El legendario rey del cine B, Roger Corman, que dirigió y produjo cientos de películas de bajo presupuesto y descubrió futuras estrellas de la industria como Jack Nicholson, Martin Scorsese y Robert De Niro, ha fallecido. Tenía 98 años.

Corman murió el 9 de mayo en su casa de Santa Mónica, California, rodeado de familiares, confirmó la familia a Variedad.

“Sus películas fueron revolucionarias e iconoclastas y capturaron el espíritu de una época. Cuando se le preguntó cómo le gustaría que lo recordaran, dijo: ‘Yo era cineasta, sólo eso’”, dijo la familia en un comunicado.

El imperio de Corman, que existió en varias encarnaciones, incluidas New World Pictures y Concorde/New Horizons, era tan activo como cualquier estudio importante y, se jactaba, siempre rentable. Se especializó en películas de género trepidantes y de bajo presupuesto (terror, acción, ciencia ficción e incluso algunas películas familiares) y su compañía se convirtió en un campo de entrenamiento para una amplia variedad de talentos importantes, desde actores como Nicholson (“ Little Shop of Horrors”) y De Niro (“Boxcar Bertha”) hasta directores como Francis Ford Coppola (“Dementia 13”) y Scorsese (“Boxcar Bertha”).

Cuando Corman recibió un Oscar en la primera ceremonia de los Governors Awards de AMPAS en noviembre de 2009, Ron Howard lo elogió por contratar mujeres en puestos ejecutivos y creativos clave, así como por darles papeles importantes, y Walter Moseley fue citado diciendo que Corman le ofreció “una de las pocas puertas abiertas”, mirando más allá de la edad, la raza y el género.

Corman elogió el cine como “la única forma de arte verdaderamente moderna”. Pero señaló que la necesidad de pagos al elenco y al equipo significa un compromiso constante entre el arte y los negocios.

Howard también bromeó diciendo que cuando dirigió su primera película, «Eat My Dust», se quejó con Corman por el bajo presupuesto y los escasos extras para una escena multitudinaria, sólo para que le dijeran: «Si haces un buen trabajo en esta película, ¡Nunca más tendrás que trabajar para mí!

Quentin Tarantino brindó por él con un “gracias a los cinéfilos del planeta Tierra”. Jonathan Demme elogió su actuación y dijo que Corman aportaba «un valor tremendo a un precio realmente asequible». En varias películas para Demme, Corman quería los mismos honorarios que les dio a los actores en las más de 50 películas que había dirigido: escala más 10%.

Durante casi medio siglo, se hizo cargo del mercado de películas de serie B, que había desaparecido en gran medida a raíz de la televisión, y lo mantuvo vivo casi sin ayuda de nadie (junto con Sam Arkoff de American Intl. Pictures, que financió la mayor parte de las primeras películas de Corman). dirigir/producir esfuerzos). Hasta bien entrados los noventa, producía Bs por 5 millones de dólares o menos y los lanzaba para su estreno en vídeo y televisión.

Después de dejar la dirección a finales de los años 60 (para regresar sólo brevemente a mediados de los 80 con “Frankenstein Unbound”), formó New World Pictures, que también importó películas artísticas extranjeras como “Cries and Whispers” de Ingmar Bergman y enseñó a la industria cómo comercializar y distribuir eficazmente películas tan enrarecidas.

Nacido en Detroit, Corman se mudó con su familia en 1940 a Los Ángeles. Asistió a Beverly Hills High School y luego a la Universidad de Stanford, con especialización en ingeniería. Admitió estar enamorado del cine desde que llegó a California. «No había manera de que no me interesaran las películas, mientras crecí donde lo hice», dijo una vez.

El servicio en la Segunda Guerra Mundial y su educación (también asistió a Oxford durante un semestre, estudiando literatura inglesa) lo frenaron. Después de Stanford, trabajó durante cuatro días en US Electric Motors y luego intentó entrar en el negocio trabajando como mensajero en 20th Century Fox. Cuando regresó de Oxford (y de una breve estancia en París) se convirtió, según sus propias palabras, en “un vagabundo”. De 1951 a 1953 realizó trabajos ocasionales y cobró desempleo. Trabajó brevemente como lector de guiones; Convencido de que podía hacerlo mejor, escribió “Highway Dragnet” y la vendió a Allied Artists por 4.000 dólares.

Con el dinero que ganó con el estreno de 1954 y las contribuciones de familiares y amigos, produjo “The Monster From the Ocean Floor” y llegó a un acuerdo con Arkoff’s AIP. A cambio de adelantos en efectivo, Corman acordó hacer una serie de películas.

Entre 1955 y 1960, Corman produjo o dirigió más de 30 películas para AIP, todas con un presupuesto de menos de 100.000 dólares y producidas en dos semanas o menos. Había películas del oeste (“Five Guns West”, “The Gunslinger”); terror y ciencia ficción (“El día que el mundo acabó”, “Los no muertos” en 1956 y 1957); así como películas para adolescentes como “Carnival Rock” y “Rock All Night”.

Pronto se convirtió en el héroe de los autocines.

Críticamente, no fue hasta «Machine Gun Kelly» en 1958 que Corman llamó la atención. A esa película le siguió una película de estudio, “I Mobster”, para Fox. Después de “La pequeña tienda de los horrores” en 1960, Corman convenció a Arkoff para que financiara algunos proyectos más ambiciosos, en particular, una serie de películas basadas en las obras de uno de los autores favoritos de Corman, Edgar Allan Poe. La serie de terror, que comenzó con “La caída de la casa Usher” en 1960, generó ocho éxitos de bajo presupuesto, entre ellos “La tumba de Ligeia” y “La máscara de la Muerte Roja”. Revivieron las carreras de Boris Karloff, Vincent Price, Basil Rathbone y Peter Lorre y se convirtieron en una especie de clásicos.

Durante el mismo período, dio sus primeros papeles a actores desconocidos como Ellen Burstyn, Nicholson y De Niro, guionistas como Robert Towne y directores como Scorsese, Demme, Joe Dante y Peter Bogdanovich.

Su única película con “mensaje”, “The Intruder” de 1962, protagonizada por William Shatner, trataba sobre el racismo. Las críticas fueron buenas, pero debido a que la película usó la palabra «N», se le negó el Sello del Código de Producción, por lo que las reservas fueron pocas. “Decidí en ese momento que nunca más volvería a hacer una película que fuera tan obviamente una declaración personal”, le dijo una vez a un entrevistador del New York Times.

Tampoco estaba satisfecho con su incursión en películas “grandes” para Columbia Pictures cuando los ejecutivos intentaron limitar sus presupuestos. De regreso a AIP, hizo “The Wild Angels”, una película de motociclistas con Peter Fonda que costó 360.000 dólares y recaudó más de 25 millones de dólares.

Le siguió “The Trip”, sobre el LSD y otros éxitos juveniles. Pero empezó a perder fuerza en la época de “Bloody Mama” en 1970 y se retiró de la dirección después de “Von Richthofen and Brown”. En 1970 formó New World Pictures para producir y distribuir el tipo de películas que Arkoff alguna vez había financiado. Al final de su primer año, con lanzamientos como “Women in Cages” y “Night Call Nurses”, estaba en números negros. Posteriormente produciría películas como “Piranha”, “Eat My Dust” y “Death Race 2000”.

Su hambre por las películas artísticas comenzó en 1972 con “Cries and Whispers” de Bergman y continuó con “Autumn Sonata”, “The Story of Adele H”, “Amarcord” y “Fitzcarraldo”. Reinventó su marketing y distribución, reservándolos en una variedad más amplia de lugares y brindando al público fuera de las grandes ciudades una muestra del cine mundial que no habían disfrutado antes.

Las películas extranjeras representaban una quinta parte de los 55 millones de dólares de ingresos anuales del Nuevo Mundo en 1980. También añadió a su mezcla películas familiares como «A Hero Ain’t Nothin’ but a Sandwich» y proyectos de mayor precio (5 millones de dólares), como la película de ciencia ficción. -Fier “Batalla más allá de las estrellas”. En 1983 vendió New World por 16,5 millones de dólares y fundó Concorde/New Horizons. Siguió descubriendo nuevos talentos como el director Luis Llosa y en 1989 ya presumía de Variedad de una serie de 40 personas consecutivas que obtuvieron ganancias. Pero el mercado había cambiado y sus ganancias nunca alcanzaron las alturas del AIP o los primeros días del Nuevo Mundo. Afortunadamente para Corman, el siempre floreciente mercado extranjero tomó parte del relevo (llegó a representar la mitad o más de su negocio) y CNH surgió en el momento perfecto para capitalizar el nuevo mercado de vídeo doméstico. Con su enorme catálogo anterior, estaba perfectamente posicionado para sacar sus fotografías antiguas en video y al mismo tiempo crear otras nuevas dirigidas específicamente a ese mercado.

Al regresar a la silla de director por primera vez en dos décadas con “Frankenstein Unbound” de 1990, Corman decepcionó a los fanáticos del género y no volvió a dirigir.

Sin embargo, no hay duda de que su estrategia de alto volumen para vídeos domésticos tuvo un éxito financiero. Corman cambió el nombre de la empresa a New Concorde en 2000 y se reorganizó para formar New Concorde Home Entertainment.

Corman había producido una película llamada “Rápido y Furioso” en 1955, y cuando el productor Neal Moritz descubrió la película cuando estaba lanzando su propia franquicia impulsada por automóviles protagonizada por Vin Diesel y Paul Walker, Moritz decidió que tenía que hacerlo. Tengo ese título para la película. Los dos hombres llegaron a un acuerdo según el cual Moritz intercambió material de archivo por los derechos del nombre de la película de 2001 y sus sucesoras.

Corman también encontró nuevos medios para sus fotografías en Showtime y Sci Fi Channel (ahora Syfy). CNH produjo una serie de películas de ciencia ficción, terror y fantasía “Roger Corman Presents” para el canal de pago. La serie “Black Scorpion” del canal de ciencia ficción de 2001 se basó en dos de sus películas más populares directamente en video. Las imágenes televisivas de Syfy incluyeron “Dinoshark”, “Dinocroc vs. Supergator” y “Sharktopus”.

En 2005, Concorde firmó un contrato de 12 años con Buena Vista Home Entertainment, otorgando a este último los derechos de distribución de las más de 400 películas producidas por Corman, luego, en 2010, Corman firmó un acuerdo con Shout Factory otorgando a este último los derechos exclusivos de Homevid en Norteamérica sobre 50 Corman. -películas producidas.

Juntos lanzaron una serie de entretenimiento en el hogar llamada Roger Corman’s Cult Classics. Los primeros títulos disponibles fueron “Piranha”, “Humanoids From the Deep”, “Up From the Depths” y “Demon of Paradise”.

En 1990, Corman publicó sus memorias «Maverick: Cómo hice 200 películas en Hollywood y nunca perdí un centavo».

Con frecuencia hacía cameos en las películas de los cineastas exitosos que comenzaron con él, apareciendo, por ejemplo, en “Philadelphia” de Demme, “Apollo 13” de Howard, “El Padrino: Parte II” de Coppola y “Looney Tunes: Back” de Dante. en acción.»

En 1998 recibió el primer Premio de Productores jamás otorgado por el Festival de Cine de Cannes.

En 2006, Corman recibió el premio David O. Selznick del Producers Guild of America. El mismo año, su película “La caída de la Casa Usher” estuvo entre las 25 películas seleccionadas para el Registro Nacional de Películas, una recopilación de películas importantes que la Biblioteca del Congreso conservará.

El largometraje documental de Alex Stapleton de 2011, “El mundo de Corman: hazañas de un rebelde de Hollywood”, exploró las actividades del cineasta.

A Corman le sobreviven su esposa, la productora Julie Corman y sus hijas Catherine y Mary.

(Carmel Dagan contribuyó a este informe).

El conservador general honorario del patrimonio Germain Viatte, que acompañó los primeros pasos del Centro Pompidou y del Quai Branly, falleció a la edad de 84 años, anunciaron los dos museos parisinos el sábado 4 de mayo.

El Museo del Muelle Branly buscado por el ex presidente Jacques Chirac dijo que su “emoción profunda y [son] inmensa tristeza » para conocer la desaparición del hombre que fue director del proyecto museológico de 1997 a 2006.

«Con la muerte de Germain Viatte, el mundo del arte pierde a una de sus figuras más significativas y al Centro Pompidou, no sólo a un gran director del Museo Nacional de Arte Moderno, sino también a uno de sus fundadores »añadió el presidente del Centro Pompidou, Laurent Le Bon, en un comunicado.

Fue director de documentación contemporánea del Centro Pompidou, luego director del mismo de 1992 a 1997, y también dirigió los museos de Marsella.

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El mundo con AFP

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Faith Ringgold era una mujer motivada. Fue una defensora incansable de los artistas negros, especialmente las mujeres. Quería cambiar el mundo del arte. Y tenía una gran necesidad de expresarse, de transmitir su energía al mundo con colores fuertes. En 2022 dijo en una entrevista: «Siempre quise tener una voz, poder decir algo sobre el mundo y tener un cierto sentimiento de fuerza».

En la década de 1960, Ringgold se convirtió en uno de los artistas políticos más influyentes. En una época en la que los estadounidenses luchaban sangrientamente por la igualdad entre blancos y negros, ella luchó con éxito por la libertad en el arte. A través de su activismo, desempeñó un papel clave para garantizar que los artistas negros finalmente encontraran su camino en los museos.

Ringgold nació en 1930 en el distrito de Harlem de Nueva York. Creció en un barrio vibrante rodeada de artistas; en la misma calle vivía el gran músico de jazz Duke Ellington. Ringgold provenía de una familia de clase trabajadora; su padre era camionero y su madre era costurera. Desde el principio, el asma crónica impulsó a la joven Faith a experimentar con lápices de colores y papel. Ringgold deleitó a vecinos y amigos que la animaron a dedicarse a la pintura. Posteriormente estudió arte y educación en el City College de Nueva York.

Como mujer, no se le permitió especializarse en arte. Tuvo que matricularse en educación artística; la única opción para estudiar arte era como materia menor. Después de graduarse, Ringgold trabajó como profesor de arte durante veinte años, al mismo tiempo que pintaba paisajes en estilo impresionista. Pero pronto se liberaría de eso.

La bandera sangrante

A medida que leyó a James Baldwin y Amiri Baraka, su propio trabajo también se volvió más político. En la década de 1960, Ringgold se alejó de la teoría del arte de Europa occidental y buscó lo que describió como una “estética negra afirmativa”. En la “Serie Black Light”, una serie de pinturas al óleo, eliminó los pigmentos blancos de su paleta y mezcló negro con todos sus colores.

Las pinturas al óleo de esta época están llenas de colores profundos y saturados. La perspectiva plana y los contornos marcados recuerdan al arte pop, al cubismo y al arte africano. Ringgold retrató principalmente a mujeres y hombres negros. Sus motivos son como un clamor. En “The In Crowd” de 1964, hombres blancos tapaban la boca de un hombre negro con las manos como para silenciarlo. Por otra parte, Ringgold pinta escenas tiernas y conciliadoras como en el cuadro “Un hombre besando a su esposa”. Aquí un hombre negro besa a una mujer blanca.

Las fotografías de Ringgold hacen tangibles los grandes trastornos y agitaciones de su época. A partir de 1964, el país se vio desgarrado por grandes disturbios raciales y en 1968 el activista de derechos civiles Martin Luther King fue asesinado. Y Ringgold pintó uno de sus cuadros más famosos, “La bandera está sangrando”.

En el óleo, Ringgold muestra los abismos de América. Se puede sentir la violencia de los años 60, quizás también el comienzo de la reconciliación: la bandera estadounidense sangra, las “franjas” rojas gotean y gotean. En la bandera, una mujer blanca unía del brazo a dos hombres. Uno de ellos tiene el brazo apoyado en el pecho como para maldecir, su rostro negro desaparece detrás de las “estrellas” blancas, su cuerpo detrás de las “rayas” rojo sangre. En la otra mano sostiene un cuchillo.

Ringgold se volvió políticamente activo. Diseñó carteles para el movimiento Black Panther y se involucró. En 1968 cofundó el Comité Ad Hoc de Arte de Mujeres y Mujeres Estudiantes y Artistas para la Liberación del Arte Negro. Ella siempre protestó contra los museos que exhibían pocos o ningún artista negro. Y siempre estuvo preocupada por los derechos y la visibilidad de las mujeres.

El artista de la colcha

En las décadas de 1970 y 1980, el trabajo de Ringgold volvió a cambiar. Trabajó con máscaras, disfraces, personajes y performances. Y finalmente descubrió la colcha. Inspirándose en el arte textil tibetano y afroamericano, comenzó a trabajar con textiles de múltiples capas. Al hacerlo, Ringgold adoptó un oficio que tenía una historia en su familia. Su tatarabuela ya había hecho colchas para los propietarios de plantaciones cuando era esclavizada.

Ringgold comenzó a combinar texto e imágenes en sus colchas. Como ningún editor quería publicar las memorias de Ringgold, ella contó su historia a través de la imagen. A menudo trabajaba con óleo o acrílico en el centro del cuadro y enmarcaba los motivos con texto y tela. Sus edredones representan escenas de la vida cotidiana de los estadounidenses negros en colores brillantes. Hay escenas de baile, escenas de amor, retratos, imágenes oníricas. Todo está alineado muy juntos, una única exuberancia de formas, colores, escritura.

La obra de Faith Ringgold permaneció sin ser descubierta durante mucho tiempo. No fue hasta 2022 que el New Museum de Nueva York mostró su primera gran retrospectiva. En 2005, la artista finalmente pudo publicar sus memorias. En él critica las paredes blancas del museo. Tendían a eliminar la variación y complejidad de los tonos más oscuros. Cuando la retrospectiva de Nueva York viajó a San Francisco, los curadores pintaron las paredes. Faith Ringgold murió el 13 de abril a la edad de 93 años.

Paul Fox, el ejecutivo de la televisión británica que encargó programas icónicos como Los dos Ronny y Parkinsonha fallecido a los 98 años.

La familia de Fox informó a la BBC de su fallecimiento esta mañana. Es mejor conocido por sus períodos como controlador de BBC1 y director de Network Television de la BBC en general, y como director general de Yorkshire Television.

Fox, nombrado caballero en 1991, comenzó su carrera en la década de 1950 como guionista de noticieros y luego subió Vista deportiva y Panorama. Durante ese tiempo inventó la Personalidad Deportiva del Año de la BBC.

En 1967, se convirtió en director de BBC1 y encargó algunos de los programas más importantes de la BBC, como comedia. Los dos Ronnyprograma de entrevistas Parkinson y comedia de situación en tiempos de guerra El ejército de papá.

Entre 1973 y 1988 dirigió Yorkshire Television, que en ese momento poseía la franquicia de Yorkshire para ITV. Regresó a la BBC antes de jubilarse.

El director general de la BBC, Tim Davie, dijo: “Sir Paul tuvo una carrera imponente en la televisión, no sólo en la BBC, sino en toda la industria.

“Pocas personas han tenido un impacto tan amplio y duradero en el panorama televisivo, encargando programas que el público ha amado durante décadas y todavía ama. De Personalidad Deportiva del Año y Panorama a Los dos Ronny, El ejército de papá y Parkinsonsu legado es inigualable.

“Fue uno de los mejores ejecutivos de televisión de una época dorada de la televisión. Lo extrañaremos muchísimo”.

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Rise and Shine World Sales, con sede en Berlín, ha adquirido los derechos de “E.1027 – Eileen Gray and the House by the Sea”, que compite por el máximo premio Dox:Award en el CPH:DOX de Copenhague, uno de los festivales de documentales más importantes de Europa. . Variedad está presentando el avance y el póster, a continuación.

Mezclando material de archivo y escenas recreadas, este documental híbrido narrado en primera persona lleva a los espectadores en un viaje a la mente de Eileen Gray, una mujer que deja su huella en un mundo de hombres y una de las principales figuras de la arquitectura modernista.

Se abre en la casa que construyó en el sur de Francia entre 1926 y 1929 junto con el también arquitecto Jean Badovici, su amante en ese momento. El nombre de la casa, E.1027, es una unión críptica de sus iniciales.

Considerada una obra maestra de la arquitectura, construida con el estilo sobrio y elegante característico de Gray, la casa está en el centro de la narrativa: cuando la vio, el mundialmente famoso arquitecto Le Corbusier, amigo de Badovici, se obsesionó con ella y acabó cubriéndola. sus paredes blancas con sus propias pinturas sexualmente gráficas.

«Tenía envidia de su visión artística, de su libertad, no soportaba que una mujer fuera a construir su primera casa y que fuera una obra maestra total», explica Beatrice Minger, que escribió y dirigió su primer largometraje. en colaboración con el cineasta suizo Christoph Schaub, que ha realizado varias películas sobre arquitectura.

Gray abandonó la casa sólo un par de años después de construirla, en busca de paz y tranquilidad para trabajar. Años más tarde, Le Corbusier, en sus propias palabras, “profanó” lo que llamó las “paredes aburridas” de la casa con la autorización de Badovici, publicó fotografías de ellas y no contradijo a quienes pensaban que él la había construido.

Cuando Gray le pidió que retirara las pinturas que ella describió como vandalismo, él no sólo la ignoró, sino que construyó su famoso Cabanon justo detrás de ellas.

Cuando se le pregunta si su deseo era dejar las cosas claras sobre Le Corbusier, Minger responde Variedad“Se trata de dejar las cosas claras, sí, pero nunca se trató de hacer una película de ‘cancelación de la cultura’ sobre un gran arquitecto. [Le Corbusier]. Por supuesto, emocionalmente estamos de su lado, pero estábamos más interesados ​​en las diferentes capas donde realmente tuvo lugar la violación.

“Puede que sepamos, intelectualmente, acerca de su apropiación de la casa, pero tuve un impulso muy fuerte, a través del cine, de crear una experiencia en la que pudiéramos sentir lo que significa ser tan reprimido, faltado al respeto, no escuchado ni visto. – Quería profundizar y comprender qué está en juego en estas dos fuerzas diferentes que están en fricción en esta casa, y cómo se manifiesta desde el punto de vista del arte y la arquitectura”.

Según Schaub, director galardonado tanto de documentales como de ficción (“Jeune Homme”, “Giulias Verschwinden”), “Eileen Gray es un tema mucho más interesante que Le Corbusier”.

«Para mí, fue interesante que se pueda abusar de la arquitectura. He hecho muchas películas sobre arquitectura y nunca me encontré con este tipo de abuso», dice. Variedad. “Quiero decir, hay muchos abusos en las ciudades – abusos motivados por el dinero – pero esto es simplemente grosero, y es por eso que estaba interesado en hacer la película: puedes cambiar el valor de la idea de arquitectura pintando de blanco. paredes. Fue interesante tener tantas aproximaciones a la arquitectura en relación con esta casa y el trabajo de Eileen Gray”.

Para contar la historia de su vida, los realizadores optaron por recrear escenas basadas en las memorias de Gray, rodadas tanto en la propia casa, un edificio protegido al que tuvieron acceso, como en un estudio. Esta forma híbrida les dio la libertad creativa de moverse entre diferentes espacios y cruzar fronteras de la misma manera que lo hizo Gray con su trabajo de vanguardia.

Fundamentalmente, en las escenas ambientadas en la década de 1920, los murales están ausentes, «gracias al CGI», explica Minger. “Realmente queríamos tener la experiencia de la casa cuando ella entró por primera vez, porque ahora hay murales por todas partes, por lo que es difícil imaginar el lugar con paredes blancas. Cuando lo vimos por primera vez [without the murals]Se me puso la piel de gallina: ¡claro que esto es algo completamente diferente!”, exclama.

Con Natalie Radmall-Quirke en el papel de Gray, Axel Moustache como Badovici y Charles Morillon como Le Corbusier, la película está producida por Das Kollektiv für audiovisuelle Werke y Soap Factory, en coproducción con la Radio y Televisión Suiza, RTS, SRG. SSR, y con la participación de ARTE GEIE.

“Los realizadores hacen una profunda reverencia a la gran diseñadora Eileen Gray y dejan algunos rasguños profundos en el monumento del icónico arquitecto modernista Le Corbusier. Se trata de una pieza de entretenimiento cinematográfico inteligente que debería resonar entre los compradores de muchos mercados. Estamos encantados de representarlo”, afirma Stefan Kloos, director general de Rise and Shine.

“E1027 – Eileen Gray and the House by the Sea” tendrá su estreno mundial en CPH:DOX el 18 de marzo. El festival se celebrará en Copenhague y sus alrededores del 13 al 24 de marzo.

Varda Space Industries finalmente puede celebrar. Durante casi ocho meses, la primera misión de la empresa de fabricación espacial estuvo esencialmente varada en la órbita terrestre baja, pero no debido a ningún fallo técnico ni a una restricción impuesta por las leyes de la física.

En cambio, la nave espacial no pudo regresar a la Tierra hasta que Varda y tres entidades gubernamentales (el ejército de EE. UU., la Oficina de Transporte Espacial Comercial de la Administración Federal de Aviación y la Organización de Tráfico Aéreo de la FAA) se pusieran en sintonía. Esto fue mucho más complicado de lo que nadie había imaginado, y Varda tuvo que pasar por alto oportunidades de aterrizaje en julio y septiembre porque no pudo obtener la aprobación gubernamental.

Finalmente, a principios de este mes, la FAA aprobó una licencia comercial de reentrada para que la cápsula espacial de Varda, que era algo más grande que un mini refrigerador, volviera a caer a la atmósfera y se lanzara en paracaídas para aterrizar en el remoto desierto de Utah al suroeste de Salt Lake City. La zona de aterrizaje de Varda estaba en el campo de entrenamiento y pruebas de Utah, una extensa instalación militar utilizada principalmente para pruebas de armas.

La cápsula de Varda aterrizó en el desierto de Utah alrededor de las 4:40 pm EST (2140 UTC) del miércoles pasado. Al acercarse desde el norte, el escudo térmico de la nave la protegió de las temperaturas abrasadoras durante el reingreso. Luego, la cápsula desplegó un paracaídas de 2,1 metros (6,2 pies) de diámetro para reducir su velocidad y lograr un aterrizaje relativamente suave.

Un equipo de recuperación salió para recuperar la cápsula de casi 200 libras y conectarla a una línea de helicópteros para un vuelo corto a una instalación de procesamiento cercana, donde los ingenieros prepararían la nave espacial para su transporte de regreso a la sede de Varda en El Segundo, California.

El ambiente en Varda tras el aterrizaje exitoso fue «de lo más alegre posible», dijo Delian Asparouhov, quien cofundó la compañía en 2020 con el ex ingeniero de SpaceX Will Bruey y el científico Daniel Marshall.

«Siempre tuve confianza en la capacidad de nuestro equipo para lograrlo», dijo Asparouhov a Ars. «Era sólo una cuestión de tiempo».

Juego de espera

Varda logró varias primicias con esta misión. El Campo de Pruebas y Entrenamiento de Utah (UTTR) tiene cierta experiencia en el apoyo a aterrizajes de naves espaciales, pero esta fue la primera vez que una nave espacial comercial aterrizó en un campo de pruebas militar, lo que agrega otra capa de supervisión regulatoria y burocrática. En septiembre, la misión OSIRIS-REx de la NASA depositó un alijo de muestras de asteroides en UTTR.

Varda fue la primera empresa en obtener una licencia comercial de reentrada de la FAA según las regulaciones simplificadas de vuelos espaciales comerciales conocidas como Parte 450. Este paradigma de licencia se utiliza regularmente para lanzamientos comerciales (hubo 117 lanzamientos con licencia de la FAA el año pasado), pero esta fue la primera vez que La empresa pasó por este proceso para un reingreso.

Solo dos compañías recibieron licencias comerciales de reentrada de la FAA antes de Varda: Lockheed Martin para un único vuelo de prueba de la nave espacial Orion en 2014 y SpaceX para más de 40 vuelos comerciales de su tripulación y nave espacial de carga Dragon. Ambas empresas operaron bajo regímenes de licencias anteriores antes de que la FAA introdujera el protocolo revisado de la Parte 450 en 2020.

La oficina espacial comercial de la FAA es responsable de otorgar licencias para las operaciones de lanzamiento y reentrada comerciales, con el interés principal de garantizar que estas actividades no pongan en peligro al público. Pero los controladores de tráfico aéreo de la FAA tuvieron que encontrar un momento para despejar una amplia franja de espacio aéreo alrededor de la trayectoria de la cápsula espacial descendente de Varda. La restricción temporal de vuelo de la FAA para el reingreso de Varda fue inusualmente grande, particularmente para una nave espacial tan pequeña, que se extendía más de 400 millas (700 kilómetros) de largo y 60 millas (100 kilómetros) de ancho desde el sur de Montana hasta el oeste de Utah.

El momento del reingreso de Varda, junto con el acceso de Varda a la instalación militar segura, también tuvo que coordinarse con la apretada agenda de ejercicios militares del campo de pruebas.

Ed Mintz, fundador del probado y verdadero servicio de encuestas de audiencia de la industria cinematográfica CinemaScore, murió el 6 de febrero. Tenía 83 años.

Conocido por su algoritmo matemático “Coca-Cola” desarrollado por Mintz, CinemaScore ha sido apreciado por estudios y exhibidores desde su creación a principios de la década de 1980 como un barómetro de taquilla nacional para películas en lo que respecta a sus calificaciones de audiencia en la noche de estreno. Antes de la pandemia, un CinemaScore A+ significaba que una película podía alcanzar un múltiplo de 4,8 veces su estreno en taquilla en EE. UU. y Canadá; una B+ significaba un múltiplo de 3,2 veces el bruto interno final; C+ y D+ 2,4x; y una F 2,2x.

CinemaScore sigue siendo operado por los dos hijos de Mintz, Harold y Ricky Mintz.

Mintz, un mago de las matemáticas desde su adolescencia, cuando escribió un libro sobre raíces cuadradas, El método Mintzse le ocurrió la idea de CinemaScore cuando tenía poco más de 30 años en 1978. Mintz y su esposa, junto con otra pareja, fueron a ver la película dirigida por Robert Moore y escrita por Neil Simon. El detective barato protagonizada por Peter Falk, Ann-Margaret y Eileen Brennan. Como fanático de Simon, Mintz esperaba con ansias la película, ya que había leído una reseña espectacular. Después de gastar dinero en una niñera, una cena y entradas para la noche, Mintz se fue decepcionado y pensó que la película era horrible.

Mintz sintió que el crítico lo había desviado, y fue entonces cuando tuvo una epifanía: ¿Por qué uno o dos críticos deberían formarse una opinión sobre una película cuando sería mejor escuchar a 500 fanáticos de Neil Simon que vieron la película? En opinión de Mintz, esa multitud daría una mejor opinión a otros fanáticos sobre si un título como detective barato Valió su dinero. Y con esto nació CinemaScore.

Poco después, mientras estaba en el templo para los servicios judíos de las festividades principales, se le entregó a Mintz una tarjeta de compromiso. La tarjeta de compromiso tenía perforaciones sobre los montos a donar; no se necesitaron bolígrafos ni lápices. Esto le dio a Mintz la idea de la infame encuesta de audiencia de CinemaScore. También desarrolló y modificó el algoritmo de “súper salsa” que todavía se utiliza hoy en día, y se ha convertido en una de las fuentes icónicas de Hollywood sobre el éxito general de una película.

“Cuando las redes sociales comenzaron a proporcionar información casi infinita y a menudo contradictoria sobre las respuestas del público al comienzo de una película, Ed logró crear una herramienta que sintetizaba los datos en una partitura singular que fue invaluable para trazar el curso del futuro de una película. campaña”, le dice a Deadline el ex vicepresidente de Paramount Pictures, Rob Moore.

Mientras Mintz conducía desde la sede de CinemaScore en Las Vegas para golpear las puertas de los estudios de Hollywood y firmarles contratos de servicio al público, no era inusual que los ejecutivos de distribución se quedaran despiertos hasta tarde con Mintz en la noche de estreno de una película, debatiendo o aceptando su calificación CinemaScore. . Sin embargo, las calificaciones, al igual que la venta de entradas, nunca mintieron.

«Me encantó contactar a Ed para CinemaScore en la noche de estreno», comenta el ex jefe de distribución global de Sony, Jeff Blake. “Lo que sea que faltaba en ciencia (estoy bastante seguro cuando era una tarjeta perforada entregada al público que salía del teatro), lo compensó con puntualidad. Si los ingresos eran buenos, se podía añadir esa ‘A’ y daba sensación de invulnerabilidad. Si los ingresos brutos fueran inferiores a las expectativas, la ‘A’ daría un sentimiento de esperanza. De cualquier manera, Ed era el mejor amigo de un ejecutivo de marketing la noche del estreno”.

Los cines AMC dieron a CinemaScore su primera oportunidad a mediados de la década de 1980. Mintz demostró que CinemaScore podría ayudar a determinar qué películas debería reservar AMC en sus multicines.

«Ed fue un pionero y visionario en este espacio, un verdadero caballero cuyo éxito con CinemaScore fue bien merecido», dice el ex jefe de distribución de Warner Bros., Dan Fellman.

La prueba para Mintz de que había convertido CinemaScore en una megamarca llegó en 2018, cuando conoció a Dwayne Johnson, quien lo llamó «un ícono», según miembros de la familia. Eso le alegró el día a Mintz.

Mintz nació el 24 de diciembre de 1940. Se graduó en la Universidad de Wisconsin, donde se especializó en matemáticas. En la década de 1970, Mintz formó una empresa llamada Dentametics que ayudó a introducir la facturación computarizada para la industria dental.

Como programador informático, Mintz escribió su propio software para crear informes que mostraran los resultados de CinemaScore. Fue un practicante de DOS durante mucho tiempo después de que el lenguaje informático se volviera obsoleto.

CinemaScore fue más allá de las encuestas entre cinéfilos. Mintz creó encuestas CinemaScore para empresas de la industria de colocación de productos y realizó investigaciones para Anheuser Busch durante casi 25 años. CinemaScore también ha sido utilizado por los casinos de Las Vegas cuando se trata de incorporar máquinas tragamonedas en la sala.

«Ed seguirá siendo A+++ en los libros de historia», dijo el jefe de distribución nacional de Warner Bros., Jeff Goldstein. “Fue pionero en un punto de referencia de calificación global esencial para la industria del entretenimiento. QEPD, nuestro querido amigo”.

Wayne Kramer, guitarrista de MC5, falleció a la edad de 75 años. Su cuenta oficial de Instagram confirmó la noticia el viernes 2 de febrero, afirmando que Kramer había “fallecido pacíficamente” de cáncer de páncreas. Kramer fue cofundador del grupo de rock de Detroit Motor City Five (abreviado como MC5), una banda de punk rock con carga política que comenzó a principios de los años 60 junto al fallecido Fred “Sonic” Smith, quien realizó electrizantes shows en vivo. Junto con Rob Tyner, Michael Davis y Dennis Thompson, formaron MC5 y lanzaron tres álbumes de estudio durante el tiempo que estuvieron juntos, incluido su álbum debut en vivo, Elimina los atascos. Sus creencias políticas de izquierda resultaron en que se les prohibiera la radio, lo que dificultaba que el grupo vendiera discos o hiciera giras. Finalmente se separaron en 1972, y Kramer comenzó una carrera en lo que llamó “capitalismo ilegítimo”, donde fue encarcelado por vender cocaína a un policía encubierto en 1975.

Con el tiempo, llevó a Kramer a crear Jail Guitar Doors USA, una organización sin fines de lucro que cura y rehabilita a personas encarceladas con música, incluida la composición de canciones. El dijo Piedra rodante en 2014 sobre el impacto positivo que tuvo en su vida el tiempo que pasó con la organización: “Me ha permitido darle voz a la ira que se ha acumulado desde el momento en que fui liberado, mientras observaba a más y más personas como yo ir a prisión… y por sentencias más severas que las que recibí. Me preguntaba: ‘¿Cómo es que nadie dice nada sobre esto? ¿Cómo es que siguen construyendo más cárceles, encerrando a más personas y nadie está enojado por eso?’”

Después de la muerte de Kramer, Thompson se convirtió en el único miembro superviviente del MC5.