Pawe, director asociado del juego Cyberpunk 2077ł Sasko ha agradecido a la comunidad del juego las miles de críticas positivas que ha recibido en Steam en los últimos 30 días.

El juego de acción y aventuras de mundo abierto tuvo un lanzamiento tan desastroso que los inversores de CD Projekt consideraron demandar al estudio por «información materialmente engañosa» y Sony reembolsó a los jugadores de Cyberpunk 2077 descontentos con el rendimiento del juego en PS4 incluso más allá del límite típico de dos horas de juego. antes de retirar el juego de la venta por completo poco después de su lanzamiento.

Ahora, a raíz de su aclamado DLC Phantom Liberty, el 95 por ciento de las más de 7000 reseñas dejadas en el último mes son positivas, algo que Sasko dijo que «siempre creyeron» pero «nunca pensaron». [he] realmente lo vería».

«No puedes imaginar lo que significa para mí», escribió Sasko en Twitter/X, añadiendo un emoji de llanto. «Nunca estuve a punto de rendirme y siempre creí que esto podría ser posible de alguna manera, pero nunca pensé que realmente lo vería».

«Muchas gracias por las elecciones de segunda oportunidad».

Luego, Sasko retuiteó una captura de pantalla tomada por el director de la comunidad global de CDPR, Marcin Momot, que inmortalizó el momento.

A principios de este año, la diseñadora narrativa Anna Megill se unió a CD Projekt Red como escritora principal de la próxima secuela de Cyberpunk 2077 del estudio, cuyo nombre en código es Proyecto Orion. Megill dejó el desarrollador de reinicio de Fable, Playground Games, el año pasado.

Megill tiene más de 20 años de experiencia en la industria y anteriormente trabajó en juegos como Control y el próximo reinicio de Fable. A ella se unirá en el equipo narrativo Alexander Freed, cuyo trabajo anterior incluye ser escritor principal de Star Wars: The Old Republic en BioWare.

Si bien Project Orion aún se encuentra en las «primeras etapas» de desarrollo, CD Projekt confirmó que está «considerando» elementos multijugador para su secuela Cyberpunk 2077 a principios de este año.

El horror requiere un atrás Siente la pasión en la deslumbrante y voluptuosa adaptación de AMC de la obra maestra gótica de Anne Rice. Entrevista con el Vampiro. Elegante y culta incluso en su forma más macabra, la seductora segunda temporada incluso añade un toque teatral a su bolsa de trucos deslumbrantes.

«¿Me estás tomando el pelo?» se burla del entrevistador demasiado mortal, Daniel Molloy (Eric Bogosian). “¡Es una telenovela!” ladra, cuando el no-muerto Louis de Pointe du Lac (suave Jacob Anderson) alcanza un giro particularmente florido en su historia de búsqueda y anhelo nocturno. El nuevo capítulo lo lleva a él y a su eternamente joven y hormonalmente frustrada “hija” Claudia (la enérgica Delainey Hayles, reemplazando a Bailey Bass) a Europa, huyendo de Nueva Orleans y del caos que parece haberse cobrado el centenario amante de Louis, Lestat (Sam Reid). ).

Los encontramos por primera vez en medio de la masacre de la guerra humana en la Segunda Guerra Mundial, explorando sus tierras ancestrales y buscando evidencia de su especie mientras se alimentan de la carne de los soldados. Después de este macabro comienzo, llegan al París de la posguerra de la década de 1940, donde encuentran comunidad con una llamativa compañía teatral que escenifica sus sangrientas alimentaciones como una forma de pompa snuff. El público se lo come incluso cuando algunos de ellos son devorados.

Claudia, descrita como “un vampiro feroz atrapado en el cuerpo de una niña”, está encantada con la compañía, aunque menos encantada de quedarse atrapada interpretando a una niña durante lo que parece una eternidad. Louis está cautivado por el antiguo gerente del grupo, Armand (el enigmático Assad Zaman), que se revela como el actual compañero de Louis, quien es terriblemente ambivalente acerca de que Louis le abra su pasado a un periodista entrometido. Estos amantes no-muertos comparten un pasado con el caprichoso Lestat, quien nunca está lejos de la mente de Louis, burlándose de cada uno de sus movimientos.

Inundado de deseo eterno y dolor poético, Entrevista equilibra su sangre repelente con momentos de maravilla trascendente y operística. Ser mordido. Te gustará.

La entrevista de Anne Rice con el vampiroEstreno de la temporada, Domingo, 12 de mayo, 9/8c, AMC (también AMC+)

Es mi advertencia obligatoria que no soy un Médico que «fanático», per se. soy mucho mas OMS-curioso.

Si bien el Doctor de Tom Baker me traumatizó en la infancia, he probado felizmente la presentación de cada nuevo Doctor desde el reinicio de Christopher Eccleston en 2005. Después de dos o tres episodios, tiendo a desconectarme y volver a consultar los temas clave o particularmente aclamados. cuotas. Para aquellos que llevan la cuenta, Doctor de David Tennant fue el que vi más en total, aunque al principio me quedé con Matt Smith por más tiempo (Amy Pond de Karen Gillan fue responsable de mucho de eso). Peter Capaldi, probablemente el Doctor que más me entusiasmaba según créditos anteriores, fue el que menos hizo por mí.

Saca tus propias conclusiones.

Según su presentación en un par de especiales de diciembre de 2023 y los dos primeros episodios que se estrenan en Disney+ esta semana, el Decimoquinto Doctor (no me pidan que les explique cómo o por qué David Tennant fue tanto el Décimo como el Decimocuarto Doctor) está listo para un comienzo animado y accesible, aunque no necesariamente memorable.

Aquellos que quieran saltar al puesto de Doctor de Ncuti Gatwa tal vez podrían ver «The Giggle», que presenta la «bigeneración» de Fifteen, que es diferente de una «regeneración» en formas que son realmente obvias o realmente confusas, dependiendo de cuánto elige preocuparte.

Mucho más necesario es el episodio navideño, “La Iglesia en Ruby Road”, que es la primera evocación pura de la personalidad de este Doctor e introduce la dinámica con su nueva compañera Ruby Sunday (Millie Gibson). Es un episodio en general divertido, con mucho espíritu navideño y un número musical en toda regla con duendes. Quiero decir, ¿qué es lo que no me gusta?

Ahora bien, normalmente «saltar» no es algo que importe tanto Médico que. El espectáculo existe desde 1963; En este punto, el espectador de televisión promedio con un vago interés en este tipo de cosas hace tiempo que ha determinado si Médico que es su sabor particular de ciencia ficción británica y, más que eso, si alguna vez un programa emitió vibraciones de impenetrabilidad, es este. Pero el casting de los dos últimos Doctores (nuevamente, ignoremos que Tennant tiene 10 y 14 años) ha ilustrado un deseo no sólo de atraer nuevos grupos demográficos potenciales, sino también de mostrar conciencia de que un Señor del Tiempo en constante regeneración que regresa cada vez como un Una versión diferente de un británico blanco y delgado tiene un alcance imaginativo decididamente limitado.

Entonces, no hay duda de que Russell T. Davies, quien anteriormente dirigió la franquicia de 2005 a 2010, presentará al Doctor de Gatwa de una manera diseñada para dar la bienvenida a un grupo demográfico que se enamoró del actor en Educación sexualsin atender a los espectadores para quienes la idea de un médico escocés-rwandés es, de alguna manera, ir demasiado lejos.

La conclusión para este espectador casual es que Gatwa es una adición completamente agradable a la franquicia, que captura completamente al menos un aspecto plausible de la personalidad del Doctor. Si resulta que no funciona, tendrá mucho más que ver con la escritura de la serie que con sus aportaciones, como siempre ha sido así. Gatwa es una animada explosión de energía, que me devuelve algo del entusiasmo loco y con los ojos muy abiertos que disfruté cuando Smith asumió el papel.

Este es un personaje que ha viajado a través del tiempo y el espacio durante incontables generaciones, y una interpretación válida es que exprese familiaridad y cansancio con cada nueva rareza que se cruza en su camino. Pero mi preferencia es algo más cercano a la pura alegría que el Doctor de Gatwa muestra ante todo lo nuevo, y al asombro con el que recibe cada coincidencia cósmica. Me parece completamente válido desde el punto de vista dramatúrgico y juega directamente con los variados extremos de emoción en los que Gatwa es mejor. Este Doctor es divertido y afable, y puede que sea el primer Doctor en reflexionar que la Tardis viene equipada con una variedad potencialmente infinita de cambios de vestuario.

Durante 800 episodios, Médico que exploré el mundo de un personaje a través del prisma de una sola identidad racial y de género, y es difícil para mí imaginar ser un fanático de la premisa y no estar emocionado de ver todas las formas en que un tipo diferente de Doctor podría generar diferentes tipos de aventuras. Menos emocionante de inmediato es Ruby, interpretada por Gibson, una compañera muy intermedia, una “expósito” cuyos misterios paternos seguramente jugarán un papel importante en el futuro.

¿Ahora en cuanto a estos dos primeros episodios? Coinciden más con la sensibilidad de Gibson/Ruby que con la de Gatwa/The Doctor. Médico que es un programa que es más que capaz de volverse oscuro, retorcido y mitológico, pero los dos primeros episodios tienen ganchos fácilmente digeribles y, tal vez por exceso de precaución, mantienen sus fundamentos temáticos silenciados.

¿Es “Space Babies” un tratado potencialmente provocativo sobre la libertad reproductiva, que se burla deliberadamente de las sociedades que obligan a los bebés a nacer pero no les proporcionan la infraestructura necesaria para mantenerlos? ¡Sí! Pero también es una respuesta muy tonta y un poco extraña a lo que sucedería si combinaras Extraterrestre y Mira quien habla. Así que hay muchos bebés adorables que parlotean, algo de humor muy discreto relacionado con fluidos corporales y un monstruo de hombre con traje. Puedes obtener más que eso del episodio si así lo deseas, pero el punto es «bebés que hablan con acento británico». Vendido.

Hay más cosas sucediendo en “The Devil’s Chord”, que presenta un papel invitado descomunal y genuinamente desconcertante de Jinkx Monsoon como Maestro, un ser que salta de dimensiones cuyo plan para destruir la tierra comienza con música devoradora. El episodio está ambientado en gran medida en 1963 y plantea un mundo sin los Beatles, una hipótesis que pretende, como intento hacer tantas veces, que la película Ayer nunca existió. Se inclina hacia el sentimiento y, si bien puede durar 10 minutos de más, es un mejor escaparate de actuación para sus dos estrellas y su número musical culminante es un ganador divertido.

Parte del relleno de “The Devil’s Chord” parece estar al servicio de la configuración del arco de toda la temporada, y el tráiler del tercer episodio sugiere que una entrega más oscura vendrá a continuación para aquellos que encuentren estos abridores demasiado frívolos.

En cuanto a la pregunta más importante para esto. Médico que turista: ¿Son los primeros Ncuti Gatwa? Médico que ¿Las cuotas son lo suficientemente buenas como para ver al menos una o dos más? Sí lo son.

Después de que Tilly y Michael se disfrazan con atuendos raídos y apropiados para el planeta (con prácticos tricorders retinianos que sólo los hacen parecer un poco como si pertenecieran a La matriz), irradian hacia la superficie de Halem’no, que, al menos en su zona habitable, es exuberante y verde. La conceptualización de este planeta y su sociedad es la parte más intrigante de este episodio, particularmente los elementos fonéticos de su lenguaje, conocido como Whistlepeak, que suena como el canto de un pájaro, no tiene palabras para denotar cosas como clase o estatus, reconoce al menos tres géneros distintos y prioriza la conexión entre su gente. Un recordatorio oportuno de que el simple hecho de que una sociedad no avance en un sentido no significa que no lo esté en otro.

Para encontrar la siguiente pista, equipo Descubrimiento Deben abrirse camino hacia el interior de la Cumbre Alta, la torre meteorológica que los lugareños ven como un lugar para comunicarse con sus dioses y rezar por la lluvia que los mantenga a todos con vida. Un lugar sagrado, el acceso está restringido a aquellos considerados especialmente santos o elegidos a través de una carrera llamada el Viaje de la Madre Compeer. Michael y Tilly inmediatamente deciden participar en este ritual tan específico sin investigarlo ni siquiera preguntar por qué todos los que lo ganaron parecen ya no estar vivos. Para sorpresa de nadie, en realidad es un método para elegir a aquellos que serán sacrificados dentro de la torre, intercambiando sus vidas por la promesa de lluvia y la oportunidad de comunicarse con sus dioses antes de morir. Tilly gana, porque por supuesto que sí, y permite que una amable joven llamada Ravah se una a ella para que ella también pueda cumplir su sueño de demostrar su valía ante su padre, y ahora ambos están esencialmente marcados para la muerte. ¡Buenos tiempos!

No es que ninguno de nosotros probablemente en realidad Esperaba que Tilly se asfixiara durante este episodio o algo así, pero realmente la velocidad con la que Michael descarta la Directiva Principal para salvar a su amiga es… honestamente, algo que desearía que el programa explorara con un poco más de profundidad. porque en realidad debería ¡Será una historia interesante sobre lo importante que es Tilly para ella! En cambio, es… sólo otro ejemplo de la forma en que a Michael se le permite constantemente romper las reglas de maneras por las que otros son castigados repetidamente. Porque, seamos realistas, Rayner fue degradado y humillado públicamente por hacer mucho menos.

Y, por alguna razón, Descubrimiento siente la necesidad de justificar abiertamente la elección de Michael, inclinándose deliberadamente hacia la idea de que, dado que le espera un centavo, bien podría ganar una libra. Quiero decir, una cosa es explicar que la Alta Cumbre es una máquina meteorológica en lugar de la sede de dioses vengativos. Pero otra muy distinta es transportar literalmente al padre de Ravah, Ohvanz, hasta su nave espacial real que está estacionada en el espacio ¡Y muéstrale cómo se ve su planeta desde su órbita! ¿Dejó un motor warp de repuesto detrás de ella para colmo? Tal vez todo sería menos molesto si realmente alguna vez hubiera sentido como si Tilly estuviera en algún tipo de peligro real, o si pareciera que el programa finalmente estaba listo para abordar el costo de las decisiones imprudentes de Michael de una manera más seria y duradera. . En cambio, es sólo otro atajo conveniente por el que inevitablemente no enfrentará consecuencias.

Si se supone que cada una de estas búsquedas de pistas enseña o prueba a la persona que realiza la búsqueda (para asegurarse de que está tratando de encontrar la tecnología Progenitor por una buena razón), ¿qué pretende mostrar esta búsqueda (y la respuesta de Michael a ella)? ¿a nosotros? ¿Que la amistad es mágica? ¿Que el cambio climático es real? ¿Que existen dioses falsos? ¿Que no deberías permitir que tus seres queridos participen en rituales mal explicados y potencialmente mortales? ¿O está bien hacer lo que sea necesario para salvar a alguien que te importa, incluso si eso significa romper las reglas para hacerlo?

Es particularmente chocante cuando gran parte de este episodio trata sobre consecuencias no deseadas: sobre lo que puede suceder cuando la tecnología se usa de manera irresponsable, incluso con las mejores intenciones del mundo detrás. El científico denobulano Hitoroshi Kreel intentó hacer algo bueno al disfrazar equipos meteorológicos de alta tecnología con lo que es esencialmente iconografía religiosa, pero aun así terminó dando lugar a sacrificios rituales y asesinatos en nombre de traer lluvia. Descubrimiento Normalmente no es muy sutil acerca de tales paralelos, así que creo que todos podemos asumir que sea lo que sea que los Progenitores dejaron atrás para que lo encuentren las generaciones futuras, la pregunta para Michael y la Federación será más bien si alguien debería tener acceso a él en absoluto.

Durante años, varios productores han propuesto hacer algo así como una locura. Es un mundo loco, loco, loco y locosolo poblado por un elenco épico de estrellas de la comedia contemporánea, tal como lo hizo la supercomedia de Stanley Kramer durante su época en 1963. Por lo tanto, probablemente no sea una coincidencia que Jerry Seinfeld haya seleccionado ese mismo año para establecer su debut cinematográfico de acción real. sin congelar, como una amenaza cuádruple de estrella, director, coguionista y productor.

Situándolo en Battle Creek, Michigan, y tomando la historia de la vida real de la rivalidad de los capos de los cereales Kellogg’s y Post en su carrera para crear un pastel de desayuno revolucionario, Seinfeld y su compañero de escritura de toda la vida Spike Feresten, junto con su pelicula de la ABEJA Los colaboradores Andy Rubin y Barry Marder optaron por utilizar algunas personas de la vida real, inventaron varias otras, lo salaron todo con algunas verdades básicas y, básicamente, dejaron que las risas y la comedia guiaran el camino en la narración. Primero los chistes, después los hechos. Es la receta perfecta para un viaje nostálgico, alegre y encantador, de una película, de colores brillantes y recubiertos de caramelo como las grandes comedias de la época, como Mad World, Cómo tener éxito en los negocios sin intentarlo realmente, una guía para el hombre casado, y revuélvalo todo en un dulce más ligero que liviano pero más divertido que divertido que sin duda atraerá a los fanáticos de Seinfeld (que acaba de cumplir 70 años) y a aquellas audiencias mayores que obtendrán todas las referencias y huevos de pascua de aquellos tiempos más inocentes antes de los años 60. se volvió oscuro.

Las “películas de productos”, como se las ha llamado, ciertamente abundaron en 2023 con BlackBerry, Tetris, The Beanie Bubble, Flamin’ Hot, Aire, incluso la película número uno del año, Barbie. El enfoque de Seinfeld aquí es menos una película biográfica del producto y más, arrojemos todo contra la pared y veamos qué se mantiene. Está destinado a ser un entretenimiento tonto y afable, a veces una comedia amplia, pero refrescantemente no. demasiado amplio ya que el personaje de Seinfeld, el ejecutivo de Kellogg, Bob Cabana, es básicamente un hombre heterosexual aquí a pesar de todos los locos que lo rodean.

Los ejecutivos de Plotwise Kellogg, incluidos Bob y sus colegas, Donna “Stan” Stankowski (Melissa McCarthy) y el director ejecutivo Edsel Kellogg III (Jim Gaffigan), se encuentran en una carrera con su archirrival Post, en particular Marjorie Post (el nombre y la persona son reales, pero como Amy Schumer interpreta a ella, nada más lo es) y su leal títere, Rick Ludwin (Max Greenfield), quienes están planeando ser más astutos que Kellogg’s y lo que su espionaje corporativo ha confirmado como la creación de la próxima gran novedad en alimentos para el desayuno, un pastelito envasado que finalmente llegaría a ser conocido como Pop Tarts. Los celos que Post tiene por su rival salen a la luz al principio de la película cuando Kellogg’s hace lo que siempre hace: arrasar con todos los trofeos en la entrega anual de premios Spoon And Bowl mientras Post se va a casa con las manos vacías pero decidido a cambiar las cosas venciéndolos. al puñetazo.

Todo esto es sólo un montaje para muchos chistes y personajes divertidos que viven en este mundo. Está el panel de catadores de celebridades, por ejemplo, que incluye al gurú del fitness Jack LaLanne (un enérgico James Marsden), el chef Boy Ardee (Bobby Moynihan), la leyenda de la bicicleta Steve Schwinn (Jack McBrayer), el gigante de los helados Tom Carvel (Adrian Martinez) y el resbaladizo Harold Van Braunhat (Thomas Lennon).

En el camino hay conferencias con Isaiah Lamb, frustrado y perpetuamente ignorado, también conocido como el tipo Quaker Oats (Andy Daly), incluso un General Mills. Hugh Grant aparece hilarantemente como el esnob actor británico Thurl Ravenscroft (en realidad un nombre real) que está frustrado por verse relegado a expresar e interpretar a Tony The Tiger, el famoso símbolo de Frosted Flakes de Kellogg. También buscan entrar en toda la acción el trío de Rice Crispies, Snap (Kyle Mooney), Crackle (Mikey Day) y Pop (Drew Tarver). El lechero del vecindario Friendly Farms también se acerca aquí en forma de una especie de misterioso coro griego dirigido por Mike Diamond (Christian Slater), cuya presencia parece sugerir que algo desagradable está sucediendo.

Íconos de la época como JFK (Bill Burr), Nikita Kruschev (Dean Norris), Walter Cronkite (Kyle Dunnigan) e incluso Andy Warhol (Dan Levy) también aparecen y salen, al igual que un par de niños comunes y corrientes: todo el público. esto está destinado a atraer, interpretado de manera atractiva por los recién llegados Eleanor Sweeney y Bailey Sheetz.

El reparto, en su mayoría estrellas cómicas, es tan numeroso que parece mundo loco, Es casi imposible enumerarlos todos, pero felicitaciones a la directora de casting Kristy Carlson por trabajar con Seinfeld para ensamblarlos todos. En cuanto a Seinfeld, por supuesto mejor conocido por sus comedias clásicas y de stand-up, esta es la primera vez que desempeña un papel importante en una película de acción real (fue una voz y un actor clave en la película animada). Pelicula de la ABEJA) y básicamente se mantiene cómodo con su conocido personaje, recordándome lo que Bob Hope solía hacer parecer tan fácil en sus comedias cinematográficas, un ancla para toda la locura. Loco está definitivamente a la orden del día, con muchos fragmentos divertidos por todas partes, incluido un delicioso ravioli creado por CGI y Johnny Carson y Ed McMahon, de alrededor del 63, envejecidos, dando la bienvenida a Bob de Seinfeld como invitado en El programa de esta noche.

En cuanto a producción,sin congelar Se ve genial con un trabajo especialmente fino en la ambientación del diseñador de producción Clayton Hartley. y una alegre partitura de Christophe Beck. Netflix ha pedido que no se mencione una escena antes del estreno, por lo que cumpliremos y no la estropearemos, pero basta con decir que hay un par de cameos sorpresa de cierta serie de televisión que hicieron rugir a la audiencia que la vi. Al ser una película de Netflix, la mayoría de la gente la verá en casa, pero sin congelar es exactamente el tipo de comedia que prácticamente pide ser vista teatralmente con sala llena. Hay tantas cosas metidas en esta que verla probablemente no sea suficiente. Esperamos que Jerry Seinfeld tenga otras buenas ideas para películas.

Los productores son Seinfeld, Feresten y Beau Bauman.

Título: sin congelar

Distribuidor: netflix

Fecha de lanzamiento: 3 de mayo de 2024 (transmisión)

Director: Jerry Seinfeld

Guión: Jerry Seinfeld, Spike Feresten, Andy Rubin, Barry Marder

Elenco: Jerry Seinfeld, Melissa McCarthy, Jim Gaffigan, Amy Schumer, Hugh Grant, Max Greenfield, Christian Slater, Bill Burr, James Marsden, Daniel Levy, Jack McBrayer, Thomas Lennon, Bobby Moynihan, Sarah Cooper, Adrian Martinez, Fred Armisen, Mikey Day , Kyle Mooney, Drew Tarver, Dean Norris, Tony Hale, Andy Daly, Kyle Dunnigan, Eleanor Sweeney, Bailey Sheetz

Clasificación: PG13

Tiempo de ejecución: 1 hora y 33 minutos

si lo apreciaste BarbieLa locura deslumbrante, pero su discurso virtuoso te pone los dientes de punta, tengo un regalo azucarado para ti. Y por «azucarado» me refiero a calorías vacías, no a sentimentalismo empalagoso. Alegremente tonto (al fin y al cabo, este es el debut como director del maestro del dominio de la nada en la televisión) sin congelar toma la plantilla de la historia del origen, la exprime de toda emoción, mezcla hechos básicos con ficción ridícula y ofrece un poco de historia tostada sobre la búsqueda de un “dingus pastelero relleno de frutas”, la creación del siglo XX que ahora conocemos como el Pop. -Tarta.

Haciendo equipo nuevamente con su pelicula de la ABEJA Colaboradores en la escritura de guiones, pero esta vez sin los forzados juegos de palabras y la complicada mecánica narrativa, Jerry Seinfeld ha atraído a un elenco de miles de personas para interpretar personajes tanto reales como inventados, a menudo un híbrido de los dos, en una comedia directa, sin fundamentos terapéuticos ni cívicos. lecciones: eso es más divertido cuando no se intenta demasiado. (Para mí, la frase más divertida es una respuesta de una sola palabra del personaje de Melissa McCarthy).

Para aficionados de cualquier edad, sin congelar abunda en referencias cinematográficas y televisivas cariñosas y jocosas. Y hay infinitos guiños a los tótems de la cultura pop de los años 60 (sólo en los primeros minutos, Woody Woodpecker, Slinky y GI Joe hacen apariciones fugaces), pero ¿alguien nacido después de 1963, el año en que se desarrolla la película, obtendrá la mayoría de ellos? es otra pregunta. También cabe señalar que las posturas recientes de Seinfeld sobre cuestiones políticas divisivas harán que sea difícil incluso para algunos fanáticos de toda la vida seguir abrazándolo de todo corazón. Pero para aquellos dispuestos a dejar de lado la realidad durante 90 minutos, como sin congelar Lo hace con gusto, la película de Netflix genera una parodia espumosa de tropos y clichés narrativos.

El escenario es Battle Creek, Michigan, la zona cero de Mission Pop-Tart. El guión de Seinfeld, Spike Feresten, Andy Robin y Barry Marder plantea la rivalidad entre Kellogg’s y Post, los principales proveedores estadounidenses de cereales para el desayuno, como una carrera espacial de la Guerra Fría. Seinfeld señala Lo correcto como inspiración clave, y también hay sugerencias de Figuras ocultas. Incluso hay una visita a la NASA, donde la genio de la ciencia alimentaria Donna “Stan” Stankowski (McCarthy) está trabajando en comida para astronautas para el proyecto Apolo. Pero Bob Cabana (Seinfeld) la aleja de la inútil idea de viajar a la luna para tener la oportunidad de trabajar con él nuevamente en Kellogg’s, donde ha comenzado la cuenta regresiva para crear un pastelito duradero (yum).

Un par de niños que bucean en contenedores de basura (Eleanor Sweeney y Bailey Sheetz, ambos ases) le han dado pistas al ejecutivo Bob sobre los avances de Post en ese frente. En un edificio de aspecto malvado al otro lado de la calle, la despiadada y con turbante Marjorie Post (Amy Schumer) y su mano derecha (Max Greenfield), abusada implacablemente, están listos para lanzar su nuevo producto, aunque lo llamarán Dextrose Dillies o Fresh Flatties aún no se ha decidido. Mejorando su juego, Kellogg’s ofrece una conferencia de prensa, sacada directamente de Lo correctopara presentar a su equipo de “pilotos del gusto”, una mezcla de figuras históricas e inventadas interpretadas por James Marsden, Jack McBrayer, Thomas Lennon, Bobby Moynihan y Adrian Martinez, con un cameo de la computadora Univac.

Bob y su jefe, el afable y brusco y afable Edsel Kellogg III (un Jim Gaffigan perfecto), no sólo sienten la presión existencial de la tostadora, sino que también lidian con el malestar laboral entre las mascotas de cereales descontentas. Liderando el impulso está un actor de Shakespeare que actúa en los barrios bajos como Tony el Tigre (Hugh Grant, dándole un toque británico y una intensidad deliciosa al Thurl Ravenscroft de la vida real), mientras que Snap, Crackle y Pop (Kyle Mooney, Mikey Day y Drew Tarver) son convencidos de que se les está impidiendo realizar su potencial profesional.

Al frente de un elenco lleno de virtuosos del ritmo cómico, Seinfeld dibuja actuaciones que son, en su mayor parte, discretas, lo que efectivamente realza la ridiculez de la configuración al interpretarla con claridad. La cabalgata de cameos culmina con una sorpresa sumamente adecuada y satisfactoria, y en el camino hay reuniones con JFK (Bill Burr), Khruschev (Dean Norris) y el jefe de Big Sugar (Felix Solis). El sindicato de la leche está encabezado por el incongruentemente llamado Harry Friendly (Peter Dinklage), mientras que el lechero del vecindario de Bob (Christian Slater) tiene una sonrisa especialmente amenazadora. Para que no olvide que el desayuno es un asunto serio, un quinteto de fabricantes de cereales se reúne en plena noche, al estilo El PadrinoLas cinco familias.

Animado por la partitura de Christophe Beck, una vibra del mundo del mañana de mediados de siglo impregna el proceso. La exuberante alegría del diseño de producción de Clayton Hartley y el vibrante vestuario de Susan Matheson se equilibran con la moderación formal de la lente de William Pope.

Sin embargo, no todas las partes aterrizan y la historia sufre un retraso a mitad de camino. Pero en su punto más fuerte, la película ofrece parodias de dispositivos narrativos gastados: la escena de la lluvia de ideas en la pizarra, por ejemplo.

Lo mejor de todo es que no hay ni una gota de mitificación corporativa en la mezcolanza de hechos y fantasía. El amor de Seinfeld por los alimentos envasados ​​para el desayuno puede colorear el mundo de esta película, pero lejos de ser una oda a la integridad del producto haciéndose pasar por reflexivo e irreverente, sin congelar Lanza los insultos de Pop-Tart tan rápido como puedes brindarlos. Aquí nada es sagrado. Podría haber vivido sin los chistes de Gus Grissom, pero es reconfortante ver al perpetuamente valorado Walter Cronkite (Kyle Dunnigan) como una especie de bufón patético.

Lo más cerca que se acerca la película a la dulzura pura es en su dispositivo de encuadre que involucra a un adorable niño fugitivo (Isaac Bae). Sin embargo, aquí también Seinfeld sabiamente retiene el glaseado de azúcar, incluso si Kellogg’s finalmente decidió lo contrario.

En los campos de concentración nazis, se grababan tatuajes en los brazos de los prisioneros en un intento de borrar su humanidad, convirtiéndolos en números. El tatuador de Auschwitzuna desgarradora pero en última instancia edificante serie de seis capítulos adaptada de la novela de no ficción de Heather Morris, corrige esta atrocidad presentando repetidamente una cruda galería de rostros sombríos, entre los millones perdidos en la historia pero grabados en la memoria del sobreviviente de Auschwitz-Birkenau. Lali Sokolov (un conmovedor Harvey Keitel).

Todavía abrumada por la ira, el dolor y la culpa en 2003, más de medio siglo después del Holocausto, Lali, que acaba de enviudar, le cuenta los horrores a la escritora novata Morris (Melanie Lynskey), enmarcando su relato como la más improbable de las historias de amor. Fue en Auschwitz, donde le asignaron tatuar números a los prisioneros entrantes (“Es peor si eres amable”, le dicen) donde el cauteloso Lali (el afligido Jonah Hauer-King como el más joven) se encuentra con los recién llegados y se enamora instantáneamente de ellos. futura esposa Gita (la luminosa Anna Próchniak). Ella bromea sobre si él puede hacerle el tatuaje en rosa y, a partir de ese momento, harán todo lo posible para pasar tiempo juntos.

Se embarcan en una aventura peligrosa y prohibida, robando momentos clandestinos de intimidad desesperada, sobornando a guardias y actuando ante las narices del cruel supervisor SS de Lali, Baretsky (Alemania 83‘s notable Jonas Nay), quien forma un retorcido vínculo fraternal con su cautivo. “Saldremos de esto. Estoy aquí para ti”, le dice Baretsky a su horrorizado títere, quien evita su contacto. El fantasma de su carcelero continúa persiguiendo y burlándose de Lali, quien a menudo tiene visiones de los nazis en su acogedora casa de Melbourne, Australia, mientras inquieta al comprensivo Morris con sus historias.

“No sé si soy capaz de escribirlo. De hecho, estoy aterrorizada”, le dice a Lali cuando la acumulación de detalles desgarradores comienza a ser demasiado. (El espectador bien puede sentir lo mismo en esta dramatización inquebrantable.) La narrativa de Lali también se ve afectada por su amargo conocimiento de que, debido al estatus que le proporcionaban sus deberes laborales, estaba en mejor situación que muchos en el campamento. Y, sin embargo, como le aconseja un compañero de prisión: “En este infierno en el que nos encontramos, sólo tenemos dos opciones: la mala y la peor”.

Lali también comparte detalles de los problemas de Gita, incluida una infección casi mortal que, si se detecta y no se trata, podría significar su perdición. Trabaja junto a una mujer que se entrega a los afectos no deseados de un oficial alemán y le dice a su conocido de tendencias más románticas: «Aquí no hay amor, sólo odio y dolor».

El tatuador de Auschwitz, a pesar de todo su horror, estaría en desacuerdo ya que ofrece el mensaje general de que “Love Will Survive”, que también es el título de la nueva y conmovedora canción que canta Barbra Streisand en los créditos finales.

El tatuador de Auschwitz, Limitado Estreno de la serie (seis episodios), jueves 2 de mayo, Peacock

Sand Land demuestra una vez más que Akira Toriyama y los videojuegos son una combinación perfecta.

Antes incluso de tener la edad suficiente para calificar como adolescente, estaba obsesionado con las obras de Akira Toriyama. Dragon Ball, Dragon Quest, Dr Slump, Chrono Trigger: todo lo relacionado con Toriyama que pude conseguir me dejó boquiabierto cuando tenía 13 años.

No me tomó mucho tiempo llegar a Sand Land, el manga de 14 capítulos de Toriyama lanzado en el año 2000. Era joven e ingenuo, recién terminaba de completar Chrono Trigger por primera vez, pero algo Sobre una adaptación de videojuego de Sand Land inmediatamente se abrió paso en mi cerebro. Toriyama y los videojuegos ya habían demostrado ser una combinación perfecta, así que pensé que el protagonista obsesionado con los videojuegos, Beelzebub, y los páramos áridos y llenos de pandillas de Sand Land eran una bandeja obvia.

Luego crecí y, naturalmente, me volví más cínico. La historia de Sand Land apenas fue lo suficientemente larga para una adaptación cinematográfica, y mucho menos para un videojuego, y un par de escenas de lucha y algunas batallas de tanques no pudieron proporcionar suficiente inspiración para un sistema de combate en profundidad. Luego, el 1 de marzo, Akira Toriyama falleció, mucho después de que se completara su trabajo en Sand Land. Mi apatía se transformó en pavor. Las probabilidades parecían estar en contra de los desarrolladores ILCA. Seguramente este sería otro Mobile Suit Gundam: Crossfire o Astro Boy: The Video Game, otro juego de anime frígido y sin inspiración más para gangas. Creo que nunca me he sentido más feliz de que me hayan demostrado que estaba equivocado.

Sand Land es un juego un poco extraño de clasificar. Es un juego de rol de acción, en la superficie. Juegas como Beelzebub, el Príncipe de los Demonios, mientras intenta localizar una fuente de agua para el páramo árido que es Sand Land, junto a su viejo amigo Thief y su nuevo compatriota humano Rao. Cuando juegas como Beelzebub, Sand Land se siente como un juego de Musou: un simple juego de lucha en el que realizas un ataque ligero hasta que decides realizar un ataque fuerte para finalizar tu combo. Sin embargo, probablemente solo usarás Beelzebub directamente durante alrededor del 10 al 15 por ciento de tu juego. La verdadera esencia de Sand Land está en su combate vehicular, lo que lo hace más parecido a juegos como Rage o Twisted Metal. Hay algunas secciones de plataformas, algunas misiones sigilosas forzadas y una gran cantidad de NPC con los que tienes que hablar para misiones secundarias, pero no te equivoques: pasarás la mayor parte del tiempo haciendo estallar cosas en un tanque o golpeando cosas dentro. un gran robot.

Hablando de tanques, mi escepticismo tomó el control durante las primeras horas de juego. Controlar a Beelzebub en combate se sintió un poco soso, el combate de tanques se sintió demasiado rudimentario para seguir siendo atractivo durante todo el juego, y ya estaba más de la mitad de la historia original de Sand Land en el manga con solo cinco horas de juego en el reloj.

Después de otras cinco horas, Sand Land finalmente empezó a despertar mi interés. Las mejoras al árbol de habilidades de Beelzebub y las habilidades recién desbloqueadas hicieron que el combate pareciera un poco más pesado. El combate vehicular comenzó a ocupar un lugar central, con una serie de mejoras a buen ritmo y nuevos tipos de vehículos que me ayudaron a mantenerme involucrado. La historia comenzó a tomarse algunas libertades creativas con el material original, pero no en detrimento suyo, permitiendo una narrativa más larga y ligeramente alterada para dar a los desarrolladores más espacio para trabajar en los tipos de misiones de la historia que se prestan mejor a un videojuego. Sin duda, el resultado de la participación directa de Toriyama en la escritura de la adaptación de la historia del juego.

El enfoque principal de la jugabilidad de Sand Land, la construcción de vehículos y el combate, le da al juego una sensación muy distinta. Otros juegos, por ejemplo World of Tanks, definitivamente están trabajando a una escala más amplia en lo que respecta a la personalización de vehículos, pero Sand Land no tiene paralelo en comparación con otros juegos de combate de vehículos que también sirven como juegos de rol. Puedes tener cinco mechs en tu cápsula a los que puedes saltar inmediatamente, y terminé encariñándome tanto con varios de mis mechs que elegir cuáles cinco equipar siempre resultó difícil. Me encariñé mucho con mi motocicleta, principalmente por lo rápido y receptivo que era controlarla debido a mis actualizaciones, pero dejar ir cualquiera de mis vehículos personalizados siempre resultó difícil. Al igual que Beelzebub, a medida que avanzaba la historia y un nuevo robot estaba disponible, siempre me emocionaba construirlo y personalizarlo, un testimonio de lo diferente que se siente pilotar cada vehículo.

En cuanto a la escritura, creo que la nueva historia que llega después de la primera mitad del juego es brillante. No quiero spoilear mucho, porque para los fanáticos de Sand Land esto esencialmente servirá como una secuela del manga original, pero podría decirse que la segunda mitad de la misión principal es incluso mejor que la primera. Aquí es donde tienen lugar las peleas contra jefes más interesantes y donde también desbloqueas la segunda mitad del mapa, por lo que te sugeriría que te quedes ahí si empiezas a aburrirte hacia el final de la primera mitad del juego. La oportunidad de escribir una continuación de la historia principal claramente tuvo el beneficio adicional de permitirle al desarrollador ILCA mucha más libertad para diseñar misiones que no estén restringidas por la trama del manga original, y realmente se nota. Si bien estoy extremadamente feliz de que hayan hecho justicia al manga original, la segunda mitad de la misión principal es definitivamente más fuerte, en cuanto a jugabilidad, y la escritura de Toriyama en la nueva historia es tan buena en 2024 como lo era en 2000.

Sin embargo, no todo es positivo. En primer lugar, hay bastantes misiones de sigilo forzadas en la historia principal (conté cinco) y un par de misiones secundarias. El juego de sigilo es básico y no es desafiante ni divertido. Afortunadamente, estos segmentos son fáciles y rápidos de completar, pero al final parecieron innecesarios. En segundo lugar, algunas de las misiones principales terminaron pareciéndose muy similares entre sí. La primera vez que pude explorar uno de los restos de una vieja superarma, me pareció nuevo y emocionante; un entorno nuevo para explorar con diferentes enemigos contra los que luchar. La quinta vez empezó a parecer aburrido, especialmente cuando todos los interiores terminaron pareciéndose mucho entre sí. Finalmente, y esto puede parecer un poco quisquilloso, tu grupo repite las mismas líneas de diálogo cuando estás fuera de combate con demasiada frecuencia. Creo que debí haber escuchado a Thief y Rao tener la misma discusión sobre las locuras de la humanidad hasta 40 veces antes de terminar el juego.

En cuanto al rendimiento, Sand Land funcionó perfectamente en PC. A mitad de juego, recordé haber jugado la demo unas semanas antes y lo terrible que había sido la actuación. El tartamudeo constante y los problemas de textura extraños en la demostración me hicieron preocuparme de que el juego completo fuera un caso clásico de un puerto de PC terrible. Sin embargo, jugué la versión completa a 120 FPS con todas las configuraciones al máximo y Sand Land se sintió consistentemente fluido en todo momento. Volví a jugar la demostración brevemente solo para asegurarme de que no estaba imaginando cosas y definitivamente todavía tenía los mismos problemas de tartamudeo que tenía antes, por lo que puedo informar felizmente que parecían haber solucionado los problemas para la versión completa.

30 horas en Sand Land, me di cuenta de algo extraño. En última instancia, Sand Land no es una historia sobre su personaje principal, Beelzebub, sino una historia sobre su encuentro casual con el anciano Rao. Rao está en desacuerdo consigo mismo, un anciano con la conciencia culpable. Desconfía tanto de las personas como de los demonios, pero constantemente hace todo lo posible por mantener la mente abierta y no asumir lo peor de los demás. El infantil Beelzebub simplemente está de acuerdo, pero su inocencia y su incapacidad para mentir llevan a Rao a confiar continuamente en él.

Cuando era adolescente, naturalmente me identificaba con el abiertamente travieso Belcebú. Pero al experimentar la historia de Sand Land por segunda vez a una edad mucho mayor, me di cuenta de que había llegado a tener mucho más en común con Rao. Justo cuando el anciano marchito de la historia de Sand Land finalmente había permitido que Beelzebub, con los ojos muy abiertos, literalmente tomara el volante, me di cuenta de que había hecho lo mismo a lo largo de mi partida. Asumí lo peor de Sand Land durante mis primeras horas con él, pero su diversión tonta y simple me fue desgastando poco a poco cuanto más jugaba. Es a la vez una adaptación emocionante y una experiencia agradable, un ejemplo inusual de un juego de anime que realiza cambios inteligentes en su material original a favor de su jugabilidad.

Al equipo de ILCA claramente le encanta Sand Land, y la única prueba que necesitas de este hecho es el juego en sí, pero también está claro que Bandai Namco les dio a los desarrolladores una buena cantidad de tiempo para llevar a cabo su visión. Los mapas son grandes y expansivos, y la gran cantidad de misiones secundarias y contenido secundario hacen un gran trabajo al desarrollar el mundo de una manera que el manga nunca lo hizo. Una vez que terminé con Sand Land, logré dedicarle aproximadamente 50 horas y rara vez sentí que el juego se estaba agotando. De hecho, todavía me quedan algunas actividades secundarias por hacer, por lo que ni siquiera estoy del todo seguro de cuánto tiempo me llevará completar Sand Land, pero estoy emocionado de descubrirlo.

Sand Land se siente como un proyecto apasionante, el raro ejemplo de un juego de anime que realmente eleva y mejora la historia en la que se basa. Sand Land no hace todo bien, pero es más de lo que esperaba o esperaba. Sin embargo, lo más importante es que creo que ILCA debería estar extremadamente orgullosa de hacer justicia al legado de Akira Toriyama. Sand Land es el juego que sus fanáticos merecen y un maravilloso recordatorio final del increíble impacto que un hombre ha tenido en la industria del juego.

Bandai Namco proporcionó una copia de Sand Land para su revisión.

Sand Land demuestra una vez más que Akira Toriyama y los videojuegos son una combinación perfecta.

Antes incluso de tener la edad suficiente para calificar como adolescente, estaba obsesionado con las obras de Akira Toriyama. Dragon Ball, Dragon Quest, Dr Slump, Chrono Trigger: todo lo relacionado con Toriyama que pude conseguir me dejó boquiabierto cuando tenía 13 años.

No me tomó mucho tiempo llegar a Sand Land, el manga de 14 capítulos de Toriyama lanzado en el año 2000. Era joven e ingenuo, recién terminaba de completar Chrono Trigger por primera vez, pero algo Sobre una adaptación de videojuego de Sand Land inmediatamente se abrió paso en mi cerebro. Toriyama y los videojuegos ya habían demostrado ser una combinación perfecta, así que pensé que el protagonista obsesionado con los videojuegos, Beelzebub, y los páramos áridos y llenos de pandillas de Sand Land eran una bandeja obvia.

Luego crecí y, naturalmente, me volví más cínico. La historia de Sand Land apenas fue lo suficientemente larga para una adaptación cinematográfica, y mucho menos para un videojuego, y un par de escenas de lucha y algunas batallas de tanques no pudieron proporcionar suficiente inspiración para un sistema de combate en profundidad. Luego, el 1 de marzo, Akira Toriyama falleció, mucho después de que se completara su trabajo en Sand Land. Mi apatía se transformó en pavor. Las probabilidades parecían estar en contra de los desarrolladores ILCA. Seguramente este sería otro Mobile Suit Gundam: Crossfire o Astro Boy: The Video Game, otro juego de anime frígido y sin inspiración más para gangas. Creo que nunca me he sentido más feliz de que me hayan demostrado que estaba equivocado.

Sand Land es un juego un poco extraño de clasificar. Es un juego de rol de acción, en la superficie. Juegas como Beelzebub, el Príncipe de los Demonios, mientras intenta localizar una fuente de agua para el páramo árido que es Sand Land, junto a su viejo amigo Thief y su nuevo compatriota humano Rao. Cuando juegas como Beelzebub, Sand Land se siente como un juego de Musou: un simple juego de lucha en el que realizas un ataque ligero hasta que decides realizar un ataque fuerte para finalizar tu combo. Sin embargo, probablemente solo usarás Beelzebub directamente durante alrededor del 10 al 15 por ciento de tu juego. La verdadera esencia de Sand Land está en su combate vehicular, lo que lo hace más parecido a juegos como Rage o Twisted Metal. Hay algunas secciones de plataformas, algunas misiones sigilosas forzadas y una gran cantidad de NPC con los que tienes que hablar para misiones secundarias, pero no te equivoques: pasarás la mayor parte del tiempo haciendo estallar cosas en un tanque o golpeando cosas dentro. un gran robot.

Hablando de tanques, mi escepticismo tomó el control durante las primeras horas de juego. Controlar a Beelzebub en combate se sintió un poco soso, el combate de tanques se sintió demasiado rudimentario para seguir siendo atractivo durante todo el juego, y ya estaba más de la mitad de la historia original de Sand Land en el manga con solo cinco horas de juego en el reloj.

Después de otras cinco horas, Sand Land finalmente empezó a despertar mi interés. Las mejoras al árbol de habilidades de Beelzebub y las habilidades recién desbloqueadas hicieron que el combate pareciera un poco más pesado. El combate vehicular comenzó a ocupar un lugar central, con una serie de mejoras a buen ritmo y nuevos tipos de vehículos que me ayudaron a mantenerme involucrado. La historia comenzó a tomarse algunas libertades creativas con el material original, pero no en detrimento suyo, permitiendo una narrativa más larga y ligeramente alterada para dar a los desarrolladores más espacio para trabajar en los tipos de misiones de la historia que se prestan mejor a un videojuego. Sin duda, el resultado de la participación directa de Toriyama en la escritura de la adaptación de la historia del juego.

El enfoque principal de la jugabilidad de Sand Land, la construcción de vehículos y el combate, le da al juego una sensación muy distinta. Otros juegos, por ejemplo World of Tanks, definitivamente están trabajando a una escala más amplia en lo que respecta a la personalización de vehículos, pero Sand Land no tiene paralelo en comparación con otros juegos de combate de vehículos que también sirven como juegos de rol. Puedes tener cinco mechs en tu cápsula a los que puedes saltar inmediatamente, y terminé encariñándome tanto con varios de mis mechs que elegir cuáles cinco equipar siempre resultó difícil. Me encariñé mucho con mi motocicleta, principalmente por lo rápido y receptivo que era controlarla debido a mis actualizaciones, pero dejar ir cualquiera de mis vehículos personalizados siempre resultó difícil. Al igual que Beelzebub, a medida que avanzaba la historia y un nuevo robot estaba disponible, siempre me emocionaba construirlo y personalizarlo, un testimonio de lo diferente que se siente pilotar cada vehículo.

En cuanto a la escritura, creo que la nueva historia que llega después de la primera mitad del juego es brillante. No quiero spoilear mucho, porque para los fanáticos de Sand Land esto esencialmente servirá como una secuela del manga original, pero podría decirse que la segunda mitad de la misión principal es incluso mejor que la primera. Aquí es donde tienen lugar las peleas contra jefes más interesantes y donde también desbloqueas la segunda mitad del mapa, por lo que te sugeriría que te quedes ahí si empiezas a aburrirte hacia el final de la primera mitad del juego. La oportunidad de escribir una continuación de la historia principal claramente tuvo el beneficio adicional de permitirle al desarrollador ILCA mucha más libertad para diseñar misiones que no estén restringidas por la trama del manga original, y realmente se nota. Si bien estoy extremadamente feliz de que hayan hecho justicia al manga original, la segunda mitad de la misión principal es definitivamente más fuerte, en cuanto a jugabilidad, y la escritura de Toriyama en la nueva historia es tan buena en 2024 como lo era en 2000.

Sin embargo, no todo es positivo. En primer lugar, hay bastantes misiones de sigilo forzadas en la historia principal (conté cinco) y un par de misiones secundarias. El juego de sigilo es básico y no es desafiante ni divertido. Afortunadamente, estos segmentos son fáciles y rápidos de completar, pero al final parecieron innecesarios. En segundo lugar, algunas de las misiones principales terminaron pareciéndose muy similares entre sí. La primera vez que pude explorar uno de los restos de una vieja superarma, me pareció nuevo y emocionante; un entorno nuevo para explorar con diferentes enemigos contra los que luchar. La quinta vez empezó a parecer aburrido, especialmente cuando todos los interiores terminaron pareciéndose mucho entre sí. Finalmente, y esto puede parecer un poco quisquilloso, tu grupo repite las mismas líneas de diálogo cuando estás fuera de combate con demasiada frecuencia. Creo que debí haber escuchado a Thief y Rao tener la misma discusión sobre las locuras de la humanidad hasta 40 veces antes de terminar el juego.

En cuanto al rendimiento, Sand Land funcionó perfectamente en PC. A mitad de juego, recordé haber jugado la demo unas semanas antes y lo terrible que había sido la actuación. El tartamudeo constante y los problemas de textura extraños en la demostración me hicieron preocuparme de que el juego completo fuera un caso clásico de un puerto de PC terrible. Sin embargo, jugué la versión completa a 120 FPS con todas las configuraciones al máximo y Sand Land se sintió consistentemente fluido en todo momento. Volví a jugar la demostración brevemente solo para asegurarme de que no estaba imaginando cosas y definitivamente todavía tenía los mismos problemas de tartamudeo que tenía antes, por lo que puedo informar felizmente que parecían haber solucionado los problemas para la versión completa.

30 horas en Sand Land, me di cuenta de algo extraño. En última instancia, Sand Land no es una historia sobre su personaje principal, Beelzebub, sino una historia sobre su encuentro casual con el anciano Rao. Rao está en desacuerdo consigo mismo, un anciano con la conciencia culpable. Desconfía tanto de las personas como de los demonios, pero constantemente hace todo lo posible por mantener la mente abierta y no asumir lo peor de los demás. El infantil Beelzebub simplemente está de acuerdo, pero su inocencia y su incapacidad para mentir llevan a Rao a confiar continuamente en él.

Cuando era adolescente, naturalmente me identificaba con el abiertamente travieso Belcebú. Pero al experimentar la historia de Sand Land por segunda vez a una edad mucho mayor, me di cuenta de que había llegado a tener mucho más en común con Rao. Justo cuando el anciano marchito de la historia de Sand Land finalmente había permitido que Beelzebub, con los ojos muy abiertos, literalmente tomara el volante, me di cuenta de que había hecho lo mismo a lo largo de mi partida. Asumí lo peor de Sand Land durante mis primeras horas con él, pero su diversión tonta y simple me fue desgastando poco a poco cuanto más jugaba. Es a la vez una adaptación emocionante y una experiencia agradable, un ejemplo inusual de un juego de anime que realiza cambios inteligentes en su material original a favor de su jugabilidad.

Al equipo de ILCA claramente le encanta Sand Land, y la única prueba que necesitas de este hecho es el juego en sí, pero también está claro que Bandai Namco les dio a los desarrolladores una buena cantidad de tiempo para llevar a cabo su visión. Los mapas son grandes y expansivos, y la gran cantidad de misiones secundarias y contenido secundario hacen un gran trabajo al desarrollar el mundo de una manera que el manga nunca lo hizo. Una vez que terminé con Sand Land, logré dedicarle aproximadamente 50 horas y rara vez sentí que el juego se estaba agotando. De hecho, todavía me quedan algunas actividades secundarias por hacer, por lo que ni siquiera estoy del todo seguro de cuánto tiempo me llevará completar Sand Land, pero estoy emocionado de descubrirlo.

Sand Land se siente como un proyecto apasionante, el raro ejemplo de un juego de anime que realmente eleva y mejora la historia en la que se basa. Sand Land no hace todo bien, pero es más de lo que esperaba o esperaba. Sin embargo, lo más importante es que creo que ILCA debería estar extremadamente orgullosa de hacer justicia al legado de Akira Toriyama. Sand Land es el juego que sus fanáticos merecen y un maravilloso recordatorio final del increíble impacto que un hombre ha tenido en la industria del juego.

Bandai Namco proporcionó una copia de Sand Land para su revisión.

Es una pena que gran parte de esta hora se dedique a brindar una historia de fondo que nadie realmente pidió, porque su premisa general es realmente súper interesante. Aún buscando la ubicación del misterioso dispositivo de los Progenitores, Descubrimiento rastrea la nave de Moll y L’ak hasta una anomalía similar a un agujero de gusano que conduce a una bolsa de espacio interdimensional donde supuestamente se esconde la siguiente pista. (Estos científicos de antaño pusieron en trabajar ocultar lo que sea que sea esta cosa, es lo que estoy diciendo.) Burnham y Book toman una lanzadera dentro de ella (al menos uno de sus comandantes principales permanece en la nave esta vez) donde encuentran a los Terran. ISS Empresala versión Mirror Universe de la famosa nave espacial que ha sido dañada y abandonada.

Dudo que sea la única persona que quiera saber más sobre los Terran que alguna vez estuvieron a bordo de esta nave, por qué decidieron huir a nuestro universo, o cómo la versión de Saru del Universo Espejo, aparentemente la misma a la que Michael le enseñó a luchar hace temporadas, ayudó a llevarlos a un lugar seguro. Quiero decir, tengo muchas preguntas: ¿Cuándo sucedió esto? ¿Cuánto tiempo lleva esto? Empresa ¿Ha sido abandonado en el espacio interdimensional? (Tuvo que pasar algún tiempo después de que Michael y Descubrimiento saltó al futuro, desde el Universo Espejo Empresa tenía que permanecer en su propia dimensión el tiempo suficiente para que Star Trek: la serie original episodio “Espejo, Espejito” se llevaría a cabo, ¿verdad?) ¿Hubo dos ¿Sarus en este universo en algún momento? ¿Algo del Universo Espejo? Empresa ¿La tripulación cruza como refugiados? Probablemente nunca lo sabremos, pero de todos modos tengo curiosidad. También tengo preguntas sobre cómo las personas que escondieron todas estas pistas en primer lugar determinaron que este era un escondite imprescindible, pero muy poco sobre esta búsqueda de rompecabezas ha tenido mucho sentido, así que sigamos adelante.

Es lamentable que los terran Empresa La conexión es mucho más intrigante que la gran revelación de la hora, que es que L’ak es miembro de Breen, y él y Moll tienen una recompensa de sangre por sus cabezas. Los Breen son una especie exótica con ambos La próxima generación y Espacio profundo nueve orígenes, y cuyos rostros nunca antes habíamos visto en pantalla. Su cultura es solitaria y misteriosa y este giro debería ser mucho más convincente que el catalizador de una desgracia. Al estilo Romeo y Julieta romance con un poco de estafa abierta encima.

Moll, una mensajera que entrega dilitio a los Breen tras el incendio, está cortando sus envíos con otros materiales para ganar más dinero. Ella se ofrece a incluir al deshonrado real L’ak en su plan, para darle la oportunidad de vengarse del tío que lo degradó porque era demasiado diferente del resto. ¿En qué se diferenciaba? ¿Por qué importaba eso? Emoji encogiéndose de hombros. Él acepta y comienza el coqueteo.

Antes de que te des cuenta, están teniendo conversaciones supuestamente significativas sobre «caras reales» y actuaciones. El mandaloriano–estilo de remoción de cascos en cámara lenta junto con sus carreras de entrega de estafadores. Pero, por supuesto, eventualmente son atrapados, y ahora están siendo perseguidos eternamente por asesinos entrenados muy talentosos y tienen la esperanza de poder intercambiar la tecnología Progenitor para salvar sus vidas. Este no es un gran plan, como Michael señala correctamente, los Breen probablemente simplemente tomarán su tecnología destructora de mundos y los matarán de todos modos si llegan tan lejos, pero es el que van a seguir.

En el lado positivo, “Mirrors” es el mejor episodio de Book and Burnham que hemos tenido en mucho tiempo. Un sólido recordatorio de lo buenos que son como equipo, tanto táctica como emocionalmente: el inesperado recuerdo de Michael sobre Spock fue encantador, al igual que el momento agridulce entre ellos cuando ambos pensaron que probablemente morirían tratando de salir del agujero de gusano. Más allá de que todo el Libro cometió alguna traición leve la temporada pasada, que está claro que Michael (y la Federación en general) lo ha perdonado, no está del todo claro por qué los dos no están juntos en este momento más allá de la necesidad de una tensión dramática entre a ellos. Y dado que el programa no podría telegrafiar más esa reunión, tal vez sea hora de ir al grano en lo que respecta a ellos dos.