Chris Pine comparte sus pensamientos después de que un director de casting para La o.c dijo que perdió un papel debido a su acné.

En 2023 Bienvenidos al OC: La Historia Oralel director de casting Patrick Rush habló sobre la lectura de Pine para Ryan Atwood, que finalmente fue para Ben McKenzie.

“Odio decir esto, pero es la verdad: Chris Pine tenía una edad en la que experimentaba problemas de piel realmente graves. Y fue en ese punto donde parecía insuperable”, dijo Rush en el libro vía el club audiovisual. “Y como era un niño que creció con una piel horrible, me rompió el corazón”.

El pino apareció en el Feliz Triste Confundido podcast donde le preguntaron sobre los comentarios de Rush y dijo: “Es parte de mi vida. El hombre no tuvo que hablar de eso. Quiero decir, es su prerrogativa”.

Aunque Pine no terminó en el drama adolescente, continuaría protagonizando El diario de la princesa 2 poco después de perder La o.c role.

El actor reconoce que tenía “la piel horrible cuando era adolescente” y señaló: “Mira, estaba saliendo por La o.c, como un melodrama adolescente. Puedo entender por qué querían que gente bonita hiciera cosas bonitas. Y el acné malo no es la clave para [success].”

Pine dijo que recordarle que perdió la oportunidad de protagonizar la serie de Fox le provocó “un poco de trastorno de estrés postraumático” y agregó: “No es divertido tener mala piel. No es divertido ir a audiciones cuando tienes mala piel. Fue uno de los momentos más traumáticos de mi vida, pero es mi historia”.

El actor tendría una exitosa carrera protagonizando la película de 2009. Star Trek como el Capitán Kirk, Mujer Maravilla, y su secuela Mujer Maravilla 1984. Pine hizo recientemente su debut como director con hombre de la piscinaque también protagoniza.

El 7 de mayo de 1954, Francia perdió la batalla de Dien Bien Phu, en el noroeste de lo que hoy es Vietnam. El vencedor, el Viet Minh comunista dirigido por Ho Chi Minh y el general Giap, puso fin así a un siglo de ocupación francesa de Indochina y a ocho años de guerra sangrienta que, según varias estimaciones, mató a alrededor de un millón de personas..

Dien Bien Phu es tanto el nombre de una batalla que marcó la muerte del imperio colonial francés como el de un fiasco militar. Un ejército moderno, apoyado por su aliado estadounidense, capituló ante un ejército de insurgentes colonizados, sin fuerza aérea ni marina, pero con un activo subestimado por los estrategas franceses: los cañones ofrecidos por la China comunista, aliada del Viet Minh.

¿Por qué y cómo perdió Francia esta batalla estratégica? Responda en mapas y archivos de época en este nuevo episodio de nuestra serie de vídeos Flashback.

Entre las fuentes de este vídeo:
“La batalla de Dien Bien Phu, 13 de marzo – 7 de mayo de 1954” – ECPAD, colección Images Défense (2024).

“Dien Bien Phu visto desde el lado opuesto. Letra de bô dôi» – Nouveau Monde (2013).

“Palabras de Dien Bien Phu. Los supervivientes testimonian”, Pierre Journoud, Hugues Tertrais. Tallandier, (2004).

“Dien Bien Phu: de las trincheras a los tribunales: 1953-1958”, tesis de historia de Laure Cournil, Universidad de París I Panthéon – Sorbona.

Karim El Hadj Y Elsa Longueville

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El impacto moral de la orgía en sí no es el punto focal del episodio, ya que las emociones evocadas en la periferia del evento son las que impulsan a nuestros personajes hacia sus trayectorias destinadas. El caso de Arthur nunca es simple, ya que su comportamiento se siente ridículamente lamentable y verdaderamente desgarrador, considerando lo fácil que fue para él ceder a la tentación y el autodesprecio que la acompañó. Anderson canalizó estas complicadas emociones equilibrando la audacia flagrante con momentos tranquilos y reveladores de los personajes que ayudan a profundizar las grietas y hendiduras en la psique de Arthur. En declaraciones a Den of Geek en 2017, Anderson explicó cómo el sutil momento del anillo de bodas durante la orgía inicialmente pasó desapercibido para Mielants:

«tim [Mielants]el director no se contuvo ese día. […] Sólo recuerdo estar sentado allí observando todo este pensamiento, realmente como si me pusiera los nudillos blancos. Arthur está pensando «No quiero involucrarme», así que estoy sentado mirando este anillo de bodas en mi dedo. ¿No sé si Tim realmente se dio cuenta de eso?»

Arthur se quita el anillo después de decidir ceder, y aunque Mielants no «se dio cuenta» inmediatamente, este momento se vuelve crucial para subrayar el cada vez menor autocontrol de Arthur frente a la tentación, especialmente como un cristiano nacido de nuevo:

«Estaba mirando el anillo de bodas, mirando el libertinaje, mirando el anillo, mirando las drogas, pensando: ‘¿Qué quiero?’ Después de aproximadamente media hora en la habitación, [Arthur] Simplemente no pude aguantar más».

Este destello de conciencia emocional que se desvanece cuando Arthur se quita el anillo es uno de los muchos aspectos que lo hacen tan convincente en una serie repleta de personajes densamente estratificados que eventualmente se deshacen por su hamartia.

Sí, lo que normalmente se conoce como «el Sistema de Estudio» fue, de hecho, un esfuerzo deliberado de los Cinco Grandes para restringir la competencia y retener el control. Los cines se asegurarían de que sus bien pagados productos de estudio se exhibieran en sus propios cines, mientras que a los cines de barrio se les prohibía obtener productos «A». Los Decretos Supremos fueron una bendición para la industria en general, pero un duro golpe para los millonarios. Cuando los estudios tuvieron que vender sus salas, los propietarios de salas de barrio pudieron resurgir. A lo largo de la década de 1950, los cineastas locales de bajo presupuesto de repente tuvieron lugares disponibles y pudieron llevar personalmente las copias a los cines de su vecindario, solicitando su exhibición. Hay una razón por la que hubo un auge del cine de bajo presupuesto, la explotación de los autocines y un repunte del cine queer clandestino a finales de los años cincuenta.

Los Decretos Supremos acabaron con una industria ya debilitada. Gracias al Comité de Actividades Antiamericanas de la Cámara de Representantes (que, de manera paranoica, buscó erradicar a los «comunistas» de la industria), muchos empleados de Hollywood fueron excluidos. Además, la industria cinematográfica británica quería aumentar sus propias cifras y promulgó un impuesto del 75% sobre las importaciones estadounidenses. Hollywood estaba luchando por seguir siendo el gigante que quería ser.

El caso de la Corte Suprema incluyó a Paramount como acusado, ya que era el estudio que poseía la mayor cantidad de salas de cine en ese momento; según la estimación de «Englufed», fueron 1.450 salas. Para poner eso en perspectiva, AMC actualmente posee sólo 900 salas. Sin embargo, los ocho estudios mencionados anteriormente estaban incluidos en la demanda. Incluso los Tres Pequeños fueron acusados ​​de hacer tratos con las salas de los grandes estudios en lugar de con cadenas más pequeñas e independientes. A Paramount y sus coacusados ​​se les dio un año para vender sus salas.

Warren Buffett dice que vendió todas sus acciones en Paramount Global con una pérdida significativa.

Hablando en la reunión anual de Berkshire Hathaway, su empresa, hoy en Omaha, NE, el inversionista multimillonario se apropió plenamente de la mala decisión. A pesar de las especulaciones en sentido contrario, dijo: “Fue 100% mi decisión” invertir en Paramount en 2022. “Lo vendimos todo y perdimos bastante dinero. Eso sucede en este negocio”. (Mire un clip de él arriba).

A finales de 2023, Berkshire poseía 63,3 millones de acciones Clase B, o acciones sin derecho a voto, que en ese momento tenían un valor de alrededor de 800 millones de dólares. La participación, que representaba alrededor del 10,1% del capital social de la empresa, ayudó a impulsar las acciones cuando Buffett invirtió inicialmente en 2022. Luego pasó a hacer comentarios públicos criticando a las empresas que persiguen a Netflix en el streaming por suscripción, una cohorte que incluye a Paramount, dadas las condiciones económicas. del sector emergente.

Buffett, conocido como el Oráculo de Omaha, ha cometido muchos errores a lo largo de sus décadas de inversión. Ser propietario de acciones de Paramount, reflexionó Buffett, «me hizo pensar aún más… incluso más, sobre la cuestión de qué hace la gente con su tiempo libre y cuáles son los principios rectores para gestionar un negocio de entretenimiento de cualquier tipo». Y añadió secamente: “Creo que soy más inteligente que hace uno o dos años. Pero también creo que soy más pobre porque adquirí el conocimiento de la manera en que lo hice.

Los accionistas de clase B de Paramount se han manifestado recientemente en armas por las negociaciones de fusión de la compañía con Skydance Media debido a temores de dilución. Shari Redstone controla casi el 80% de las acciones con derecho a voto, o Clase A, de la empresa y había favorecido un acuerdo en dos pasos, exclusivamente en acciones, con Skydance. Una ventana de negociación exclusiva entre las compañías expiró a la medianoche del viernes y un comité especial de la junta directiva se reunió hoy para considerar una propuesta de fusión alternativa, totalmente en efectivo, de Sony Pictures Entertainment y el gigante de capital privado Apollo. Ese acuerdo tiene un precio preliminar de 26.000 millones de dólares y probablemente haría que todos los accionistas pagaran una prima.

Wall Street ha aprobado en general el acuerdo Sony/Apollo, pero Redstone se ha mostrado más reacio a aceptarlo porque probablemente implicaría la ruptura de la compañía y la combinación del estudio cinematográfico de Paramount con el de Sony. El padre de Redstone, Sumner Redstone, consideraba a Paramount Pictures, que adquirió después de una feroz batalla con Barry Diller, como la pieza central de su imperio mediático.

Ethan Hawke fue nominado a los premios Oscar de 2002 como mejor actor de reparto por su actuación en el thriller policial de Antoine Fuqua «Training Day». Perdió el premio ante Jim Broadbent (“Iris”), pero inmediatamente obtuvo la perspectiva que tanto necesitaba de su coprotagonista de “Training Day”, Denzel Washington, quien ganó el Oscar esa misma noche al mejor actor.

Durante una entrevista reciente en «¿Quién habla con Chris Wallace?» de Max. En la serie, el presentador le preguntó a Hawke sobre una historia que escuchó en la que Washington se inclinó hacia Hawke después de la derrota de este último en el Oscar y le susurró al oído: “Es mejor que no hayas ganado. Perder fue mejor”.

“No quieres que un premio mejore tu estatus. Quiere mejorar el estado del premio. Así es como él piensa”, dijo Hawke sobre el consejo de Washington en ese momento la noche de los Oscar. “A eso me refiero al jugar con Babe Ruth. El Premio de la Academia tiene más poder, porque Denzel tiene pareja. No elevó quién era”.

Al principio de la entrevista, Hawke comparó a Washington con el ícono del béisbol Babe Ruth porque, «al fin y al cabo, es el mejor actor de nuestra generación».

«Esa experiencia y esa voz que comencé a tener todos los días, actuando con Denzel, ya sabes, su imaginación es tan completa», dijo Hawke. “Me imagino que sería interesante ver cómo Babe Ruth se ataba los zapatos. Ya sabes lo que pensaba sobre varios lanzadores. Pero lo que crea eso es una enorme cantidad de energía y pensamiento, cierto, lo que crea esos momentos y una vez que ves a alguien trabajando de esa manera, es como una entrada a todas esas otras salas a las que puedes entrar en la profesión. Y fue realmente inspirador para mí ver la profesión que elegí realizada a ese nivel”.

Hawke ha sido nominado a cuatro premios Oscar a lo largo de su carrera: dos por actuación en la categoría de reparto (“Training Day” y “Boyhood”) y dos por guión adaptado (“Before Sunset” y “Before Midnight”). Cuando le preguntaron si le hubiera gustado ganar el Oscar por “Training Day”, el actor respondió: “No. Quiero decir, sí, supongo. Quiero decir, no lo haría”.

«Estuve en los Oscar sentado junto a Denzel Washington y nominado contra Ian McKellen», añadió Hawke. “Yo ya había ganado. Me era imposible no verlo de otra manera.

Hawke se encuentra actualmente en una gira de prensa para su último trabajo como director, “Wildcat”, protagonizada por su hija Maya Hawke como la novelista Flannery O’Connor. La película se estrena en los cines de EE. UU. el 3 de mayo. El episodio completo de Hawke de «¿Quién habla con Chris Wallace?» está transmitiendo en Max.

Variedad informes que Jabbar Raisani (Perdido en el espacio) y Christine Boylan (Cara de póquer) han sido elegidos para ser productores ejecutivos de las próximas dos temporadas de Netflix. Avatar tras la decisión del ex showrunner Albert Kim de dimitir. Aunque Netflix aún no ha anunciado oficialmente el cambio de guardia, se informa que Kim se dirigirá a Disney Plus, donde será productor ejecutivo del nuevo streamer. Percy Jackson y los olímpicos series y desarrollar otros proyectos nuevos.

Kim se convirtió por primera vez Avatar‘s showrunner en 2020 tras las salidas inesperadas de Bryan Konietzko y Michael Dante DiMartino, los cocreadores del original de Nickelodeon. Avatar Serie animada, debido a diferencias creativas. Desde entonces, Konietzko y DiMartino han regresado a Nickelodeon para crear más cosas propias. Avatar historias bajo el estandarte de producción de Avatar Studios de la compañía. Raisani y Boylan han ayudado a realizar excelentes episodios de televisión en el pasado y será interesante ver cómo Avatar cambios bajo su liderazgo. Y dada la dudosa primera temporada del programa, esos cambios podrían ser para mejor.

La división de fabricación de chips de Intel acumuló 7 mil millones de dólares en pérdidas operativas en 2023, Reuters informó el martes. Eso es un gran aumento con respecto a los $5.2 mil millones que perdió en 2022, y si bien obtuvo $18.9 mil millones en ingresos en 2023, esa cifra es un 31 por ciento menor que los $27.49 mil millones que obtuvo el año anterior.

Sin embargo, según los comentarios del director ejecutivo, Pat Gelsinger, a los inversores, la pérdida total no es una sorpresa total. Gelsinger dice que estas últimas cifras son en parte el resultado de los errores pasados ​​de Intel al ponerse al día con su negocio de fundición, lo que provocó que el fabricante de chips subcontratara alrededor del 30 por ciento de toda su producción de obleas a otras fundiciones, como TSMC, uno de los mayores competidores de Intel actualmente.

Pero ahora Intel ha invertido en utilizar máquinas ultravioleta extrema (EUV) de la firma holandesa ASML, cuando anteriormente había decidido no hacerlo. Gelsinger espera que la rentabilidad de esas herramientas ayude a Intel a alcanzar el equilibrio para 2027. ASML también dice en su sitio web que su tecnología hace que escalar la producción en masa de chips de computadora sea más asequible para fundiciones de chips como Intel.

Parece que Intel pudo haber tomado la decisión correcta justo a tiempo. En total, Intel planea gastar alrededor de 100 mil millones de dólares en la construcción o ampliación de sus fundiciones de chips en cuatro estados. También lo hará recibir hasta 8.500 millones de dólares en financiación del gobierno de EE. UU., como parte de la nueva Ley CHIPS. Pero para que todo salga según lo planeado, Intel necesitará persuadir a las empresas para que utilicen su servicio de fabricación de chips. Microsoft se registró recientemente como cliente de fundición, pero no está claro cuántas empresas más necesitará Intel para alcanzar el punto de equilibrio (como estaba previsto) en unos años.

Al recordar Final Fantasy VI, ¿qué es lo primero que me viene a la mente?

Es posible que tu respuesta sea la icónica risa maníaca de Kefka, o una batalla final contra un jefe que te haga bailar como loco, o buscar amigos en un mundo en ruinas. Pero en algún lugar de esa mezcla, y para muchos, probablemente la más importante, está la escena majestuosa pero tonta de la Ópera.

A primera vista, resulta extraño que la Ópera sea, para muchos fans, la parte más venerada del notablemente melancólico Final Fantasy VI. La actuación musical está bastante ambientada en un dispositivo de trama para conseguirle a nuestro grupo una aeronave mientras llevamos a casa la relación de Celes y Locke; no hay ninguna relevancia en la trama para el gran asunto de representar una ópera.

Además, el principal punto de tensión gira en torno a la reaparición del villano cómico del juego, Ultros, cuyo gran momento villano culmina al declararse “la realeza del pulpo” (al menos en la localización en inglés). A pesar de su posición sólo unos pocos momentos de la trama antes de los eventos del fin del mundo que definen el legado de Final Fantasy VI, esta tangente glorificada ha sido recordada con tanto cariño que fue rehecha en el motor HD-2D de Square Enix para Final Fantasy VI Pixel Remaster, una tratamiento exclusivo para él en toda la serie Pixel Remaster.

Clavar la actuación da como resultado una maravillosa sincronización que proporciona la ilusión de agencia y profundiza las conexiones personales con el juego.

Hay bastantes razones que se podrían dar para explicar esta reverencia. Por un lado, la escritura de Final Fantasy brilla más cuando se centra en momentos íntimos de los personajes, algo que la Ópera proporciona con mayor efecto que muchas de las escenas más tonalmente serias de Final Fantasy VI. En la misma línea, la ligereza es el alma del drama, y ​​la secuencia proporciona un respiro suficiente para que el público pueda llegar a amar el mundo y los personajes antes de destrozarlo todo con un rápido puñetazo en el estómago. También fue un momento virtuoso para Nobuo Uematsu en el que mostró la diversidad de sus dotes compositivas. Pero hay una razón más poderosa que todas estas por la que la Ópera brilla: mostró el poder de la narración interactiva.

En pocas palabras, la escena de la ópera es una escena que puedes reproducir. Puede que esto no parezca tan impresionante en la era moderna en la que las últimas entradas de Final Fantasy muestran escenas que rivalizan con las de películas de gran éxito. Sin embargo, fue revelador para el público de 1994 para quienes la «escena fija» aún no formaba parte de su vocabulario de juego. Por lo tanto, tiene sentido que Final Fantasy VI presente su escenario interactivo como una obra de teatro, ayudando a los jugadores a contextualizar sus deberes de juego de rol a través de la lente de un escenario real.

Para los no iniciados o aquellos que necesitan un repaso, aquí está la configuración. (Alerta de spoiler): la estratagema del partido para acceder a una aeronave en su búsqueda del imperialista Imperio Gestahliano requiere que el caballero mágico Celes desempeñe el papel de María en una ópera, preparando al dueño de la aeronave para secuestrar a la mujer equivocada. Tienes la tarea de representar el aria de María con solo el número de apertura del amante de María, Draco (que actúa como una especie de tutorial) y un vistazo rápido al guión para guiarlos. Esta representación implica elegir la letra correcta para que Celes la cante, moverla al compás de Draco para simular un baile, recoger las rosas que deja y correr hacia el balcón superior para arrojar las rosas a la luz de la luna.

Es mucho para asimilar, pero lograr la actuación da como resultado una maravillosa sincronización entre la secuencia escrita y el control del jugador que proporciona la ilusión de agencia y, con eso, profundiza las conexiones personales con el juego.

Si su familiaridad con Final Fantasy VI proviene de su Pixel Remaster, esto puede parecer una conjetura exagerada o simplemente inexacta. La razón de esto se remonta al uso del motor HD-2D para recrear el aria de María. Esto permitió mejoras visuales como cambios de ángulos de cámara y efectos de iluminación renderizados, lo que dio como resultado una presentación más reconocible como cinematográfica para el público actual.

Sin embargo, lo hace sacrificando sus raíces interactivas. Si bien el jugador aún elige las líneas de Celes, todo, desde el baile con Draco hasta correr por las escaleras del balcón, se ha reducido a solo presionar el botón ‘A’. Indicaciones contextuales como estas le dan a la escena una sensación más parecida a los infames eventos rápidos de muchos juegos de las siguientes generaciones de consolas. Es probable que este cambio se deba a que la recreación HD-2D no está codificada para permitir al jugador controlar los personajes; En particular, el guión de la ópera todavía implica que tienes que realizar las acciones tú mismo, lo que respalda la teoría de que esta concesión fue por necesidad. De todos modos, el resultado es una nueva versión de la escena que no captura por completo los logros del original.

Es un comentario interesante (aunque no intencionado) sobre las cualidades beneficiosas de la abstracción en los JRPG. Así como el combate por turnos y los mundos superiores surgieron para eludir las limitaciones de las primeras generaciones de consolas, interpretar el papel de María en la ópera también requirió que tu mente llenara los vacíos. Permitirte interpretar el papel vende la ilusión; Debido a que el jugador mueve a Celes de una manera que implica bailar, creen más fácilmente que los círculos que caminan alrededor del duende de Draco mientras la música aumenta equivalen a un tango romántico. Es el mismo truco mental que utiliza el sistema ATB para hacer que las batallas se sientan menos como dos bandos que se turnan cortésmente para lamentarse el uno del otro. Si bien los trucos de dirección que emplea la escena rehecha en HD-2D son más fluidos y dramáticos, simplificar las acciones con solo presionar unos pocos botones en última instancia subestima la ilusión de participar activamente en la obra.

Por supuesto, esto es una reflexión sobre un momento fugaz dentro de una secuencia más amplia que aún canta sin importar la versión que reproduzcas. De hecho, la nueva versión HD-2D del aria de María tiene sus propias mejoras, como esplendor visual ambiental, sprites más emotivos y música con una pista vocal. Las secciones no interactivas de la obra son igualmente convincentes, ya que brindan profundidad al escenario y al auditorio que realmente hacen que la Ópera parezca grandiosa. Realmente nos hace querer rehacer el juego completo con este estilo. Esto por no hablar de lo apasionante que es la prisa de Locke por frustrar el plan de Ultros de arruinar la obra. Cambiar de perspectiva entre los grupos del grupo es un truco que Final Fantasy VI emplea bien a lo largo de su tiempo de ejecución, pero quizás nunca sea más emocionante que aquí.

Quizás sea mejor decirlo de esta manera: 30 años después del lanzamiento original de Final Fantasy VI para SNES, tenemos una versión del juego que refleja con precisión las tendencias modernas y, en muchos sentidos, es mejor. Los pocos en los que no lo es, como la interpretación del aria de María, no restan valor, sino que nos brindan la oportunidad de apreciar el ingenio de cómo Square trabajó a principios de la década de 1990 dentro de las limitaciones del hardware para lograr una narración interactiva innovadora.

¿Recuerdas con cariño la escena de la Ópera o hay otro momento que crees que merece la atención? ¡Háganos saber en los comentarios mientras nos preparamos para celebrar el 30.º aniversario de Final Fantasy VI el 2 de abril!

El nacimiento de Blofeld

Ernst Stavro Blofeld apareció por primera vez en la novela de 1961. bola de truenoel primero de lo que los fanáticos de Bond llaman la Trilogía Blofeld, junto con En el servicio Secreto de su Majestad (1963) y Solo vives dos veces (1964). Blofeld desempeña sólo un pequeño papel en bola de truenoexponiendo el malvado complot de esa historia para su organización SPECTRE (Ejecutivo Especial de Contrainteligencia, Terrorismo, Venganza y Extorsión).

Blofeld pasa a la vanguardia en En el servicio Secreto de su Majestad, en el que la historia se vuelve personal. Mientras Bond persigue a Blofeld para poner fin a las actividades de SPECTRE, se enamora y se casa con la Contessa Teresa di Vicenzo, más conocida como Tracy. Pero el matrimonio no dura mucho, ya que Blofeld y su secuaz Irma Bunt matan a Tracy en su luna de miel. Solo vives dos veces encuentra a Bond en pie de guerra, hambriento de venganza. Al descubrir a su enemigo bajo el alias del botánico suizo Dr. Guntram Shatterhand, Bond rastrea a Blofeld y finalmente lo estrangula.

La prosa de Fleming describe a Blofeld como un hombre corpulento e imponente con una existencia casi espartana. Su importante presencia sólo se vio incrementada por su fuerte código moral, uno que lo obligó, por ejemplo, a matar a un asociado que agredió a una víctima de secuestro a la que SPECTRE prometió devolver ilesa después de que se pagara el dinero del rescate.

Aunque no siguieron las novelas de Fleming paso a paso, las películas de James Bond capturaron el tono del personaje creado para EON Productions. El personaje hace su primera aparición cinematográfica en Desde Rusia con amor (1963), donde se le menciona únicamente como el jefe número uno de SPECTRE. La cámara nunca muestra el rostro de Blofeld, sino que se enfoca en el gato blanco que sostiene en su mano, una presunción que continúa en bola de trueno (1965).

Después de ver a sus agentes superados por Bond (Sean Connery) en misiones anteriores, Blofeld decide revelarse en Solo vives dos veces (1967), donde es interpretado por Donald Pleasence. Blofeld escapa de ese encuentro, sólo para resurgir como el conde Balthazar de Bleuchamp en En el servicio Secreto de su Majestad (1969), donde lo interpreta Telly Savalas, un hombre notablemente más grande que Pleasence.

Como en la novela, En el servicio Secreto de su Majestad termina con Blofeld matando a la nueva esposa de Bond, Tracy. De este modo, Los diamantes son para siempre (1971) comienza con Bond (una vez más interpretado por Connery, con el mandato de una sola película de George Lazenby concluido) en una misión de venganza. Bond captura a Blofeld y lo somete a muerte ahogándolo en cemento, solo para descubrir que había sido engañado y que el verdadero Blofeld, interpretado por Charles Gray, todavía está perdido y se hace pasar por el multimillonario Willard Whyte.