El pianista italiano Maurizio Pollini falleció en Milán el sábado 23 de marzo por la mañana a la edad de 82 años. Fue el Théâtre de la Scala quien hizo el anuncio en su sitio, cuya página de inicio está íntegramente dedicada al músico considerado “ un referente fundamental en la vida artística del teatro desde hace más de cincuenta años «.

Desde 2022, se han producido numerosas cancelaciones de conciertos por motivos de salud, a menudo en el último momento, como el 21 de agosto de ese año, cuando Maurizio Pollini tuvo que abandonar un recital por enfermedad. “problemas cardíacos agudos”, en palabras de Markus Hinterhäuser, director artístico del festival de Salzburgo, donde estaba programado, o unos meses después, el 5 de noviembre, en Turín, donde el solista tenía previsto actuar en solidaridad con las víctimas de las próximas inundaciones. devastar parte de Italia.

Por ello, el gran artista abandonó dolorosamente el escenario de los conciertos en el que se había distinguido desde muy temprano. Tanto a través de su juego hecho de reflexiones y destellos instintivos como a través de sus programas en los que la música contemporánea, de Pierre Boulez (cuya 2^mi Sonata le fascinaba) hasta Karlheinz Stockhausen (con predilección por Klavierstückocupó un lugar de elección.

Un pianista humanista

Discreto por naturaleza, este hombre de gran elegancia no dejaba de salir de su reserva, tanto en el teclado – como su maestro Arturo Benedetti Michelangeli (1920-1995), que se decía tímido excepto en lo que se refería a la música – como en sociedad. , para servir en diferentes formas un ideal democrático. A principios de los años 1970 se le vio tocando en una fábrica ocupada, aprovechando un concierto para denunciar el bombardeo de Vietnam del Norte por parte de Estados Unidos o reaccionando ante la suerte del presidente chileno Salvador Alliende, víctima del golpe de Estado. llevó a Augusto Pinochet al poder en septiembre de 1973.

Comprometido, como su gran amigo el director de orquesta Claudio Abbado (1933-2014), desde un punto de vista más humanista que político, Maurizio Pollini volvió a hacer oír su voz en 2011 durante una manifestación multitudinaria destinada a la dimisión de Silvio Berlusconi, entonces Presidente del consejo. El respeto por una línea de conducta clara e inalterable a lo largo de los años determina también su carrera como intérprete, favoreciendo a algunos compositores clave, entre ellos Frédéric Chopin y Ludwig van Beethoven, en detrimento de otros músicos. «adorado», como Jean-Sébastien Bach (se acercó tarde), Maurice Ravel (de vez en cuando) y Domenico Scarlatti (nunca grabado). Renuncias consideradas muy dolorosas pero justificadas por el deseo de hacer de determinadas obras maestras compañeras de toda la vida. Por ejemplo, las tres últimas sonatas de Beethoven, grabadas para Deutsche Grammophon en 2020, casi medio siglo después de que las grabara por primera vez.

Te queda el 71,53% de este artículo por leer. El resto está reservado para suscriptores.

TECNOLOGÍA

23 de febrero de 2024 a las 19:49

Los investigadores del MIT están trabajando actualmente en guantes inteligentes que podrían cambiar significativamente la forma en que aprendemos.

Los científicos del MIT han desarrollado guantes inteligentes que pueden registrar, transmitir y generar retroalimentación háptica. La tecnología podría provocar cambios innovadores en una amplia variedad de áreas. Por ejemplo, se podría mejorar su uso en aplicaciones de realidad aumentada o realidad virtual. De esta forma se podrían imitar las sensaciones de agarrar un objeto o pulsar un botón.

Sin embargo, como informa Techspot, los guantes también podrían usarse para aprender nuevas habilidades, como tocar el piano. En este caso, los guantes inteligentes podrían proporcionar información háptica sobre qué dedo debe moverse para reproducir una secuencia de teclas.

Los guantes también podrían usarse con fines de entrenamiento en otras áreas, como pilotos o cirujanos. La tecnología también puede ayudar a controlar los robots con mayor precisión. Utilizando retroalimentación háptica, los investigadores pudieron decirle a un robot cuánta presión tenía que aplicar al agarrar objetos.

Retroalimentación háptica a través de la máquina de bordar

Los componentes necesarios se integran en los guantes mediante una máquina de bordar digital. Estos tienen que ajustarse a cada persona porque su percepción táctil es diferente. Sin embargo, el proceso de personalización sólo debería tardar unos 15 segundos.

Los guantes también se han utilizado en videojuegos. Aquí se probó la retroalimentación háptica, entre otras cosas, en juegos de carreras o al mantener el ritmo. Interesante: los jugadores con guantes inteligentes en realidad se desempeñaron mejor que aquellos sin guantes.

• » Consejo: Los mejores proveedores de VPN para mayor seguridad y protección de datos
• » Comprar central eléctrica para balcón: Comparación de los mejores sistemas solares.

Les McCann, aclamado pianista y vocalista de jazz cuyo mayor éxito comercial llegó con la canción de 1969 “Compared to What”, de su álbum movimiento suizo, que criticaba la guerra de Vietnam, ha muerto. Su antiguo manager, Alan Abrahams, confirmó a varios medios de comunicación que McCann murió el viernes en un hospital de Los Ángeles donde había sido ingresado con neumonía. Tenía 88 años.

Nacido en Lexington, Kentucky, McCann creció en una familia musical de cuatro miembros. McCann, que fue en gran medida autodidacta como pianista, ganó un concurso de canto durante su servicio en la Marina de los EE. UU., lo que le llevó a aparecer en El show de Ed Sullivan. Tras mudarse a California con su propio trío, rechazó una oferta para unirse a la banda de Cannonball Adderley para poder dedicarse a su propia música.

La carrera de McCann comenzó a despegar cuando grabó como pianista con su trío para Pacific Jazz Records. su album Movimiento suizo Grabado con el saxofonista Eddie Harris y el trompetista Benny Bailey, contenía el sencillo «Compared to What», crítico con la guerra de Vietnam, así como el sencillo «Cold Duck Time». McCann lanzó el álbum en el Festival de Jazz de Montreaux de 1969. Tanto el álbum como el sencillo «Compared to What» alcanzaron las listas de éxitos de Billboard. Compuesta por Eugene McDaniels, McCann lanzó la canción como balada en su álbum. Les McCann toca los éxitos. Roberta Flack también hizo una versión de la canción, que fue la pista de apertura de su álbum debut. Primer toma en 1969.

McCann se convirtió más tarde en uno de los innovadores del soul jazz, que fusionó el jazz con el funk, el soul y los ritmos mundiales. También fue uno de los primeros músicos de jazz en incluir piano eléctrico, clavinet y sintetizador en su música.

McCann estuvo con Atlantic Records hasta 1976, tiempo durante el cual grabó 1973. Invitación a la apertura y 1974 Capas. Más tarde grabó álbumes exitosos para ABC Impulse y A&M, incluido el de 1978. El hombre, y luego grabado en indies, según su biografía.

Sufrió un derrame cerebral en 1995 que lo dejó parcialmente paralizado pero comenzó a grabar nuevamente, con Bombéalo en 2002 y Un tiempo de Navidad en 2018. En 2023, Resonance Records lanzó el archivo multidisco ¡Nunca un momento aburrido! En vivo de costa a costa 1966-1967, según su biografía.

En 1975, McCann se convirtió en el primer artista residente en el programa Learning From Performers de la Universidad de Harvard. También artista y prolífico fotógrafo de la cultura negra, su trabajo fue recogido en el libro de 2015. Invitación a la apertura: la fotografía de jazz y soul de Les McCann 1960-1980.

En una entrevista para el prefacio del libro, se le preguntó a McCann cómo había logrado intimidad con sus sujetos fotográficos. «Confío en mi intuición, ¿sabes?», dijo, y añadió: «Estoy mejor cuando hago lo que hago en el piano: tocar».

Cuando András Schiff interpreta a Bach, el tiempo se detiene y la sala se llena de un aura que se deposita en la mente de la gente como fino polvo de oro. Todo en este músico parece tan reservado y apacible, como si se presentara ante su público como un enviado de una tierra de sueños: su manera tranquila y melódica de hablar, su delicado lenguaje corporal, pero sobre todo su matiz, de ninguna manera. virtuosismo escénico como pianista.

El barco de Andrá es todo menos sobrenatural. En repetidas ocasiones adopta una postura política y social. Por ejemplo, con su sensacional protesta contra el gobierno populista de derecha de Viktor Orbán, que vilipendió al pianista en términos antisemitas. Por lo tanto, Schiff ya no aparece en su país de origen, Hungría. Forma parte del pequeño grupo de artistas altamente reflexivos y con una formación integral que sienten la responsabilidad de marcar la diferencia con su arte, pero al mismo tiempo están muy lejos de traicionar su arte con mensajes estridentes.

“Alfa y Omega de la Música”

La protesta artística de Schiff -contra todas las formas de pensamiento autoritario y dogmático y sus consecuencias socialmente devastadoras- es decididamente antiideológica. Y subversivamente: a través de la diferenciación.

No es casualidad que sus fuentes sean a menudo niños, protagonistas de una veracidad y autenticidad inquebrantables. Convencido de que los niños merecen “sólo lo mejor”, en 2010 inició un programa de colaboración con el Teatro de Marionetas de Salzburgo, que todavía hoy tiene éxito, en el que interpretó el papel de piano en la adaptación teatral de títeres de “La boîte à joujoux” de Debussy y Los “Papillons” de Schumann tomaron el relevo. La producción obtuvo éxitos entre otros en Viena, Salzburgo y Nueva York y se reanudó recientemente. Hace unos años, en la Filarmónica de Berlín, dedicó una serie de conciertos de tres partes a piezas infantiles de Bartók, Janáček y Schumann, que combinó con inventos de su estrella, Bach.

András Schiff nació en Budapest en 1953 como hijo de supervivientes de la Shoah. La madre enseñaba piano, el padre, ginecólogo, era un talentoso violinista aficionado. Recibió sus primeras lecciones de piano a los 5 años, comenzó a estudiar con György Kurtág y Ferenc Rados en la Academia de Música Franz Liszt de Budapest a los 14 años y posteriormente estudió con el clavecinista George Malcolm en Londres.

Los éxitos en el Concurso Tchaikovsky de Moscú y en el Concurso de Leeds abrieron el camino a una carrera internacional a mediados de los años 1970. Malcolm le inculcó el amor por la música de Johann Sebastian Bach, que hasta el día de hoy todavía le parece el “alfa y omega de la música”. Bach fue “como una limpieza espiritual”, explicó Schiff una vez en una entrevista, por lo que para él cada día comienza con una hora de Bach.

De hecho, en el enfoque pianístico de Schiff, siempre lúdico, claramente estructurado y altamente poético, Bach suena accesible y trascendente al mismo tiempo: accesible en la intimidad de una expresión que disuelve el hermetismo de la construcción musicalmente perfecta en una canción fluida; trascendente de nuevo en la belleza tonal diversamente radiante de esta canción, que parece como si no pudiera ser de este mundo.

Contra el sonido del piano globalizado

No se ve a sí mismo como un pianista, pero «con suerte es un músico», dijo Schiff en un documental reciente. De este modo, se defiende de lo que percibe como una globalización desagradable y niveladora del sonido del piano y selecciona sus instrumentos de acuerdo con las necesidades específicas de las obras. Muchas sonatas orquestales de Beethoven requieren un Steinway. La mayor parte del tiempo Schiff toca en un Bösendorfer hecho para él, de madera de caoba, porque los pianos de cola lacados en negro le recuerdan a los ataúdes. También posee una colección de instrumentos históricos, incluidos fortepiano y clavicordio.

Además de su carrera en solitario, Schiff ha sido un apasionado músico de cámara desde su juventud y también actúa con su esposa, la violinista Yuuko Shiokawa. De 1989 a 1998 fue director artístico de los “Mondsee Music Days” y en 1995 fundó los “Ittinger Whitsun Concerts” en la Cartuja de Ittingen. Desde 1998 se celebra bajo su dirección en el Teatro Olímpico de Vicenza el ciclo de conciertos “Omaggio a Palladio”. En 1999 fundó una orquesta de cámara con el nombre de Cappella Andrea Barca, traducción de su propio nombre. Desde 2014, Schiff también apoya a jóvenes pianistas bajo el título “Building Bridges”.

A lo largo de sus 50 años de carrera, que han incluido actuaciones en las casas más famosas del mundo, Schiff ha podido aprovechar un vasto repertorio. Más recientemente, disfruta haciendo esto en programas que tienen un tema o lema, aunque la selección concreta de obras sólo se revela en el momento del concierto.

En los momentos más exitosos, la música de su interpretación parece desarrollarse por sí sola, casi con una distancia lacónica: como si el propio pianista estuviera asombrado por los mundos mágicos que se abren bajo sus dedos. Se evita todo lo artificial o llamativo: Schiff no impone un metacomentario personal a las obras, sino que las exhibe de forma muy sublime en su escenario imaginario. Es esta atmósfera de libertad intelectual la que hace de sus veladas algo especial. Hoy el gran pianista cumple 70 años.

Nacido en Fort-de-France (Martinica) el 4 de septiembre de 1935, Michel Sardaby falleció el 6 de diciembre de 2023 en París. Sigue siendo una de las piezas centrales de la formidable escuela de pianistas antillanos que supieron dar un color especial a su idioma, el jazz: citemos a Marius Cultier, Paulo Rosine, Nicol Bernard y, por supuesto, al inmenso Alain Jean-Marie, Mario Canonge, Chico Jehelmann, Ronald Tulle, hasta Grégory Privat o Maher Beauroy, todos ellos procedentes de familias tan modestas como muy musicales.

En este conjunto, Michel Sardaby ocupa un lugar tan notable como discreto. Iniciado en el piano por su padre, Bernard Sardaby, alrededor de los 4 años, llegó a París en 1954 para estudiar en la Escuela Boulle (artes aplicadas y arquitectura de interiores), al tiempo que seguía una carrera como músico. Ya había dirigido una orquesta de diez músicos en las Indias Occidentales.

Aquí está en los clubes con Robert Mavounzy y Al Lirvat (los antillanos de París); los excepcionales saxofonistas, Benny Waters en 1957, Don Byas, Dexter Gordon, Hal Singer; pero también JJ Johnson (trombón), Kenny Clarke (baterista histórico afincado en la región de París, una escuela por derecho propio). Tal es el privilegio de los pianistas, “ siempre que hagan el trabajo ». Lo cual se sabe sin demora. Historia de los músicos. Sardaby cuenta con el apoyo del productor Henri Debs.

Grabaciones en Nueva York

Michel Sardaby “acompaña” también músicos de blues. Un ejercicio que creemos sencillo, más que delicado: Sonny Boy Williamson II (en 1963) o T-Bone Walker. En marzo de 1967, fue uno de los pianistas, junto con Raph Schecroun (también conocido como Errol Parker), Claude Bolling, otros y Joe «Stride» Turner, para una larga grabación, Cinta para Billydedicado a Billy Strayhorn, el director musical de Duke Ellington, que agoniza en un hospital de Nueva York.

Decirles, sólo para situar la época, que todas las noches podíamos escuchar en La Calavados, un bar de los Campos Elíseos, a Joe “Stride” Turner (a quien el Duque o el Conde Basie nunca dejaban de venir a saludar, cuando estaban en la ciudad para un concierto en Pleyel), su interminable Cadillac violeta entroniza frente al club, un regalo de un cliente particularmente entusiasmado con la forma de tocar del pianista. Podemos entender.

Primer álbum de Michel Sardaby en 1964, seguido de grabaciones en Nueva York con Percy Heath (bajo) y Connie Kay (batería), sesiones con Ray Barretto (percusión), Billy Cobham (batería), Richard Davis y Ron Carter (bajo). en definitiva, el gratinado.

En los clubes, en París, lo escuchamos con Guy Lafitte, Michel de Villers y Chet Baker. su album gail (Disques Debs) recibe el premio Boris Vian. Nuevo álbum muy celebrado en 1989, Yendo a lugares (en Mantra, con Rufus Reid y Martin Smith), luego, en quinteto, para Directo (Registros de Sound Hills, 1993). Celebración de la Universidad de Pittsburgh, premio Grammy a la enseñanza y más

Es muy cierto que Michel Sardaby fue un valioso conducto, un maestro muy solicitado, “ofrecer a la juventud martiniquesa una espléndida educación y formación”, dijo esta tarde del 6 de diciembre de 2023, Annyck Alexis-Alexandre, su sobrina. Michel Sardaby, siempre rodeado, en sus propios combos, de los mejores bajistas y bateristas: más que una señal, una prueba.

Cursos online, clases nocturnas, talleres: desarrolla tus habilidades

Descubrir

Nunca un poco de alarde, todo rigor alado, un toque tan fino, armonías alegres. Estar a su lado, en Marciac (1992), durante un concierto de Hank Jones (distinguido pianista), fuera de la gran carpa, delante de una pantalla con un sonido perfecto, escuchando sus comentarios susurrados en voz baja, seguirá siendo un concierto. dentro de un concierto que es más que conmovedor.

Michel Sardaby en algunas fechas

4 de septiembre de 1935 Nacimiento en Fort-de-France

1954 Se muda a París

1964 Primer álbum

6 de diciembre de 2023 Muerte en París

Francisco Marmande

Le dispararon al pianista es un documental sobre el artista de jazz brasileño Francisco Tenório Júnior, desaparecido en 1976. Alerta de spoiler, la película descubre por qué Tenório Júnior ya no está aquí. Los directores Fernando Trueba y Javier Mariscal se unieron a Contenders Film: Documentary de Deadline para discutir cómo usaron la animación para articular momentos históricos para los cuales no tenían material de archivo.

“Mi primer compromiso fue ser justo con Tenório Júnior”, dijo Trueba. “Creo que debes hacer algo por él, no sólo por nosotros. Para él y también para que el público lo descubriera, pero yo quería que el público lo conociera, lo conociera y escuchara su música”.

Algunas partes animadas muestran a Tenório creando música, para la cual los realizadores tenían grabaciones de audio. Mariscal dijo que la música guió las imágenes.

“Gracias a la animación podemos volver a darle vida a Tenório grabando y recreando este momento”, dijo Mariscal. “Los colores y este espacio es como un sueño, como un recuerdo”.

RELACIONADO: Documental de Deadline’s Contenders: cobertura completa

Mariscal dijo que usó colores brillantes para mostrar “lo felices, lo agradables y lo complejos” que se sentían los músicos mientras tocaban. Mariscal dijo que el guión de Trueba era claro y estaba acompañado de mucho material de investigación. Donde había mucho material, Mariscal animó con precisión. Cuando eran más recuerdos de primera mano, se tomó más licencias artísticas.

Mariscal sabía cómo eran Nueva York y Buenos Ares, por lo que recreó las locaciones. Cuando la gente comparte sus recuerdos, Mariscal animaba al estilo de su historia, a veces “como noir o muy oscuro” o representando escenas de amor como “más caricatura”.

Jeff Goldblum narra la película. Trueba había dirigido a Goldblum en la película de 1989. Obsesión retorcida y siguieron siendo amigos. Trueba dijo que Goldblum esencialmente lo interpretó mirando a Tenório Júnior, pero con acento estadounidense.

«Es una especie de alter ego», dijo Trueba. “Él está haciendo lo que yo hice y conociendo a la gente que conocí. Pero siempre pensé ¿qué carajos hace ahí un director español? Estados Unidos y América Latina no estuvieron conectados por la mejor razón en ese período histórico. Pensé que era más interesante y más veraz que la historia fuera estadounidense, pero yo soy español”.

Trueba dijo que las autoridades de Buenos Aires en realidad arrestaron a Tenório por error durante uno de los muchos golpes de estado de la región. “Lo torturaron durante nueve días antes de matarlo”, dijo Trueba. «En este período de tiempo, el golpe de Estado tuvo lugar en medio de los últimos nueve días de su vida».

Los realizadores no pueden arreglar el pasado, pero esperan que THola, le disparó al pianista. puede ser un testimonio vivo del artista. “Tenório está muerto pero no está muerto”, dijo Mariscal. «Podemos escuchar y ver cómo tocaba el piano».

Vuelva a consultar el martes para ver el video del panel.

Puedes suscribirte a la descarga periódica de un archivo de audio. Puedes guardar el programa descargado en tu computadora, llevarlo contigo en tu reproductor digital o grabarlo en un CD.

• – Si elige Apple Podcasts, simplemente haga clic en el siguiente enlace: el software se encarga de todas las operaciones de suscripción.
  
  Los imprescindibles de Julia
  

• – Si opta por otro software, copie y pegue allí el siguiente enlace, luego siga sus instrucciones para continuar con la suscripción.
  
  https://www.europe1.fr/rss/podcasts/linterview-de-julia-vignali.xml
  

Nacida en Oakland (California) el 11 de mayo de 1936, Lovella May Borg se hizo conocida con el nombre de su primer marido, el pianista canadiense Paul Bley (1932-2016). La estadounidense Carla Bley falleció el 17 de octubre de 2023 en su casa de Willow (estado de Nueva York), a causa de un tumor cerebral. No sabemos a quién ni qué destacar: ¿el pianista? ¿El prolífico compositor? ¿El autor de los arreglos deseados? ¿La directora de orquesta o de banda que no duda en decir que quiere estar a la altura de Duke Ellington (1899-1974) o Gil Evans (1912-1988)? ¿Este arte de no tener miedo y ser bella?

Lea la reseña: La energía radiante de Carla Bley y sus cuatro compañeras

Todas estas cualidades que están contenidas en lo que ella llama su “forma de ser mujer”. Su libertad de ser. Habla de ello con una mezcla inimitable de lucidez, franqueza y humor, como lo demuestran las diez horas de entrevista con el periodista Alex Dutilh en France Musique en julio de 2011. La entrevista más larga de su vida, dice.

Con Paul Bley, está en el centro de una comunidad formidable: una galaxia de investigadores, talentos, innovadores, poetas y cantantes en contacto directo con los tiempos. No con descuido, sino con alegría. Paul Bley, el trompetista Mike Mantler, el bajista Steve Swallow, sus compañeros de vida, siguen siendo sus intérpretes, sus socios, incluso después de separarse de los dos primeros. La vida como arte de lo posible.

Su padre, profesor de piano y director de coro, la puso a tocar los teclados desde los 3 años. Sólo un propósito: que ella toque música religiosa. Se sabe provinciana cuando el descubrimiento deExploraciones (1953), desconcertante y vanguardista disco del saxofonista y arreglista Teo Macero (1925-2008), la empuja intrépidamente hacia Nueva York. Para escuchar la mayor cantidad de jazz posible, se convirtió en vendedora de cigarrillos en el club Birdland (allí escuchó a Bud Powell, Thelonious Monk y Count Basie). Allí conoció a Paul Bley.

Pensamiento crítico formidable

Matrimonio en 1957, separación dos años después, que no cambió nada en su comprensión musical. Paul Bley, discreto visionario de toda una época, le presentó al saxofonista Ornette Coleman (1930-2015). Se entusiasma con el free jazz sin renunciar nunca a sus ganas y a su libertad. Jimmy Giuffre, George Russell, Steve Kuhn y Art Farmer interpretan sus composiciones. Más tarde unió fuerzas, dondequiera pasa, con los inventores Don Cherry, Steve Lacy, Aldo Romano, Peter Brötzmann, Peter Kowald, etc.

En 1964 conoció al trompetista y compositor Michael Mantler con quien se unió al Jazz Composer’s Guild, del trompetista Bill Dixon, junto a Roswell Rudd, Archie Shepp, Don Cherry, Cecil Taylor, Gato Barbieri, Pharoah Sanders, etc. Todos aquellos que indican los caminos de una música que ya no llamamos vanguardia ni futuro, sino simplemente contemporánea.

Te queda el 56,38% de este artículo por leer. El resto está reservado para suscriptores.

“Soy como una asesina”, dijo una vez en una entrevista, y explicó: “Alguien me encarga escribir una composición y luego la hago”. Un compositor entonces. “Me necesitan y me quieren. Y me pagan. Son estos tres puntos. No me corresponde a mí decidir».

Hablamos de Carla Bley, la pianista, compositora y gran dama estadounidense del New Jazz, que, a pesar de la seriedad de su trabajo musical, nunca dejó brillar su ingenio. No se podía entender literalmente todo lo que decía. Pero algunas cosas sí lo hacen, por ejemplo cuando matizó: «Sólo trabajo para los mejores del mundo».

Pragmático y eficiente

Lovella May Karen Borg, también conocida como Carla Bley, nacida el 11 de mayo de 1936, hija de un organista de una iglesia en la Bahía de San Francisco, ha contado a menudo la historia de cómo escribió su primera composición: Cuando era niña, dibujaba puntos en un trozo de papel musical y se lo regaló a su padre para que jugara con él. Miró la hoja y dijo que había demasiadas notas y que no se podían tocar. Entonces tomó una goma de borrar y borró parte de la música. Se mantuvo pragmática, eficiente y directa durante toda su vida.

A los diecisiete años se mudó a Nueva York, la capital del jazz, porque
Quería escuchar a Miles Davis y Charlie Parker, y encontró trabajo como “cigarrera” en el club de jazz Birdland. A menudo se encontraba en un rincón con los jóvenes músicos que estaban haciendo planes para una revolución musical. Se trataba de cambiar la forma en que funcionaban los clubes de jazz. Los jóvenes querían jugar todo el tiempo que pudieran y no tener que tomarse un descanso todo el tiempo.

Siempre eran los mismos músicos con los que Carla Bley estaba en la esquina: los bajistas Gary Peacock y Steve Swallow formaban parte de ellos, y más tarde también se unió al grupo Charlie Haden. Pero lo que le interesó especialmente fue un pianista de Canadá: Paul Bley. Karen Borg se convirtió en Carla Bley.

Y Paul Bley dio el impulso que convirtió oficialmente a Carla Bley en compositora. En una entrevista, dijo: «Paul me dijo: ‘Mañana tengo una grabación, escríbeme una hora rápida de música’. Así que lo hice. Y misteriosamente, las piezas eran realmente buenas.»

Posteriormente también encargó composiciones a otros compañeros. En aquella época, la mayoría de los músicos de jazz preferían improvisar a componer. «Todos tenían algo que decir, querían decirlo rápidamente y con toda la energía; eso es lo opuesto a componer, donde simplemente te sientas y piensas durante mucho tiempo. Yo estaba disponible y me convertí en quien tomó la parte aburrida del trabajo y se la dio a los músicos, quienes luego hicieron la parte emocionante».

Las piezas de Carla Bley eran exigentes: melodías ligeras pero intrincadas que creaban un equilibrio frágil. Por un lado, tenían suficientes puntos negros para ser escuchados melódicamente, pero por otro lado, permanecían tan abiertos y abstractos que no restringían la libertad de movimiento de los improvisadores.

En 1964, el Jazz Composers Guild, una asociación del núcleo duro de la vanguardia del jazz neoyorquino, se presentó ante el público con una serie de actos en los que también celebró su debut la Jazz Composers Orchestra. Gran parte del programa provino de una única mujer: Carla Bley, quien con esta orquesta hizo su entrada en la música orquestal, que fue el foco de su trabajo durante mucho tiempo.

Siguió el gran proyecto «Escalator over the Hill», y luego escribió repetidamente arreglos para la Liberation Music Orchestra de Charlie Haden. Finalmente, las Big y Very Big Bands que llevan su nombre estuvieron entre las grandes formaciones de jazz más importantes durante décadas.

Una nueva fase

Sólo hacia finales del milenio las cosas se calmaron en torno al compositor y director de orquesta. En 1989, con el álbum a dúo “Go Together”, anunció oficialmente su relación privada con Steve Swallow – el bajista que ya había formado parte del círculo “Birdland” 35 años antes – e inició una nueva etapa en su trabajo.

Swallow la animó a empezar a tocar más ella misma además de su trabajo de composición. Entonces Carla Bley se puso a trabajar, practicó y practicó, y poco a poco empezó a comprender como pianista lo que siempre había expresado como compositora: que la velocidad y el virtuosismo no son importantes. Es mucho más importante tocar de tal manera que llegue y toque al público.

La pianista perfeccionó un estilo lacónico en el que su expresividad e ingenio se expresaban en motivos puntiagudos. Su música resultó ser una aventura artística en la que cada momento cuenta; Al mismo tiempo, se tomó su tiempo para disfrutar cada momento. – El martes 17 de octubre, Carla Bley murió a causa de un tumor cerebral a la edad de 87 años.