Silent Hill: The Short Message muestra destellos de la serie de terror clásica en su máxima expresión, a pesar de la metáfora muy dura, una secuencia de persecución frustrante y la larga sombra de PT.

Advertencia de contenido: Silent Hill: The Short Message contiene temas y referencias explícitas y continuas a la autolesión, la ideación suicida, la negligencia infantil y el abuso infantil. Si bien no me detendré en esto en esta revisión ni entraré en muchos más detalles, tenga esto en cuenta antes de seguir leyendo o, de hecho, de jugar el juego usted mismo.

Se sabe desde hace mucho tiempo que diferentes Silent Hills esperan a diferentes personas. Para algunos, quizás los más famosos, hay enfermeras rollizas y sin rostro acechando en los pasillos cubiertos de óxido. Para otros, las llamas se elevan a su alrededor, absorbiendo el aire de toda luz y esperanza. Para Anita, las notas adhesivas pintadas con groseros insultos se superponen como plumas en cada superficie. Es algo hermoso en un sentido oscuro, melancólico y jodido.

Algo hermoso de una manera oscura, melancólica y jodida es en realidad un resumen bastante bueno de Silent Hill: The Short Message, de hecho. Entré esperanzado, aunque cauteloso (sé mejor que la mayoría cuántos falsos amaneceres ha tenido Silent Hill), pero cuando salí por el otro lado, apenas un par de horas más tarde, me sorprendió no solo lo completo que era El Mensaje Corto. siente, pero también cuánto me afectó.

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No me sentí así a mitad de camino, claro. El mensaje del Mensaje Corto no es sutil. Juegas como Anita, una adolescente en edad escolar plagada de profundos problemas de autoestima que se manifiestan en autolesiones e ideas suicidas que están inextricablemente enredadas con las crudas y frías métricas de aprobación de las redes sociales. Su amiga Maya, una grafitera de cierto renombre y con un modesto seguimiento en las redes sociales, le envía un mensaje de texto para preguntarle si podrían encontrarse en un bloque de apartamentos abandonado en su ciudad. Así que Anita se dirige al edificio de apartamentos abandonado, sin más compañía que su teléfono. Sabes. Como si nunca antes hubiera visto una película de terror.

No, los temas aquí no están suavizados por simbolismos o metáforas, pero TSM tiene solo 90 minutos para transmitir su historia, y dado que las redes sociales causan un daño incalculable a personas de todas las edades, tal vez alguien decidió que la sutileza simplemente no estaba justificada. Sin embargo, hay decepcionantemente poco subtexto, y con Anita vomitando sin cesar sus pensamientos más íntimos en voz alta o a sus amigos a través de mensajes de texto, rara vez tienes dudas sobre lo que está sintiendo.

Sin embargo, rasca un poco la superficie y descubrirás que la historia que pensar El Mensaje Corto que les dice es en realidad un poco más complejo que eso. Lo que algunos pueden descartar como una insulsa angustia adolescente en realidad enmarca una exploración más amplia del amor, la pérdida y el poder malévolo de los celos, así como el daño cíclico infligido por el trauma y el abuso generacional. No tengo idea de por qué el equipo metió con calzador sus subtramas más poderosas (y desgarradoras) en el acto final. Sin embargo, es aquí donde The Short Message pasa de ser un cliché predecible a algo aún más apropiado para el eslogan de terror psicológico y, me atrevo a decir, a un lugar legítimo en el canon de Silent Hill.

Sin embargo, a los treinta minutos, por mucho que disfruté explorando la Villa, encontré a Anita, aunque más auténtica y empática que la mayoría de los adolescentes del juego escritos por hombres de entre cuarenta y cincuenta años, un poco quejosa, su interpretación de voz un poco desigual. , y su incómodo modelo de personaje contrasta estridentemente con el sublime y atmosférico diseño ambiental.

Mecánicamente también es un poco tosco. No me importa que sea un «simulador de caminata» – estoy feliz de caminar a cualquier lugar si tienes una buena historia que contar en el camino, amigo mío – ni me importa que El Mensaje Corto sea tan lineal, esencialmente corre sobre rieles. Las secuencias de video en movimiento completo son sorprendentes y sorprendentemente bien ejecutadas (con cada iteración, el mundo de Maya se altera un poco) y disfruto explorando espacios rotos y destartalados tanto como me encanta husmear en viejos diarios y notas para dar cuerpo a una historia. historia, no importa cuán cursis o poco sutiles sean.

Sin embargo, me siento muy, muy ofendido con las secuencias de persecución de The Short Message.

I odiar persecuciones. Odio los laberintos. Ponme en un laberinto donde me persigan, y lo pasaré mal incluso si es el juego de secuencias de laberintos de persecución más grande, más reflexivo y más sofisticado jamás visto. Como he admitido frecuentemente aquí, no tengo sentido de dirección en el juego o en la vida real, y en el momento en que me pones un límite de tiempo o un monstruo detrás de mí, mi sistema se inunda con sangre bombeando, sudor de palma, pánico humillante.

Dicho esto, mi problema con el segmento de persecución final de The Short Message no es que el laberinto fuera demasiado complejo (aunque lo era), o demasiado oscuro (también es cierto), o que careciera de puntos de control (sí) o que diera demasiado miedo (uno notable). Dejando a un lado la escena, poco de The Short Message es aterrador). Sí, aprecio que simbolice a Anita huyendo de su pasado. Sí, entiendo por qué las paredes están cubiertas de post-its y fotografías. Mi frustración surge del hecho de que todo lo que me habían dicho sobre las persecuciones del juego hasta ahora (correr, elegir la puerta correcta, seguir el camino correcto, largarse) de repente dejó de tener sentido. A las tres cuartas partes del camino, alguien cambió las reglas y ni siquiera se molestó en decírmelo.

También nos enfrentamos a un solo enemigo en los laberintos de The Short Message, lo que hace que los segmentos de acción sean repetitivos en el mejor de los casos y tediosos en el peor. Sí, está a la altura de uno de los diseños más llamativos de Masahiro «Red Pyramid Thing/Pyramid Head» Ito, y admito que cuando se combinó con el audio asombrosamente inquietante del famoso compositor de Silent Hill Akira Yamaoka, solo sentí un terror abyecto cuando Podía escuchar la cosa trinar y pisotear detrás de mí. Es una pena, sin embargo, que nunca nos encontremos con otros habitantes de otro mundo cuidadosamente creados por la misma psique perturbada, y la clara atención que se puso en el diseño del único antagonista sólo sirve para recordar lo olvidable que parece su elenco humano.

Peor aún, este es el primer Otro Mundo completamente nuevo que los fanáticos de Silent Hill han tenido que jugar en una década, pero nunca llegamos a disfrutarlo. nunca llegamos a explorar él. En cambio, lo único que haces es correr a través de él sin pensar, tratando desesperadamente de salir.

Y el juego se repite, por supuesto. Esa también es una metáfora encantadora que tiene más sentido cuanto más juegas. Como eso otro Colina silenciosa PAGcolocable tMás fácil que proyecta una sombra larga y pesada sobre The Short Message, a veces notarás que pequeños detalles granulares cambian cada vez que pasas, por ejemplo, el siniestro agujero grafiti que crece frente a Anita cada vez que regresa a él, o el artículo tirado en la papelera una de las veces que pasas por el estudio. Otras veces, resultará sorprendentemente obvio que las cosas ahora son diferentes… y rara vez para mejor.

Pero, Dios mío, ¿hay algunas cosas realmente horribles ocultas a través de El Mensaje Breve para aquellos que estén dispuestos a mirar? Está el sutil cambio de perspectiva a medida que te mueves a través de una sala de estar curiosamente familiar, por ejemplo, y las marcas de rasguños talladas por uñas desesperadas en solo la mitad inferior de la puerta de un armario. Puedes notar que la perturbación visual que divide las cinemáticas del juego de las de video en movimiento es la misma que la estática que indica que algo malo está por llegar, o que el mundo peculiarmente monocromático en el que Anita visita a un amigo está salpicado de más y más notas adhesivas cada vez que lo veas. Tal vez tú también hayas visto el brazalete de cuentas de Maya y hayas notado que alguien a quien dibujó alguna vez usaba uno similar, o que a menudo se sentía atraída por personas como ella; Gente imperfecta, herida y frágil que silenciosa y diariamente luchaba contra sus propios demonios.

El problema, sin embargo, es el tiempo de ejecución truncado. En solo un par de horas, The Short Message presenta temas pesados ​​como ideación suicida, embarazo adolescente, autolesiones, acoso, dismorfia corporal, negligencia infantil, abuso infantil e incluso incesto, pero apenas te da tiempo para sentarte con ellos antes. presentando el siguiente. Quizás por eso la historia de Anita cobró mucho más sentido después de una segunda partida. Por su falta de tacto y elegancia en otros lugares, algunos de los temas más oscuros de TSM están enterrados bajo capas de insinuaciones y sugerencias, pero tal vez sea intencional (recuerdo que The Medium de Bloober Team nos hizo sentarnos). forma demasiado tiempo en un lugar doloroso donde estábamos supuesto simpatizar con un personaje que no merecía ninguna simpatía en absoluto). No obstante, al eliminar solo un par de estos, la historia puede haber sido más ajustada y la audiencia podría haber estado mejor equipada para navegar por las tramas secundarias más oscuras.

Sospecho que cualquiera que pueda identificarse con las experiencias ficticias de Anita desde una perspectiva de la vida real tendrá una de dos respuestas polarizadoras a Silent Hill: The Short Message: profunda indignación o profunda admiración. Para mí –alguien que, desafortunadamente, puedo identificarme con algunos de los temas más oscuros expresados ​​en El Mensaje Breve– es lo último. A pesar de su presentación poco elegante y su encuadre dramático de secundaria, la historia de Anita, aunque a veces torpe, es impactante, reflexiva y, quizás lo más importante de todo, esperanzadora.

No, puede que no sea el juego Silent Hill que muchos esperábamos; Puede que ni siquiera sea el juego Silent Hill que algunas personas quieren. Pero incluso con esa exasperante secuencia de persecución, estoy muy contento de que exista.

Eurogamer obtuvo de forma independiente una copia de Silent Hill: The Short Message para su revisión.

Martin Scorsese Casino comienza con el fuego del infierno.

Sammy “Ace” Rothstein (Robert De Niro) sale del casino que dirige y camina hacia su coche. Cuando arranca el motor, se enciende la bomba colocada debajo del asiento del pasajero. Ace es consumido por el fuego. Los créditos iniciales, diseñados por Elaine y Saul Bass y ambientados en el movimiento final de Johann Sebastian Bach. Pasión según San Mateo, imagina a Ace impulsado a través de un infierno con temática de Las Vegas. Es el cuerpo de un hombre arrojado a través de un mar de fuego y neón.

Scorsese revisita esa escena hacia el clímax de Casino. Ace explica que el coche bomba no fue letal. Debido a cómo se colocó la bomba y al diseño del auto, Ace puede escapar del vehículo antes de que explote. Su chaqueta se incendia, pero ni siquiera se quema. Como tal, Scorsese reformula la secuencia de créditos iniciales como aún más alegórica de lo que parecía inicialmente. El cuerpo de Ace no ha sido tocado por las llamas, pero su alma no ha tenido tanta suerte.

Cuando se estrenó en 1995, las críticas a menudo enmarcaban Casino como una copia inferior de Scorsese Buenos amigos. Gene Siskel opinó que “no abrió nuevos caminos para Scorsese”, mientras que Desson Howe argumentó que Scorsese estaba “tratando de desenterrar el éxito de Buenos amigos.” Incluso la crítica positiva de Empire preguntó en broma si Casino debería haber sido considerado”Buenos amigos Parte II?” CasinoLa reputación no ha hecho más que crecer en los años posteriores, pero las críticas siguen vigentes.

Es fácil entender de dónde vienen estas críticas. Casino es una película criminal centrada en la mafia dirigida por Martin Scorsese, estrenada apenas media década después Buenos amigos. Marca otra colaboración entre Scorsese y Buenos amigos autor Nicolás Pileggi. Reúne a Scorsese con Robert De Niro y Joe Pesci, quienes habían protagonizado juntos para Scorsese ambas películas. Toro furioso y Buenos amigos. Ambas películas emplean una narración en off similar para guiar a los espectadores a través de flashbacks.

Sin embargo, Casino es una película mucho más rica de lo que podrían sugerir estas comparaciones de acciones. En efecto, Casino Se siente como un punto de intersección para una serie de motivos y fascinaciones recurrentes de Scorsese. Hay una tendencia a aplanar la carrera del cineasta para “abarrotar” películas como Calles malas, Buenos amigos, Casino, y El irlandéspero su obra es mucho más diversa de lo que permitiría tal descripción. Casino es una película policial, pero también es mucho más.

Por ejemplo, Casino es efectivamente un western, de la misma manera que algo como Apocalypse Now es un western. Es la historia de la mafia que se expande hacia el oeste en su propia forma de destino manifiesto. Es una historia sobre el desierto sin ley y una frontera indómita. La narración de Ace hace que parezca que está llevando la civilización a la población local. «En Las Vegas, tuve que mantener trabajando a algunos vaqueros locales», explica. «Quiero decir, sin nosotros, estos tipos, todavía estarían paleando mierda de mula».

Para el gángster Nicky Santoro (Joe Pesci), “Las Vegas era el puto salvaje oeste”. Nicky llega a la ciudad como un huracán. Incluso trae consigo su propia banda de “desesperados”, que roban cajas fuertes de las paredes. Casino es un recuento del mito fundacional estadounidense. Cualquiera puede venir a Las Vegas y reinventarse. Phillip Green (Kevin Pollak) era “un estafador inmobiliario de Arizona que apenas tenía suficiente dinero para la gasolina” para llegar a Las Vegas y acabó nombrado presidente de la junta directiva de los Tánger.

Esto encaja con uno de los otros hilos que hierven a fuego lento en la filmografía de Scorsese. Scorsese es un director fascinado por la intersección de la historia y la mitología estadounidenses. La última película que había hecho antes. Casino había sido La edad de la inocencia, una adaptación de Edith Wharton ambientada en la Nueva York de la década de 1870. Él continuaría haciendo Bandas de Nueva York y Asesinos de la luna flordos historias más sobre los fundamentos de la identidad estadounidense.

Hay algo inherentemente consciente de sí mismo en todo esto. Después de todo, el arquetipo occidental evolucionó en la conciencia estadounidense. Con el tiempo, el vaquero se convirtió en el bandido. A medida que avanzaba la modernidad, el forajido se convirtió en gángster. Casino es en cierto modo una dramatización de esa transición. El arquetipo del vaquero es suplantado por el del gángster. Así como el ferrocarril volvió obsoleto al vaquero, el gángster es desplazado por las fuerzas del mercado del capitalismo que convierten a Las Vegas en “Disneylandia”.

Sin embargo, Casino vincula esta creación de mitos con otro de los intereses recurrentes de Scorsese. Scorsese es uno de los grandes cineastas católicos. Incluso consideró convertirse en sacerdote. El interés religioso de Scorsese impregna su filmografía. El director pasó la mayor parte de los años 80 luchando por conseguir La última tentación de Cristo hecho. el haría Silencio más adelante en su carrera. Según se informa, está trabajando en otra película sobre jesucristo. En términos religiosos más amplios, siguió Casino con Kundúnuna película sobre el Dalai Lama.

Casino No es sólo una nueva versión de la mitología occidental clásica. También es una parábola religiosa. Esto tiene sentido. La fantasía estadounidense del destino manifiesto tiene sus raíces en la imaginería y la ideología religiosas. Muchos de los primeros colonos creían que Dios les había proporcionado el continente como señal de su excepcionalismo. John Winthrop evocó esta idea en su sermón en el que describió a Estados Unidos como “una ciudad sobre una colina”, idea que Ronald Reagan reutilizó al invocar una “ciudad brillante sobre una colina”.

Casino une estos dos temas al sugerir que Ace y Nicky se han encontrado en algo parecido al Jardín del Edén. Ace describe Las Vegas como «el paraíso en la tierra». Habla del poder redentor de la ciudad en términos explícitamente religiosos. “Para tipos como yo, Las Vegas lava tus pecados”, se jacta. “Es como un lavado de autos moralmente. Hace por nosotros lo que Lourdes hace por las jorobadas y los lisiados”. En este contexto, quizás valga la pena señalar que Ace es judío.

Casino vincula esta imagen de expansión hacia el oeste con una iconografía más explícitamente religiosa. Las Vegas parece el Jardín del Edén. «Ace vio Las Vegas de una manera», recuerda Nicky. “Pero lo vi de otra manera. Lo vi intacto”. Es un mundo libre del pecado original, en el que gánsteres como Nicky y estafadores como Ginger (Sharon Stone) parecen creer que pueden escapar de su pasado. Esto es una ficción, por supuesto. Ace cree que puede reinventar y rehacer a Ginger como su esposa, pero pronto descubre su locura.

A las afueras de la ciudad se encuentra el desierto. «Por la noche, no se podía ver el desierto que rodea Las Vegas», narra Ace. Luego añade: “Pero es en el desierto donde se resuelven muchos de los problemas de la ciudad”. El exilio y la expulsión de Las Vegas a menudo significa pasar una eternidad en un agujero en ese desierto. El desierto marca otro punto de intersección entre el subtexto occidental y religioso de la película. El exilio de los israelitas en el desierto fue una piedra de toque común para las teorías del destino manifiesto.

Scorsese ha reconocido el subtexto religioso de Casino. “Dios les da este paraíso del pecado, Las Vegas, y pueden hacer cualquier cosa y lo arruinan”, relata. “Y son expulsados ​​del paraíso”. Hizo la comparación en la prensa contemporánea, reflexionando: “Es como el Antiguo Testamento. Era tan obvio que no lo vieron venir”. La película comienza con el movimiento final de Johann Sebastian Bach. Pasión según San Mateoque narra la traición de Jesucristo.

Escribiendo en The Baltimore Sun, el crítico Stephen Hunter resumió Casino como la historia de «dos hombres que heredaron el Jardín del Edén y lograron en muy poco tiempo destruirlo todo sin ninguna razón más convincente que su propio orgullo amargo e indómito, que siempre precede a la caída». Tanto Ace como Nicky se imaginan a sí mismos en una posición sagrada e intocable, operando en un espacio donde no existe ningún juicio divino ni humano.

«¿Sabes cuál es la mejor parte?» Nicky se jacta de su plan para importar la violencia mafiosa a Las Vegas. “Nadie sabrá lo que estamos haciendo. No hay nadie aquí para vernos. Todos están de vuelta en casa”. Sobre los jefes para los que aparentemente trabajan Nicky y Ace, Nicky reflexiona: «Estaban a mil millas de distancia y no conozco a nadie que pueda ver tan lejos». Durante sus robos, Nicky incluso rechaza las fotografías de los propietarios. «No me gustaba que la gente a la que estaba estafando me mirara», explica.

Ace está igual de ansioso por ser visto. Narra gran parte de la película pero, a diferencia de Henry Hill (Ray Liotta) en Buenos amigos, nunca reconoce la cámara. Incluso usa grandes gafas de sol, como para ocultar sus ojos de la mirada del público. Cuando los agentes del FBI aparecen con evidencia fotográfica de una aventura entre Ginger y Nicky, él se niega incluso a reconocer las imágenes. «No quería mirarlos», reflexiona. «Tampoco quería mirar a los tipos que los trajeron».

Esto se refleja en el lenguaje visual de la película. Filmada por el director de fotografía Robert Richardson, hay una cualidad turbia en Casino. Gran parte de la película se desarrolla en habitaciones llenas de humo, como si sugiriera que algo se está oscureciendo. Los bordes del encuadre suelen ser oscuros y borrosos, y los personajes parecen ocupar extraños espacios vacíos. Por el contrario, los propios personajes suelen estar bien iluminados en contraste con su entorno, con halos y brillos.

Esta es la tragedia de Casino. «Nicky pensó que nadie lo estaba mirando», relata Ace. “Pero estaba equivocado”. Resulta que las autoridades son mirando a Ace y Nicky. A medida que la película llega a su clímax, tanto Ace como Nicky descubren que están sujetos a reglas que pensaron que podían ignorar. Scorsese es un cineasta intrínsecamente católico y, por mucho que los críticos puedan argumentar que sus películas “encantan” la violencia, siempre tienen un fuerte componente moral.

En un momento, Ace explica cómo funciona el sistema en el casino. «Los crupieres observan a los jugadores», le dice a la audiencia. “Los boxeadores vigilan a los traficantes. Los encargados del piso observan a los boxeadores. Los jefes de sala están observando a los encargados del piso. Los jefes de turno están vigilando a los jefes de sala. El director del casino observa a los jefes de turno. Estoy observando al gerente del casino. Y el ojo en el cielo nos observa a todos”. Es una parábola religiosa no demasiado sutil. alguien es siempre mirando.

Al final de la película, Nicky y Ginger están muertos. Ace ha vuelto a su vida como handicap deportivo. Ha evitado el tipo de castigo impuesto por el Código Hays en las películas clásicas de gánsteres que influyeron en Scorsese. No lo matan ni lo encarcelan. En cambio, su castigo es más espiritual y existencial. Ace ha sido expulsado del paraíso. Como explica sucintamente, “El paraíso. Realmente logramos arruinarlo todo”. Es un final amargo y cínico para el cuento de hadas estadounidense.

Esta discusión y revisión de El exorcista: creyente contiene algunos spoilers.

El exorcista: creyente Comienza con dos perros luchando. Como gran parte de la película, esta es una referencia directa a William Friedkin. El exorcista, que evoca un breve plano del prólogo ampliado que sigue al padre Lankester Merrin (Max von Sydow) durante una excavación en el norte de Irak. Sin embargo, si bien esa oportunidad llega temprano El exorcista, no es el primer tiro. Como tal, su posición en Creyente es más que un homenaje afectuoso y nostálgico. Es una declaración de propósito.

A lo largo de Creyente, hay un énfasis recurrente en la duplicación y la división. Así como la película original se estrenó en el extranjero, en el norte de Irak, Creyente presenta un prólogo en Puerto Príncipe, Haití. El fotógrafo Victor Fielding (Leslie Odom Jr.) y su esposa embarazada Sorenne (Tracey Graves) se encuentran atrapados en medio de El devastador terremoto de Haití de 2010.. Sorenne resulta herida y Víctor se ve obligado a elegir entre salvar a su esposa o al hijo no nacido.

La mayor parte de la trama de la película se desarrolla trece años después de esta secuencia introductoria. Víctor vive con su hija adolescente Angela (Lidya Jewett). Como en el original. Exorcista, una familia monoparental se ve asediada por fuerzas demoníacas. Sin embargo, la idea central de Creyente Es una especie de escalada de franquicia. Esta no es la historia de un solo caso de posesión demoníaca. Más bien, es la historia de dos niñas (y dos familias) atrapadas en un horror inimaginable.

Una tarde, Ángela se adentra en el bosque con su amiga Katherine (Olivia Marcum). Las dos chicas intentan un ritual de conjuro para comunicarse con el espíritu de Sorenne. Inevitablemente, abren la puerta para que algo monstruoso se cuele. Ellos desaparecen. Tres días después, las dos niñas son encontradas en un establo. En los días siguientes, Ángela y Katherine someten a sus familias a diversos terrores. Como promete el título de la película, esto se convierte en una secuencia de exorcismo culminante extendida.

Incluso antes de que suceda algo explícitamente sobrenatural, hay una ira que impregna Creyente. La mayoría del elenco vive en la misma comunidad, como vecinos o compañeros de escuela. Sin embargo, se presentan de forma antagónica. La vecina de Víctor, Ann (Ann Dowd), es vista por primera vez quejándose del hecho de que Víctor y Ángela no han sacado sus contenedores de la carretera. El padre de Katherine, Tony (Norbert Leo Butz), anuncia su presencia tocando la bocina con enojo a Víctor afuera de la escuela de sus hijas.

Cuando Katherine y Angela desaparecen, Victor rápidamente se encuentra en desacuerdo con Tony y la madre de Katherine, Miranda (Jennifer Nettles). Las dos familias parecen culparse mutuamente por la desaparición. Cuando publican folletos sobre personas desaparecidas, cada familia publica sobre su propio hijo. Cuando Tony hace una declaración a la prensa expresando su esperanza de que Katherine sea devuelta, su ministro local, Don Revans (Raphael Sbarge), tiene que enfatizar que la congregación está orando por ambos chicas.

En este contexto, parece evidente que Katherine es blanca y Ángela es negra. Como se ha documentado minuciosamente, existe un doble rasero en la forma en que se tratan estos casos, ya que los niños blancos desaparecidos recibir atención desproporcionada en comparación con los niños de color. De hecho, incluso después de que los niños regresan, inicialmente parecen vivir vidas separadas y aisladas. El director David Gordon Green ofrece algunas tomas muy efectivas de la pareja mirándose a través de las ventanas de las salas de examen del hospital.

Por mucho que esta doble posesión juegue como un riff consciente de la tendencia de las secuelas a crecer, ¿qué es más grande que un exorcismo? Dos exorcismos! – tiene un propósito temático claro. Esto se vuelve obvio cuando la película entra en su clímax. Mientras los personajes se reúnen para realizar el exorcismo, el demonio dentro de las niñas se burla de ellos. «Una niña vive, otra muere», bromea. «Tú puedes elegir». Es un eco muy deliberado de la elección que Víctor hizo anteriormente en la película, entre su esposa y su hijo.

También se relaciona con el tema central de la división de la película. Una vez más, Víctor se ve en conflicto con Tony y Miranda. El demonio está tratando de dividirlos, de enfrentarlos unos contra otros. Está tratando de sembrar conflicto al sugerir que se trata de una competencia y que sólo puede haber un ganador. Intenta convertirlos en los perros de esa escena inicial, luchando entre ellos mientras el mal echa raíces. Como ocurre con tantas premisas eficaces de las películas de terror, es un comentario social eficaz.

El punto de comparación obvio para Creyente es el reciente Víspera de Todos los Santos trilogía, otra producción de Blumhouse. Como eso Víspera de Todos los Santos trilogía, Creyente parece borrar todo lo anterior Exorcista secuelas de la continuidad. Así como eso Víspera de Todos los Santos La trilogía trajo de vuelta a Jamie Lee Curtis para retomar el papel icónico de Laurie Strode. Creyente le da mucha importancia a ser el primero Exorcista secuela para convencer a Ellen Burstyn de que repita su papel nominado al Oscar de la película original. Creyente incluso está destinado lanzar una trilogía.

Sin embargo, la conexión es más profunda que eso. Creyente está dirigida y coescrita por David Gordon Green, quien también fue el arquitecto de ese reciente Víspera de Todos los Santos trilogía. Colaborador frecuente de Green y coautor de ese reciente Víspera de Todos los Santos trilogía, Danny McBride tiene un crédito en la historia de la película. Incluso más allá del hecho de que ambos son intentos de revivir franquicias de terror icónicas de la década de 1970 volviendo a la raíz, existe una sorprendente superposición temática entre las dos.

Verduras Víspera de Todos los Santos trilogía, particularmente Muertes de Halloween y Halloween termina, tratan fundamentalmente de cómo el pequeño pueblo de Haddenfield ha quedado destrozado por los horrores infligidos por Michael Myers (Nick Castle). En esencia, estas películas tratan sobre la decadencia del tejido social. Con sólo la más mínima provocación, esta comunidad aparentemente idílica se vuelve contra sí misma y cae en un caos total. Myers es en realidad sólo un catalizador que acelera una erosión más fundamental de las normas.

Muertes de Halloween ha sido leído como una metáfora de La América de Donald Trump y enmarcado retroactivamente en términos de el 6 de eneroth disturbios. Como explicó Curtis, Muertes de Halloween es sobre «Trauma comunitario, rabia comunitaria y rabia contra la máquina..” Incluso Halloween termina trata sobre cómo la comunidad condena al ostracismo a Corey Cunningham (Rohan Campbell) tras una horrible tragedia. Se trata de un joven que se transforma en el hombre del saco porque su comunidad no puede procesar su trauma.

A pesar de Muertes de Halloween fue filmada antes de que la pandemia global profundizara estas divisiones sociales, estos temas son ciertamente oportunos. Estados Unidos está muy polarizado, incluso para los estándares de una época muy polarizada. A menudo puede parecer que los estadounidenses ya ni siquiera compartir una realidad común. Estas divisiones atraviesan todas las facetas de la vida estadounidense: política, relaciones raciales, ciencias económicas. Los estadounidenses viven en lo que el profesor de psicología Raymond Novaco describe como “una gran incubadora de ira.”

Creyente aprovecha esto. En este sentido, es una película que conversa mucho con el lenguaje y las convenciones de las películas clásicas de exorcismos, más obviamente codificadas por El exorcista. Por regla general, estas películas son inherentemente conservador y tienden hacia un a menudo perspectiva cristiana muy estrecha. Son fundamentalmente historias sobre cómo Estados Unidos ha abandonado una perspectiva religiosa particular y cómo la única manera de enfrentar el verdadero mal es regresando a esos valores específicos.

A diferencia de, Creyente trata sobre cómo el mal sólo puede ser vencido verdaderamente mediante la unidad y la cooperación. El ritual de exorcismo en el clímax de la película implica la unión de múltiples religiones. Ann representa el catolicismo y Don representa el protestantismo. A ellos se une el Dr. Beehibe (Okwui Okpokwasili), que practica “trabajo de raíces”, una tradición espiritual practicada por muchos de los esclavos traídos a América. Sólo juntos podrán esperar expulsar al demonio.

Cuando la Iglesia Católica se niega a aprobar oficialmente un exorcismo debido al riesgo que implica, el padre Maddox (EJ Bonilla) se sienta afuera en su auto y reza por las dos niñas. Víctor golpea la ventana. “La lucha es interna, padre”, insta al sacerdote. Maddox está convencido de unirse al ritual, aunque finalmente le cueste la vida. A pesar de su antagonismo y escepticismo inicial, los personajes son capaces de hacer frente a la entidad demoníaca presentando un frente unido.

Después de todo, el demonio ofrece su propio y retorcido sentido de unidad. Mientras los personajes reunidos se preparan para el ritual, Ann conecta a Angela y Katherine a un conjunto de monitores de latidos del corazón. Miranda nota los ritmos constantes que provienen de las máquinas. «Están sincronizados», explica Ann. Por mucho que el demonio insista en que las familias deben elegir a un niño sobre otro, la verdad es que Ángela y Katherine son, en última instancia, iguales. Como Víctor le promete a su hija: «Si tú no lo logras, yo no lo logro».

En efecto, Creyente Sostiene que la división es contraproducente. Finalmente se revela que Víctor decidió salvar a su esposa Sorenne después del terremoto en Haití, pero no salió como lo había planeado. Sorenne no sobrevivió, pero Ángela sí. En el clímax de la película, en un momento de debilidad, Tony se derrumba e intenta negociar con el demonio. “¡Elijo a Katherine!” grita, para horror de todos en la habitación. Katherine no lo logra, pero Ángela sí. En cierto modo, Tony elige.

En su propio modo, Creyente es una pieza oportuna de cine de terror, una oscura alegoría sobre la forma en que el mundo moderno parece diseñado para enfrentar a las personas entre sí y obligarlas a tomar decisiones monstruosas que las comprometen fundamentalmente. Es una película sobre las divisiones en el corazón de este tipo de comunidades y cómo el mal se pudre en esos espacios. Como el de David Gordon Green Víspera de Todos los Santos, Creyente Utiliza una franquicia de terror existente para construir una parábola de la América moderna.

La que bien podría ser la última película de Ken Loach tiene tanto fuego y furia como su debut pobre vaca hizo en 1967, si descontamos su trabajo televisivo pionero en el período previo. El estilo visual no ha cambiado mucho desde entonces, pero eso se debe a que el veterano del cine británico, que pronto cumplirá 87 años, no se preocupa mucho por las superficies, es la vida interior de sus personajes lo que quiere capturar. En ese sentido, el viejo roble sería un canto del cisne apropiado, coronando la reciente trilogía de North-East con una película vital que es claramente el trabajo del equipo detrás de los éxitos anteriores de la competencia de Cannes. Yo, Daniel Blake y Lo siento, te extrañamos.

El escenario es Easington, condado de Durham, y el año es 2016. Curiosamente, nunca se menciona el referéndum del Brexit, pero sí se mencionan los sentimientos que impulsaron el movimiento pro-Leave. Comienza con un grupo de refugiados sirios en autocar que se mudan a una hilera de casas adosadas en la antigua ciudad minera, para disgusto de los lugareños. “No es justo”, dice uno, “es una mierda”. ¿Por qué no nos dijiste que venían? grita otro. Una joven inmigrante, Yara (Elba Mari), que llega con su madre, hermano y hermanas, documenta la protesta con su amada cámara, que se rompe en una pelea.

El licenciatario de un pub local, TJ Ballantyne (Dave Turner), acude en su ayuda, ofreciéndose galantemente a reparar el dispositivo roto y trabando amistad con la mujer, quedando impresionado por su resistencia después de huir de una zona de guerra. Esto no cae muy bien entre los clientes habituales de su pub The Old Oak, que ven a los refugiados como un insulto a sus comunidades y un asalto a sus valores. Sorprendentemente, Loach y el escritor Paul Laverty se complacen en estas voces: el racismo en Easington no es una creencia de lujo sino una reacción a los 40 años de declive en la Gran Bretaña posterior a Thatcher. Las minas se han ido, los precios de la vivienda se han desplomado, las escuelas han cerrado y los trabajos son escasos («Todo un estilo de vida, simplemente desaparecido para siempre»). Esta película extraordinariamente compasiva sabe que los racistas son hechos, no nacidos, o como dice TJ de manera más elocuente: «Todos buscamos un chivo expiatorio cuando la vida se va a la mierda».

Los sirios se convierten en una especie de pararrayos en la pequeña comunidad, y se dibuja una línea en la arena cuando TJ se une a Yara y un trabajador de caridad local para brindar noches sociales dos veces por semana en su trastienda. “Cuando comen juntos, se mantienen unidos”, dice Yara, y TJ, recordando la huelga de mineros de mediados de la década de 1980, recuerda la forma en que las esposas de los mineros se unieron, sirviendo 500 comidas al día a familias hambrientas. El primer evento es un gran éxito, pero TJ, como muchos héroes de Loach, es adorable pero no tiene suerte, y rápidamente regresa a la tierra cuando una serie de eventos conspiran contra él.

Temática y políticamente, Loach y Laverty arrojan todo lo que se les ocurre a la pantalla, y todo se queda porque todo es verdad. Después de criticar el manejo del servicio de salud por parte del gobierno en Yo, Daniel Blakey la falsa «libre empresa» de la gig economy en Lo siento, te extrañamos, la pareja está apuntando con una escopeta recortada a todo lo que queda, principalmente la erosión de los espacios públicos y el socavamiento del espíritu comunitario causado casi directamente por la filosofía capitalista neoliberal del partido Conservador. Loach podría estar más enojado que nunca, culpando no solo a los políticos, sino incluso a los propios británicos por aceptar regímenes cada vez más derechistas y autoritarios (¿es Loach quien habla cuando TJ dice: «Si no aceptas nada, no obtienes nada»? ?).

Dave Turner es el recipiente de la mayor parte de esto, y su actuación es excelente, incluso cuando las líneas que dice suenan más como una propaganda brechtiana que como los pensamientos del propietario de un pub. Es especialmente conmovedor al contar su vida hasta el momento; “He cometido tantos errores”, dice, recordando a la esposa que lo dejó y al hijo que lo deja en blanco.

Elba Mari hace un contrapunto interesante a su brusco norteño, y hay un subtexto inteligente debajo del aparente choque cultural que va más allá de los tópicos habituales de que las personas son personas que vienen con los dramas de choques raciales. el viejo roble No está diciendo eso, es un lamento por la forma en que el hombre común se ha vuelto excedente para los requisitos en su propio mundo. TJ lo expresa de una manera cuando recuerda las palabras de su difunto padre: “Si los trabajadores se dieran cuenta del poder que tenían y tuvieran la confianza para usarlo, podrían cambiar el mundo. Pero nunca lo hicimos”. Yara lo expresa de otra manera, cuando describe la forma en que el optimismo de la Primavera Árabe dio paso a los horrores de la guerra civil: “Tratamos de construir algo nuevo, algo hermoso. Ahora míranos, arrojados a los lobos.

En ese sentido, el viejo roble no nos pide que arreglemos nuestras diferencias, sino que aceptemos nuestras similitudes en un mundo que se reparten los ricos. Si este es el legado de Loach, es bueno, y lo puedes resumir en solo tres palabras: fuerza, solidaridad y resistencia.

Título: el viejo roble
Festival: Cannes (Competencia)
Director: Ken Loach
Guionista: Pablo Laverty
Elenco: Dave Turner, Elba Mari, Trevor Fox
Tiempo de ejecución: 1 h 53 min
Agente de ventas: EstudioCanal

es un extraño algo que decir sobre un espectáculo ambientado durante un apocalipsis zombie, pero tuve un momento de reconocimiento abrasador en el sexto episodio de El último de nosotros. Llegó durante un raro momento de respiro, cuando Joel (Pedro Pascal) y su joven cargo, Ellie (Bella Ramsey), se tomaron un descanso de su viaje a campo traviesa en Jackson, Wyoming. El hermano de Joel, Tommy, que ha llevado allí una vida prácticamente libre de zombis, le ofrece un nuevo par de botas. Una presa se rompe dentro de Joel.

“Hay momentos en los que el miedo surge de la nada y mi corazón se siente como si se hubiera detenido”, dice con voz temblorosa. “Estoy fallando en mi sueño… es todo lo que hago. Es todo lo que he hecho.

En ese momento, salí de debajo de mi manta en el sofá y grité: «Estás no ¡defecto! Tienes no ¡fallido! ¡Sigue viva!» Fue entonces cuando me di cuenta de que, para mí, ver el último programa exitoso de HBO había progresado más allá del mero entretenimiento. Era una forma de catarsis ver a otra persona ser padre durante una pandemia mortal.

Estoy bastante seguro de que todos los nuevos padres han sentido miedo ante la abrumadora dependencia de su bebé. Cuando te entregan por primera vez un recién nacido, su pesada cabeza apenas está unida a su cuerpo. ¿Cómo estás, una imbécil que una vez tuvo que salvarse de la intoxicación por alcohol vomitando, se supone que debes cuidar de una criatura? ¿A quién se le podría caer la cabeza en cualquier momento?

Afortunadamente, muchos de los escenarios catastróficos simplemente no se cumplen. La cabeza del bebé no se cae (normalmente). Comen, o tienen hambre y luego comen. Cuidar de un ser humano dependiente se vuelve normal.

Cuando mi segundo hijo cumplió 2 años en 2019, pensé que había aprendido a no preocuparme por las cosas pequeñas. Ya no me asusté sobre qué asiento de automóvil comprar o si durmió toda la noche. (¿Dormir? ¿Qué es eso?) Pero algo cambia cuando la catástrofe se vuelve real. No está solo en tu cabeza. ¿Qué sucede cuando ya no puedes asegurarte, «Meh, la mayoría de los niños pasan por esto y viven»?

Ahora, tres años después del comienzo de la pandemia de covid-19, la crudeza de ese miedo inicial ha sido mitigada por el tiempo, las máscaras confiables y las vacunas. Es difícil recordar que una vez estuvimos solos, cortando camisetas viejas para cubrirnos la nariz y la boca y limpiando las compras con Lysol. Tener niños pequeños (y un perro viejo y gruñón) hizo que los primeros días de encierro fueran más fáciles y más difíciles. Todavía había tantos momentos de pura alegría. Pero cuando Delta alcanzó su punto máximo en agosto de 2021, tomé la angustiosa decisión de educarlos en casa durante otros cuatro meses hasta que mi hija pudiera vacunarse.

A largo plazo, cuatro meses no era tanto tiempo. Pero al igual que Joel, tuve mi noche oscura del alma cuando mi entonces estudiante de primer grado vio a todos los demás regresar en tropel a la escuela de nuestro vecindario local, solos, desde la ventana de nuestra sala de estar. “No puedo hacer esto”, le grité a mi esposo. “Si cometo un error, podrían morir”.