El viernes por la tarde, en la rueda de prensa más esperada del 77º Festival de Cine de Cannes, el legendario cineasta Francis Ford Coppola respondió preguntas sobre su último trabajo. Megalópolis, que tuvo su estreno mundial en el festival en competencia el jueves por la noche, hundiendo profundamente a críticos y espectadores. La rueda de prensa empezó con más de media hora de retraso, algo un poco inusual en Cannes, que a diferencia de los eventos de Hollywood, generalmente se desarrolla a tiempo. Pero el cineasta llegó muy animado y afirmó que escuchar los aplausos en el estreno le produjo sentimientos de “alivio y alegría”.

Coppola, de 85 años, pasó décadas (y 120 millones de dólares de su propio dinero) tratando de llevar la epopeya de ciencia ficción hasta la meta. El rodaje fue caótico, THR reportados en tiempo real, con talentos creativos clave renunciando o siendo despedidos en el camino; y esta semana El guardián citó fuentes del set que sugirieron que Coppola hizo insinuaciones no deseadas hacia las actrices.

Coppola no se vio obligado a abordar algunas de estas preguntas pendientes en la rueda de prensa. Pero sí se sumergió en su enorme presupuesto, dejando de lado una pregunta que sugería que poner su propio dinero en su película dañaría el legado financiero que deja a sus hijos.

Dijo el cineasta: “Mis hijos, sin excepción, tienen carreras maravillosas sin una fortuna. Estamos bien. No importa. Todos ustedes aquí: El dinero no importa. Lo importante son los amigos. Un amigo nunca te decepcionará. El dinero puede evaporarse”.

El cineasta estuvo flanqueado por familiares y actores (a quienes ha dicho que considera familia) en el evento: Aubrey Plaza, Adam Driver, Nathalie Emmanuel, Giancarlo Esposito, Laurence Fishburne, Jon Voight, Talia Shire y Roman Coppola.

Esposito, quien interpreta al alcalde de Nueva Roma en la película, admitió que durante el rodaje de la película, a menudo no sabía «qué iba a pasar» o hacia dónde iba Coppola con el proyecto. Pero al verlo por primera vez en Cannes, “de repente lo entendí: se supone que no debo saber nada, se supone que no debo saber nada y Francis tampoco”. Dirigiéndose a Coppola, dijo: «Tengo esperanza para nuestro mundo gracias a ti».

Driver, quien dirige la película como César Catilina, un genio que intenta construir una ciudad utópica, jugó un papel decisivo en el proceso de edición. Coppola dijo que su protagonista fue muy influyente en la edición de la película, mientras que Driver dijo que hacer la película «se sintió como un teatro experimental, lo que la hizo sentir rebelde y emocionante». Driver añadió que no creía que “jamás volviéramos a ver algo tan imaginativo a esa escala”. Creo que es una película única… Creo que se enriquecerá cada vez más históricamente”.

La película tiene un fuerte trasfondo político, con Shia Labeouf (que no asistió a la rueda de prensa), interpretando al vástago de una familia adinerada que acaba convirtiéndose en una figura al estilo Donald Trump. Coppola ve paralelos entre la América moderna y la caída de Roma.

«Nuestra política nos ha llevado al punto en que podríamos perder nuestra república», afirmó el cineasta. “No son los políticos quienes serán la respuesta. Siento que son los artistas de América. Mi sueño, mi esperanza es que sean los artistas de nuestro país quienes arrojen la luz”.

Coppola luego se dirigió a Voight, uno de los actores conservadores más destacados de Hollywood, y le preguntó cómo se siente acerca de la dirección del país, dado que tiene puntos de vista diferentes a los del cineasta. Voight dijo que creía que todos se hacen las mismas preguntas: cómo ayudar al mundo para la próxima generación. Dijo el actor: “Estoy de acuerdo con esta película, estoy de acuerdo en que los seres humanos somos capaces de resolver cada problema en el que nos metemos”.

Megalópolis todavía está buscando distribución en EE. UU. (pero ha vendido ciertos territorios en Europa). El cineasta proyectó a finales de marzo a la que asistieron varios directores de estudios estadounidenses, pero no encontró comprador. «Los estudios están muy endeudados y su trabajo no es tanto hacer películas sino pagar sus obligaciones de deuda», dijo Coppola en Cannes, y el director sugirió que empresas tecnológicas como Apple, Amazon y Microsoft «con mucho dinero» podrían ser el futuro, y que los estudios «podrían no estar aquí en el futuro».

Megalópolis llega a Cannes 45 años después de la última película de Coppola en competición, Apocalipsis ahora. El viernes, el cineasta recordó cuánto tiempo había pasado desde aquellos días y afirmó: “Cuando vine aquí para Apocalipsis ahoraTuve [daughter] Sofía sobre mis hombros”. Como Megalópolis, Apocalipsis ahora También tuvo un rodaje caótico que generó una importante cobertura mediática, y cuando Coppola llegó al festival con él en forma de “trabajo en progreso”, estaba a la defensiva.

El Apocalipsis ahora La conferencia de prensa se llevó a cabo en un teatro con capacidad para 2.000 personas que estaba lleno hasta el tope. Coppola declaró allí: “Mi película no es una película. Mi película no trata sobre Vietnam. Él es Vietnam.» Y criticó a la prensa por la forma en que cubrió la producción de la película, declarando, entre abucheos dispersos, “el periodismo estadounidense es la profesión más decadente, menos ética y más mentirosa que puedas encontrar. Lo aprendí en esta foto. No se ha escrito nada veraz sobre ello en cuatro años”.

Pero en la proyección oficial de Apocalipsis ahorala película se proyectó por las nubes y acabó ganando la Palma de Oro (en empate con El tambor de hojalata), convirtiéndose en la segunda película de Coppola en seis años en hacerlo, después de 1974. La conversación.

En las décadas posteriores, Coppola ha sido conocido por reeditar películas antiguas, incluidas Apocalipsis. Es algo que él dice que es posible porque tiene derechos de propiedad sobre su trabajo.

“Nunca volvería a editar La conversación, porque me gusta como está. nunca reedité El Padrino, aunque hay una escena que tal vez quiera agregar algún día”, dijo el cineasta. Como para Megalópolis? Podría volver y revisitar la epopeya “en unos años”, pero ya ha seguido adelante y está escribiendo un guión para un nuevo proyecto.

El cineasta de su vida resumió así: “Cuando muera, tendré que hacer esto. Pude ver a mi hija (Sofía) ganar un Oscar, pude hacer vino y hacer todas las películas que quería hacer. Y voy a estar tan ocupado pensando en lo que tengo que hacer que cuando muera no lo notaré”.

«Dune», en cambio, se abre con un prólogo más inmediato. Paul (Timothée Chalamet) sueña con Chani (Zendaya), quien explica la historia de Arrakis; cómo los brutales Harkonnen ocupan el planeta por sus minas de especias (combustible para viajes espaciales), dejando a su pueblo, los nativos Fremen, marginados. Esta fue la mejor opción; La mitología de «Dune» ya es compleja, por lo que al presentarla al público, es mejor limitar el alcance de la historia.

Desde un punto de vista logístico, los adornos de la apertura finalizada (los trajes de Fremen y Harkonnen, los modelos CGI de naves espaciales, etc.) son los que se utilizarían a lo largo de la película. Con la idea de Roth, la película tendría que haber diseñado innumerables modelos de criaturas CGI que sólo se usarían para esa escena inicial.

Si quieres tener una idea de cómo podría haber sido la apertura de Eric Roth, mira «Noé» de Darren Aronofsky (vista arriba), inspirada en la historia bíblica del Gran Diluvio. En un montaje de dos minutos, la película describe la historia del universo; las estrellas parpadean y cobran existencia, la Tierra se enfría debido al fuego primordial y la vida brota de sus océanos. Un pez que sale del agua camina por el paisaje, evolucionando hacia una criatura diferente con cada salto antes de convertirse en hombre. A lo largo de la secuencia, Noé (Russell Crowe) les narra a sus hijos descripciones del Libro del Génesis, sugiriendo cómo la mano guía invisible de Dios pudo haber creado nuestro mundo.

El éxito de «Dune: Part Two» significa que probablemente tengamos en nuestras manos la próxima gran franquicia cinematográfica, especialmente con Dune Messiah ya en proceso. Si Villeneuve y sus eventuales sucesores así lo desean, deberían tener la oportunidad de explorar la historia del planeta Arrakis, o como alguna vez lo llamaron los Fremen, Dune.

«Dune: Part Two» todavía se proyecta en los cines.

Dan McDermott, presidente de entretenimiento y AMC Studios, dice que el estudio está posicionado para realizar más producciones de terceros como Siloaunque señaló que «no es nuestro negocio principal».

El drama distópico de gran presupuesto se renovó el año pasado para una segunda temporada en Apple TV+. La producción de la temporada 2 concluyó a principios de este año, pero no se ha confirmado la fecha de estreno.

McDermott y otros ejecutivos de AMC Networks respondieron preguntas sobre la estrategia de programación original de la compañía durante la conferencia telefónica sobre ganancias del primer trimestre de la compañía con analistas de Wall Street. Uno se preguntaba acerca de Silo específicamente, dado que su presupuesto es alto para AMC, así como la realidad de que los proyectos de terceros no alimentan la propia red y cartera de transmisión de la compañía.

«AMC Studios es un grupo vibrante y productivo que produce para cada una de nuestras plataformas», dijo McDermott. “Estos programas nos permiten construir una biblioteca, que acumula valor real con el tiempo para la empresa y nos permite ejecutar la monetización de este contenido. El estudio es muy importante para nosotros. En cuanto a la producción para plataformas externas, nuestras capacidades de producción y el volumen de programación que producimos en AMC Studios nos dan la oportunidad de ser muy tácticos y selectivos. Cuando tenemos programas como Silo que no son adecuados para nosotros pero sí para otra plataforma, vamos a aprovechar esas oportunidades. No es nuestro negocio principal, pero ciertamente imaginamos producir más programas para plataformas externas a medida que avancemos”.

Silo fue denunciado por la compañía en su informe de ganancias trimestral, que no cumplió con las expectativas de Street, principalmente debido a las continuas dificultades para apuntalar los ingresos por publicidad y distribución. Debido al momento en que se entregó la serie a Apple en 2023, los ingresos por licencias de contenido en el período 2024 disminuyeron un 40% a 62 millones de dólares. Los informes sobre el costo del programa varían, pero su primera temporada de 10 episodios probablemente ascendió a cientos de millones, basándose solo en las finanzas de AMC Networks.

También se preguntó a los ejecutivos sobre su enfoque respecto de las licencias, especialmente cuando se enfrentan a la elección de mantener la programación internamente o llevarla a terceros.

El director comercial Kim Kelleher mencionó Los muertos vivientes y Miedo a los muertos vivientes como ejemplos recientes de “derechos que regresan a nuestro camino”. Los miembros del equipo directivo “miran cada una de estas franquicias con mucha atención y consideración, especialmente a nivel internacional. Es más región por región. ¿Dónde podemos monetizarlo de manera más efectiva y asegurarnos de llegar al mayor número de fanáticos? Por lo tanto, no es una solución única para todos. Somos muy, muy cuidadosos y reflexivos sobre cómo otorgamos licencias para estas franquicias”.

La directora ejecutiva, Kristin Dolan, añadió que en términos de “volver a conceder la licencia por una suma mayor o conservarla, realmente hacemos ambas cosas, dependiendo del área. Eso es lo que nos ha permitido seguir optimizando nuestro crecimiento en la línea de ingresos por distribución de contenidos”.

El año pasado, Google presentó una nueva etiqueta «Chromebook Plus», que garantiza que los Chromebook cumplan con requisitos de hardware específicos para que tengan un cierto umbral de calidad y, lo que es más importante, un precio inicial de $400. Ha tenido bastante éxito. Los Chromebook de empresas como Acer y Lenovo funcionan bien por su precio: hardware funcional y asequible que hace el trabajo.

El Chromebook Plus 514 de Acer (modelo CB514-4H/T) es otro portátil que logra este objetivo. El nombre de este modelo específico no sale de la lengua, pero indica que este es el modelo con tecnología Intel que no debe confundirse con el Chromebook Plus 514 (CB514-3H/T) con tecnología AMD que la compañía lanzó el otoño pasado. Es un poco confuso, y no ayuda que también esté el Acer Chromebook Plus 515 con un nombre similar, que tiene un precio similar pero tiene una pantalla más grande y un procesador ligeramente diferente.

Fotografía: Daniel Thorp-Lancaster

A pesar de las ligeras diferencias en la selección de puertos y la relación de pantalla entre las variantes Intel y AMD del Chromebook Plus 514, se espera que funcionen prácticamente igual. El trabajo duro de esta máquina lo realiza un potente procesador Intel Core i3-N305 de 13.a generación, que está a la par con otros modelos de Chromebook Plus y es un buen avance con respecto a los Chromebook de años anteriores. Combinado con los 8 GB de RAM y una unidad de estado sólido de 512 GB en la configuración CB514-4HT-359X que Acer me envió para esta revisión, tienes una máquina bastante rápida para la escuela y el trabajo. Este modelo cuesta sólo $350 en Costco y, curiosamente, el modelo de 128 GB es más caro en Amazon por $380.

Chrome OS está diseñado para ser liviano y, posteriormente, el procesador Core i3-N305 realiza la mayoría de las tareas con facilidad. Mi ritual diario de escribir en Google Docs mientras miraba videos de YouTube con varias otras pestañas abiertas nunca se sintió lento o sin respuesta. La duración de la batería se ha mantenido, permitiéndome pasar jornadas laborales de ocho horas, generalmente con una o dos horas de duración de la batería de sobra.

A pesar de sacarlas de la nube, las ediciones de Google Photos se sienten muy receptivas. Me divertí mucho usando el editor incorporado para modificar mis (muchas) fotos de gatos, y las ediciones de video fueron casi instantáneas. Solo tenga en cuenta que esto depende en gran medida de la velocidad de su conexión a Internet para extraer fotos y videos de su almacenamiento en la nube, por lo que su experiencia puede variar.

Nunca me sentí atraído por el uso táctil en las computadoras portátiles, pero el panel táctil de 14 pulgadas del Chromebook Plus 514 me gustó. Chrome OS se presta al tacto y la suave pantalla mate se siente genial al usarla bajo la punta de los dedos (además, no deja huellas dactilares). En mi semana de pruebas, constantemente busqué una mejor selección al editar fotos en la aplicación Google Photos o cuando quería desplazarme con mayor precisión por YouTube.

Mi única decepción es que esta no es una computadora portátil convertible. La capacidad de girar la pantalla para convertirla en una cuasi tableta haría que el uso táctil sea más cómodo (y divertido), por lo que el diseño tipo cubierta es un poco limitante. En el lado positivo, la bisagra permite que la parte posterior de la pantalla se extienda un poco hacia abajo cuando se abre, apoyándola sobre su mesa o regazo para un ángulo más cómodo.

En octubre de 2018, mientras compartía cervezas en un gélido bar de Milwaukee con su futuro protagonista Ryland Tews, el director, artista de efectos visuales y editor de “Hundreds of Beavers”, Mike Cheslik concibió la película basándose en tres elementos simples: sus After Effects. habilidades, familiaridad con la nieve y la asombrosa habilidad de Tews para caerse.

«Sabíamos que la imagen de un tipo disfrazado de mascota cayéndose era fundamentalmente divertida», explica Cheslik. “Y si eso está en cada plano, incluso si nuestros gags no funcionan bien, tenemos la comedia fundamental del animal mascota. ¿Es así, Ryland?

«Absolutamente», dice Tews en respuesta. «Sólo queríamos hacer una película que no se pareciera a nada más».

Esto comenzaría el viaje de cinco años y medio hacia el estreno en cines de una de las películas independientes más exitosas de 2024. Totalmente autodistribuida, “Hundreds of Beavers” ha logrado duplicar su presupuesto de 150.000 dólares en recaudación teatral en cuestión de meses, una hazaña significativa después de pandemias globales y huelgas en toda la industria.

“Hundred of Beavers” es una comedia en blanco y negro de la época del cine mudo que sigue la vida de Jean Kayak, un vendedor de aguardiente borracho que recurre a la caza de pieles después de que una manada de castores vengativos quema su destilería. A lo largo de la película, Jean crea estrafalarias trampas para matar a los castores, interpretadas de manera hilarante por actores con disfraces de gran tamaño. La película se inspiró en una amplia gama de fuentes como Buster Keaton, los juegos de “Mario”, “America’s Funniest Home Videos” y una forma nevada de comedia slapstick acuñada por los realizadores como “snowstick”.

«Los Tres Chiflados, Disney, Fleischer, Abbott y Costello, Charlie Chaplin y Buster Keaton, todos ellos tienen episodios de nieve», dice Cheslik. «El invierno tiene sus propios principios físicos de comedia slapstick que tocan pasteles y plátanos, pero en invierno hay carámbanos, hielo y bolas de nieve».

A medida que se desarrolla la historia, Jean domina las técnicas de captura y se enamora de la hija de un comerciante de pieles. No impresionado por la torpeza de Jean, el comerciante lo desafía a recolectar “cientos de castores” para ganarse la mano de su hija. Esto envía a Kayak a un viaje por el bosque para recolectar las pieles que necesita, terminando con una persecución épica a través de la megafortaleza de madera de los castores.

«Me gusta cuando una película ofrece un gran clímax y creo que cada película necesita una escena de infiltración en el castillo en el tercer acto», dice Cheslik. “A veces me siento decepcionado. Iré a ver una película de Noah Baumbach que realmente disfruto pero al final, Greta Gerwig debería estar infiltrándose en un castillo, y simplemente no hay nada. Eso es una decepción para mí”.

Armado con guiones gráficos y un tratamiento de dos páginas, el equipo de seis personas filmó la película en 12 semanas durante dos inviernos. Nueve de esas semanas las pasamos en el clima negativo de 10 grados de los bosques del norte de Wisconsin. Incluso los momentos rodados en pantalla verde, que fueron muchos, fueron filmados al aire libre.

«Gran parte del rodaje con pantalla verde se realizó afuera… sobre una lona verde», dice Tews. “Hicimos algunos días de pantalla verde, como en un estudio real. Pero muchas de las cosas de la pantalla verde todavía estaban en el frío gélido”.

Casi todas las tomas incluían composición de After Effects o efectos de pantalla verde, y algunos fotogramas requerían «cinco o seis elementos», todos tomados en «diferentes momentos y ubicaciones». En cuanto a los castores, Cheslik y Tews reclutaron a todos los que pudieron para que se pusieran los disfraces de mascotas, e incluso los dos interpretaron a algunos de los castores.

“Hay escenas en la película en las que será una escena, pero habrá tres tomas de un castor. Aunque en la escena se trata del mismo castor, lo interpretan tres tipos diferentes”, dice Tews.

“Más de dos años”, interviene Cheslik.

Después de dos años más de edición y postproducción, la película estuvo completa. Pero todavía necesitaba distribución y, según Cheslik, “la historia la escriben los distribuidos”.

En 2022, “Hundreds of Beavers” se estrenó como parte del programa Burnt Ends en el Fantastic Fest de Austin. Luego hizo paradas en el Festival Fantasia de Montreal en julio, el Festival de Cine de Sitges en octubre de 2023 y muchos festivales más pequeños en el medio. Aunque ganó muchos premios a lo largo del camino, todavía no recibía la atención de los distribuidores.

«Creíamos que, para que una película como la nuestra tuviera posibilidades de salir al ecosistema, necesitaba estar en los cines por un tiempo», dice el productor Kurt Ravenwood.

Entonces, reservaron una gran cantidad de cines en todo el medio oeste para proyecciones de una noche y llevaron la película (y los castores) a un espectáculo itinerante de 12 días al estilo vodevil desde Minneapolis hasta Toronto. “Ryland luchó contra los castores del público y Mike hizo una sesión de preguntas y respuestas al estilo de un asado”, recuerda Ravenwood. «Nos emocionó saber que habíamos agotado alrededor del 80% de esas proyecciones».

Después de que se corrió la voz, “Hundreds of Beavers” consiguió proyecciones en el IFC de Nueva York y en el Laemmle Royal de Los Ángeles, lo que llevó a que los cines de todo el país rogaran por los castores. Y ahora, los cinéfilos de todo el mundo pueden ver la película en su cine local.

“Comenzó a partir de un núcleo muy pequeño de idea. Y empezó a descontrolarse”, dice Tews. “[We were like] como, ‘Oh, haremos una pequeña película en blanco y negro en invierno con mascotas y será algo divertido’. Y resultó ser esta monstruosidad”.

Si se comparara la coalición gubernamental alemana de los socialdemócratas, los verdes y el FDP con un barco, se diría que el cúter se abre camino en aguas turbulentas. Por otro lado, desde esta semana se puede estar convencido de que partes de la tripulación del barco han iniciado un motín abierto.

Debido a que el tesoro alemán está en apuros y faltan en total 25 mil millones de euros, el ministro de Finanzas, Christian Lindner, ordenó a sus colegas del gabinete que le enviaran propuestas de ahorro para el próximo ejercicio el jueves por la tarde. Sin embargo, tres ministros alemanes no dejaron pasar el plazo. Además de eso, incluso informaron de una necesidad financiera mayor que la que les permitía la planificación financiera del gobierno federal.

Más dinero para las crisis en Oriente Medio y Ucrania

La ministra de Asuntos Exteriores, Annalena Baerbock, exige casi 2.500 millones de euros más de lo que el político del FDP Lindner quiere concederle. La política verde justifica su necesidad de capital por los elevados gastos que su ministerio debe cubrir para la ayuda humanitaria en zonas en crisis como Ucrania y Oriente Medio.

Citando también los puntos conflictivos del mundo, la Ministra de Desarrollo, Svenja Schulze, también se niega a recortar su presupuesto. Por ello, el político del SPD informó al Ministro de Finanzas de una necesidad adicional de alrededor de mil millones de euros.

Su amiga del partido, Nancy Faeser, por el contrario, se ha abstenido hasta ahora de dar una cifra concreta. También le dijo a Lindner que el Ministro del Interior no quería ahorrar. Incluso por escrito: en una carta, sobre lo que informó “Der Spiegel”explica que el recorte de 1.100 millones de euros deseado por Lindner no sería “ni remotamente responsable”.

Faeser no ve ninguna posibilidad de ahorrar, entre otras cosas porque los gastos de personal en los servicios de seguridad han aumentado y los costes de los procedimientos de asilo en el país son elevados. Y por eso preferiría renegociar su presupuesto con el Ministro de Finanzas. «Espero con ansias tener una conversación», dice la carta.

Los ingresos fiscales alemanes están cayendo

Sin embargo, es poco probable que Lindner se tome mucho tiempo para discutir sus deseos con los rebeldes de la casa. Porque surge la pregunta de dónde debería conseguir Lindner los miles de millones que exigen sus colegas del gabinete. Como la economía alemana está estancada en la crisis, el gobierno federal puede endeudarse más: esto es lo que prevé el freno de la deuda anclado en la Ley Fundamental. En los círculos gubernamentales se habla de fondos adicionales por un importe de hasta 25 mil millones de euros.

Pero la coalición de gobierno no debería tener muchas esperanzas de poder cerrar la brecha financiera. La crisis económica también se refleja en los ingresos del estado: es probable que los ingresos fiscales sean significativamente menores que en años anteriores.

Las repetidas exigencias del SPD y de los Verdes para que se debilite el freno de la deuda tampoco llegan a nada. Esto requirió una mayoría de dos tercios en el parlamento. Incluso si el FDP cediera a la presión, la coalición del semáforo dependería de más votos de la oposición. Y una cosa parece segura: los socios de la coalición no pueden esperar ayuda de los partidos de la Unión en este tema.

La única opción para Lindner sería declarar otra “situación de emergencia” y, sobre esta base, elaborar un paquete con activos especiales financiados con deuda. Sin embargo, si el político del FDP se atreve a dar este paso -o se deja presionar por sus socios de coalición- cuáles serían las posibilidades de su partido de ser reelegido al parlamento en las próximas elecciones, finalmente en peligro. En lugar de volver a aliviar el freno de la deuda, Lindner pensará detenidamente si en este caso quiere continuar con la coalición.

El FDP hace un llamamiento a los socios de la coalición

El motín de los tres ministros apunta a Lindner, pero también afecta al Canciller Olaf Scholz y al Vicecanciller Robert Habeck de los Verdes. El plan financiero, que ahora implica fuertes recortes en el gabinete, también fue aprobado el año pasado con su consentimiento.

Otto Fricke, portavoz de política presupuestaria del FDP, nos lo recuerda. La planificación financiera para 2025, que fue decidida oficialmente por el Gabinete el año pasado, incluidas las casas ahora afectadas, sigue vigente y que prevé límites de gasto claros para cada ministerio. «Más allá de esto no hay recursos financieros», dijo Fricke al NZZ. «Quien quiera disponer de más dinero para sus proyectos políticos del que se decidió por unanimidad el año pasado, debe decir qué colega le gustaría quitarle o qué impuesto le gustaría incluso aumentar».

El secretario general del FDP, Bijan Djir-Sarai, también aumenta la presión sobre los socialdemócratas y los verdes. «Debe quedar claro para todos: no podemos comprar el avance económico con nueva deuda, porque la nueva deuda supone una carga para las generaciones futuras, eleva la inflación y reduce el margen de inversión», dijo al NZZ. Por eso todos los ministerios están obligados a contribuir a la consolidación del presupuesto.

Lindner revisará en los próximos días los informes recibidos hasta el momento con el canciller Scholz y el vicecanciller Habeck. No queda mucho tiempo: el presupuesto para el próximo año será aprobado por el Consejo de Ministros el 3 de julio y el Bundestag comenzará entonces las deliberaciones sobre el mismo. El presupuesto debería ser aprobado por el Parlamento a más tardar en noviembre. Los próximos días decidirán si el barco “semáforo” flota o se hunde.

Para el director, coguionista y estrella Jerry Seinfeld, “Unfrosted” fue una oportunidad de aportar algo un poco menos serio al espíritu de la época del entretenimiento. Una vida sin humor y sin la capacidad de burlarnos de nosotros mismos, planteó, no contribuye al «buen vivir».

“No renuncies a la risa, el humor y la comedia en tu vida. Es la mejor manera de vivir la vida”, dijo Seinfeld. “Todos queremos no herir los sentimientos de los demás. Pero si vamos demasiado lejos y nadie puede burlarse de nadie, eso no es una buena vida”.

“Unfrosted” es un relato ficticio de la creación de las Pop-Tarts básicas de Kellogg’s. La trama adopta un enfoque de “carrera espacial”, con Post Cereal como el otro peso pesado en la lucha por ser el primero en elaborar el pastel tostado (o sin tostar, si se prefiere).

Está protagonizada por un caleidoscopio de gente divertida de Hollywood, incluidos Melissa McCarthy, Amy Schumer, Jim Gaffigan, Hugh Grant, Peter Dinklage, Dan Levy, James Marsden, Max Greenfield, Jack McBrayer, Christian Slater, Cedric the Entertainer, Earthquake, Jon Hamm, Rachel. Harris, John Slattery y la lista sigue y sigue. Y la mayoría fueron elegidos personalmente por Seinfeld para aparecer en su debut como director.

“Jerry me llamó y me dijo: ‘Quiero ponerte en la película’… Realmente pensé que era un chiflado, [but] resultó ser cierto”, dijo Earthquake. «Le encantó mi especial en Netflix… y me puso en su película».

En el estreno del 30 de abril en el Teatro Egipcio de Hollywood, el elenco evocó casi uniformemente la palabra «preciso» al describir el estilo de dirección de Seinfeld.

«Hay un detalle para Jerry», dijo Gaffigan. “Incluso si miras el programa de televisión ‘Comedians in Cars’, son sólo dos personas hablando. La razón por la que funciona es porque Jerry probablemente tiene la resistencia de permanecer más tiempo sentado en el estudio de edición para hacerlo bien”.

«Es como una carrera de veleros», dijo Seinfeld, describiendo su propio liderazgo. «Tienes que tener un capitán».

Greenfield agregó que todavía había una naturaleza muy colaborativa e inventiva en el set, que comparó con trabajar en una comedia de situación.

“Reescribirían la escena [and] Inventa nuevos chistes” después de filmarlo por primera vez, explicó Greenfield. “Era muy parecido a trabajar en multicámara [shows]con lo cual me siento muy cómodo, y poder trabajar con Jerry de una manera que entendí fue lo mejor”.

“A veces me quedaba [script], a veces me disparaba. Yo seguiría con el momento”, explicó Seinfeld.

El coguionista Spike Feresten dijo que el equipo creativo, que también incluía a Seinfeld, Andy Robin y Barry Marden, no estaba seguro de cómo describir el tono de la película hasta que terminaron.

“Estábamos como volando a ciegas”, dijo. “Y dónde aterricé era obvio. Era en tono ‘Seinfeld’… [It was] las mismas reglas que usaríamos para escribir un episodio de ‘Seinfeld’… Este es sólo un episodio de ‘Seinfeld’ con un presupuesto mucho mayor. Supongo que es la forma en que nos gusta escribir”.

Sarah Cooper, quien interpreta a Poppy Northcutt en la película, dijo que el tono de la comedia ayudó a mantener las cosas ligeras durante el rodaje.

«Instantáneamente [Jerry said], ‘Chicos, estamos haciendo una película sobre una Pop-Tart, relájense’. Él se lo tomó con calma”, recordó. “Lo puso en perspectiva. Hizo que todos se relajaran, lo cual realmente aprecio”.

“Frosted” se transmite en Netflix el 3 de mayo.

NEGOCIAR

17 de abril de 2024 a las 9:00 a.m.

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Siento que reduce la hinchazón. Después de un baño de hielo, siento un hormigueo en el cuerpo y me siento menos hinchado, como si hubiera reducido la inflamación. Es genial para cuando me despierto sintiéndome un poco atontado.

Tomo mejores decisiones. Si bien no he perdido peso bañándome en hielo y no he notado una mejora en mi sueño, soy más consciente de mi salud y bienestar general y he estado tomando decisiones más saludables.

Cómo empezar

Si bien a las redes sociales les encanta resaltar los aspectos positivos, la terapia con agua fría, los baños en hielo, las zambullidas y la natación en aguas abiertas deben abordarse con precaución. La Asociación Estadounidense del Corazón ha advertido que aplicar descargas eléctricas al cuerpo con agua fría podría hacer más daño que bien, mientras que la Fundación Británica del Corazón recomienda que las personas con afecciones cardíacas busquen consejo médico antes de sumergirse en aguas heladas. Asegúrese de consultar a su médico antes de embarcarse en cualquier tipo de terapia con agua fría, especialmente si tiene una afección cardíaca. Los niños menores de 18 años también deben evitar los baños de hielo.

Una vez que se considere que está lo suficientemente en forma, probar la terapia con agua fría en casa puede ser muy económico y fácil, especialmente si ya se ha bañado. Simplemente llene su tina existente, agregue hielo y estará listo para comenzar. ¿Por qué molestarse con una costosa piscina profunda? Es una cuestión de comodidad, ya que un baño de hielo exclusivo estará listo cuando usted lo esté. Si tuviera que pensar en darme un baño frío antes de hacer ejercicio, nunca lo haría. Eliminar barreras es esencial, especialmente si estás haciendo algo incómodo.

Si bien puedes comprar un baño de hielo portátil por menos de $100, tiendes a obtener lo que pagas. He visto personas que usan grandes barriles de plástico, que funcionan bien hasta cierto punto, pero carecen de un drenaje fácil, no son especialmente estables y no contribuyen en nada al diseño de su jardín. Las opciones inflables económicas se pueden guardar, lo cual es una ventaja, pero también pueden ser susceptibles a pinchazos y difíciles de mantener limpias.

Las piscinas de inmersión fría, como las que se probaron aquí, vienen en varias formas y tamaños y están hechas de materiales diseñados para sentirse cómodos contra la piel. Algunos tienen entradas y salidas de agua para facilitar el llenado y vaciado y cubiertas para mantener el agua más limpia y libre de insectos y vida silvestre cuando no están en uso.

Si realmente quiere sumergirse en frío, hay diseños premium disponibles con enfriadores (y calentadores) eléctricos, además de sistemas de filtración para mantener el agua utilizable por más tiempo. Hydragun, Plunge y Edge Theory Labs venden diseños por alrededor de $ 5,000, mientras que Brass Monkey tiene un modelo que incluso fabrica su propio hielo.

Preguntas frecuentes sobre la piscina fría

¿Qué tan frío debo hacer mi baño de hielo?

No existe una solución única para todos, ya que algunas personas naturalmente pueden tolerar el frío más que otras. «Las redes sociales están llenas de gente que piratea lagos congelados con sierras, y es importante no dejar que el ego se interponga en el camino y asegurarse de usarlo de forma segura y eficaz», dice Laura Fullerton, directora ejecutiva de Monk. “Cuanto más se exponga deliberadamente al frío, más seguro y cómodo se sentirá en temperaturas más frías. Sin embargo, no es necesario esforzarse para pasar el mayor frío posible lo más rápido posible; los estudios muestran que aún se pueden obtener una gran cantidad de beneficios con temperaturas más altas, alrededor de 15 °C (59 °F). A menudo la gente baja a 1-3°C (33,8–37,4°F), pero personalmente me gusta bajar alrededor de 6°C (42,8°F)”.

¿Cómo debo respirar en un baño de hielo?

«A menudo vemos baños de hielo asociados con un trabajo de respiración rápido, de estilo hiperventilación, en la parte superior del pecho, pero esto crea un estrés adicional en el sistema nervioso», dice Jamie Clements de The Breath Space. “Aumenta el ritmo cardíaco y corre el riesgo de abrumarte, lo que puede provocar hiperventilación. El baño de hielo normalmente crea un aumento anticipado de la frecuencia cardíaca, entonces, ¿por qué echar más leña al fuego?

Al entrar en la piscina de inmersión, es importante hacerlo de forma lenta y constante. Jamie sugiere probar la siguiente técnica: Antes del hielo: de dos a cinco minutos de respiración nasal lenta, con énfasis en extender la exhalación. Al entrar: Inhale profundamente por la nariz y exhale lentamente por la boca al entrar. Durante la inmersión: Inhale lo más lentamente posible por la nariz y exhale por la boca. Si puede encontrar consuelo y quietud con esa respiración, respire lentamente por la nariz.

¿Qué debo hacer inmediatamente después de un baño de hielo?

«Es fantástico dejar que el cuerpo se caliente de forma natural, ya sea con un ligero movimiento o con una bebida caliente», dice Fullerton. “Yo evitaría usar duchas calientes o saunas para calentarme; esto se debe a que tu metabolismo se acelera y hace el trabajo duro para calentarte de forma natural. Deje que su cuerpo se caliente por sí solo y, si utiliza el baño de hielo con sauna como terapia de contraste, termine siempre con agua fría para obtener los mayores beneficios”.

El éxito de terror independiente “Late Night With the Devil” sigue el episodio de Halloween en tiempo real de un programa de entrevistas ficticio de los años 70, que rápidamente desciende a la locura. Los escritores y directores de la película, los hermanos australianos Cameron y Colin Cairne, se inspiraron en la sensación de emoción y peligro de los programas de entrevistas nocturnos de su juventud.

«Esos programas nocturnos eran muy emocionantes para nosotros cuando éramos jóvenes», dice Cameron Cairne. “Quedarse despiertos hasta tarde para mirar televisión era una especie de tabú, pero lo haríamos y veríamos cosas que los niños probablemente no deberían ver. Así que estábamos tratando de capturar esa vibra, así como el peligro de la televisión en vivo, su naturaleza sin guión”.

Con un presupuesto limitado, el dúo, junto con su equipo creativo, pudo crear su propio programa de entrevistas estadounidense apropiado para la época en Melbourne. El diseñador de producción Otello Stolfo estudió inmediatamente los programas nocturnos que esperaban emular, hasta el más mínimo detalle.

«Comenzamos a mirar programas como Johnny Carson, Dick Cavett y cualquier otra cosa que existiera en ese momento», dice. “Comenzamos a observar cómo funcionan sus decorados y todo lo demás. Sabía cómo había hecho estos conjuntos de entrevistas antes, así que tuve una idea. Observamos sus fondos, los acabados, los colores y las cosas y partimos de ahí. Dije: ‘Predominemos los marrones y los naranjas’”.

Al final, incluso después de redactar diseños precisos, Stolfo tuvo que recalibrar según el tamaño del proyecto.

“El dinero y el tiempo nos presupuestaron”, afirma. “Cuando me dijeron cuánto, dije: ‘Está bien, veamos qué podemos hacer’. Fue interesante, porque cuando hice mi primer diseño y lo envié para alojamiento inicial, superó con creces lo que tenía, por lo que tuvimos que repensar el proceso. Logramos algunas cosas inteligentes al buscar recursos para seguir adelante y al proponer nuevas ideas y nuevas formas de hacerlo. Así que ese fue el lado bueno de esto”.

Además de los decorados, los Cairne sabían que el trabajo de cámara debía reflejar una época específica de la televisión, por lo que contrataron a Matthew Temple como director de fotografía. Temple era un veterano de la industria con experiencia en rodajes en estudios con cámaras de pedestal a finales de los años 80.

“Desenterró sus viejos álbumes de recortes de los años 80 cuando era operador de cámara en prácticas”, dice Colin Cairne. “Era lo que todos los chicos de la vieja escuela de los años 60 y 70 le habían enseñado sobre cómo rodar televisión. Eso se convirtió en la Biblia para su equipo de cámara. Fue maravilloso verlos adoptar un nuevo estilo de filmación: tuvieron que desaprender cómo ser cinematográficos para hacer un programa de televisión auténtico. Incluso la iluminación: era cuestión de ir a todos esos viejos almacenes y desempolvar todas las luces viejas, cosas que no habían usado en 30 años, y arreglarlas. Fue así en todos los departamentos”.

Esta autenticidad era fundamental tanto delante como detrás de la cámara, ya que los hermanos sabían que, incluso cuando el público suspendía su incredulidad ante los sangrientos sucesos satánicos, cualquier elemento de la vida real que pareciera fuera de lugar inmediatamente sacaría al espectador de la experiencia.

«Solo recuerdo los micrófonos… teníamos estas conversaciones sobre los micrófonos apropiados para la época», dice Cameron Cairne. “Tenían que ser largos y delgados. Recuerdo que un día el departamento de utilería sacó unos micrófonos de color azul neón que parecían de plástico y pensé: ‘No, simplemente no creo que la gente vaya a comprarlos’. Necesitamos dedicarnos a esta idea de autenticidad en todos los departamentos”.

A pesar de los elementos táctiles del set, el equipo aún necesitaba mucha magia en pantalla para que la historia cobrara vida. Adam White, uno de los productores de la película que también supervisó los efectos visuales, dice que con un presupuesto de efectos visuales de 150.000 dólares, el equipo realizó casi 300 efectos visuales, dejando sólo unos 500 dólares por efecto. Ese presupuesto limitado inspiró mucha creatividad por parte del equipo.

«Vengo del cine de bajo presupuesto», dice White. “Simplemente haces que suceda. Así es como funciona. Descubriríamos cosas a lo largo del camino, aunque intentáramos planificarlo, y a veces puedes tener las mejores intenciones de pensar que sabes exactamente cómo va a suceder. Pero hasta que empezáramos a construirlo, y con las limitaciones de nuestro presupuesto, significaba que teníamos que encontrar soluciones básicas”.

En última instancia, Colin Cairne está encantado de que el diligente equipo haya hecho una película que resuene en el público y les brinde la misma alegría que el equipo sintió al trabajar en ella.

«Es una validación un poco surrealista», dice. “Hicimos la película hace casi dos años, al final de COVID. Todavía era una época bastante oscura. Estuvimos encerrados durante 100 días seguidos, varias veces. Así que salir de eso y poder hacer una película que ha sido un trabajo de amor durante años ha sido muy especial. Creemos que hemos hecho algo decente”.

Continúe desplazándose para ver el desarrollo del set y los dibujos detallados, así como fotografías del set, de “Late Night With the Devil”.