Según el Observatorio Audiovisual Europeo, Suiza ocupa el tercer lugar en Europa por su producción anual de documentales, con más de 70 títulos en 2023. El 19 de mayo presentará cuatro de sus largometrajes más prometedores en el Swiss Cannes Docs Showcase.

El evento está organizado conjuntamente por la agencia nacional de promoción Swiss Films, Visions du Réel (el único festival de cine de no ficción del país) y Cannes Docs.

“¡De hecho, es la primera exhibición suiza de documentales en proceso en Cannes Docs!” dijo Pierre-Alexi Chevit, director del codiciado evento de la industria documental.

«Llevamos muchos años hablando de ello con Swiss Films y por fin se celebrará este año en el marco del Swiss Country of Honor en el Marché du Film», añadió.

“Es fabuloso tener a Visions du Réel como colaborador clave para este Showcase, ya que es un gran festival, dirigido por gente increíble y que siempre reúne a cineastas tan talentosos y a tantos profesionales apasionados de la industria. Me encanta ir allí todos los años (¡aunque esté tan cerca de Cannes!) y disfruto mucho moderando las mesas redondas de feedback con los responsables de los proyectos Visions du Réel–Pitching!”, afirmó Chevit.

Se estrenan cuatro títulos de amplio espectro seleccionados conjuntamente por Swiss Films y Visions du Réel. “El panorama documental suizo es, por supuesto, representativo de las distintas áreas lingüísticas y culturales de la Confederación, lo que lo hace particularmente diverso en forma y contenido”, continúa Chevit.

“Si a ello le sumamos la fuerte tradición del país en materia de coproducciones internacionales, obtenemos un panorama documental suizo muy estimulante y polifacético. Estamos orgullosos de mostrar algunos de sus proyectos más interesantes actuales”, dijo.

“Cuento de Baba”

Ambientada en la Francia rural, “Tale of Baba” está codirigida por Matthias Joulaud y Lucien Roux, multipremiados en importantes festivales documentales como IDFA y Grimstad por su cortometraje conjunto de graduación “Ramboy”, también dedicado al trabajo agrícola.

La película se centra en Didier, con problemas de audición, que trabaja duro en una granja aislada, esforzándose por reinventar su lenguaje y sus intercambios para convertir su discapacidad en una fortaleza.

«Estamos filmando a Didier en su vida diaria y en su trabajo, de una manera inmersiva», dice Roux en un vídeo pregrabado. El protagonista principal comparte su fobia a la medicina, su sueño de convertirse en criador y sus esperanzas de encontrar una pareja para toda la vida. Al igual que en “Ramboy”, el dúo de cineastas visionarios utilizará secuencias alegóricas “para hacer de esta película un lugar de expresión”.

A través de la relación especial de Didier con una pareja joven y trabajadora, la película “teje un vínculo entre su realidad y las recientes revueltas en el mundo agrícola de la UE, denunciando la esclavitud de los agricultores en beneficio de una industria alimentaria globalizada e hipercompetitiva. ”, dice Joulaud.

Juliana Fanjul y Annick Bouissou producen para Akka Films (Suiza) con Alexandre Cornu de Les Films du Tambour de Soie (Francia) y con la cofinanciación de la emisora ​​RTS.

“Carretera 190”

Otro dúo cinematográfico prometedor, Emilie Cornu y Charlotte Nastasi, está haciendo su debut documental para la fundadora de Close Up Films, Joëlle Bertossa, coproductora de la película nominada al Oscar “I Am Not Your Negro”.

“Road 190” es el desgarrador retrato de un preso condenado a muerte en Texas, EE. UU., y el infame camino que conduce desde su prisión a la cámara de ejecución.

“Texas es conocida por ser el lugar donde se llevan a cabo la mayor cantidad de ejecuciones de prisioneros en los EE. UU. y por sus terribles condiciones carcelarias”, explican los codirectores, que siguen al condenado a muerte afroamericano Mabry en la película. “Le hemos convertido en narrador para que vuelva a ser humano”, subrayan.

Junto a Mabry, descubrimos las vidas de los lugareños de la carretera 190, que viven fuera del principal centro penitenciario: un pescadero, el dueño de un restaurante, un sheriff del condado y un ex guardia de prisión convertido en pastor.

El proyecto, coproducido por la belga Stenola Productions, comenzó a rodarse en abril y su estreno está previsto para febrero de 2025. Cofinancian las emisoras RTF de Suiza y RTBF de Bélgica.

“Canciones de hermandad”

Este documental es el segundo trabajo de la polaca Hanna Nobis (“Polish Prayer”), galardonada con el Zurich Film Award 2023. La película narra la historia de un grupo de miembros de la Generación Z en una relación poliamorosa mientras sobreviven a la pandemia y navegan por la sociedad conservadora de Polonia. y luchar por un futuro mejor para ellos mismos, sus pares y el mundo. “Es una historia de amor y amistad en tres actos”, dice el director que sigue a Lu y sus amigos desde hace más de tres años.

El proyecto, presentado en el mercado por la experimentada productora y agente de ventas Esther van Messel de First Hand Films, se entregará en noviembre de 2025.

“Helvécia”

Mientras tanto, “Helvécia” de Pablo Francischelli, ganadora del premio al mejor guión en el Festival de Cine de São Paulo por “Siete vidas”, es un viaje lejano en el tiempo y en el lugar, ya que nos lleva a la antigua colonia suiza y alemana en Brasil de la mismo nombre, fundada hace más de 200 años”. Seguimos a un niño cuyos antepasados ​​fueron llevados a la fuerza desde Suiza a Brasil”, dice el director, que pretende explorar tanto las huellas de su oscura herencia colonial como las posibilidades del personaje de superarla.

«Es una historia importante que contar, que mostrará cómo las potencias económicas siguen explotando a las personas precarias hoy en día, pero también es un ejemplo positivo de la generación más joven que intenta mejorar sus vidas», añade Luc Peter, de Intermezzo Films, que produce junto a Katia. Monla. El rodaje comenzó en enero, con fecha de entrega fijada para 2025.

Los cuatro médicos suizos competirán por una serie de premios que se entregarán el 21 de mayo.

“El paisaje y la furia”, de la suiza Nicole Vögele, se llevó el viernes el Gran Premio del Jurado en la competición internacional de largometrajes del festival documental suizo Visions du Réel.

Filmada en la frontera entre Bosnia y Croacia, que también es la frontera de la Unión Europea, la película revela la lucha de los refugiados que son ahuyentados por la policía y que navegan por un terreno aún contaminado con minas de la guerra de Bosnia.

Supone el regreso a VdR para Vögele, que estrenó su primer cortometraje “Mrs Loosli” en el festival de 2013. Su primer largometraje de 2018, “Closing”, ganó el Premio Especial del Jurado para Cineastas del Presente en Locarno.

Su victoria marca un hat-trick para el documental suizo después de que Peter Mettler se llevara el primer premio el año pasado con “Donde crece la hierba verde” y Tizian Büchi ganara en 2022 con “L’Îlot”.

El jurado, compuesto por el periodista italiano y ex director artístico de la Berlinale Carlo Chatrian, la productora Dora Bouchoucha y la cineasta Carmen Jaquier, afirmó estar “impresionado por el planteamiento de una película que plasma, poco a poco, la complejidad de la realidad y permite al espectador cuestionar su lugar en el mundo”.

El Premio Especial del Jurado fue otorgado a “Rising Up at Night”, de Nelson Makengo, que retrata a una comunidad de Kinshasa afrontando los desafíos de una ciudad inundada al amparo de la oscuridad. La película tuvo su estreno mundial en la Berlinale de este año en la sección Panorama.

Una mención especial fue para “My Memory Is Full of Ghosts” de Anas Zawahri, que sigue a la gente de Homs en Siria atormentada por la destrucción de la guerra y en busca de la normalidad, y “We Are Inside” de Farah Kassem, en la que el La cineasta regresa a vivir con su anciano padre en el Líbano mientras ambos encuentran un lenguaje común en la poesía.

El primer premio en el concurso Burning Lights, más experimental, fue para “A Fidai Film” de Kamal Aljafari, en la que el cineasta revela fotografías y material de archivo confiscados en el Centro de Investigación Palestina en Beirut por el ejército israelí durante la intervención militar de 1982 en el Líbano en un proceso que describe como “la cámara de los desposeídos”.

Martín Rejtman recogió el premio especial del jurado por “Riders”, descrita por el jurado como una película que “se centra en las personas que trabajan de manera ingrata e invisible para hacer que el resto de nuestras vidas sea cómodo. Hace visibles a estos trabajadores, no a través de una etnografía o exposición condescendiente, sino a través del poder de la imagen en movimiento”.

El premio del Concurso Nacional fue para “Brunaupark”, de Felix Hegert y Dominik Zietlow, un vívido retrato de la lucha de una comunidad contra la gentrificación y la especulación inmobiliaria.

“Valentina and the MUOSters” de Francesca Scalisi obtuvo el premio especial del jurado por su “cálida pero poderosa historia de emancipación, incrustada en un paisaje preciado que está amenazado tanto por los humanos como por la naturaleza”. Menciones especiales fueron para “An Ordinary Life” de Alexander Kuznetsov y “Sauve qui peut” de Alexe Poukine.

Reflexionando sobre el impacto del festival, la directora artística Emilie Bujès dijo: “Es un placer ver el trabajo de un cineasta audaz –y suizo– recompensado por una película importante. (…) El resto de la lista de premiados –tanto aventureros como alegres– es extremadamente abierta desde una perspectiva geográfica e incluye películas de África, América del Sur, Asia y Oriente Medio. Por lo tanto, abarca numerosas formas y enfoques, encarnando fuertemente la diversidad de la programación de 2024, que ha llegado a audiencias muy diferentes durante los últimos 10 días”.

Visions du Réel estuvo en Nyon desde el 12 de abril hasta este domingo y continúa en línea hasta el 28 de abril.

Encuentre la lista completa de ganadores a continuación:

Jurado del Concurso Internacional de Largometrajes
Gran Premio del Jurado
“El paisaje y la furia”, Nicole Vögele (Suiza)

Premio especial del jurado
“Rising Up at Night”, Nelson Makengo (República Democrática del Congo, Bélgica, Alemania, Burkina Faso, Qatar)

Menciones especiales
“Mi memoria está llena de fantasmas”, Anas Zawahri (Siria)
“Estamos adentro”, Farah Kassem (Líbano, Qatar, Dinamarca)

Concurso de luces encendidas
Premio del Jurado
“A Fidai Film”, Kamal Aljafari (Palestina, Alemania, Qatar, Brasil, Francia)

Premio especial del jurado
“Jinetes”, Martín Rejtman (Argentina, Portugal, Venezuela)

Mención especial
“(Revolución, cumple tu promesa) Amor rojo”, Dora García (México, España, Noruega, Bélgica)

Competencia nacional
Premio del Jurado
“Brunaupark”, Felix Hergert y Dominik Zietlow (Suiza)

Premio especial del jurado
“Valentina y los MUOSters”, Francesca Scalisi (Suiza, Italia)

Menciones especiales
“Una vida ordinaria”, Alexander Kuznetsov (Francia, Suiza, Estados Unidos)
“Sauve qui peut”, Alexe Poukine (Bélgica, Suiza, Francia)

Concurso Internacional de Mediometrajes y Cortometrajes
Premio del Jurado al Mejor Mediometraje
“Campus Monde”, N’tifafa YE Glikou (Senegal, Benin, Francia)

Premio del Jurado al Mejor Cortometraje
“Memorias de un sol no nacido”, Marcel Mrejen (Argelia, Francia, Países Bajos)

Premio del Jurado Joven
Premio especial del jurado juvenil para mediometraje ofrecido por la École Moser 4.000 francos suizos
“Koka”, Aliaksandr Tsymbaliuk (Polonia)

Premio especial del jurado juvenil al mejor cortometraje ofrecido por Mémoire Vive CHF 2.500
“A Move”, Elahe Esmaili (Irán, Reino Unido)

Gran ángulo
Premio del Público
“Ninguna otra tierra”

Premio Interreligioso
“Kamay”, Ilyas Yourish y Shahrokh Bikaran (Afganistán, Bélgica, Alemania, Francia)

Premio Zonta
“Les Miennes”, Samira El Mouzghibati (Bélgica, Francia)

Premio de la Crítica Internacional – Premio FIPRESCI
“Les Miennes”, Samira El Mouzghibati (Bélgica, Francia)

Premio al cambio de percepción
“Salven nuestras almas”, Jean-Baptiste Bonnet (Francia)

Premio RTS
“Après nous le feu”, Chamsi Diba (Suiza)

En una entrevista exclusiva con Variedad Después de recibir el máximo premio de la industria en el festival de documentales suizo Visions du Réel, el director franco-iraní Mehran Tamadon describió la intención de su próximo largometraje documental “Los últimos días del hospital”.

Con el telón de fondo de la crisis de salud pública y la escasez de personal en Francia, la película mostrará a pacientes de un hospital psiquiátrico en las afueras de París haciéndose cargo de su propia sala.

Tamadon ha estado impartiendo talleres de cine con los pacientes del hospital durante los últimos ocho años y decidió que era hora de hacer una película para denunciar lo que él describe como “la política ultraliberal que planea la muerte del hospital público”.

“A los hospitales públicos franceses no les va bien, las enfermeras y los cuidadores se van porque son maltratados y mal pagados. De ahí surgió la idea para esta película: si no queda nadie, los pacientes pueden ocupar la sala”, dijo.

La película utiliza los mismos recursos cinematográficos que sus trabajos anteriores, donde invierte el equilibrio de poder para cambiar la realidad.

En su ópera prima “Bassidji”, Tamadon intentó forjar un vínculo con los milicianos del régimen iraní, al tiempo que afirmaba su identidad como ateo iraní, enfoque que retomó en “Iranian”, antes de su díptico de 2023 “Donde Dios no está”. ” y “Mi peor enemigo”, donde dio voz a los ex prisioneros políticos iraníes.

“Lo que intento hacer en mis películas es cambiar la realidad. La realidad no me convence, siempre me pregunto cómo podemos cambiarla a través del cine. Al demostrar que los pacientes pueden dirigir la sala, se puede imaginar que es posible otra realidad”, dijo Tamadon.

“Cambiar la realidad es creer en los demás, creer que el movimiento es posible, que es posible una sociedad diferente, creer que la psiquiatría se puede hacer de otra manera, que los pacientes pueden estar menos sedados”.

La película también se basa en los efectos terapéuticos de verse a uno mismo en la pantalla.

“El hecho de filmarse a uno mismo y luego mirar el metraje te permite dar un paso atrás respecto de ti mismo”, dijo. “Te obliga a pensar en ti mismo y a asumir la responsabilidad de tu relación con los demás frente al público, como hice yo cuando me filmé con los mulás. Plantea preguntas como: ¿Qué soy capaz de decir a los demás? ¿Cómo puedo superar mi miedo?

El concepto de la película es presentar a los pacientes escenarios en los que el personal falta y tienen que hacerse cargo de la sala. Mostrará a los cuidadores explicando a los pacientes con todo detalle cómo funciona la sala, para que puedan vivir allí, cuidarse a sí mismos y a los demás, y administrar la sala hasta que regresen las enfermeras de baja por enfermedad.

“En este escenario, propongo invertir el equilibrio de poder, tratar a las personas de otra manera que no sea dándoles neurolépticos que las aniquilan. Muchos están inhibidos y prácticamente reducidos al estado de objeto.

“Con el tiempo, los invito a convertirse en sujetos y actuar. Filmo cómo se sienten cómodos en este papel”, explica Tamadon en sus notas de realización, añadiendo que los médicos y enfermeras de la sala apoyan el proyecto, tanto por sus ventajas terapéuticas como para poner de relieve la crisis de los hospitales públicos franceses.

“Los últimos días del hospital” es una coproducción entre Elena Tatti de la compañía suiza Box Productions, que trabajó con Tamadon en sus películas anteriores, y TS Productions, con sede en París, detrás de la película ganadora del Oso de Oro 2023 de Nicolas Philibert “On the Adamant”, sobre un hospital de día en un barco para personas que viven con enfermedades mentales.

Delphine Morel, de TS Productions, espera que recoger el nuevo Premio Eurimages al Desarrollo de Coproducciones en VdR, dotado con 20.000 euros (22.000 dólares), ayude a conseguir más financiación del CNC francés.

Tamadon planea comenzar a filmar en otoño con una fecha de lanzamiento prevista para finales de 2025 o principios de 2026.

Visions du Réel se presentará en Nyon hasta el 21 de abril.

La directora y productora neoyorquina Katy Scoggin ha trabajado con la destacada documentalista y periodista estadounidense Laura Poitras en dos cortometrajes y tres largometrajes, en particular como coproductora y directora de fotografía en “Citizenfour”, la película ganadora del Oscar de Poitras y en la Quincena de Realizadores de Cannes. «Riesgo.»

Poitras ahora se desempeña como productor ejecutivo del primer largometraje de Scoggin, “Flood”, uno de los seis documentales creativos que se presentarán como trabajos en progreso el 16 de abril en el festival Visions du Réel en Nyon, Suiza.

“Flood” se centra en el viaje de Scoggin para reparar su relación con su ex padre misionero, de quien se ha distanciado. A medida que se desarrolla la historia, ella se basa en la evolución para tratar de captar los cambios a lo largo del tiempo: en el registro fósil, en el evangelicalismo estadounidense y en su propio alejamiento de la religión de sus padres y regreso a casa para reconectarse.

El documental fue producido por Scoggin y Will Lennon para Archelon Films, y los productores ejecutivos fueron Poitras, Nico Opper y Adam Blackman. Recibió el apoyo de ITVS, la Fundación Alfred P. Sloan, el Instituto Sundance, Film Independent, DCTV, Doc NYC, el Laboratorio de Producción de la Universidad de Nueva York, el Laboratorio de Documentales de Gotham, MacDowell, Logan Nonfiction, Women Make Movies y BAVC Media. La entrega está prevista para finales de este año.

Hablamos con Scoggin antes de Visions du Réel.

En primer lugar, ha colaborado con la luminaria documental Laura Poitras en muchas de sus películas premiadas. ¿Qué dirías que has aprendido trabajando con ella?

Katy Scoggin: La mayor parte de lo que sé sobre el cine verité proviene de mi trabajo con Laura. Comencé como pasante, luego evolucioné como productor asociado, coproductor y camarógrafo. No todos los cineastas tomarían a alguien bajo su protección. Ella todavía está haciendo esto y este trabajo no existiría sin ella.

Laura me enseñó cuatro grandes cosas:
– El instinto lo sabe. El artista escucha y confía en sus instintos. Siempre lo sabe.
– Vérité requiere una paciencia inmensa. No vas a captar la verdad simplemente lanzándote desde el aire y esperando ciertas actuaciones y comportamientos.
– Decir la verdad al poder siempre vale la pena, y alguien tiene que hacerlo. Laura se enfrentó a algunos de los mayores poderes y sistemas conocidos por la humanidad: la guerra en Irak, la “Guerra contra el Terrorismo” de Estados Unidos después del 11 de septiembre, la vigilancia global. Ella es una de las personas más valientes que he conocido en mi vida.
– Hay sitio en la mesa para todos, para cada fabricante.

Después de trabajar con Laura en tres largometrajes (“El juramento”, “Citizenfour”, “Risk”) y dos cortometrajes (“El programa”, “La muerte de un prisionero”), fui a casa, miré dentro de mis entrañas y encontré con qué poder quería hablar. El mío fue el evangelicalismo. Y la primera manera de hacerlo, el primer paso fue hacer una pieza vérité sobre mi papá.

¿Podrías ampliar tu idea inicial para “Flood”?

Scoggin: Lo que desencadenó el trabajo fue una necesidad profundamente sentida de desatar los nudos de mis relaciones más complicadas: en primer lugar, mi relación con mi padre. Junto a eso y conectado con eso, mi relación con el cristianismo evangélico y mi ruptura con él.

Aunque me lo presentaron como una subcultura, en el fondo el evangelicalismo es una forma de fundamentalismo cristiano. Por lo tanto, puede resultar abrumador para una persona que se crió dentro de ese paradigma.

A través de mi arte creativo y mi práctica cinematográfica, he estado creando “Flood” durante aproximadamente 16 años. Su primera versión fue como un cortometraje con guión, que escribí y dirigí en 2012 cuando era estudiante de la escuela de cine. Pasé unos años adaptándolo a un largometraje. Mi investigación me llevó a los yacimientos de fósiles del oeste de Kansas, lo que rápidamente se convirtió en un viaje espiritual para mí.

Luego, mientras trabajaba con la periodista de radio Karen Duffin en una idea creativa que se nos ocurrió juntos, ella me entrevistó sobre mi práctica cinematográfica y, al convertirme en el tema de su entrevista, pensé que tal vez podría comprender mejor la versión de mí que era. tratando de escribir.

¿Cómo se acercó a su familia, considerando que llevaba un tiempo alejado de ellos?

Hoy en día existe una profunda división religiosa e ideológica en mi familia. Mi padre es el único de nosotros que ha permanecido plenamente en el redil cristiano evangélico. Me separé cuando tenía poco más de 20 años y lo dejé por completo a los 25. Mi madre y mi hermana se han alejado de “la fe”, como la llamamos.

La primera vez que me acerqué a mi papá fue a través de una llamada telefónica grabada. A regañadientes aceptó ser filmado. Me senté en la parte trasera de un auto, encogido detrás de mi cámara, y filmé la parte posterior de su cabeza y sus ojos en el espejo retrovisor. Sentí miedo, pero finalmente entré en el encuadre de la cámara (lo que llamamos entrar en tu propio punto de vista en el cine; Dorothy lo hace en “El mago de Oz”) y así nos embarcamos juntos en nuestro viaje cinematográfico.

Pude utilizar mi práctica cinematográfica vérité para observarlo y documentar [among other things] su vigésimo quinto y último año de enseñanza de matemáticas y ciencias en una escuela primaria. A través del lente de mi cámara, lo vi como un maestro amoroso, sabio, con una mentalidad muy científica, a veces firme y jovial. Aquí recuperé el respeto y perdí parte del miedo que había tenido desde la infancia.

¿Cuáles fueron los mayores desafíos durante el proceso de realización cinematográfica?

El mayor desafío fue acercarme a papá. Recibir un formulario de autorización firmado por él, en el que básicamente decía: «Sí, te permitiré contar mi historia de la manera que quieras», fue muy emotivo y significó mucho para mí. Sin embargo, será difícil mostrarle la [finished] película.

Entonces, dejar de lado mi propia ira y rabia (contra el evangelicalismo, el fundamentalismo, la misoginia, el patriarcado, etc.) fue un desafío importante. El proceso de cada uno para liberar la ira es un poco diferente, pero al compartir el mío, tal vez pueda inspirar a otras personas que han sufrido daños religiosos.

Construir un equipo fue otro gran desafío, aunque casi todos mis colaboradores son compañeros cineastas con los que había trabajado profesionalmente. laura [Poitras] Fue una guía y mentora desde el primer día. Me acerqué al editor David Cohen después de ver todas sus películas anteriores y escuchar excelentes comentarios de colegas confiables como el productor ejecutivo Nico Opper y la editora Erin Casper, personas que conocían su profundidad, talento y su capacidad para «hacer cosas divertidas».

En cuanto a la producción, ¿cómo conociste a tu productor Will Lennon y cómo conseguiste financiación?

En cuanto a la financiación, estuve trabajando solo durante un tiempo. Así es como es en Estados Unidos: trabajas hasta que te quedas sin dinero y luego recaudas más dinero. Lo que me permitió formar un equipo fue ITVS, la financiación de la televisión pública estadounidense. Llegaron con 350.000 dólares, lo que marcó una gran diferencia.

Después de “Citizenfour”, después de pasar un año y medio en Berlín, regresé y me contrataron como cámara en un proyecto de televisión. [“Primaries”], producido por Will. Trabajamos juntos durante un año en la campaña presidencial de 2016, asistiendo a todas las convenciones: demócratas, republicanas y más. Básicamente vimos a Estados Unidos juntos. Fue entonces cuando nos acercamos. Creció en Missouri, el corazón evangélico de Estados Unidos, pero nunca fue evangélico, por lo que entiende de dónde vengo. Él y su compañera Sarah Ginsburg [one of the DPs on “Flood” with Spencer Worthley, Michael Rossetti, Nathan Trusdell] También dirige una organización filantrópica.

Ahora que la película está más cerca de terminarse, a nivel personal, estoy empezando a lidiar con mi carácter queer. El sentimiento es: ya no puedo esconderme más, así que bien podría ser quien realmente soy.

¿Cuándo entregarán la película?

Esperamos bloquear la imagen a finales de esta primavera y, con suerte, estrenarla en un festival este otoño. Me gustaría que la publicación coincidiera con las elecciones presidenciales de Estados Unidos. En un momento en que las comunidades están polarizadas y los movimientos de extrema derecha están aumentando en muchas partes del mundo, es urgente crear comprensión, promover la comunicación y el amor. Ojalá la película contribuya a ello.

¿Qué espera lograr en Visions du Réel?

En primer lugar, espero volver a conectarme con las personas increíbles detrás de este festival que han estado siguiendo mi película desde 2018.

Los derechos internacionales de “Flood” todavía están disponibles, por lo que esperamos llegar a emisoras, distribuidores y agentes de ventas internacionales. Además, todavía necesitamos recaudar algo de financiación (unos 100.000 dólares) para terminar la película. Por último, como neoyorquino, amo Suiza. Hay ciertas cosas – como trenes silenciosos y qué hacer con la basura – que los suizos acaban de descubrir y ¡los neoyorquinos podrían aprender mucho de este país!

(La entrevista ha sido editada y condensada para mayor claridad).

La película presentada en el Foro de la Berlinale, “Shahid”, el primer largometraje del cineasta iraní-alemán Narges Kalhor, ha sido elegida por el especialista en documentales con sede en Praga Filmor antes de su estreno en el festival de documentales suizo Visions du Réel, donde compite en la película más experimental Burning. Sección de luces.

Descrito por Kalhor como un trabajo colectivo entre ella y otros artistas, incluido un artista de vestuario y un pintor de Irán, un compositor de música alemán y un coreógrafo de Berlín, “Shahid” cambia de manera divertida entre géneros, desafiando las reglas cinematográficas convencionales.

Ambientada en la actual Alemania, donde Kalhor emigró como refugiada política en 2009, la película se centra en su deseo de eliminar oficialmente la primera parte de su apellido, “Shahid”, que significa “mártir” en farsi y que fue heredado de su gran -abuelo, en un acto de resistencia feminista a las estructuras patriarcales.

Durante este proceso, la actriz que interpreta a Kalhor viaja en el tiempo y conoce a su bisabuelo, pero también descubre el verdadero origen del nombre, que resulta que fue elegido por su bisabuela cuando mataron a su marido.

Cuando Kalhor se da cuenta (en la pantalla, durante una de varias escenas en las que deliberadamente derriba la tercera pared entre el cineasta y el espectador) de que está haciendo la película equivocada, también llega a la conclusión de que no sabe nada sobre esta bisabuela.

«Ese es el final de la dramaturgia», dice Kalhor a Variety. “En esta película, no tenemos espacio para la bisabuela; ella me lo cuenta a través de animación con IA. Ella dice: ‘En esta película sólo hablas de los hombres y de tu bisabuelo, pero déjame explicarte mi historia’”, dice Kalhor, refiriéndose a una escena en la que la figura animada de su bisabuela se dirige a ella directamente.

«Pero no sabemos nada sobre ella, sólo que era kurda y cambió su apellido: no puedo hacer una película sobre ella porque la historia la escriben hombres sobre hombres», añade Kalhor.

Aunque nunca se toma demasiado en serio, la película aborda con éxito una infinidad de preguntas sobre el patriarcado, la diversidad y las narrativas moldeadas por perspectivas masculinas. Cuando se le pregunta si su intención era hacer una película feminista, responde: “Eso espero. Realmente creo que el tipo de cine que aprendemos es de los hombres.

“Fui alumno de Abbas Kiarostami; aquí [in Germany] Aprendí de Michael Haneke, aprendí de cineastas perfectos, todos hombres. Con ‘Shahid’ quiero escribir un nuevo tipo de película feminista que rompa las reglas. No se trata solo de ella [my great-grandmother] sino sobre todos nosotros. Todos tenemos un apellido y este tiene una historia. Pero yo, como mujer, quiero cambiarlo, reescribirlo”.

Kalhor dice que nunca ha regresado a Irán desde que lo dejó en 2009, cuando solicitó asilo mientras visitaba el Festival Internacional de Cine de Derechos Humanos de Nuremberg con su corto escolar de cine “Die Egge”.

Hija de un alto asesor cultural del entonces presidente iraní Mahmoud Ahmadinejad, su caso atrajo la atención de los medios internacionales ya que se le concedió asilo apenas unos meses después, mientras que otros refugiados, incluidos los actores que interpretan a ella y a su bisabuelo en la película Tuvo que esperar varios años.

Kalhor aborda lo que ella describe como la “jerarquía de refugiados” de Alemania en la película, en otra escena donde supuestamente se graba a los actores criticándola a sus espaldas entre escenas, llamándola “niña rica” de Teherán.

“Me concedieron asilo en sólo tres meses por mi apellido. Los otros iraníes, las verdaderas víctimas del régimen iraní, permanecieron durante años sin papeles, esa es la diferencia entre nosotros”, le dice a Variety.

“Y para mí era importante reflejar esto en mi película, porque si no me critico a mí mismo, no es justo: hay VIP como yo, otros tienen que esperar años y otros todavía son devueltos a sus hogares. países.»

Si bien “Shahid” es su primer largometraje, no marca la primera visita de Kalhor a Visions du Réel, donde ya presentó sus cortos “In the Name of Scheherazade” en 2019 y “Sensitive Content” el año pasado.

La película tendrá su estreno internacional en Nyon el 14 de abril.

El festival se extenderá hasta el 21 de abril.

Siete años después de presentar “You Make a Better Window Than You Do a Door” en la competición de cortometrajes de Visions du Réel, la libanesa Farah Kassem regresa a Nyon, esta vez en la principal competición internacional con su primer largometraje documental “ Estamos adentro”. Variedad se le concedió acceso al remolque.

La película fue producida por la colaboradora habitual del director Cynthia Choucair de Road2Films del Líbano, en coproducción con el canal documental Al Jazeera de Qatar y Good Company Pictures de Dinamarca (“Photographer of War”, “Beautiful Something Left Behind”).

El intervalo de siete años desde que Kassem comenzó a trabajar en “We Are Inside” fue un período transformador para ella y su país natal, como subrayó en un comunicado. “He sido testigo, entre otras cosas, de una sensación de deterioro y destrucción de la que será muy difícil recuperarse. Hemos sido testigos de una revolución, de la explosión del 4 de agosto en Beirut, de las masacres en curso en Ghazé y de los ataques al Líbano”, afirmó el cineasta, ahora establecido en Bruselas.

A nivel personal, Kassem perdió a su amado padre Mustapha, un renombrado poeta. Pero su personalidad feroz y su alegría de vivir perduran a través del cortometraje del cineasta de 2012 «Mi padre parecía Abdel Nasser» (en el que Mustapha lucha con la pérdida de su esposa) y ahora «Estamos adentro».

En él, Kassem regresa a Trípoli, Líbano, después de una ausencia de 15 años, para quedarse con su padre, cuya salud está empeorando rápidamente. Allí, mientras intenta reconectarse con él, rápidamente comprende que la poesía es la clave de su corazón y su alma. “Entendí que la poesía era su forma de afrontar la pérdida de mi madre, de entristecer a su país y de mantenerse con vida”, cuenta. Variedad. En la intimidad del pequeño apartamento de su padre, padre e hija intercambian tiernas discusiones, momentos tiernos y divertidos, mientras Kassem se mueve rápidamente, de un lado a otro, a ambos lados de la cámara.

Kassem conoce el mundo apartado del club de poesía exclusivo para hombres de su padre, al que decide unirse desafiantemente… «aunque odio la poesía árabe clásica», confiesa.

“Allí estaban estos hombres, todos de más de 70 años, que padecían diabetes, pero que comían mucha azúcar, balbuceaban versos y rimas sobre la belleza que queda en este mundo, mientras el país se derrumbaba. Esto me pareció fascinante pero absurdo y comencé a pensar: esto puede ser una película”, dice.

«Hacer la película fue una manera perfecta de pasar más tiempo con mi padre, hacer algo juntos y, durante el proceso, mantenerlo con vida el mayor tiempo posible».

“En última instancia”, continúa Kassem, “ya ​​era hora de que la película llegara; cómo mirarlo, deconstruirlo. Mi padre se estaba volviendo más frágil, yo estaba cambiando y el país estaba en constante cambio. El desafío para mí fue procesar este cambio y convertirlo en una película”.

Como en su trabajo anterior “Cleaning Schaerbeek”, que obtuvo el premio al mejor cortometraje documental en el Festival de Cine Independiente de Bruselas de 2019, Kassem filmó principalmente desde el interior de un apartamento, capturando el mundo exterior desde su ventana. “Aquí, filmar y vivir en el mismo lugar fue todo un desafío”, confiesa Kassem. “Era difícil saber cuándo empezar o dejar de rodar y decidir cómo integrarlo en mi narrativa; las imágenes de mi cámara siempre apuntaban a la ventana donde sucedían cosas todo el tiempo”.

Con su director de fotografía Tebbe Schöningh (a quien conoció en Visions du Réel en 2017), Kassem utilizó el encuadre 4:3 “para pensar en una imagen donde el horizonte no está tan expandido y es más vertical como para sugerir aislamiento”, y su habitual autoimpuesta normas. “Me gusta trabajar con limitaciones. Eso me permite construir los personajes y entender el lenguaje que quiero usar”, dice el cineasta, refiriéndose a los conceptos de filmación dentro/fuera, privado/público.

Además de Schöningh, el equipo de Kassem estaba formado por amigos cercanos, como el editor danés Anders S. Jepsen (“Nos conocimos cuando hice un taller en la Escuela de Cine Danesa”), la diseñadora de sonido Joëlle Abou Chabké y el productor Choucair.

«Farah y yo somos verdaderos socios creativos», dice el productor y director. “Ella edita todas mis películas y yo produzco las suyas. Hemos estado haciendo esto desde 2009”.

Conseguir financiación fue un camino largo y tortuoso. «La gente esperaba que presentáramos una historia sobre refugiados, política o temas de actualidad, no el retrato de un padre anciano y su hija hablando poesía, pero sabía que esta película sería especial», dice Choucair.

Al Jazeera Documentary Channel fue un primer socio decisivo, al que se unieron la coproductora danesa Patricia Drati de Good Company Pictures y numerosos fondos, entre ellos Chicken & Egg Pictures, Sundance Documentary Film Institute, IMS (International Media Support), SFFILM Flies Collective, IDFA Bertha. Fund (“I Was Inside” ganó el premio al mejor borrador del Foro IDFA en 2020), CNC, Hammana Artist House y dok.incubator.

Al cierre de esta edición se estaba negociando la distribución mundial.

La película se estrena mundialmente el 17 de abril en Visions du Réel.

Splitscreen, especialista en documentales con sede en Zagreb, ha abordado el cuento gaucho argentino “Donde los árboles dan carne”, de Alexis Franco, antes de su estreno mundial en el festival de cine documental suizo Visions du Réel. Es una de las 15 películas que compiten por el máximo premio en la principal competición internacional.

Ambientada en la Pampa argentina, la película sigue a Omar, un granjero, cuyas vacas están muriendo a consecuencia de una prolongada sequía. Otros personajes destacados incluyen a la anciana madre de Omar, que ha comenzado a planear su propia partida, y su nieta de cuatro años, a quien cuida en ausencia de su padre.

Omar es el tío de Franco, y el mundo que retrata en cada toma cuidadosamente elaborada es aquel en el que creció. Esta intimidad le da a la película una autenticidad que trasciende los estereotipos y clichés a menudo asociados con la cultura gaucha. La historia que cuenta es la de la resiliencia de una familia frente a la adversidad.

“Se trata de cómo el amor une a una familia a pesar de las dificultades, la capacidad de aguantar y adaptarse incluso en circunstancias muy difíciles”, dice Franco. Variedad. “Cómo podemos seguir teniendo amor; eso es lo que extraño de mi familia, hay mucho amor entre generaciones. No importa lo difícil que sea afuera: estamos juntos. Vine a Estados Unidos, me convertí en arquitecto, pero todavía amo a mi familia y regresé para hacer una película sobre ellos porque creo que se lo merecen”.

La película está producida por el director y guionista italiano Roberto Minervini, cuyo segundo largometraje “The Damned” ha sido seleccionado para competir en la sección Un Cierta Mirada del próximo Festival de Cine de Cannes, y a quien Franco describe como su mentor: Franco trabajó con él como asistente. en películas como “Stop the Pounding Heart”, “The Other Side” y “¿Qué vas a hacer cuando el mundo esté en llamas?”

Franco explica que mientras buscaba protagonistas para las películas de Minervini, había identificado a su tío y a su abuela hace un tiempo, pero siempre pensó que Minervini haría esa película.

“Estaba tratando de averiguar si son personajes reales o si fue mi amor por ellos lo que me hizo pensar que eran personajes. Estaba explorando mucho y tenía muchas otras historias paralelas. Pero entonces Roberto dijo: ‘Esta es tu película, esta es tu familia, nadie va a hacer esta película mejor que tú’”, dice Franco.

Fue un rodaje corto (sólo cinco semanas) ya que el presupuesto era ajustado y Franco tardó algunas semanas en ver la historia que se estaba desarrollando y el paralelo entre las vacas moribundas y su abuela, quien insiste en que sus hijos la preparen. grave: una conversación que evitan.

“Me iba a centrar más en el folklore gaucho, pero luego me di cuenta de que tengo una historia poderosa con mi propia familia. Esta película trata sobre la realidad de la muerte. Cuando mi tío habla de la muerte, también habla de ella”, cuenta. Variedad, y agrega: “No importa si está ambientada en Argentina o no. Estamos hablando del medio ambiente y de cómo el cambio climático afecta a los pobres que viven en medio de la nada y que nos alimentan con carne”.

Carne preciosa que se cuelga de los pocos árboles que crecen en medio de la Pampa para que los animales salvajes no la coman, de ahí el título.

Al comentar sobre la adquisición, la fundadora de Splitscreen, Marcella Jelic, dijo: “Sentimos una fuerte conexión con este cuento poético sobre el círculo de la vida, sobre las complejas interacciones humanas con los animales y entre ellos, y las formas inesperadas en que el cambio climático puede influir en la vida y nuestras emociones. Quedamos impresionados con el retrato sutil y profundamente humanista de Alexis de los protagonistas de la película, así como con el fuerte estilo visual. Este es un debut realmente sobresaliente y estamos felices de participar en llevar la película a audiencias de todo el mundo”.

“Where the Trees Bear Meat” tendrá su estreno mundial en Visions du Réel el 17 de abril. El festival se celebrará en Nyon del 12 al 21 de abril.

En su primera entrevista con los medios publicada antes del estreno mundial de su primer largometraje “Fragments of Ice” en el festival de cine documental suizo Visions du Réel, la directora ucraniana Maria Stoianova cuenta Variedad cómo cambió la intención de su película después de la invasión rusa de Ucrania en febrero de 2022.

Basada íntegramente en imágenes de archivo filmadas con una videocámara por su padre, un patinador artístico en la antigua Ucrania soviética, la película tiene la voz del director, que nació en 1986 y transporta al espectador a mediados de los 80 y principios de los 90 a través de la historia de su familia. , mientras experimentan la disolución de la Unión Soviética y sus sueños de un paraíso occidental.

Variedad estrena el avance de la película a continuación.

Stoianova comenzó a editar en 2021, antes de la invasión rusa de Ucrania. Su padre, explica en la voz en off, filmó con entusiasmo sus giras por el extranjero con el Conjunto Ucraniano de Ballet sobre Hielo, así como los momentos que pasó con su familia, pero nunca durante sus viajes a países del bloque del Este porque “no les interesaba a él.»

Su intención inicial, explica, era explorar lo que ella llama “esta visión del paraíso” que sus padres y muchos miembros del antiguo bloque soviético tenían de Occidente, y cómo evolucionó en medio de un panorama sociopolítico cambiante.

Estaba aproximadamente a la mitad de la edición cuando estalló la guerra. Fue entonces cuando se dio cuenta de que había dos caras en lo que ella describe como el “proceso de crecimiento” que se muestra en su película.

“Una es sobre el mundo ideal que quieres alcanzar; tal vez haya ilusiones, porque lo que ves desde la distancia es muy atractivo. Pero luego te acercas y se vuelve más profundo y complicado.

“La otra tiene que ver con esta identidad poscolonial como nación, como sociedad que obtiene independencia, y cómo estamos en el proceso de entendernos a nosotros mismos y explicarnos a los demás. ¿Cómo podemos explicarnos al mundo sin entender quiénes somos?”, pregunta.

El montaje se detuvo tras la muerte del montador Viktor Onysko, fallecido en combate contra las tropas rusas en diciembre de 2022, y a quien está dedicada la película. La edición se reanudó el año pasado con Maryna Maykovska (“We Will Not Fade Away”).

En su narración, Stoianova no sólo cuenta la historia de su familia sino que también lee extractos del archivo del Ballet. En sus notas de dirección, explica que su intención era establecer el contexto de la última era soviética.

“Los archivos del Ballet eran perfectos para esto. (…) Dan testimonio de tiempos en los que nadie escuchaba a los oradores en las reuniones y los discursos estaban escritos en un lenguaje artificial, deliberadamente complicado y con numerosos clichés. Estos textos expresaban la ideología oficial (…). Intenté transmitir la discrepancia entre la realidad y su descripción oficial, comparando los textos de archivo oficiales con las imágenes reales que mi padre había filmado”, explica.

Inspirado en el trabajo de su padre como patinador artístico, el título de la película es también una metáfora, según el director.

Por un lado, dice, imaginaba las imágenes filmadas por su padre como “fragmentos de hielo”, cuya realidad, congelada en las imágenes, podía derretirse y cambiar durante el proceso de edición.

Por otro lado, escribe en sus notas de dirección, “la metáfora del hielo también funciona bien para el último período soviético, en el que los esquemas ideológicos y los principios oficiales del orden social estaban separados de la vida real, como si estuvieran congelados. Por supuesto, el colapso de la URSS puso todo en marcha (…). Una de mis tareas era revivir los recuerdos de aquellos tiempos y mostrar sus conexiones con el presente, o dejar que el hielo se derrita”.

“Fragments of Ice”, que participó en numerosos programas de desarrollo cinematográfico, incluidos IDFAcademy y DOK Leipzig Co-Pro Market, está producida por los cineastas ucranianos Alina Gorolova (“This Rain Will Never Stop”, “No Obvious Signs”) y Maksym Nakonechnyi. (“Butterfly Vision”) del Tabor Collective y está coproducida por el equipo documental líder de Noruega, Indie Film.

Tabor recibió el año pasado el principal premio de la industria de Visions du Réel con su trilogía de guerra «Los días que me gustaría olvidar».

“Fragments of Ice” tendrá su estreno mundial en Visions du Réel el 13 de abril. El festival se llevará a cabo en Nyon del 12 al 21 de abril.

Tras su exitoso lanzamiento mundial en IDFA, la película anticolonial aclamada por la crítica “Our Land, Our Freedom”, vendida por First Hand Films, consiguió un acuerdo con BBC Africa Eye.

“Our Land, Our Freedom”, una coproducción entre Kenia, Estados Unidos y Portugal, y la próxima película ambientada en India, “Kalari”, que se presentará en la muestra preliminar suiza del festival Visions du Réel docu, personifican lo que representa First Hand Films.

«Lo importante para First Hand Films es defender la diversidad, las minorías, las voces femeninas y los nuevos talentos», afirmó Esther van Messel, directora ejecutiva de la división suiza de ventas, producción y distribución de documentales, antes de Visions du Réel en Nyon, Suiza.

«Estamos muy contentos con esta venta, la primera de la película», afirmó el experimentado especialista en documentación van Messel.

Codirigida por Meena Nanji, radicada en Los Ángeles, y su homóloga keniana Zippy Kimundu, la película cuenta la búsqueda de la mujer keniana Wanjugu Kimathi de los restos de su padre Dedan Kimathi, el legendario líder de la rebelión Mau Mau, que fue ejecutado por las autoridades británicas en 1957. Su búsqueda se convierte en una investigación sobre las atrocidades coloniales británicas y un movimiento de base para reclamar tierras ancestrales.

«‘Our Land, Our Freedom’ es una película importante que explora cuestiones relacionadas con el legado, el colonialismo y los derechos sobre la tierra que son de particular interés para nuestras audiencias en toda África», dijo el editor de BBC Africa Eye, Tom Watson. «Esperamos presentar esta película en nuestras plataformas y llamar la atención de una audiencia más amplia».

La película ha sido producida por Eliane Ferreira para Muiraquitã Filmes, Meena Nanji para Twende Pictures y Zippy Kimundu para Afrofilms Int’l Ltd., en coproducción con Autentika Films.

Mientras que “Our Land, Our Freedom” ya está alimentando el debate sobre el pasado colonial británico y la propiedad de la tierra en Kenia, la próxima película de First Hand Films, “Kalari”, aborda otro tema apremiante: la violencia contra las mujeres en la India, “que es a la vez un problema histórico y una realidad diaria”, según el logline del doctor.

La película, codirigida por el dúo Bedi (la prometedora Maria Kaur Bedi y el multipremiado director indio Satindar Singh Bedi (“La maldición”)) se encuentra entre los seis documentales suizos de primer nivel que buscan cofinanciadores para presentarse en el Vista previa suiza del escaparate industrial de Visions du Réel (del 14 al 17 de abril).

Al más puro estilo verité, los codirectores siguen a cuatro jóvenes indias en su viaje hacia el autoempoderamiento, mientras les enseñan defensa personal con Kalari, el arte marcial más antiguo del mundo. El primer largometraje sobre Kalari seguirá a la leyenda de las artes marciales Meenakshi Amma, de 80 años, y sus extravagantes estudiantes.

Van Messel produce, con Spirited Heroine Productions de Bedi Duo, especializada en hacer películas sobre protagonistas femeninas luchadoras. «Tenemos varias fundaciones a bordo, financiación pública de Zurich y Berna y buscaremos activamente socios internacionales en Visions du Réel», dijo van Messel. Variedad. La película está prevista para su finalización en 2025.

Hablando de las tendencias del mercado, van Messel siente que el mercado es más difícil que nunca, con los streamers globales enfocándose en historias de celebridades alimentadas por algoritmos, evitando temas sociopolíticos, mientras que los locutores de pub tradicionales están en un estado de cambio, dijo.

“Las emisoras parecen haber desaparecido, especialmente en los países nórdicos; Ya no se dedican a la no ficción”, se lamentó.

Citando el éxito del festival “La vida es bella” de Mohamed Jabali, sobre la experiencia del director palestino de quedar atrapado en el limbo en el norte de Noruega cuando se cierran las fronteras con Gaza, van Messel enfatiza que fue adquirido recientemente por Al-Jazeera. «Ese acuerdo es fantástico para la película, pero, repito, no se vendió a las emisoras públicas».

Para navegar en este desafiante mercado, la experta en documentales dice que la diversificación es su receta: vender películas a nivel internacional, distribuirlas en salas en Suiza, producir y coproducir. “Me encanta eso. Pero hacer todo esto es un privilegio”, reconoció.

También ve potencial para nuevas fuentes de ingresos en AVOD y YouTube, y dijo: “Nosotros, como creadores de documentos, tenemos que captar a la audiencia donde está, incluido TikTok. Aquí es donde sucede todo ahora mismo. Nuestro trabajo como cineastas es involucrarnos y ser parte del rumor, mientras nos mantenemos fieles a nosotros mismos”.

El festival de cine documental Visions du Réel se celebrará del 12 al 21 de abril.

La agencia de ventas de películas Cat&Docs, con sede en París, adquirió “Kamay”, el primer largometraje documental de los cineastas Ilyas Yourish y Shahrokh Bikaran. La película se estrenará mundialmente en Visions du Réel, que se proyecta en Nyon, Suiza, del 12 al 24 de abril. Variedad se le ha dado acceso exclusivo al tráiler (abajo).

En “Kamay”, los realizadores retoman la historia de la lucha de una familia hazara por conciliar la historia oficial de la muerte de su hija mayor, Zahra, mientras asistía a la Universidad de Kabul. Se necesitan años para navegar por el panorama judicial de Afganistán, incluso para recibir los efectos personales de Zahra.

La hermana menor de Zahra, Freshta, continúa recolectando la planta Kamay para la investigación de su difunta hermana en lo alto de las montañas cerca de su casa, pero el misterio que rodea la muerte de Zahra y la gran pérdida que siente la familia la afecta profundamente, ya que ella misma está casi lista. para ingresar a la universidad a continuación.

«Kamay es una planta silvestre y autosuficiente que se encuentra en las montañas del centro de Afganistán», explicó Yourish. “Es emblemático de los hazaras, que deben tener una forma de existir sin ninguno de los recursos ahorrados para sus compatriotas urbanos. La palabra en sí es un testimonio de resiliencia y resistencia: la identidad hazara de la familia es crucial para comprender la lucha de la familia por la justicia.

“Históricamente, la identidad hazara se ha visto comprometida una y otra vez. La película es testigo de un momento importante: un testigo de cómo, a pesar de la persecución histórica, esta familia hazara navega por sus derechos civiles mientras lucha contra el Estado afgano. Tanto la planta de Kamay como la familia luchan por sobrevivir en sus propios términos”.

Filmada a lo largo de seis años, la historia da un giro inesperado y dramático cuando los talibanes toman el control del país en 2021. Yourish, cuya propia familia huyó del país en 1997, es el propio Hazara y habla de la difícil situación de su comunidad con autoridad.

Todos los miembros de la tripulación y sus familias, incluidos Yourish y su familia, estuvieron presentes en el caos en el aeropuerto de Kabul mientras huían en 2021: la familia de la película, los Khawaris, quedaron atrapados en la aglomeración durante el atentado suicida con bomba en Abbey Gate durante el evacuación caótica antes de salir sano y salvo.

“Parece como si el mundo nos hubiera abandonado otra vez”, dijo Yourish, que vive en Bélgica. “Nos entristece, pero no nos hace parar. Para mí es importante seguir difundiendo al mundo las historias de resistencia y resiliencia de quienes se han quedado atrás”.

La película está producida por Yourish y Bikaran con Hanne Phlypo y Evelien De Graef en Clin d’oeil films.

«Nuestra decisión de unir fuerzas con este proyecto a finales de 2021 nos llena de inmenso orgullo», dijo Phlypo. “Dirigir la producción a través de tiempos turbulentos, incluida la inmensa agitación causada por el resurgimiento de los talibanes, y garantizar el paso seguro de los colaboradores de la película a Europa en medio de la agitación en Afganistán, habla del compromiso del equipo de filmación de llevar esta historia al público. «

“En Cat&Docs siempre buscamos documentales originales en campos tan variados como la historia, la sociedad, la justicia, el medio ambiente, la economía, la política, el arte y la cultura”, afirmó Catherine LeClef, presidenta de Cat&Docs, “pero siempre asociados con un alto nivel de contenido y forma”.

“Kamay” está producida por Kamay Film y Clin d’oeil films, en coproducción con ROW Pictures en Alemania, Temps Noir en Francia y Shelter Prod.