La experimentada escritora y directora danesa Birgitte Stærmose, recientemente acreditada por el programa de Netflix “In From the Cold”, “The Spanish Princess” de Starz y la película de cierre de Göteborg 2023 “Camino”, presentará en el programa Dokument del Festival de Cine de Berlín su película híbrida. «Después de la guerra».

Variedad se ha asegurado en exclusiva el tráiler del panfleto pacifista del director producido por Magic Hour Films en Dinamarca (“Burma VJ”) en coproducción con la sueca Vilda Bomben Film (“Excess Will Save Us”), la finlandesa Bufo (“Fallen Leaves ”) y el Kabineti de Kosovo.

Una meditación sobre los efectos a largo plazo de la guerra, “Afterwar” es el largometraje derivado del cortometraje de Stærmose “Out of Love”. La historia de un grupo de niños de la calle en Pristina que intentan sobrevivir después de la guerra de Kosovo, obtuvo múltiples premios en 2010, incluida una mención especial Berlinale Generation 14Plus.

Tras 15 años de preparación, “Afterwar” fue cocreada con cuatro de los actores aficionados de “Out of Love”: Gëzim Kelmendi, Xhevahire Abdullahu, Shpresim Azemi y Besnik Hyseni.

A través de una fusión similar de documental y ficción, basada en una puesta en escena y un realismo puro, el director ofrece una mirada más cercana a las vidas de los niños convertidos en adultos, mientras aún luchan por sobrevivir. Atormentados por su pasado, sueñan con un futuro mejor para ellos, sus familias y la humanidad en su conjunto.

“Hacer el cortometraje con ellos cuando eran niños fue una experiencia que me cambió como ser humano y como cineasta”, dice Stærmose, quien mantuvo contacto con algunos de ellos a lo largo de los años y siguió a otros en las redes sociales. “Tenía mucha curiosidad por saber cómo les afectó su destino cuando eran niños cuando eran adultos jóvenes”, cuenta. Variedad, mientras amplía la génesis de “Afterwar”.

“¿Qué significa crecer pobre y crecer en una sociedad de posguerra? ¿Podrás escapar de ese destino? Quería contar una historia que se acercara más a la verdad sobre el tipo de limbo en el que la guerra puede dejar a la gente. Esa guerra no es sólo un momento en el tiempo. Sus efectos perduran en las personas que sobrevivieron a la guerra, durante generaciones. Las consecuencias humanas de la guerra son enormes y tendemos a ignorarlas. Es demasiado difícil para nosotros afrontar realmente ese hecho”, afirma.

Sobre su estilo cinematográfico híbrido, Stærmose dice que es ante todo una directora de ficción, pero la realidad de Kosovo, que encontró «intensa y fascinante» cuando la experimentó por primera vez en 2006, despertó su deseo de «ser formalmente atrevida». “Era como si el ‘Diseñador de Producción’ no hubiera llegado. ¡En Copenhague, donde vivo, el ‘diseñador de producción’ lleva décadas trabajando horas extras! ella bromea.

La materia prima para la narración se basó en entrevistas al elenco sobre temas totalmente abstractos (como ‘¿con qué sueñas?’) y realistas, inspirados en el cuestionario de Proust. Luego, el contenido se escenificó en forma de escenas escritas y monólogos, creados en total colaboración con el elenco.

“Trabajo intencionalmente para elevar la realidad”, explica Stærmose, destacando que ella “casi no ha filmado nada de lo que sucedió en la realidad, sólo el material escenificado”. “He inventado elementos para la narración y he utilizado actores mezclados a la perfección con ‘el elenco real’. A veces un miembro de la familia es la persona real, a veces un actor”.

Las localizaciones también se utilizaron como herramienta para realzar la realidad y convertirla en algo más grande. “Es un estilo cinematográfico de confrontación, pero quería asegurarme de que el público no pudiera encontrarse. [the protagonists]sus declaraciones con mera lástima”, añade.

Los temas principales de “Afterwar”, la dignidad, la vergüenza y los sueños, surgieron de las preguntas formuladas en las entrevistas, pero lo más importante es que reflejan la vida actual de los protagonistas, dice el director. “Cuando tienes veintitantos años, luchas por tu identidad, por ganarte el respeto de los demás y tienes inmensas esperanzas y sueños para el futuro”, insiste.

Si bien “Out of Love” fue escrita por el célebre guionista y dramaturgo danés Peter Asmussen (“Breaking the Waves”, “Day and Night”), su muerte en 2016 obligó a Stærmose a seguir sus pasos con “Afterwar”.

“En resumen, Peter y yo trabajamos desde el principio de darles a los niños palabras más grandes de las que tal vez usarían ellos mismos, sintiendo que contenían estos grandes sentimientos no expresados ​​y vida emocional interna. Cuando tuve que escribir el nuevo guión, traté de mantenerme más cerca de las entrevistas y sus palabras que Peter en la película original”, señala Stærmose. «Tenía miedo de perder autenticidad y también sentí que las palabras de los niños convertidos en adultos tenían que usarse con bastante exactitud, para honrar su capacidad adulta de reflexionar a mayor escala».

Además de los monólogos escenificados, añadió escenas actuadas con diálogos, creando historias ficticias completas para cada uno de los personajes, “historias ficticias que de alguna manera estaban arraigadas en su realidad colectiva”, afirma.

Cuando se le pregunta sobre los mayores desafíos durante el rodaje, a Stærmose le resulta difícil elegir un aspecto en particular. «Fue una película increíblemente difícil de hacer, ¡así que no sé por dónde empezar!» comenta, antes de detallar el rodaje en las calles, en las montañas a menos 20 grados, la realización de escenas de ficción bastante ambiciosas con un pequeño equipo de documentales, el contagio de COVID el primer día de rodaje de la última entrega, la continuidad del proyecto durante una pandemia en un momento muy presupuesto pequeño, teniendo que ser increíblemente flexible e improvisador en todo momento, manteniendo al mismo tiempo un objetivo cinematográfico estricto, confiando en el experimento y confiando en el proceso durante un período tan largo”.

La productora Lise Lense-Møller, fundadora de Magic House Films, apoyó plenamente la visión de Stærmose y se asoció con los coproductores Visar Arifaj en Kosovo, Fredrik Lange en Suecia, Misha Jaari, Mark Lwoff en Finlandia y el productor asociado noruego Andrea Berentsen Ottmar (“ La peor persona del mundo”). Al cierre de esta edición, Lense-Møller estaba negociando los derechos globales con un agente de ventas internacional.

“Afterwar” es uno de los 20 títulos que compiten por el Premio al Documental de la Berlinale y su atractivo premio en efectivo de 43.000 dólares.

Bendita Film Sales de Tenerife ha recuperado las ventas mundiales de “Memories of a Burning Body”, un documental híbrido recién seleccionado para el Panorama de la Berlinale.

Dirigida por Antonella Sudasassi Furniss, la escritora, directora y productora costarricense, esta es su segunda película después de la aclamada por la crítica “El despertar de las hormigas”.

Su primera película, que se estrenó en la Berlinale 2019, fue la candidata costarricense a los Premios de la Academia y recibió reconocimiento mundial, incluida una nominación al Premio Goya y el primer Premio Platino de Costa Rica.

“Inmediatamente nos enamoramos de la película cuando asistimos a la proyección de WIP en Ventana Sur, donde luego ganaría los principales premios en Primer Corte”, dijo Luis Renart, CEO de Bendita Film Sales.

«Antonella tiene un talento deslumbrante y ha creado una película hermosa, honesta, íntima y única», añadió. «Al final de [Ventana Sur] Durante la proyección, casi todos los asistentes permanecieron en silencio durante unos minutos, profundamente conmovidos por las confesiones y aspiraciones de aquellas mujeres cuyas voces tejen la historia de nuestra protagonista. Supimos de inmediato que queríamos dedicar todos nuestros esfuerzos a llevar esta película al público internacional”.

El lema de la película – “placer y deseo a través de la memoria y la intimidad de tres mujeres mayores de 65 años” – simplemente enmarca la narrativa de este conmovedor documental híbrido.

“Memorias de un cuerpo en llamas” sigue a Ana, Patricia y Mayela, quienes crecieron en una época en la que la sexualidad era un tema tabú. Ahora, canalizada como una mujer soltera de 65 años, la protagonista revisita una vida llena de recuerdos entrelazados, secretos y deseos ocultos, dando voz a las experiencias tácitas de su pasado.

La visión como directora de Antonella es clara. “’Memorias de un cuerpo en llamas’ es la conversación que nunca tuve con mis abuelas”, explica en su comunicado. La película representa una protesta colectiva de mujeres que, a pesar de los tabúes sociales, se atreven a hablar de sus secretos íntimos. Explora temas de feminidad, sexualidad y autodescubrimiento dentro del contexto de una sociedad latinoamericana conservadora.

La adquisición de Bendita Film Sales marca un compromiso continuo con el cine de autor de alto perfil, luego de la incorporación del tema liminal soul “Samsara”, de Lois Patiño, y el debut de Itsaso Arana, “The Girls are Alright”, aclamado por Variedad como “un suave estudio de la amistad femenina que sopla con una cálida brisa de verano”

“Memories of a Burning Body” tendrá su estreno mundial en Berlín.

Copa de vino y limón cortado, mesa de banquete con langosta, jarra de plata y romana, florero en un nicho de ventana, calavera y velas apagadas: las naturalezas muertas son fascinantes, ya sea a través de la pintura refinada o como símbolos de mensajes religiosos o morales. por la fugacidad de lo terrenal o por su condición de Propietario. También son un género clásico de la historia del arte.

Bajo el título «Les Choses. Une histoire de la nature morte», el Louvre muestra actualmente una ambiciosa exposición ricamente cargada de artefactos, en la que se integran «cosas» que pretenden contribuir a una revalorización de la naturaleza muerta, apoyada en la literatura y la poesía, la filosofía, la arqueología, botánica o ecología. Para visualizar esta expansión se consultaron numerosos trabajos. Pinturas, esculturas, fotografías, videos, películas e instalaciones te invitan a un viaje por el mundo a través de diferentes culturas desde la antigüedad hasta nuestros días.

El término «naturaleza muerta» apareció por primera vez a mediados del siglo XVII, mucho más tarde que muchas de las obras relevantes. En la jerarquía de los géneros, la naturaleza muerta, que trata de la naturaleza inanimada pero no inanimada, estaba en la parte inferior, mientras que la historia estaba en la parte superior, por delante del retrato, el género y el paisaje. Todavía en el siglo XIX, August Wilhelm Schlegel todavía consideraba la naturaleza muerta como un «género menor».

La observación de Diderot de que las “natures mortes” de Jean Siméon Chardin podían sostenerse sin esfuerzo junto con la pintura de historia demostró que el canon académico solo correspondía en una medida limitada a la experiencia y el dominio artísticos. Y se dice que Caravaggio dijo tres siglos antes que es tan difícil pintar un buen cuadro con frutas como uno con figuras humanas. O Max Liebermann: «Un nabo bien pintado vale más que una Madonna mal pintada».

sensibilidad a las cosas

En las últimas décadas, exposiciones y publicaciones han analizado e interpretado el género de la naturaleza muerta en sus múltiples formas, sus niveles de significado y su desarrollo histórico hasta nuestros días.

El curador Laurence Bertrand Dorléac ahora subsume las cosas del Louvre bajo el término «objetos coleccionados», lo que amplía significativamente el espectro del género de la naturaleza muerta. «Se trata más de una sensibilidad hacia las cosas y las obras que de una demostración histórica», dice Bertrand Dorléac. La presentación de su concepto recuerda a los gabinetes de rarezas y gabinetes de curiosidades del Renacimiento tardío y del Barroco, colecciones que intentaban captar todo el conocimiento de su tiempo, que entendía los objetos naturales y los objetos de arte como un reflejo del universo. Los pintores de bodegones también pueden haberse inspirado en los tesoros de tales colecciones.

Especialmente para esta exposición, el artista camerunés Barthélémy Toguo creó una imponente instalación utilizando bultos de tela dejados por los refugiados que murieron en su viaje. La obra, titulada El pilar de los inmigrantes desaparecidos, casi llega a la cima de la pirámide de cristal del Louvre. Un clip de la película dramática «Zabriskie Point» de Michelangelo Antonioni, que se puede ver en dos pantallas gigantes, es otra forma de entrar en el extraordinario espectáculo. En cámara lenta, tomas de bienes de consumo crean el ambiente para el curso de exhibición.

Y la diversidad se celebra en todas partes, ya sea con una secuencia burlesca de Buster Keaton, objetos de Christian Boltanski, una estela funeraria egipcia o una versión de la serie de imágenes de Georges de la Tour de la pensativa «Magdalena a la luz de las velas». Luego, el camino lleva desde los mosaicos y pinturas murales de Pompeya hasta la obra maestra de Chardin «Pfeifen und Krug» y el icónico «Bottle Stand» de Marcel Duchamp hasta las obras del fotógrafo estadounidense Nan Goldin y el escultor australiano Ron Mueck, pero también a Picasso, Miró y Meret. Oppenheim.

Una y otra vez uno encuentra momentos destacados sorprendentes, como el trampantojo virtuoso de Louis Léopold Boilly, que muestra objetos de la vida cotidiana en la bandeja de una mesa de pedestal Empire: monedas, una pluma, naipes, una lupa, dos clavos, un cuchillo de bolsillo. La ilusión es tan perfecta que uno se siente tentado a tocar las cosas. También resultan fascinantes comparaciones como la del «Buey sacrificado» de Rembrandt y los «Brazos y piernas cortados» de Géricault o el diálogo entre el «Bodegón de frutas» de Davidsz de Heem de 1640 y su paráfrasis de Henri Matisse.

Una experiencia estética

El desfile de París pregunta por nuestra «relación con lo vivo y lo no vivo», con todo lo que nos rodea. Ella trata de reflejar temas de la sociedad moderna, el consumo, la economía, los desafíos ecológicos, los derechos de los animales. Allí se discuten objetos de fe o cuestiones sobre la acumulación de riquezas, sobre el trueque, el mercado, el saqueo. Sin embargo, ciertas constantes como las vanitas siguen comprometidas con la tradición del género.

Sorprendentemente, aunque los artistas contemporáneos están representados de manera destacada, solo hay unos pocos de siglos anteriores. Clara Peeters, Louise Moillon y Anne Vallayer-Coster son las excepciones. Que el estado actual de la investigación, que las reflexiones académicas bien formuladas determinen el concepto de la exposición: Básicamente, se trata simplemente de una visión extendida y viva de la «vida tranquila».

Abordar un tema como «Les Choses» con la complejidad celebrada en París es bastante inusual para el Louvre como una institución de renombre que se caracteriza por un programa de exposiciones tradicional. Las reacciones también son controvertidas: para algunos, la muestra es una experiencia clave, una genialidad conceptual, para otros una presentación de objetos exquisitos que hablan por sí mismos. De cualquier manera, la exposición transmite un panorama variado de obras maestras, una experiencia estética y de conocedor que por sí sola vale la pena el viaje a París.

Les Choses. Una historia de la naturaleza muerta. Museo del Louvre, París. Hasta el 23 de enero de 2023.