenbeck, interpretando de manera experta algunas de las mejores líneas de Russell. “¿Por qué llamas General a tu esposo?” se le pregunta después de hacer precisamente eso. “Oh, solo hago eso durante la semana”, responde ella. «Entonces, ¿cómo lo llamas el fin de semana?» luego se le pregunta, y sin perder el ritmo responde astutamente: «Esa es una pregunta personal».

El guión original de Russell en realidad tiene la sensación de una adaptación de una novela, con sus personajes entrelazados y las situaciones en las que se encuentran, sintiéndose como una epopeya que pasa las páginas, una salida para Russell, pero que logra con gusto. Y al final te darás cuenta de que hay mucho que llevarte aquí si te entregas al viaje y lo consigues. Una visita obligada para el público adulto inteligente.

Ámsterdam es igualmente impresionante entre bastidores, con una cinematografía impresionante de Emmanuel Lubezki (tres veces ganador del Oscar por Gravedad, hombre pájaro y los Renacido); excelente diseño de producción de la colaboradora de Russell desde hace mucho tiempo, Judy Becker; excelente diseño de vestuario del veterano Albert Wolsky y su socio JR Hawbaker; y una partitura maravillosa y perfecta de Daniel Pemberton.

Una producción del siglo XX con New Regency, Disney estrenará la película de forma amplia y, apropiadamente, solo en los cines (donde debería verse) el 7 de octubre. Los productores son Russell, Bale, Matthew Budman, Anthony Katagas y Arnon Milchan. Mira mi reseña de video con escenas de la película en el enlace de arriba.

¿Planeas ver Ámsterdam? Háganos saber qué tú pensar.

“Superman & Lois”, cuya segunda temporada llega hoy a HBO Max, no es la típica historia de Superman. Por un lado, le da al Hombre de Acero y a su esposa ganadora del Pulitzer un par de hijos adolescentes. Por otro lado, tiene un enfoque claramente moderno (ver también: posterior a la recesión) de la ciudad natal de Superman, que logra a través de su interacción experta entre el diseño de producción y la fotografía. Si no está viendo el programa, es posible que se esté perdiendo una representación oportuna de la casa de Superman, una que exige ser vista no solo en sus propios términos, sino como una actualización reflexiva de la versión que existe dentro de la memoria cinematográfica.

Después de que Clark Kent (Tyler Hoechlin) y Lois Lane (Elizabeth Tulloch) pierden sus trabajos en el Daily Planet, cortesía de una compra corporativa, mudan a su familia de la bulliciosa Metrópolis a Smallville, Kansas, donde sus hijos Jordan (Alex Garfin) y Johnathan (Jordan Elsass) nunca ha vivido. Ciertamente es un ajuste para los adolescentes, pero lo que lo hace igualmente un ajuste para la audiencia es el marcado contraste del escenario con el Smallville que hemos llegado a conocer en la pantalla.

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La representación común de la ciudad, así como su ubicación en Kansas, se remonta a «Superman: The Movie» de Richard Donner de 1978. Este Smallville está pintado con tonos brillantes y sentimentales; es una ciudad de vallas blancas, vecinos amables, prosperidad de los años 50 y Norman Rockwell. Era el viejo mundo, un mundo idílico, en comparación con la metrópolis al estilo de Nueva York, plagada de crímenes, a la que finalmente se muda un Clark (Christopher Reeve) con los ojos muy abiertos, trayendo consigo un rojo brillante y azul (y rojo, blanco, y azul) la sencillez cuando se puso su famosa capa. Para cuando comenzó «Superman & Lois» en 2021, esta iteración de los Estados Unidos de las pequeñas ciudades, que durante mucho tiempo había sido la visión que los Estados Unidos tenían de sí mismos, ya era un sueño roto. Si bien la introducción del programa (un breve montaje retrospectivo de la infancia de Superman) sugiere una vivacidad, algunas de las primeras imágenes que vemos de Smallville en la actualidad son letreros de ejecución hipotecaria y calles vacías.

captura de pantalla

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Cuando el Clark de Hoechlin regresa a casa, lo que encuentra es un Smallville oprimido y frustrado a punto de inclinarse hacia la derecha, o inclinarse hacia cualquier corporación o político que pueda prometer trabajo a sus ciudadanos, y lo que sus hijos encuentran es un pueblo lleno de aburrimiento y nihilismo. embotado por el alcohol y una aparente crisis de opiáceos. El programa no es de ninguna manera un reinicio «oscuro y arenoso» (el propio Superman mantiene su optimismo con los ojos muy abiertos y brinda lo mismo a la gente de Kansas), pero en comparación con los brillantes programas de CW a partir de los cuales se desarrolló la serie, el más barato y «Supergirl» y «The Flash», más endebles; «Superman & Lois» está por encima, en su concepción exigente del tiempo y el lugar, luchando entre la adusta realidad de la América moderna y la nostalgia del Medio Oeste.

La relación de aspecto de pantalla ancha de 2.20:1 del programa (en comparación con el 16:9 de sus pares antes mencionados) ya lo ubica en un espacio cinematográfico claramente antiguo. Esta estética clásica se ve reforzada por el uso de lentes anamórficas (la serie Panavision B, diseñada originalmente en la década de 1960), que capturan la amplitud del paisaje y curvan sutilmente sus esquinas, como si estuvieran pintados con pinceladas. El director Lee Toland Krieger y el director de fotografía Gavin Struthers prepararon el escenario visual en los dos primeros episodios, antes de entregar las riendas a los directores de fotografía Stephen Maier y Gordon Verheul. Ha habido mejores horas de “Superman & Lois” (principalmente en su primera temporada), así como algunas peores ocasionales (principalmente en su segunda temporada), pero rara vez se han desviado del retrato y las composiciones cuidadosas que Krieger y Struthers introdujeron por primera vez.

La mayoría de las escenas son intercambios de diálogos, y el programa es mejor por eso, ya que las relaciones entre los personajes no solo entre ellos, sino también con su entorno, es fundamental para sus historias. El diseñador de producción de la serie Dan Hermansen también tiene una mano importante en esto, y no solo porque siempre parece haber una manija o una superficie para que Clark descanse, mientras reflexiona en silencio sobre su enfoque de la crianza de los hijos. La concepción de Hermansen de la granja de la familia Kent, cuyos cimientos se mantienen firmemente unidos pero cuya superficie ha comenzado a marchitarse y oxidarse, es un reflejo clave de las pruebas que enfrentaron los Kent después de su mudanza. Su incapacidad para adaptarse se manifiesta de manera agresiva (y pasivo-agresiva), lo que tiende a deshilachar la dinámica familiar, pero en última instancia, la resolución de cada historia los ve apoyándose el uno en el otro para sentirse cómodos.

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Los diseños de Hermansen para el resto de Smallville tienen un propósito similar, especialmente a medida que los personajes secundarios que no son superhéroes crecen en importancia, al igual que su participación en la política local. El enfoque narrativo es simple: la novia de Clark en la escuela secundaria, Lana (Emmanuelle Chriqui), espera suplantar al alcalde corrupto y caricaturesco de la ciudad, pero lo que lo hace brillar es la inmediatez con la que cualquier escena puede contarte sobre Smallville y su gente (o su creciente falta de del mismo; se ven menos figurantes paseando por sus calles a medida que avanza el espectáculo y la gente se va alejando). Los diseños de la ciudad, al igual que la tapicería marrón desteñida del comedor, insinúan un lugar que alguna vez fue brillante y cuyo brillo se ha desgastado. Esto funciona especialmente en conjunto con la gradación de color del colorista final Shane Harris, quien imbuye el escenario con una capa polvorienta. Incluso los disfraces que probablemente aparecieron en el set a menudo se encuentran silenciados en la pantalla, como si necesitaran encontrar una manera de recuperar sus tonos originales.

El corazón estadounidense de los recuerdos de Clark existe como si estuviera dentro de la conciencia cultural; podría, si así lo desea, argumentar que Smallville de «Superman: The Movie» es en lo que finalmente se convirtió este Smallville. Sus paisajes siguen siendo sorprendentes, aunque un poco tenues. Su gente sigue siendo educada y amistosa, a pesar de estar empantanada por problemas económicos. Todavía es una concepción del sueño americano, pero un sueño americano por el que se debe luchar y regresar a través de las acciones de su gente, que la cámara captura no como una mera subtrama televisiva, sino como su propia extensión del mito cinematográfico. transformado por la realidad.

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