Nathalie Emmanuel sabe todo acerca de no hablar de los proyectos en los que está. Siete años en “Juego de Tronos”, como Missandei, la favorita de los fanáticos, le dieron a la británica una lección instantánea sobre los peligros de estropear un programa donde gran parte de su popularidad se basaba en un suministro interminable. de sobresaltos y sorpresas (en su mayoría sangrientas).

Pero Emmanuel ahora no puede hablar de algo muy diferente y por razones muy diferentes.

“Megalópolis” es sin duda una de las películas más esperadas del año. La enormemente ambiciosa obra maestra, y posible largometraje final, del maestro cineasta Francis Ford Coppola es un proyecto que ha estado tratando de hacer despegar desde la década de 1980. Pero también es una película rodeada de misterio e intriga, autofinanciada con 120 millones de dólares y con especulaciones constantes sobre quién podría pagar la nada despreciable cuenta para estrenarla. Una proyección secreta en Los Ángeles para buscar compradores potenciales sólo avivó los rumores. Pero en vísperas de su gran estreno mundial en Cannes, la pregunta en boca de la mayoría de la gente es: ¿Es realmente bueno?

«Sentí que nunca había visto algo así… es épico, artístico y experimental», dice Emmanuel. Variedad, después de haber visto la película terminada en Londres, usando el tipo de lenguaje vago que ha acompañado a “Megalópolis” desde que alguien la vio. “Está en cierto modo en la línea de gran parte del trabajo de Francisco, que consiste en no conformarse de ninguna manera. Está muy en línea con su forma de hacer cine”.

Si bien las reacciones a la proyección de “Megalopolis” en Los Ángeles fueron amplias e igualmente ambiguas, una conclusión clave fue que Emmanuel, a pesar de estar entre un elenco estelar (que incluye a Adam Driver, Aubrey Plaza, Shia LaBeouf, Jon Voight, Dustin Hoffman y Giancarlo Esposito) , ofrece el rendimiento más sólido.

“Obviamente es muy agradable escuchar eso y lo recibo con humildad, en la medida de mis posibilidades”, dice con una sonrisa. Pero en el set, Emmanuel se consideraba la recién llegada. “Estas son personas a las que he admirado durante años, por lo que fue bastante intimidante. Estos son gigantes de nuestra profesión, los pesos pesados. Así que definitivamente hubo un elemento de procesamiento de eso”.

En la película, ambientada en una América moderna imaginada, Emmanuel interpreta a Julia Cicero, una socialité que se enamora de César Catilina (Driver), un artista genio que espera reconstruir la ciudad de Nueva Roma y crear un futuro utópico e idealista. Pero Catalina se enfrenta al alcalde (Esposito), que no sólo está comprometido a mantener el corrupto status quo, sino que resulta ser el cariñoso padre de Cicerón.

Emmanuel dice que su agente, Andrew Rogers de IAG, «estaba atento al proyecto» y se mantuvo en contacto regular con los productores sobre su participación. Pero todavía se sorprendió cuando recibió una llamada a finales de 2021 diciendo que Coppola quería hablar. Ella estaba filmando en Budapest en ese momento, por lo que tuvo una reunión nocturna por Zoom con el director, que pronto se convirtió en un juego.

“Francis me pidió que eligiera una frase de la letra de una película o canción, una cita o un chiste, y luego me pidió que la dijera de varias maneras, como, ‘Oh, dilo como Ofelia’ o ‘Dilo como si estuvieras rompiendo’. malas noticias para alguien’ o ‘Dilo como si fuera un secreto’”, dice, señalando que eligió una cita de “El color púrpura”. “Supongo que para él fue un ejercicio ver cómo tomaba la dirección. Obviamente hay multitud de formas de entregar cualquier línea”.

La forma en que Emmanuel expresó su línea claramente convenció a Coppola y unas semanas después, sin ninguna audición ni proceso de casting formal, recibió una llamada diciendo que el papel principal era suyo. «Fue un proceso muy inusual, pero supongo que así es como él hace las cosas… y no voy a cuestionarlo», dice.

Un año después, Emmanuel estaba en el set de Coppola en Atlanta, lo que, según ella, era como ser «parte de una orquesta y él es el director». Servir a la “visión de un cineasta visionario” fue algo que ella describe como algo “que no se parece a nada que haya experimentado jamás y que probablemente nunca volveré a experimentar”.

Aparecer en el casi mítico proyecto apasionante de larga gestación de uno de los directores más célebres de todos los tiempos será sin duda un hito para la mayor parte del elenco de “Megalopolis”, independientemente de su experiencia. Pero para Emmanuel, cuya carrera posterior a “Thrones” la ha visto unirse a la familia de “Fast & Furious” en cuatro películas y aparecer en dos títulos de “Maze Runner”, esto la catapulta en una dirección completamente nueva.

“Es una nueva dirección y creo que es una buena dirección. Pero no me gusta limitarme. Intenté activamente mirar a mi alrededor y decir: ‘Oh, intentémoslo aquí’”, dice. “Pero creo que esta película está muy fuera del molde habitual de Hollywood, donde la integridad artística se tiene en alta estima. Así que me siento muy afortunado de ser parte de algo que no tiene ningún tipo de disculpa. Obviamente estamos hablando de uno de los mejores cineastas aquí, pero espero poder trabajar con más personas que sean muy respetadas”.

Y Emmanuel ya lo está, habiendo filmado recientemente la nueva versión en inglés de John Woo de su clásico de acción de 1989 “The Killer” para Universal y Peacock. Ella está en el papel principal del asesino a sueldo que Chow Yun-Fat hizo famoso, y esta vez la violencia se traslada de Hong Kong a París.

«Una cosa es rehacer una película tan icónica, lo cual ya es realmente intimidante, porque el original es muy bueno, pero otra es rehacer esa película con el mismo director y hacer un cambio cultural que combine estilos de acción orientales y occidentales». ella dice.

Woo es alguien que, según Emmanuel, es «muy romántico con su dirección», y agrega que «baila con la cámara, por lo que se siente muy dinámico y también algo sexy».

“The Killer” se estrenará a finales de este año y, junto con “Megalopolis”, empuja a Emmanuel a un territorio un tanto raro como protagonista de cineastas pioneros tanto en el mundo del cine artístico como en el de acción. Pero antes de que pueda contemplar esto, hay otro hito en su carrera que alcanzar: la alfombra roja para el boleto más popular de Cannes.

«Es un verdadero momento para mí estar en una película que está en competencia en Cannes, es algo que está en la lista de deseos», dice. “Eso es realmente emocionante. Pero sí, también da un poco de miedo no cometer un error y decir algo equivocado”.

Afortunadamente, no pasará mucho tiempo antes de que los misterios de «Megalópolis» finalmente salgan a la luz.

De repente, el clarinetista se agarra el cuello, jadea en busca de aire y sale tambaleándose del escenario antes de desplomarse. Un pérfido ataque con veneno eclipsa un concierto conmemorativo que una orquesta judía ofrece en el KKL de Lucerna en memoria de las víctimas del Holocausto. Y un mecenas rico, que acaba de ser celebrado como salvador de los judíos, se enfrenta a un capítulo oscuro de su pasado.

A través de Episodio “Tatort” “La música muere al final” La Orquesta de Cámara Judía de Múnich se hizo conocida entre millones de televidentes en los países de habla alemana. En este espectacular thriller policial, rodado en una sola toma sin montaje en 2018, la Orquesta de Cámara Judía interpreta, entre otras cosas, obras de compositores como Erwin Schulhoff y Viktor Ullmann, perseguidos y asesinados por los nacionalsocialistas durante la Segunda Guerra Mundial.

Lograr que los oyentes se comprometan personalmente con la historia: esa ha sido la preocupación central de la orquesta de cámara, fundada en 2005 y también conocida con el acrónimo JCOM, desde el principio. Hasta hace seis años actuaba bajo el nombre de “Orquesta Jakobsplatz München”: a principios de este siglo se construyeron en esta plaza del casco antiguo un museo judío, una sinagoga y un centro comunitario. El elenco de la orquesta es internacional y no todos los miembros son judíos. Pero a todos les une el deseo de hacer tangible la vida judía en todas sus facetas y también de reducir los temores que puedan existir.

Reto de recordar

Con su último proyecto “El destino de Koffler”, la JCOM recuerda al compositor Józef Koffler, que cayó en el olvido a pesar de que muchas de sus obras han sobrevivido. Koffler fue detenido por la Gestapo en el este de Polonia en 1944 y asesinado junto con su familia. Koffler ocupó la única cátedra de composición atonal del país en el Conservatorio de Lemberg, ahora Lviv en Ucrania, y fue uno de los pioneros de la nueva música como seguidor de Arnold Schönberg. Uno de sus alumnos fue Roman Haubenstock-Ramati, cuya ópera de Kafka “América” fue resucitada recientemente de la oscuridad en la Ópera de Zúrich.

El Trío de Cuerdas op. 10 de Koffler, compuesto en 1928 e interpretado por el JCOM en un nuevo arreglo para orquesta de cámara, es muy pegadizo para una pieza dodecafónica y impresiona especialmente por su riqueza de melodías. Sin interrupción, la orquesta, dirigida por su fundador Daniel Grossmann, pasa a continuación a una selección de las “Variaciones Goldberg” de Bach. Koffler orquestó el ciclo, escrito para clavecín, durante la década de 1930. En vista de la amenaza que representaban la Alemania nazi y las “purgas” estalinistas en la Unión Soviética, dejó de componer en ese momento. Al adaptar obras de otras personas, logró retirarse de la vista del público sin renunciar por completo a la música.

Durante la interpretación de “Koffler’s Fate”, la orquesta se detiene una y otra vez. En el silencio, la actriz Jelena Kuljić recita fragmentos de texto de Stella Leder, nieta del escritor Stephan Hermlin, que parecen dolorosos puntos de inflexión. “Algo pasó entre tú y yo mucho antes de conocernos”, grita Kuljić al público. “Quizás todavía erais niños y yo ni siquiera había nacido todavía. Nadie espera encontrarse con judíos o descendientes de supervivientes”.

Los textos tratan sobre el destino del compositor, incluido el asesinato de su esposa y su hijo pequeño. Al mismo tiempo, las generaciones actuales se enfrentan al desafío de recordar un pasado repetidamente reprimido: “Mi existencia toca una vieja herida escondida. No puedo decirte que no tengo la culpa de tu lesión”.

Stella Leder quería escribir un texto incómodo que tuviera como objetivo sacudir a la gente, explica Daniel Grossmann en una entrevista. Su familia proviene de Hungría; muchos parientes de la generación de sus abuelos murieron en Auschwitz. «Mis padres nacieron después de la guerra, e incluso en las familias judías no pudieron hablar de lo sucedido durante mucho tiempo», dice Grossmann.

Para Grossmann es muy importante la conmemoración pública de las víctimas del Holocausto en Alemania y el reconocimiento de su culpabilidad. “Pero esta institucionalización también significa que el debate individual tiende a pasar a un segundo plano. Todos deberían pensar en lo que significa para ellos hoy este recuerdo. Aunque él mismo no tiene la culpa directa y los bisabuelos que vivieron esa época hace tiempo que murieron.

Después de su estreno en el Teatro de Música de Munich, “El destino de Koffler” se representó, entre otros lugares, en el Festspielhaus Hellerau de Dresde. El Centro Europeo de las Artes también aborda en sus programas de forma diferenciada el difícil legado histórico, entre ellos el suyo propio. La directora artística de Hellerau desde 2018 es Carena Schlewitt, nacida en Leipzig, que anteriormente dirigió durante diez años el centro cultural Kaserne Basel. La sala de festivales, construida en 1911, fue inicialmente un laboratorio de vanguardia. Allí trabajó el educador musical suizo Émile Jaques-Dalcroze, uno de los padres de la danza expresiva moderna. Pero también hay un lado oscuro: bajo los nazis, la casa se convirtió en un centro de entrenamiento para un batallón de policía de las SS que, al igual que los asesinos de Koffler, participó en la guerra de exterminio de Hitler.

Arte en lugar de intercambio de golpes

Grossmann y sus músicos no sólo quieren mantener viva la memoria de los compositores perseguidos y olvidados, sino también seguir vivas las tradiciones. Un gran acontecimiento es, por ejemplo, el concierto con motivo del Año Nuevo judío que se celebra cada otoño en el Prinzregententheater de Múnich. El amplio espectro artístico de la orquesta también incluye comedia judía y jazz, así como música de cine. En la Berlinale 2018, JCOM interpretó por primera vez la música recién compuesta por Philippe Schoeller para la película de 1923 “The Old Law”. Bajo el título “Los judíos en los Alpes” A finales de abril se proyectará en Munich la música de Paul Hindemith para la película muda de Arnold Fanck «En la lucha con la montaña», que trata sobre la ascensión al Liskamm en los Alpes del Valais.

Cuando se le pregunta hasta qué punto los acalorados debates de nuestro tiempo influyen en su trabajo, Grossmann es muy específico: no quiere participar en los debates polarizadores sobre el antisemitismo que están siendo alimentados por el ascenso del populismo de derecha y la guerra en el Medio Oriente. «¿Por qué debería unirme a este grito? «No quiero tener debates en blanco y negro», subraya. «Por supuesto que el arte también es político. Según tengo entendido el arte, no es un lugar para un intercambio general de golpes ».

La primera impresión es a través del sentido del olfato. Cualquiera que abra la puerta de la Heinrichstrasse 69, en el distrito 5 de Zúrich, se sentirá inmediatamente recibido por el frescor terroso de la madera de abeto. De este material se fabrican no sólo las baldosas de parquet, sino también las tiras verticales del revestimiento.

Los muebles de madera sirven para garantizar la transparencia acústica de esta luminosa y acogedora habitación, así como su altura: del techo de cinco metros de altura cuelgan esbeltas lámparas. Debajo hay dos docenas de atriles alineados. En un rincón, un piano de cola Steinway espera las actividades musicales, frente a una batería y un amplificador de bajo entre ambos. En el futuro se realizarán aquí los ensayos de la Orquesta de Jazz de Zúrich (ZJO). La ZJO ha encontrado por primera vez su propio hogar en la nueva “Jazzhaus” del distrito 5 de Zúrich, que ya está lista para ser habitada.

Se puede alquilar todo

La gran sala de ensayo, que también puede servir como estudio de grabación, es el corazón de la casa de jazz. Una entrada independiente conduce a la planta superior, donde, además de una sala de oficina, hay otras dos salas de ensayo más pequeñas, cada una equipada con un piano.

Todas las instalaciones también deberían alquilarse a trabajadores culturales externos, explica Bettina Uhlmann, directora general y directora de la Zurich Big Band. Un coro y un teatro ya han manifestado su interés. Dado que la ZJO tiene que pagar en gran medida el alquiler de la nueva casa de jazz, se alegran cuando los ingresos de los conciertos y el dinero de los mecenas y patrocinadores se complementan con ingresos adicionales.

Sobre todo porque la renovación de la Jazzhaus no fue gratuita: los costes ascienden a 1,6 millones de francos. La ZJO adquirió una gran parte de esta cantidad: 500.000 francos proceden de fundaciones benéficas y de particulares, 380.000 francos del Fondo Cultural del Cantón de Zúrich y 125.000 francos de la ciudad de Zúrich. «Dr. Contribuyó la Fundación Stephan à Porta, propietaria de la casa.

La ZJO existe desde 1995. Lo que comenzó como una asociación informal de unos pocos entusiastas de las big band se ha convertido con los años en un conjunto profesional que goza de una buena reputación internacional. Esto también se ve respaldado por el hecho de que ZJO siempre está dirigido por excelentes líderes de banda. Personalidades como el alemán Steffen Schorn o, como es el caso actualmente, el estadounidense Ed Partyka, han creado una formación de músicos de jazz de Zurich que, por un lado, domina el repertorio clásico de las big band, pero, por otro, está constantemente creando un nombre propio con proyectos originales y ambiciosos.

Se escucha todo muy claro

La ZJO tiene para la reputación del jazz de Zurich la misma importancia que la Orquesta de Cámara de Zurich (ZKO) para la escena de la música clásica, en cuyas instalaciones en Tiefenbrunnen la formación de jazz ya ha ensayado si es necesario. De hecho, en los últimos años se ha vuelto cada vez más difícil garantizar el funcionamiento profesional de la ambiciosa big band de Zurich. Bettina Uhlmann puede contarnos un par de cosas sobre cómo el grupo se desplazaba entre el Toni-Areal, el club de jazz Moods, el edificio de la escuela Chancellery o la casa ZKO para los ensayos; y siempre había que transportar partituras y sistemas de amplificación.

En tiempos de necesidad, Uhlmann empezó a buscar su propio edificio hace años. Así encontró la antigua tienda de artesanía en el distrito 5, muy cerca del teatro Stimme. Con el “Dr. Pronto se negoció un contrato con la Fundación Stephan à Porta. Sin embargo, el proyecto se retrasó porque el inquilino anterior tardó más en utilizar la casa.

Están muy contentos de que la renovación se haya realizado casi sin problemas. La big band ya ha inaugurado la sala de ensayo diseñada por el conocido especialista en acústica Martin Lachmann. Los músicos están muy satisfechos, pero también entusiasmados: «Se escucha todo muy claramente, incluso los errores», dice entre risas Bettina Uhlmann.

Cuanto más dura un conflicto militar, mayor es el riesgo de acostumbrarse a una situación que en realidad es insostenible. Especialmente para terceros que no están directamente involucrados, el entumecimiento, la gradual aceptación de esta situación, es un dilema moral. La gente simplemente toma nota de los recurrentes informes sobre el número de víctimas, destrucción e incluso crímenes de guerra, con creciente indiferencia, ya sea por impotencia o por autoprotección ante el exceso de sufrimiento y horror que nos golpea en los medios de comunicación día tras día. .

En el mundo cultural, que se transformó en una especie de espectáculo moral secundario inmediatamente después del inicio del ataque ruso a Ucrania, se puede observar un desarrollo paralelo: si bien las discusiones sobre las apariciones de destacados artistas rusos en Occidente se llevaron a cabo inicialmente de manera implacable, Esto ya está surtiendo efecto de manera adecuada y con normas morales muy elevadas. Hace tiempo que se desea que todo siga como hasta ahora. Especialmente en la industria de la música, que al principio fue especialmente turbulenta, hubo un acuerdo tácito sobre un cierto pragmatismo.

Atrás quedaron los días en los que los nombres rusos en las sábanas fundidas llevaban inmediatamente a una apasionada investigación sobre cómo veía el respectivo invitado la política del régimen de Putin en el pasado y en el presente y si esta actitud podría ser una razón de peso para un rechazo o incluso para una opinión pública. se debe derivar la desinvitación. Después de que en 2022 se hablara de casos ejemplares como el del director de orquesta y partidario de Putin Valery Gergiev o el de la cantante Anna Netrebko, que maniobraba con torpeza, en 2022 parecía imponerse cada vez más una forma de habituación. Pero a mediados de febrero un rechazo sensacionalista hizo que el castillo de naipes se derrumbara.

en la zona gris

La directora de orquesta ucraniana Oksana Lyniv, la primera mujer responsable de una nueva producción en la inauguración del Festival Richard Wagner en Bayreuth en 2021 y que la ha dirigido con éxito todos los veranos desde entonces, frustró el acuerdo al declarar que podría hacerlo hasta el final. No se puede esperar que los músicos de la Orquesta Sinfónica de Kiev actúen en el mismo contexto programático que el director greco-ruso Teodor Currentzis en el Festival de Viena de 2024.

Este escándalo, provocado deliberadamente o accidentalmente, abrió los ojos del mundo de la música a su propia hipocresía: Currentzis ya estaba en camino de blanquear la zona gris moral y política en la que se desarrollan las actuaciones de este artista desde hace más de dos años.

El propio Currentzis garantiza esta zona gris al negarse persistentemente a comentar sobre la guerra de Putin en Ucrania, a pesar de que continúa actuando tanto en Occidente como en Rusia y, por lo tanto, enfrenta preguntas sobre su posición política y cualquier dependencia del régimen del Kremlin. Sin embargo, su silencio se sale con la suya ante muchos amantes de la música, sobre todo porque sabe declarar este rechazo como su convicción artística más íntima: Currentzis se expresa exclusivamente con y en su arte, según sus estrategas de relaciones públicas; No toma posición sobre otros asuntos, por así decirlo, “mundanos”.

El patrón argumental no es nuevo, incluso es clásico dada la delicada situación de los artistas en sistemas dictatoriales. Grandes figuras como el director de orquesta Wilhelm Furtwängler y el compositor Richard Strauss han invocado estos motivos idealistas para justificar ante la posteridad su problemática participación en el “Tercer Reich”. Lo consiguieron sólo parcialmente: los enredos quedaron como manchas irritantes en sus biografías. Por supuesto, siempre ha habido esfuerzos por restar importancia a hechos tan incómodos en vista de la extraordinaria importancia de estos artistas.

adoración de culto

Hay muchos indicios de que Currentzis está siguiendo una estrategia similar con su silencio. Obviamente está ganando tiempo y cuenta con el creciente entumecimiento del público ante las discusiones morales. Al mismo tiempo, puede confiar en la veneración casi de culto que todavía le muestran algunas partes del mundo de la música. Especialmente en la fase inicial de su presencia cada vez mayor en Occidente, alrededor de 2010, bastantes personas lo vieron como un innovador en la escena de la música clásica.

Sus interpretaciones, sin duda muy destacadas, que por lo general parecen un poco más ensayadas y más convincentes que las de la competencia establecida, realmente sacudieron a esta compañía y dieron la impresión de que aquí trabajaba un profesional. Currentzis, por su parte, alimentó esta percepción con un comportamiento que recordaba a un sacerdote ortodoxo, un sumo sacerdote o un gurú de una secta que había dedicado toda su existencia al arte.

Currentzis ha reducido notablemente últimamente este momento de autodramatización, pero todavía es difícil escapar a la perfección coreografiada hasta el último detalle y al atractivo seductor de sus actuaciones. Sus últimas apariciones como invitado en el Festival de Salzburgo en los veranos de 2022 y 2023, que fueron aplaudidas casi unánimemente por el público, subrayan el impacto ininterrumpido y sugerente de este artista.

Luz y sombra

Quien quisiera mirar más de cerca, sin embargo, podría descubrir inconsistencias en la imagen del idealista que antes de 2022 se dedicaba únicamente al gran arte. Por ejemplo, cuando se hizo público el alto precio que tuvieron que pagar los miembros de los conjuntos fundados por Currentzis en Rusia. Su perfección aparentemente tiene el precio de estructuras autoritarias, extensos tiempos de ensayo y un extraño espíritu de cuerpo.

Se pueden justificar tales excesos con el idealismo o con la dinámica de grupo necesaria para que los miembros del conjunto sonoro original Musica Aeterna y el coro asociado puedan calentar de tal manera el mundo clásico. Sin embargo, no se puede ignorar que en torno a la carismática figura del líder Currentzi ha surgido un sistema que también representa un lucrativo modelo de negocio.

Las incansables actividades de Currentzis en Oriente y Occidente sirven para mantener este sistema en funcionamiento, artística y financieramente. Incluso después del estallido de la guerra en Ucrania, esto siguió funcionando. También porque un sorprendente número de organizadores, a quienes Currentzis y sus seguidores siempre llenan, están dispuestos a aceptar la narrativa del idealista que habla únicamente a través de su arte. Dado que algunos de los patrocinadores estatales rusos de Musica Aeterna, incluidos VTB Bank y Gazprom, están en las listas de sanciones, se ha creado un proyecto legalmente inexpugnable y un conjunto de reemplazo con la Utopia Orchestra, que cuenta con el apoyo oficial de una fundación privada de Salzburgo. Sin embargo, su programación se basa en gran medida en el grupo de miembros de Musica Aeterna.

La fijación en la figura luminosa junto al escritorio también aumenta la dependencia de los músicos de Currentzis. Los seguidores del director de orquesta en Occidente a menudo interpretan este argumento como positivo para explicar por qué Currentzis no puede explicar la situación política: al fin y al cabo, él es responsable de sus músicos, sobre todo de su sustento. Por tanto, exiliarse, que probablemente sería posible para el griego nacido en Atenas en 1972, no es una opción.

Un artista ruso

Suena heroico, pero es otra exageración idealista por parte del artista. No reconoce que la obra de Currentzis y toda su socialización como artista han tenido un centro claro durante más de tres décadas. Y eso es en Rusia. Aquí, entre 1994 y 1999, obtuvo los toques finales en el Conservatorio de San Petersburgo con el legendario director de orquesta Ilya Musin, entre cuyos alumnos también se encontraban Yuri Temirkanov, Semyon Bychkov y Valery Gergiev. Aquí fundó sus conjuntos Musica Aeterna en 2004. Y aquí creó una base artística y logística como director titular, primero en el Teatro de Ópera y Ballet de Novosibirsk y, a partir de 2011, como director musical en Perm.

Desde Rusia, que en 2014 concedió a Currentzis su ciudadanía por decreto de Vladimir Putin y que desde entonces le ha concedido grandes honores, las giras con sus músicos le llevaron rápidamente a Occidente cada vez con mayor frecuencia y pronto a lugares importantes como los festivales. en Aix-en-Provence y Lucerna, y desde 2017 también al Festival de Salzburgo. Desde 2019, la administración detrás de Musica Aeterna tiene su sede oficial en San Petersburgo. También se dice que aquí tiene su residencia Currentzis, que siempre protege todo lo privado.

Por lo tanto, no hay que dejarse cegar: independientemente de sus dos pasaportes, de su compromiso (que pronto expirará) como director titular de la Orquesta Sinfónica SWR de Stuttgart y de sus actividades como invitado internacional, uno debería considerar a Currentzis como un artista ruso y evaluar sus acciones en consecuencia. Eso es exactamente lo que hizo Oksana Lyniv cuando se negó a aparecer con él en el mismo programa de Viena. Lyniv dijo que no estaba dispuesta a “blanquear” a Currentzis.

Lo que quiso decir con eso queda claro cuando miras el trabajo que estaba previsto para la presentación de Currentzis antes de que el director del festival, Milo Rau, decidiera cancelarlo. Currentzis debería haber dirigido el “Réquiem de guerra” de Benjamin Britten: el llamamiento a la paz más urgente, escrito por un pacifista declarado, que haya producido la música del siglo XX. Se puede interpretar esto como una declaración idealista, incluso como un mensaje oculto de un artista que no puede posicionarse con mayor claridad. Pero también se puede considerar oportunista la elección del trabajo. O simplemente de mal gusto, dadas las atrocidades cometidas por Rusia en tiempos de guerra. A Teodor Currentzis le preocupa esta zona de tensión.

Muere la actriz Vera Chéjova a los 83 años

(dpa) La actriz y directora Vera Chejova falleció el miércoles (3 de abril). Murió en Berlín a la edad de 83 años tras una breve y grave enfermedad, según anunció la agencia Ute Nicolai. En su carrera cinematográfica y televisiva de décadas, Chéjova apareció en casi 100 papeles entre los años cincuenta y noventa. También hubo numerosos compromisos en los principales teatros alemanes.

Vera Tschechowa recibió el Premio Federal de Cine en 1962 por la adaptación cinematográfica de Heinrich Böll “El pan de los primeros años”. El público la conoce también por películas como “El tiempo de la sensibilidad”, “Rausch der Verwandlung” o por sus apariciones en televisión en “Tatort” o “Ein Fall für zwei”.

En los años 80, rodó con su entonces marido Vadim Glowna la película de Cannes “Desperado City”, la adaptación cinematográfica de Max Frisch “Barba Azul” y el documental “Chéjov en mi vida” sobre su famosa familia rusa. Era bisnieta del dramaturgo Anton Chejov. Tanto su madre como su abuela eran actrices.

Desde los años 90, Chéjova prefirió estar detrás de la cámara y retrató a colegas de cine como Katja Riemann, Klaus Maria Brandauer y Michael Ballhaus. Según sus familiares, Vera Chéjova murió “después de una breve y grave enfermedad”.

El director de orquesta alemán Tilman Michael se convierte en director del coro de la Metropolitan Opera de Nueva York

(dpa) El director de orquesta alemán Tilman Michael (49) pasa de la Ópera de Frankfurt al Met de Nueva York como director de coro. A partir de la próxima temporada, Michael asumirá la dirección del coro de la reconocida Ópera Metropolitana de Nueva York, según anunció la institución de Manhattan el miércoles (3 de abril). «Tilman Michael es un colega y amigo desde hace mucho tiempo cuyo trabajo respeto profundamente y a quien doy la más cordial bienvenida a la familia Met», dijo el director musical Yannick Nézet-Séguin. Michael dijo que se siente honrado y espera poder contribuir a la creación de “música excepcional en esta ópera tan especial”.

El alemán sustituye al director de orquesta estadounidense Donald Palumbo, de 75 años, que anunció su retirada el año pasado. Palumbo había dirigido el coro del Met durante 17 años.

Tilman Michael dirige el coro de ópera de Frankfurt/Main desde 2014 y anteriormente trabajó en Mannheim. También ha trabajado con muchos otros conjuntos en otras instituciones. Al igual que la Ópera de Frankfurt, la Ópera Metropolitana es uno de los mejores teatros de ópera del mundo.

Muere el ganador del Oscar Louis Gossett Jr. a los 87 años

(dpa) Ha muerto el actor estadounidense Louis Gossett Jr., a la edad de 87 años, informaron el viernes (29 de marzo) medios estadounidenses como CNN y NBC, citando un comunicado de su familia. «Con profundo pesar confirmamos que nuestro padre murió esta mañana», dijo el comunicado según citaron los medios. “Nos gustaría agradecer a todos por sus condolencias. Respete la privacidad de la familia durante este momento difícil”.

En 1983, Louis Gossett Jr. se convirtió en la primera persona negra en ganar un Oscar al Mejor Actor de Reparto. Antes de Gossett, sólo dos negros habían ganado el Oscar de interpretación: Hattie McDaniel (1940) a la mejor actriz de reparto en “Lo que el viento se llevó” y Sidney Poitier como actor principal en “Los lirios del campo” (1964). En abril de 1983, a la edad de 46 años, Gossett aceptó el Oscar por su papel en la película «Un oficial y un caballero». En él interpretó a un aterrador instructor de la Marina de los EE. UU. que somete a sus alumnos a ejercicios brutales. En su breve discurso en el escenario de los Oscar, Gossett agradeció a su antiguo agente en funciones y a sus padres. No habló de las desventajas que enfrentan los actores negros en Hollywood.

Más tarde se volvió más explícito, uniéndose a la tormenta de indignación por la no nominación del talento negro y abogando por la diversidad. “No es necesario ser negro o latino, todos somos parte de una familia”, dijo Gossett, quien ha estado casada tres veces y tiene dos hijos. El actor hizo campaña contra la discriminación y el racismo con una fundación.

El maestro del acero: muere el escultor estadounidense Richard Serra

(dpa) El artista Richard Serra falleció este martes a los 85 años. Según constantes informes de los medios, murió a causa de una neumonía. Con unas enormes esculturas de acero, Serra se convirtió en uno de los escultores más importantes y exitosos del mundo. Pero también siempre fue controvertido. El artista enfatizó repetidamente que la popularidad de su obra no significaba nada para él. “No creo que la función del arte sea agradar”.

La mayoría de las obras de Serra, muchas de ellas basadas en modelos fabricados en Alemania, son de gran tamaño y pesan varias toneladas. Ha creado esculturas para más de 100 lugares públicos, desde Filadelfia y San Luis hasta São Paulo, Bochum y Kassel. Sin embargo, en medio de una disputa, retiró su diseño para el monumento conmemorativo del Holocausto en Berlín. La idea básica con un mar de estelas surgió de él. Pero cuando cambiaron su diseño, Serra lo retiró “por motivos personales y artísticos”. Otra escultura en Nueva York fue desmantelada tras fuertes protestas. Serra era “tan férreo e intransigente como sus obras”, escribió una vez el “Guardian” británico.

Serra vivió y trabajó recientemente en Nueva York, Long Island y Nueva Escocia, Canadá. Nació el 2 de noviembre de 1938 en San Francisco. Su padre trabajó durante varios años en un astillero, donde el amor de su hijo por las estructuras de acero, que ya había surgido al observar los barcos a través de la ventana de su dormitorio infantil, se alimentó aún más.

Serra estudió literatura inglesa en la Universidad de California en Santa Bárbara y en la elitista Universidad de Yale. Luego viajó a Nueva York, donde conoció a otros artistas como Donald Judd, Dan Flavin y Jasper Johns y pronto comenzó a experimentar con plomo y acero. Las esculturas de Serra se hicieron más grandes y pesadas y finalmente el acero empezó a tener curvas. Con gran efecto, como dijo más tarde Serra: “La gente reaccionaba a las curvas como nunca antes había reaccionado ante las curvas y las líneas rectas. Nunca antes habían visto eso. La gente estaba preparada para las curvas”. Como resultado, cada vez más galerías y museos de renombre liberaron enormes espacios para Serra.

Redadas contra el rapero estadounidense Sean “Diddy” Combs tras acusaciones de abuso sexual

(dpa) Sean “Diddy” Combs es una autoridad en el mundo del hip-hop. Los investigadores estadounidenses han registrado las casas del rapero («Bad Boy for Life», «I’ll Be Missing You») en California y Florida. Está acusado de violencia sexual.

A petición de la emisora ​​estadounidense CNN, la agencia de Investigaciones de Seguridad Nacional (HSI) confirmó el lunes las redadas en Los Ángeles y Miami. No se reveló nada sobre los antecedentes. El equipo de portavoces del músico no respondió inicialmente a una solicitud de la Agencia de Prensa Alemana. Los investigadores de HSI dependen del Departamento de Seguridad Nacional de EE. UU.

Ha habido acusaciones de violencia sexual contra el rapero en los últimos meses. El productor Rodney “Lil Rod” Jones, que trabajó con Combs en su disco nominado al Grammy “The Love Album: Off the Grid”, presentó una demanda en un tribunal federal de Nueva York en febrero. Acusa al hombre de 54 años de acosarlo sexualmente, drogarlo y amenazarlo durante más de un año. Combs, uno de los representantes más exitosos de la industria del hip-hop, que también trabaja como productor discográfico, actor y en otras áreas comerciales, hizo que su equipo legal rechazara las acusaciones como mentiras.

En diciembre de 2023, una mujer anónima presentó una demanda acusando a Combs y a otros dos hombres de drogarla y violarla cuando tenía 17 años en 2003 en el estudio del rapero en Nueva York. Anteriormente, tres mujeres habían presentado demandas civiles contra Combs, incluida su exnovia, la cantante Cassie, quien acusó al rapero de, entre otras cosas, abuso sexual, violación, intimidación y violencia física durante su relación. Combs llegó a un acuerdo con Cassie en noviembre.

Douglas Wigdor, el abogado de Cassie y otra mujer no identificada, respondió a los informes de la redada el lunes con una declaración que estuvo a disposición de la Agencia de Prensa Alemana. En él, expresó la esperanza de que Combs fuera considerado responsable de su “comportamiento reprensible”.

El director alemán Volker Schlöndorff, que ganó la Palma de Oro de Cannes y un Oscar por su drama de 1979 «El tambor de hojalata», dirigirá una película sobre cómo Antonio Vivaldi, el compositor italiano del siglo XVIII de «Las cuatro estaciones» – formó lo que se promociona como la primera orquesta exclusivamente femenina del mundo.

La descripción aún sin título que hace Schlöndorff de este aspecto menos conocido de la carrera de Vivaldi está basada en un libro del escritor alemán Peter Schneider, que ha sido adaptado a la gran pantalla por el escritor italiano Francesco Piccolo (“Mi brillante amigo”) junto con el director.

El plan es que las cámaras empiecen a grabar a finales de este año la película, que marcará la primera incursión en el cine en italiano de Schlöndorff, que habla con fluidez. Se rodará íntegramente en Italia. El casting aún está por decidirse y es probable que las ventas se inicien en el mercado de Cannes en mayo.

El nuevo proyecto de Schlöndorff está siendo producido por la productora italiana nominada al Oscar Donatella Palermo, que guió a dos ganadores del Oso de Oro de Berlín en “Caesar Must Die” de los hermanos Taviani y “Fire at Sea” de Gianfranco Rosi, a través de su Stemal Entertainment, con sede en Roma. , en coproducción con las francesas Citè Films y Argos Films, así como con la alemana Volks Film.

La música de Vivaldi suena en todo el mundo, pero no todo el mundo sabe que él también fue sacerdote, apodado “il prete rosso” (el sacerdote rojo) por su pelo rojo. Trabajó toda su vida como educador musical y profesor de violín en un orfanato en Venecia llamado Pio Ospedale della Pietà, establecido por la clase dominante local para criar a mujeres jóvenes y darles perspectivas “más allá de un matrimonio arreglado o convertirse en prostitutas”, dijo Palermo. . “La música fue su salvación. Y también salvó a Vivaldi, que era muy inseguro y tartamudo”. Vivaldi se desempeñó como director musical del orfanato de 1703 a 1715 y nuevamente de 1723 a 1740. En esos años, escribió cientos de piezas musicales para su orquesta y coro exclusivamente femeninos.

La película de Schlöndorff explorará la conflictiva relación de Vivaldi con el clero, el arte y el erotismo. En su declaración como director, Schlöndorff subrayó que su película sobre Vivaldi no será una película biográfica ambientada en «una Venecia llena de carnavales, festivales barrocos y góndolas». En cambio, contará los años durante los cuales Vivaldi enseña música a las niñas huérfanas. «Con ellos, Vivaldi forma la primera orquesta femenina del mundo, que en la película estará interpretada por músicos y cantantes reales», dijo.

“¿Qué relación tiene el ‘cura rojo’ con sus músicos?” Pregunta la declaración de Schlöndorff. “Nadie lo sabrá jamás. Lo que sí sabemos es que Vivaldi siempre se esforzó más allá de sus límites. Estaba obsesionado e incontenible, en la música y en la vida”.

Además de “Tin Drum”, los otros créditos de Schlöndorff incluyen “A Degree of Murder” (1967), protagonizada por Anita Pallenberg; “El honor perdido de Katarina Blum” (1975); “El cuento de la criada” con Natasha Richardson, Robert Duvall y Faye Dunaway (1989); “Ogro” (1996); “Palmetto” (1998) con Woody Harrelson; “The Ninth Day” (2004) y el drama de la Segunda Guerra Mundial “Diplomacy” (2014).

¿Listo para algunas melodías hylianas? nintendo La leyenda de Zelda ¡El concierto orquestal ya está disponible para verlo gratis en YouTube!

Esta transmisión sigue a la cancelación de Nintendo Live 2024, con The Legend of Zelda y Splatoon Los conciertos se reprogramaron para hoy y mañana respectivamente.

Los espectadores con ojos de águila podrían haber notado que el concierto se estrenó en el canal de YouTube de Nintendo Japón hoy un poco más temprano. Publicado un poco más tarde, el video de arriba tiene todos los títulos de las canciones en inglés con marcas de tiempo, perfecto para aquellos que buscan una pista en particular.

Con una duración de alrededor de 30 minutos, la revelación de la big band de hoy cubre una variedad de melodías de toda la franquicia Zelda. Comenzando con el tema épico de Tears of the Kingdom, la orquesta toca todas las notas correctas (jejeje) con interpretaciones de momentos musicales de Ocarina of Time, Skyward Sword, Link’s Awakening y más.

Así que, cuando tengas media hora gratis, tómate una copa, ponte cómodo y prepárate para 30 minutos de algunos de los mejores juegos de Nintendo. choones.

Nintendo organizará un especial La leyenda de Zelda Concierto de Orquesta el 9 de febrero a las 5:00 am PT / 8:00 am ET, la compañía Anunciado. Podrás verlo en YouTube.

El concierto será una actuación pregrabada. No se anunciaron más detalles.

Actualización 2:20 am: Originalmente se planeó que el concierto se llevara a cabo en Nintendo Live 2024 TOKYO, el cual fue cancelado. Una orquesta completa interpretará varias canciones de la serie. (a través de)

Nacida en Oakland (California) el 11 de mayo de 1936, Lovella May Borg se hizo conocida con el nombre de su primer marido, el pianista canadiense Paul Bley (1932-2016). La estadounidense Carla Bley falleció el 17 de octubre de 2023 en su casa de Willow (estado de Nueva York), a causa de un tumor cerebral. No sabemos a quién ni qué destacar: ¿el pianista? ¿El prolífico compositor? ¿El autor de los arreglos deseados? ¿La directora de orquesta o de banda que no duda en decir que quiere estar a la altura de Duke Ellington (1899-1974) o Gil Evans (1912-1988)? ¿Este arte de no tener miedo y ser bella?

Lea la reseña: La energía radiante de Carla Bley y sus cuatro compañeras

Todas estas cualidades que están contenidas en lo que ella llama su “forma de ser mujer”. Su libertad de ser. Habla de ello con una mezcla inimitable de lucidez, franqueza y humor, como lo demuestran las diez horas de entrevista con el periodista Alex Dutilh en France Musique en julio de 2011. La entrevista más larga de su vida, dice.

Con Paul Bley, está en el centro de una comunidad formidable: una galaxia de investigadores, talentos, innovadores, poetas y cantantes en contacto directo con los tiempos. No con descuido, sino con alegría. Paul Bley, el trompetista Mike Mantler, el bajista Steve Swallow, sus compañeros de vida, siguen siendo sus intérpretes, sus socios, incluso después de separarse de los dos primeros. La vida como arte de lo posible.

Su padre, profesor de piano y director de coro, la puso a tocar los teclados desde los 3 años. Sólo un propósito: que ella toque música religiosa. Se sabe provinciana cuando el descubrimiento deExploraciones (1953), desconcertante y vanguardista disco del saxofonista y arreglista Teo Macero (1925-2008), la empuja intrépidamente hacia Nueva York. Para escuchar la mayor cantidad de jazz posible, se convirtió en vendedora de cigarrillos en el club Birdland (allí escuchó a Bud Powell, Thelonious Monk y Count Basie). Allí conoció a Paul Bley.

Pensamiento crítico formidable

Matrimonio en 1957, separación dos años después, que no cambió nada en su comprensión musical. Paul Bley, discreto visionario de toda una época, le presentó al saxofonista Ornette Coleman (1930-2015). Se entusiasma con el free jazz sin renunciar nunca a sus ganas y a su libertad. Jimmy Giuffre, George Russell, Steve Kuhn y Art Farmer interpretan sus composiciones. Más tarde unió fuerzas, dondequiera pasa, con los inventores Don Cherry, Steve Lacy, Aldo Romano, Peter Brötzmann, Peter Kowald, etc.

En 1964 conoció al trompetista y compositor Michael Mantler con quien se unió al Jazz Composer’s Guild, del trompetista Bill Dixon, junto a Roswell Rudd, Archie Shepp, Don Cherry, Cecil Taylor, Gato Barbieri, Pharoah Sanders, etc. Todos aquellos que indican los caminos de una música que ya no llamamos vanguardia ni futuro, sino simplemente contemporánea.

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Square Enix y AWR Music Productions han anunciado “NieR: Concierto de orquesta 12024 [ the end of data ],» a NieR La gira de conciertos en vivo de la serie comenzará el 24 de enero de 2024, con una orquesta sinfónica y un coro, y lecturas grabadas de los personajes 2B y 9S en un nuevo episodio escrito por el director Yoko Taro.

Aquí están los detalles, a través del sitio web oficial:

Sobre el Concierto

¡Gloria a la humanidad!

La experiencia musical en vivo de la NieR ¡la serie sigue viva!

AWR Music Productions se enorgullece de asociarse con el legendario desarrollador de videojuegos Square Enix para presentar una producción multimedia fenomenal: NieR: Concierto de orquesta 12024 [ the end of data ].

Con orquesta sinfónica y coro bajo la dirección del director Eric Roth, la actuación cuenta con la voz solista del original NieR las cantantes de la serie Emi Evans y J’nique Nicole, así como un programa creado especialmente con proyecciones de video de alta definición de NieR el director de la serie Yoko Taro y el compositor Keiichi Okabe.

Además, el concierto presenta una lectura grabada de 2B (con la voz de Kira Buckland) y 9S (con la voz de Kyle McCarley) en un nuevo episodio escrito por el director Yoko Taro.

Sumérgete en el NieR universo como nunca antes!

Fechas de tour

• 24 de enero de 2024 – Los Ángeles (Peacock Theatre)
• 3 de febrero de 2024 – Chicago (Teatro Rosemont)
• 10 de febrero de 2024 – Berlín (Tempodrom)
• 17 de febrero de 2024 – Barcelona (Foro Auditori)
• 23 de febrero de 2024 – París (Palais des Congres)
• 16 de marzo de 2024 – Bangkok (Príncipe Mahidol Hall)
• 30 de marzo de 2024 – Orlando (Centro Dr. Phillips)

Mira un tráiler a continuación.

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