¿Cómo se puede describir mejor Shōgunla nueva adaptación en 10 capítulos de James La novela épica de Clavell de 1975 sobre el Ja feudal¿cacerola? Ciertamente así es grande, filmado en dos enormes lotes de Vancouver, una ladera remota de una montaña y un par de amplios escenarios de sonido, en los que se recrea el Japón del año 1600 con asombroso detalle. Y es emocionante: la historia de Yoshii Toranaga (un incomparable Hiroyuki Sanada), un líder comandante que trabaja para derrotar a un grupo de enemigos y asegurar su legado de poder con la ayuda del marinero inglés capturado John Blackthorne (Cosmo Jarvis).

Pero Sanada, quien también fue productor del proyecto de cinco años de duración, prefiere una palabra japonesa: shosa – al que define como “maestro del gesto”. Shosa dictaba los movimientos de los actores: “cómo caminar, cómo sentarse, cómo matar, todo”, dice. “Contratamos a la tripulación japonesa, que tenía experiencia en dramas samuráis. Pelucas, disfraces, accesorios, todo: intentamos hacer todo lo posible para que fuera auténtico”.

La serie, que se transmite semanalmente por FX (los episodios se transmiten el mismo día en Hulu), sigue a Toranaga, un formidable señor de la guerra japonés que se encuentra en el aprieto de su vida. Sus enemigos en el Consejo de Regentes se han aliado contra él, sin duda buscando tomar el poder en este abismo de tiempo antes de que el nuevo gobernante de Japón alcance la mayoría de edad. Pero el brillantemente estratégico Toranaga tiene un arma secreta: Blackthorne, quien puede tener la clave para inclinar la balanza de una manera que convierta a Toranaga en el shōgun más formidable de todos.

La historia habla

Muchos de los personajes están basados ​​en personas reales, incluido Blackthorne, inspirado en William Adams, el primer personaje inglés. navegante para llegar a Japón, en 1600, y Toranaga (famoso shōgun Tokugawa Ieyasu del siglo XVII). Lo mismo es cierto para el personaje de Mariko (Anna Sawai), la devota Noble católico que traduce para negro.Thorne y finalmente se siente atraído por él.

«Al principio, creo que llegamos a estos personajes pensando que podríamos ampliar lo que hacían», dice Rachel Kondo, quien creó esta serie con su esposo, Justin Marks. “Pero teníamos que recordar que estábamos trabajando con figuras que han sido estudiadas, figuras que existen en la conciencia de una nación. Tuvimos que entender realmente que teníamos que escribir según el espíritu del personaje”.

(Crédito: FX)

Si bien es una serie histórica similar a la de Netflix 2015-22 El último reino, shogunEl enfoque sigue siendo el personaje y la historia, al igual que la querida primera adaptación de la miniserie de 1980 protagonizada por Richard Chamberlain. Cubre el amor prohibido, la traición impactante, las alianzas secretas y otros subproductos del poder. «Es un drama muy universal», dice Sanada. “No se trata sólo de acción, violencia, geishas y estereotipos. Es muy poético”.

En todo momento, Toranaga debe lidiar con las complicadas ambiciones de enemigos y amigos. Eso incluye al amargado líder del consejo de facto, Ishido (Takehiro Hira), que desea neutralizar a su homólogo, y al leal general de Toranaga, Hiromatsu (Tokuma Nishioka), que apoyará a su amigo hasta el final. Luego está Blackthorne, que considera a los japoneses primero como salvajes y después como sabios. Las costumbres únicas de su sociedad se detallan en la enorme novela.

(Crédito: FX)

«Era realmente un maestro narrador», dice Marks of Clavell y las 1.152 páginas de material fuente con las que trabajaron. “Hay áreas en la segunda mitad que Tuve que condensar, simplificar o simplemente altura.es por razones específicas. Pero todos [had] a afecto compartido por el libro”.

Eso incluye en gran medida a Sanada, quien llevaba consigo su propia copia desgastada a todas partes. «Es un gran guión, pero llevaba la novela al set todos los días», dice. “Y luego fue de ida y vuelta: leer guión, leer novela; leer guión, leer novela. Era como una Biblia”.

La prosa descriptiva de Clavell inspiró al elenco y al equipo a tener en cuenta la autenticidad. “Tuvimos que traer Japón a Canadá. Y en términos de cantidad, siento que trajimos a la mitad del equipo del programa”, dice Marks, quien califica el casting de la serie como “la alegría singular de mi carrera”. El uso gratuito del idioma japonés, con diálogos minuciosamente traducidos y subtítulos colocados en pantalla para una máxima comodidad de lectura, se convirtió en una enorme ventaja. «La mayoría de nuestro elenco no hablaba inglés y se les permitía actuar e improvisar en su propio idioma», añade.

Esa sensación de “shosa” se extendió por todas partes, desde las 10.000 tejas que debían replicarse para el período adecuado hasta las 20 telas diferentes que se utilizaron para tejer las piezas tipo chaleco que Toranaga usa sobre su uniforme.

Y Sanada siempre estuvo ahí para mantener la producción dirigida en la dirección correcta. “Revisé cada uno de los disfraces que llegaron al estudio y les enseñé [the actors] cómo usarlo”, recuerda. “¡Un diseñador francés crea los kimonos, pero no sabe cómo usarlos!”

Shōgun, Estreno de la serie Martes 27 de febrero, 10/9c, FX

Esta es la revista TV Guide. Shōgun artículo de portada. Para obtener más información sobre la serie y otros programas de televisión imperdibles, Recoja el número en los quioscos a partir del jueves 15 de febrero.

El documental candidato al Oscar Anselmo marca un encuentro entre dos de los grandes artistas del mundo: uno conocido por el cine, el otro por la pintura, las instalaciones y la escultura.

El cineasta Wim Wenders comenzó su carrera hace más de 50 años, con créditos que incluyen París, Texas, Alas del deseo, Club Social Buenavista, La sal de la tierray piñay dos sólo este año – Anselmo y la característica narrativa dias perfectos. Su protagonista en Anselmo – el artista de origen alemán Anselm Kiefer, puede que no sea tan conocido entre el público como Wenders, pero su obra sorprende por su potencia, erudición y escala. En pocas palabras, Kiefer hace arte de dimensiones monumentales.

“Estábamos en el paisaje de su propio estudio. [outside Paris]”, le dice Wenders a Deadline, “este enorme depósito, más grande que los hangares de aviones, y varios de ellos”.

Wenders concluyó que capturar el tamaño del espacio de trabajo y las obras de arte individuales requería algo diferente al enfoque 2D estándar.

“Para llevar a la gente allí y ver tanto, el 3D es la mejor manera. No sólo te permite ver el espacio y estar allí espacialmente, sino que también te permite ver más”, explica Wenders. “Es un medio muy intenso para captar y ver el aura de algo. Tu mente trabaja a tiempo extra cuando miras 3D porque es tu mente la que crea el espacio”.

Y añade: «El 3D tiene una cualidad hermosa que casi no se aprovecha porque la gente sólo conoce el 3D en forma de películas de acción, y luego hay un corte cada dos o cinco segundos… 3D hecho fisiológicamente correcto para que realmente puedas mirarlo con calma y no te duele la vista y tiene la profundidad adecuada, es como si estuvieras allí. Y esa cualidad del 3D, esa cualidad poética e inmersiva, ni siquiera la conocen todavía”.

La obra de Kiefer se encuentra en la colección permanente de importantes museos como el Instituto de Arte de Chicago y el Museo de Arte Moderno de Nueva York, y ha sido expuesta en el Museo Guggenheim de Bilbao en España y el Centro Pompidou de París, entre muchos otros lugares. La Galería Gagosian, que representa a Kiefer, describe su escultura y sus lienzos como «que abarcan una amplia gama de alusiones culturales, literarias y filosóficas, desde el Antiguo y el Nuevo Testamento, el misticismo de la Cabalá, la mitología nórdica y el Ciclo del Anillo de Wagner hasta la poesía de Ingeborg Bachmann». y Paul Celan”.

Wenders se maravilla de Kiefer: “No le tiene miedo a nada. Creo que él cree que todo se puede pintar, lo que sea. Cualquier cosa que le digas, dice, puedo pintarla”.

Además de Croissy, Wenders rodó en Barjac, en el sur de Francia, donde Kiefer mantenía un espacio de estudio en una fábrica de seda en desuso del tamaño de unos 25 campos de fútbol. Estos no fueron los únicos lugares de rodaje.

“También el paisaje en el remoto bosque del Odenwald [in Germany]donde Anselmo trabajó durante 10 años [early in his career] sin que nadie viniera a verlo. Ni historiadores del arte, ni galeristas, ni gente de museos”, señala Wenders. “Allí sentó las bases de toda su obra como un pintor completamente desconocido. Entonces nosotros también estuvimos allí. Filmamos majestuosos paisajes invernales. Estábamos cerca del Rin, donde creció cuando era niño, lo que influyó mucho en toda su vida y en su obra, en el paisaje de la posguerra en Alemania”.

Wenders entreteje breves dramatizaciones en la película, segmentos que presentan al sobrino nieto del cineasta, Anton Wenders, como un joven Anselm, y al propio hijo de Kiefer, Daniel Kiefer, interpretando a su padre de unos 30 años. El joven Kiefer se mostró un poco reacio a asumir el papel de actor.

“Le dije: ‘Vamos, Daniel. Ahora tendrás que jugar esto porque no conozco a nadie más que pueda hacerlo con tanta sinceridad. Y él dijo: ‘Oh, no puedo hacer eso’. No soy actor. Le dije: ‘Tu padre tampoco es actor’. Él está en la película’”, dice Wenders.

El director continúa: «Daniel dijo: ‘Pero luego tengo que llamar [my dad] y pedirle permiso.’ Y le dije: ‘No, no vas a llamarlo y decirle, porque tu padre solo tenía una condición que me pidió: si haces esta película, entonces no me muestres un tratamiento’. No me muestres nada. No me digas qué estás haciendo. Puedes hacer lo que quieras, pero prométeme que al final me sorprenderás.’ Y lo prometí. Y luego le dije a su hijo: ‘Si le dices que vas a interpretarlo cuando tenía 35 años, me vas a arruinar la sorpresa’. Así que no lo vas a llamar porque él no quiere que lo llames. Le gustaría que le sorprendieran. Así que sorprendimos a Anselmo, entre otras cosas, por la aparición de su propio hijo como su versión más joven”.

Entre las escenas más sorprendentes de la película se encuentran aquellas que muestran al artista maltratando su trabajo, por así decirlo, como prendiendo fuego a sus pinturas.

«Metía sus cuadros en un horno y los horneaba, porque le gusta ver cómo el tiempo se los come», explica Wenders. “Algunos de ellos han estado al aire libre, expuestos a la lluvia, las heladas y la nieve, lo que sea, durante años, y luego los trae nuevamente adentro y continúa trabajando en ellos. Le gusta el tiempo para incorporarse”.

Wenders ha escrito que «la privacidad es sagrada… La vida de un hombre debe seguir siendo su dominio privado». Entonces Anselmo No pretende ser una película biográfica.

«Realmente sentí que su trabajo debería hablar por él y el trabajo debería hablar por sí mismo», dice Wenders. “No quería hacer una película para dar una opinión sobre su trabajo. Quería que el trabajo se destacara. Y tú poder vívelo en la película, tú poder Haz un juicio sobre lo que viste, lo que sentiste y lo que estaba frente a ti… Y sentí que eso era mucho más fiel a quién era él”.

Wenders añade: “Y era mucho más fiel a ver el arte. Si vas a un museo y estás delante de algo que te impresiona, no querrás tener la explicación delante. No estás viendo la explicación; estás viendo el trabajo. Y entonces sentí que ésta era más una biografía de la obra de Anselmo y de su imaginación que la biografía del hombre”.

La Sirenita La estrella Halle Bailey recreó una famosa escena de la película clásica de 1993. Justicia poética para Halloween, publicando los resultados en TikTok e Instagram.

La película de John Singleton. Justicia poética Sigue al afligido peluquero Justice, que emprende un viaje por carretera desde Los Ángeles a Oakland junto con un amigo y un trabajador postal. La película está protagonizada por Janet Jackson, Tupac Shakur y Regina King.

Bailey y su novio, el rapero y cantante DDG, se disfrazaron de los personajes de la película de Jackson y Shakur para una fiesta de Halloween. El dúo mostró sus impecables disfraces en Instagram.

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Mientras tanto, recrearon una de las escenas más íntimas de la película a través de TikTok, con Bailey actuando como el personaje de Jackson diciendo: «Eso te gusta, ¿eh?».

La publicación de TikTok tiene más de 1,4 millones de me gusta y más de 7.000 comentarios. En la publicación de Instagram, Bailey escribió: «justicia poética, ponla en una canción. #halloween2023». Justicia poética Se considera un clásico de culto y tiene una base de fans dedicada.

Bailey saltó al estrellato este año con su papel de Ariel en la nueva versión de acción real de Disney de El Pequeña sirena. Bailey, quien reveló que se coló en un cine para ver la película, fue bien recibida en el papel con Jodi Benson, quien expresó a Ariel en la película animada original, elogiando la actuación de Bailey.

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«Estoy MUY orgulloso de ti y de tu hermosa interpretación de Ariel», dijo Benson antes de felicitar al director Rob Marshall «por crear una película tan impresionante».

Bailey ha hablado sobre lo que Ariel le enseñó durante el proceso de interpretar al personaje. Explicó que tuvo que mudarse a Londres para rodar la película, lo que, según dijo, era la primera vez para ella ya que «nunca había tenido que hacer nada sola».

“Así que realmente siento que Ariel me enseñó que soy digno y más fuerte de lo que pensaba. Estábamos filmando en plena pandemia y en Londres, y mi familia no pudo venir a visitarme, así que estuve muy aislado. Todo estaba cerrado. Literalmente iba del trabajo a casa, dormía los fines de semana porque estaba muy cansada y luego volvía al trabajo», dijo Bailey.

«Pero mirando hacia atrás, estoy feliz de que haya sido así. [It] Me ayudó a reflejar las emociones que Ariel sentía en la película, donde se sentía atrapada, aislada y lista para ver un mundo completamente nuevo al que pertenecía su corazón. Sentí que había paralelos en nuestras vidas durante el tiempo que estaba filmando, y estaba agradecida por eso», concluyó.

La Sirenita la película de acción real se está transmitiendo Disney+.

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Reportero, espía digital

Jacob es un escritor independiente que se especializa en cine y televisión narrativa.

Se graduó en la Universidad de Roehampton con una maestría en Periodismo y desde entonces ha escrito para varias publicaciones, entre ellas Derbi de oroInformación privilegiaday Pantalla diaria.

Jacob ha cubierto importantes eventos del mundo del cine y la televisión, incluidas numerosas ceremonias BAFTA y el Festival de Cine de Cannes, y también ha sido experto en premios para varias publicaciones, incluida la coreana arirang. Sus áreas particulares de interés incluyen Guerra de las Galaxiasel MCU, los Oscar y Hugh Grant.

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Nació en el lugar adecuado, en el momento adecuado (Liverpool, 1945) para convertirse en una estrella del rock, pero Terence Davies siguió un camino completamente diferente. De origen trabajador, católico y homosexual, encontró la salvación en el cine, que practicó de manera única, eligiendo desde sus últimos comienzos volverse hacia el pasado, el suyo propio, a través de la autobiografía. Este pasado se hace eternidad gracias a la literatura, a través de adaptaciones (Entre la gente feliz del mundo en 2000, Canción del atardecer en 2015) y retratos de escritores (Emily Dickinson o Siegfried Sassoon).

Comparado con la gloria de sus contemporáneos Ken Loach y Stephen Frears, Terence Davies sigue siendo poco conocido. Sin embargo, fue admirado por sus compañeros (incluido Jean-Luc Godard, fallecido en 2022) y por la crítica. Su delicadeza e invención poética, evidentes a lo largo de una filmografía sucinta (tuvo una relación tumultuosa con la industria cinematográfica británica), lo convirtieron en cineasta. Murió en su casa el pasado 7 de octubre, en Mistley, Essex (Inglaterra), a los 77 años, tras una breve enfermedad, anunciaron sus familiares.

Nacido en una zona pobre de Liverpool el 10 de noviembre de 1945, Terence Davies fue el último de diez hijos. Tenía 7 años cuando murió su padre, un trabajador independiente al que el cineasta describió como «psicópata». Enviado a un internado a los 11 años, lo dejó cinco años después para trabajar. Durante una década, Terence Davies fue oficinista y luego contador. Finalmente dejó Liverpool para ir a Coventry, donde ingresó a la escuela de teatro.

Fue allí donde escribió su primer cortometraje, Niños (1976). Relata la miserable infancia de su alter ego, Robert Tucker. Le siguen otros dos cortometrajes, virgen y el niño (1980) y Muerte y Transfiguración (1983), que formará la “Trilogía de Terence Davies”, Autorretrato impregnado de angustia metafísica (al llegar a la edad adulta, el autor renunció a la fe en la que fue criado, pero no a su imaginería y a su imaginación) y a su sensibilidad.

nostalgia dolorosa

A partir de 1983, la trilogía circuló por festivales de todo el mundo y, cinco años más tarde, Terence Davies pudo completar su primer largometraje, Voces distantes (1988). Recrea el Liverpool de su infancia, transfigurado por una iluminación que da la espalda al realismo, dominada por la figura de un padre tiránico magníficamente interpretado por Pete Postlethwaite (1946-2011). La película está bañada en música, desde Benjamin Britten hasta cantantes cantantes de los años 50. En 1992, Un largo día llegando a su fin Completa el aspecto autobiográfico de la obra de Davies al narrar los años que transcurren desde la muerte de su padre hasta su salida al internado. Pacífica, la película está imbuida de una dolorosa nostalgia por un mundo desaparecido.

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Después de completar la primera historia principal de Disney Dreamlight Valley, descubrirás que puedes interactuar y completar misiones para The Forgotten para ayudarlos a integrarse en tu valle. Después de un tiempo, eventualmente recibirás de ellos la misión «Licencia poética», que te acercará cada vez más a descubrir algunos misterios nuevos. Aquí se explica cómo completarlo.

Cómo completar la misión Licencia poética en Disney Dreamlight Valley

Una vez que hayas hablado con The Forgotten para obtener la misión «Licencia poética», descubrirás que su primera tarea es hablar con otros aldeanos para ayudarlos a terminar las rimas de su poesía. El juego no te dirá exactamente quiénes son estos aldeanos, pero ofrece algunas pistas. Si desea resolverlo usted mismo, siempre puede hablar con todos los habitantes del pueblo hasta que encuentre a las personas adecuadas, o puede consultar las soluciones a continuación.

• Un aspirante a gobernante celoso – Cicatriz
• Alguien nervioso por envejecer – Madre Gothel
• Alguien que fue exiliado injustamente – Úrsula

Regresa a The Forgotten y complétalos con las nuevas líneas de poesía que hayas obtenido, luego te pedirán que reúnas algunos materiales para construir un área para leer poesía. Esto es lo que necesitarás para construir el rincón de poesía de The Forgotten.

• Lingote de Hierro x5
• Tela x10
• Lirio de la Pasión Negro x2
• Amatista x2

Cuando hayas reunido todo eso, regresa a The Forgotten nuevamente y ellos mismos crearán Poetry Corner. La última tarea que se te pide es colocarlo en Las Tierras Olvidadas, así que hazlo para terminar esta misión y prepararte para lo que viene a continuación.

Para obtener más información sobre Disney Dreamlight Valley, consulte nuestro centro de guías completo.

¿Cómo se expresa el arte sobre la guerra? Probablemente ningún artista lo entendió mejor que la dibujante y artista gráfica alemana Käthe Kollwitz. En su obra, se expresó incansablemente sobre el sufrimiento y la miseria que la guerra y la catástrofe traen a las personas. Su línea de dibujo es áspera y sin adornos. A menudo golpea a sus espectadores con toda su fuerza hasta la médula, incluso cien años después de que se crearon sus obras más impresionantes.

Käthe Kollwitz se ha inscrito en la memoria cultural con su llamado de advertencia «¡Nunca más la guerra!» – un cartel creado en 1924 para el Día de la Juventud de Alemania Central en Leipzig, que no podría ser más actual dado el conflicto armado en Europa. Käthe Kollwitz experimentó dos guerras mundiales y perdió un hijo y un nieto en el campo de batalla. La muerte es omnipresente en su obra. Y como artista, se rebeló contra esto con imágenes poderosas. “Quiero tener un efecto durante este tiempo” fue su credo principal. No por el bien del éxito, sino por una necesidad interior. Hoy se diría que Käthe Kollwitz tomó posición con su arte.

Sus propios golpes del destino han llevado a Kollwitz a mostrar también sus colores artísticamente: «Tengo que ser honesta y sin color», dijo una vez. Su obra estrictamente en blanco y negro prescinde del color casi sin excepción, prefiriendo la línea negra del carbón y los contornos duros de la xilografía al medio pictórico de la pintura al óleo. El foco de esta obra, sin embargo, es siempre el ser humano en su precaria situación de vida.

Kollwitz es difícil de asignar a un estilo oa una corriente artística. El experto en arte suizo Eberhard W. Kornfeld describió una vez su trabajo independiente, que le dio fama mucho más allá de Alemania durante su vida, como “realismo humano”.

busca la actitud

La contundencia de los dibujos de Kollwitz, que nunca caen en el patetismo, a menudo hace perder de vista la habilidad técnica del artista. Sus procesos de impresión son de rara calidad, su virtuosismo gráfico es magistral. Kollwitz nunca rindió homenaje al arte por sí mismo. Siempre puso su destreza artística al servicio de las declaraciones de sus obras, que estaban extremadamente enfocadas en términos de contenido, luchando por encontrar una actitud interna frente a las distorsiones de su época.

Esto se vuelve aún más claro en la nueva exposición en el Kunsthaus Zürich titulada «Tomando una posición»: el arte de Käthe Kollwitz vuelve a ser alarmantemente actual. Kollwitz vivió en una época que hoy parece muy lejana. Cuando tenía cuatro años, se proclamó el Imperio alemán en Versalles. Cuando vivía en Berlín a la edad de 47 años, estalló la Primera Guerra Mundial. Tenía 65 años cuando se derrumbó la República de Weimar. Kollwitz fue testigo de la dictadura nazi del «Tercer Reich». A los 72 años tuvo que soportar el estallido de la Segunda Guerra Mundial. No vivió para ver capitular a Alemania. Murió tres semanas antes del final de la guerra.

Hoy, un artista con el compromiso de esta mujer sería llamado activista por la paz. De hecho, Kollwitz se convirtió en una pacifista comprometida cuando su hijo menor Peter murió en Bélgica en el otoño de 1914 a la edad de 18 años. Sus variadas obras sobre el tema de la madre, el niño y la muerte se encuentran entre las obras más inquietantes que ha creado Käthe Kollwitz.

La serie «Mujer con niño muerto» de 1903 puede considerarse una piedad moderna: pasa por una concentración compositiva creciente hasta que los cuerpos de madre e hijo parecen fusionarse. Su hoja conmovedora «Adiós» de 1910 muestra una intensidad de expresión que se ve realzada por el alto grado de abstracción en el uso fluido y gestual del lápiz de carboncillo.

Dolor de cuerpo en acero

En la exposición de la Kunsthaus, las instalaciones de acero negro de la artista contemporánea Mona Hatoum, nacida en Beirut, entablan un diálogo sin palabras con estas imágenes sombrías y amonestadoras. Ella también es una inválida de guerra en cierto sentido: el estallido de la guerra civil de quince años en el Líbano en 1975 le impidió regresar a su tierra natal durante una breve estancia en Londres. Y ella también se posiciona con su obra: la obra escultórica de la ganadora del Premio Käthe Kollwitz 2010 gira en torno a experiencias humanas básicas como el dolor, el sufrimiento y la vulnerabilidad.

Un rosario de gran tamaño hecho de balas de cañón negras yace extendido en el suelo («Cuentas de preocupación»). Surgen asociaciones con la religión y la violencia. Objetos de vidrio amorfo de color rojo sangre brillan en jaulas de acero negro, que recuerdan senos, vejigas, estómagos u otros órganos («células»). Hermosa y terrible estética toca la crítica a las estructuras de poder, los mecanismos de control y las formas de castigo corporal.

La instalación «Cube» también evoca imágenes de dolor físico, campos de prisioneros y barricadas: un entramado estrictamente geométrico en forma de cubo que, en contraste con los modelos brillantes de Sol LeWitt, no consiste en varillas con púas blancas sino negras.

«En Kunsthaus Zürich, el recuerdo de la guerra con la Colección Bührle es una realidad diaria», dice la directora de Kunsthaus Ann Demeester. De maneras muy diferentes, estos dos artistas nos recordaron el trauma causado por la guerra, tanto en nuestro presente como en el pasado: «Kollwitz hace esto de una manera figurativa y realista que es como una bofetada en la cara», dice Demeester, » Hatoum lo hace de una manera más poética y simbólica, pero no deja de emocionarte».

«Tomar una posición – Käthe Kollwitz. Con intervenciones de Mona Hatoum», Kunsthaus Zürich, hasta el 12 de noviembre.