A veces las imágenes dicen más que mil palabras. Esta semana el rey Carlos presentó su propio retrato en el Palacio de Buckingham en Londres. Videos en redes sociales muestran este momento. Carlos III Tira de un paño negro y éste cae al suelo. El rey mira la pintura y se estremece.

¿Le desagrada? ¿O le asusta el rojo brillante? Eso es lo que dicen las especulaciones en Internet. Una cosa es segura: la imagen se aleja de las pinturas tradicionales de los monarcas. Y es muy, muy rojo. Tan rojo que sólo se reconoce al Charles retratado a segunda vista.

Con el uniforme de la Guardia Galesa.

El óleo, que mide dos por dos metros y medio, es del artista británico Jonathan Yeo. Es uno de los retratistas más solicitados del mundo. Ha interpretado al ex primer ministro británico Tony Blair, al secretario de Asuntos Exteriores británico David Cameron y a la actriz australiana-estadounidense Nicole Kidman. También pintó un cuadro de la reina Camilla.

El retrato de Carlos III Se encargó en 2020, cuando Carlos aún no era rey. Fue encargado por Draper’s Company, una venerable asociación británica de comerciantes que ahora se dedica a causas benéficas. El retrato de Carlos III debería estar terminado en 2022, en honor a los 50 años de membresía de Charles en la asociación. Pero mientras tanto han sucedido muchas cosas en la familia real británica. Murió la reina Isabel II, Carlos III. se convirtió en rey. Entonces el pintor tardó más en terminarlo. Y el retrato ha cobrado más importancia.

En la imagen, el Rey viste el uniforme de la Guardia Galesa, una rama del ejército británico que el Rey encabeza desde 1975. El uniforme está decorado con decenas de medallas. Charles sostiene una espada en sus manos. Al igual que muchos otros representantes reales que señalaron su poder con insignias especiales en imágenes. Hasta ahora, tan tradicional.

De lo que merece la pena hablar especialmente es del color brillante e intrusivo del cuadro. Algunos encuentran el color refrescante y moderno. Muchos otros no lo hacen. La imagen parece un cartel de una película de terror, como si fuera Carlos III. hundirse en sangre, dice en publicaciones de la plataforma X Un usuario escribe: “Como Satanás ardiendo en el infierno”.

¿Qué significa la mariposa?

Y luego está la mariposa en el hombro derecho de Charles. Según los informes, el artista Yeo pintó la mariposa monarca a petición del rey. La mariposa monarca, en peligro de extinción, pretende simbolizar el compromiso de Carlos con la protección del medio ambiente. ¿O hay más? Los medios sensacionalistas británicos especulan sobre el significado del animal. El periódico Daily Mail cita a un historiador del arte que dice que podría ser una referencia al futuro en peligro de la monarquía. La mariposa debe entenderse como una advertencia.

El artista Yeo escribe en su sitio web que la mariposa es el símbolo de la metamorfosis y el renacimiento. Y así representa la transición de príncipe a rey. Yeo: “Al igual que esta mariposa, el papel del rey también ha cambiado”. Con el cáncer de Charles, que se conoció en febrero, la mariposa no tiene nada que hacer. Yeo le dijo al Times que sólo se enteró de la enfermedad del rey cuando la pintura ya estaba terminada.

El arte es subjetivo, pero me resulta difícil someterme a este nuevo retrato del rey Carlos, el primero realizado desde su coronación y una de las pinturas más espeluznantes que jamás haya visto. El cuadro de dos metros y medio de altura, que fue completado recientemente por el artista Jonathan Yeo y presentado en el Palacio de Buckingham el martes, muestra el rostro de Carlos en medio de un mar turbulento de pintura roja, que la BBC ha denominado «rojo vivo» y el Correo diario descrito como «ardiente». Grandes adjetivos, pero para mí, este color da la vibra distintiva de la sangre.

Según la BBC, Yeo pintó a Charles con el uniforme de la Guardia Galesa, un guiño a su papel como coronel de regimiento de esa división del ejército británico. La mayor parte del uniforme de la Guardia Galesa es rojo, pero en este retrato, todo, excepto el rostro del rey, parece como si hubiera sido sumergido con fuerza en un espeso plasma carmesí. Yeo le dijo a la BBC que la mariposa (también roja) que flota cerca del hombro derecho de Charles simboliza «metamorfosis y renacimiento» y su dedicación a las causas ambientales «mucho antes de que se convirtieran en una conversación generalizada». Hmm, ¿podría representar también miles de almas masacradas? por el Imperio Británico, batiendo infructuosamente sus alas contra las cadenas de la opresión?

Dejando a un lado el simbolismo de la mariposa, esta imagen generalmente no irradia el aura de calma y comodidad que uno espera de una monarca que vende mermelada y canta a sus plantas. En cambio, el rostro de Charles es como un espectro incorpóreo de muerte flotando entre violentas pinceladas. ¿Este tipo realmente cree que ahora es un buen momento para recordarnos nuestras asociaciones entre él y la sangre? Alternativamente, tal vez se trate de una representación imaginada del rey Carlos pudriéndose en el infierno en tiempo real.

Pero, ¿quién soy yo, una mujer estadounidense con especialización en historia del arte, para decir qué constituye un buen retrato real? Preguntémosle a la única mujer cuya opinión realmente importa: aparentemente, la reina Camilla visitó a Yeo hacia el final de su proceso y evaluó la pintura. ¿Su veredicto? «Sí, lo tienes».

Ron Howard estaba nervioso. Un día de 1977, el futuro ganador del Oscar (“Una mente maravillosa”) estaba en el set de su debut como director y tenía las manos sudorosas. Su productor, el rey de las películas de serie B, Roger Corman, le había garantizado un presupuesto para la comedia de choques “Grand Theft Auto” que era bastante aceptable para sus estándares. Pero no fue suficiente delante y detrás.

El calendario de rodaje era demasiado apretado, el equipo demasiado pequeño y ahora Howard no tenía dinero para contratar varios cientos de extras para una escena multitudinaria. Cuando Corman vio la desesperación en los ojos de su joven protegido, puso suavemente su mano sobre su hombro, sonrió y dijo: «Ron, te lo prometo, si te va bien en esta película, nunca volverás a trabajar para mí». Él debería tener razón.

“Papa del cine pop”

Hay muchas anécdotas como ésta cuando se trata de Roger Corman. Alimentaron la leyenda del llamado “papa del cine pop”, a quien le gustaba afirmar que nunca perdía ni un centavo en una película.

Grandes de Hollywood como Martin Scorsese, Francis Ford Coppola y Peter Bogdanovich siempre hablaron con respeto y admiración sobre cómo alguna vez aprendieron su oficio de la manera más difícil de Corman. El director de “Avatar” James Cameron también empezó con él: para la adaptación de Star Wars “Battle Beyond the Stars”, el artista autodidacta ayudó en el taller de maquetas al inicio del rodaje; Al final, como director de arte, se encargó de los efectos especiales utilizados en la película.

Estaba en su naturaleza que Corman no dudara mucho cuando descubriera un talento útil en su entorno inmediato. Nacido en Detroit en 1926, hijo de una familia humilde, tuvo prisa por salir adelante en la vida desde el principio. Siguiendo los pasos de su padre, inicialmente se formó como ingeniero en la Universidad de Stanford. Pero después de unos pocos días en el trabajo, renunció y en su lugar firmó como chico de los recados en 20th Century Fox para poder despegar su carrera cinematográfica.

Tras una estancia en Europa, durante la cual estudió, entre otras cosas, literatura inglesa en Oxford, regresó a Hollywood en 1953. Apenas dos años después dirigió por primera vez, prácticamente al mismo tiempo, dos westerns de serie B y la película de ciencia ficción “El día que acabó el mundo”.

Chicas lascivas y moteros de mal humor

Corman era un velocista, no un corredor de larga distancia, cuando se trataba de ejecutar sus producciones, que en ese momento estaban dirigidas principalmente al mercado adolescente desatendido. Cuando se dio cuenta de que Hollywood ignoraba a los jóvenes, comenzó a hacer y producir películas de bajo presupuesto con monstruos y mutantes, fantasmas y vampiros, chicas lascivas y motociclistas de mal humor, a menudo en condiciones absurdas.

Las “obras” tenían nombres “como “Mujeres del Pantano”, Criatura del Mar Encantado” o “Noche de la Bestia de Sangre”. No era raro que se crearan sin ningún permiso de rodaje y con un puñado de actores que interpretaban a vaqueros e indios o terrícolas y marcianos al mismo tiempo. Lo que a los rapiditos de Corman les faltaba en valor de producción, lo compensaban con fantasía, inventiva e imaginación.

En 1959 filmó “Un cubo de sangre” en cinco días con un presupuesto de 50.000 dólares. “La pequeña tienda de los horrores” sólo le llevó 48 horas. Pero Corman siempre estaba pensando en la siguiente toma. Sólo así pudo dirigir más de 50 películas y autoproducir o coproducir más de 500 proyectos a lo largo de una carrera que se extendió por casi siete décadas.

El arte de Corman no consistía en reinventar constantemente el cine. Su genio residió en el hecho de que comprendió el principio del micropresupuesto mejor que nadie. Sabía servir constante y eficazmente a su grupo objetivo con productos de explotación baratos y produjo películas de entretenimiento modernas en las que, además de mucha acción, sexo, violencia y humor, siempre metía de contrabando un mensaje para los niños.

Clásico con Peter Fonda

«Roger incluso accidentalmente hacía una buena película de vez en cuando», recuerda con cariño Jack Nicholson, quien trabajó arduamente en la fábrica de talentos de Corman durante casi una década. En 1962, Corman hizo “The Intruder”, una de las primeras y mejores películas que abordó seriamente la segregación racial en Estados Unidos. Otros clásicos del género incluyen sus adaptaciones cinematográficas poéticas y morbosas de Edgar Allen Poe con Vincent Price de la década de 1960, así como la orgía alimentada por drogas “The Trip” y la película de motociclistas “The Wild Angels” (ambas con Peter Fonda).

En muchos sentidos, Corman se adelantó a su tiempo: hizo westerns femeninos y promovió el talento femenino en el cine estadounidense más que cualquier otro productor estadounidense. Tampoco es un hecho que llevara las obras de importantes cineastas de autor como Ingmar Bergman, Federico Fellini y Akira Kurosawa a las pantallas de los autocines estadounidenses en los años 70 con su productora y distribuidora New World Pictures.

Era un hombre multitarea y solucionador de problemas de ritmo rápido, profesor del cine del Nuevo Hollywood por un lado y un astuto hombre de negocios por el otro. Pero, sobre todo, Roger Corman fue una contradicción andante en sí mismo hasta bien entrada la vejez: un hombre con cabeza de técnico, mirada de médico rural jubilado y corazón de artista que capturó e incorporó los shocks y fenómenos centrales de la vida. la época con sensibilidad sismográfica expresó hábilmente los subtextos de su efímero cine basura entre sangre falsa y monstruos de papel maché. De una manera que sólo él podía hacerlo.

Roger Corman murió a la edad de 98 años en Santa Mónica, California.

Roger Corman, el legendario cineasta y rey ​​de las películas B que también ayudó a lanzar las carreras de Jack Nicholson, Martin Scorsese, Ron Howard, Francis Ford Coppola, James Cameron, Robert DeNiro y muchos más, murió a la edad de 98 años.

Según informa Variety, Corman falleció el pasado 9 de mayo en su casa de Santa Mónica, California, mientras estaba rodeado de su familia.

«Sus películas eran revolucionarias e iconoclastas, y capturaron el espíritu de una época. Cuando se le preguntó cómo le gustaría ser recordado, dijo: ‘Yo era cineasta, sólo eso'», dijo la familia en un comunicado.

Roger Corman nació el 5 de abril de 1926 en Detroit, Michigan, y no fue una persona que creció soñando con triunfar en Hollywood. De hecho, fue a la Universidad de Stanford y decidió estudiar ingeniería industrial, pero descubrió que ese campo no era su pasión.

Después de la universidad, pasó cuatro días completos trabajando en US Electrical Motors y terminó esa carrera cuando le dijo a su jefe: «He cometido un terrible error». Con su futuro ahora en sus manos e ilimitado, decidió seguir el camino del cine ya que su hermano, Gene Corman, era un agente en activo en la industria cinematográfica.

Su primer trabajo fue en la sala de correo de 20th Century Fox y terminaría teniendo una carrera que era legendaria. Sin embargo, no era conocido por los éxitos de taquilla de gran presupuesto y, en cambio, encontró su nicho en el mundo de las películas de bajo presupuesto de muchos géneros que podían realizarse muy rápidamente.

Ayudó a encabezar cientos de estas películas como cofundador de New World Pictures, fundador de Concorde/New Horizons y más, y recibió un Premio Honorario de la Academia por su «rica generación de películas y cineastas».

Le pusieron apodos como «El rey del cine de culto» y «El Papa del cine pop», ya que sólo unas pocas de sus películas no lograron generar beneficios en casi seis décadas de realización cinematográfica. Si bien estas películas pueden no ser el apogeo del cine, ayudaron a sentar las bases para algunos de los mejores actores y directores que jamás hayan existido.

Además de los nombres enumerados en la introducción, Corman fue una pieza clave para ayudar a impulsar las carreras de Ingmar Bergman, Akira Kurosawa, Peter Bogdanovich, Gale Anne Hurd, Peter Fonda, Dennis Hopper, Bruce Dern, William Shatner, Sandra Bullock, Jonathan. Demme, Joe Dante y muchos más.

Como se mencionó anteriormente, trabajó con Ron Howard cuando dirigía su primer largometraje en Grand Theft Auto en 1977. Howard se quejó un poco de que Corman no pagó por los extras de la película, a lo que respondió: «Ron, si lo haces». «Un buen trabajo para mí en esta película, nunca más tendrás que trabajar para mí».

También es en cierta medida responsable de la megafranquicia conocida como Rápido y Furioso, ya que produjo una película con el mismo nombre en 1955. El productor Neal Moritz se acercó a Corman sobre el nombre cuando se estaba preparando para lanzar la franquicia, y los dos accedió a hacerlo realidad.

La mayoría de sus créditos fueron como productor de películas que contaban con un presupuesto de sólo 5 millones de dólares o menos, pero también dirigió más de 50 proyectos, entre ellos Machine Gun Kelly, I Mobster, The Wild Angels, Little Shop of Horrors, House of Usher, y El Intruso.

Mantuvo una relación con muchas de las estrellas con las que trabajó a lo largo de los años, y muchas de ellas le dieron cameos en sus películas, incluyendo El Padrino: Parte II de Coppola, Apolo 13 de Howard, Filadelfia de Demme, El silencio del Lambs y los Looney Tunes de Dante: de nuevo en acción.

Hablando de aquellos a quienes ayudó y con quienes trabajó, personas de todo el mundo ya han comenzado a compartir algunas palabras sobre el impacto de Roger Corman, y compartiremos algunas a continuación;

«RIP Roger Corman. Un gran cineasta y mentor. Cuando tenía 23 años, me dio mi primera oportunidad de dirigir. Lanzó muchas carreras y lideró silenciosamente nuestra industria en aspectos importantes. Se mantuvo alerta, interesado y activo incluso a los 98 años. Agradecido haberlo conocido», Ron Howard escribió en Twitter/X.

«Roger Corman fue mi primer jefe, mi mentor de toda la vida y mi héroe. Roger fue uno de los mayores visionarios de la historia del cine. Estoy absolutamente devastado por su pérdida y envío mi amor y mi más sentido pésame a la familia Corman». Gale Anne Hurd escribió en Twitter/X.

«Roger Corman, uno de los directores de cine más influyentes de mi vida, falleció. Fue un privilegio conocerlo. Fue un gran amigo. Él moldeó mi infancia con películas de ciencia ficción y epopeyas de Edgar Allen Poe. Te extraño, Roger.» Juan carpintero escribió en Twitter/X.

«¡Perdimos una verdadera leyenda! En 1994, estaba en una película de bajo presupuesto cuando @markhamill visitado. ¿Por qué está aquí una superestrella como Mark? Estaba confundido. Bueno, fue un #RogerCorman proyecto. ¡A todos los que eran alguien les encantó visitar a Roger! ¡Incluso un jedi! En diciembre pasado, en los premios NAEJ, me encontré nuevamente con el Sr. Corman. Era enérgico, alegre y todavía muy apasionado por el cine. ¡Pura inspiración! Único en su clase. Es triste saber que este ser humano especial ya no está con nosotros. TY para todo. ROTURA,» Ming-Na Wen escribió en Twitter/X.

«Lamento mucho enterarme del fallecimiento de Roger Corman. Trabajar con Roger en The Wild Angels fue lo más destacado de mi vida. Era un hombre encantador. Envío mi más sentido pésame a su esposa Julie y a sus hijos». Nancy Sinatra escribió en Twitter/X.

A Corman le sobreviven su esposa, Julie Corman, y sus dos hijas, Catherine y Mary.

Adam Bankhurst es escritor de IGN. Puedes seguirlo en X/Twitter. @AdamBankhurst y en Tik Tok.

Roger Corman, el legendario cineasta mejor conocido por producir y dirigir cientos de películas clásicas de culto de bajo presupuesto, falleció a la edad de 98 años. Variedad, Corman murió rodeado de su familia en su casa de Santa Mónica el 9 de mayo. “Sus películas eran revolucionarias e iconoclastas, y capturaron el espíritu de una época. Cuando se le preguntó cómo le gustaría que lo recordaran, dijo: ‘Fui cineasta, sólo eso’”, dijo su familia en un comunicado compartido con Variedad.

Famosamente prolífico, Corman estuvo detrás de cientos de películas como director y productor, incluyendo Conquistó el mundo (1956), Un cubo de sangre (1959), La pequeña tienda de los horrores (1960), X: El hombre de los ojos de rayos X (1963), y La masacre del día de San Valentín (1967). También dirigió una serie de adaptaciones de la obra de Edgar Allen Poe protagonizada por Vincent Price, entre ellas Casa de Usher (1960), El pozo y el péndulo (1961), Cuentos de terror (1962), y El Cuervo (1963), todo lo cual le valió a Corman una reputación como pionero en el mundo del cine independiente.

Docenas de cineastas notables comenzaron sus carreras trabajando y aprendiendo de Corman, y James Cameron bromeó una vez: «Me formé en la Escuela de Cine Roger Corman». La impresionante lista de cineastas que se formaron en los sets de Corman incluye a Francis Ford Coppola, Martin Scorsese, Ron Howard, Polly Platt y Jonathan Demme. Además, sus películas dieron grandes oportunidades a actores como Jack Nicholson, Peter Fonda, Bruce Dern, Charles Bronson, Tommy Lee Jones, Talia Shire, Sandra Bullock y Robert De Niro. Muchos honraron a Corman con cameos en sus propias películas, de ahí las apariciones del director en El Padrino Parte II, El silencio de los corderos, Apolo 13y Raquel se casa. En 2009 recibió el Premio de la Academia Honorífico.

El legendario rey del cine B, Roger Corman, que dirigió y produjo cientos de películas de bajo presupuesto y descubrió futuras estrellas de la industria como Jack Nicholson, Martin Scorsese y Robert De Niro, ha fallecido. Tenía 98 años.

Corman murió el 9 de mayo en su casa de Santa Mónica, California, rodeado de familiares, confirmó la familia a Variedad.

“Sus películas fueron revolucionarias e iconoclastas y capturaron el espíritu de una época. Cuando se le preguntó cómo le gustaría que lo recordaran, dijo: ‘Yo era cineasta, sólo eso’”, dijo la familia en un comunicado.

El imperio de Corman, que existió en varias encarnaciones, incluidas New World Pictures y Concorde/New Horizons, era tan activo como cualquier estudio importante y, se jactaba, siempre rentable. Se especializó en películas de género trepidantes y de bajo presupuesto (terror, acción, ciencia ficción e incluso algunas películas familiares) y su compañía se convirtió en un campo de entrenamiento para una amplia variedad de talentos importantes, desde actores como Nicholson (“ Little Shop of Horrors”) y De Niro (“Boxcar Bertha”) hasta directores como Francis Ford Coppola (“Dementia 13”) y Scorsese (“Boxcar Bertha”).

Cuando Corman recibió un Oscar en la primera ceremonia de los Governors Awards de AMPAS en noviembre de 2009, Ron Howard lo elogió por contratar mujeres en puestos ejecutivos y creativos clave, así como por darles papeles importantes, y Walter Moseley fue citado diciendo que Corman le ofreció “una de las pocas puertas abiertas”, mirando más allá de la edad, la raza y el género.

Corman elogió el cine como “la única forma de arte verdaderamente moderna”. Pero señaló que la necesidad de pagos al elenco y al equipo significa un compromiso constante entre el arte y los negocios.

Howard también bromeó diciendo que cuando dirigió su primera película, «Eat My Dust», se quejó con Corman por el bajo presupuesto y los escasos extras para una escena multitudinaria, sólo para que le dijeran: «Si haces un buen trabajo en esta película, ¡Nunca más tendrás que trabajar para mí!

Quentin Tarantino brindó por él con un “gracias a los cinéfilos del planeta Tierra”. Jonathan Demme elogió su actuación y dijo que Corman aportaba «un valor tremendo a un precio realmente asequible». En varias películas para Demme, Corman quería los mismos honorarios que les dio a los actores en las más de 50 películas que había dirigido: escala más 10%.

Durante casi medio siglo, se hizo cargo del mercado de películas de serie B, que había desaparecido en gran medida a raíz de la televisión, y lo mantuvo vivo casi sin ayuda de nadie (junto con Sam Arkoff de American Intl. Pictures, que financió la mayor parte de las primeras películas de Corman). dirigir/producir esfuerzos). Hasta bien entrados los noventa, producía Bs por 5 millones de dólares o menos y los lanzaba para su estreno en vídeo y televisión.

Después de dejar la dirección a finales de los años 60 (para regresar sólo brevemente a mediados de los 80 con “Frankenstein Unbound”), formó New World Pictures, que también importó películas artísticas extranjeras como “Cries and Whispers” de Ingmar Bergman y enseñó a la industria cómo comercializar y distribuir eficazmente películas tan enrarecidas.

Nacido en Detroit, Corman se mudó con su familia en 1940 a Los Ángeles. Asistió a Beverly Hills High School y luego a la Universidad de Stanford, con especialización en ingeniería. Admitió estar enamorado del cine desde que llegó a California. «No había manera de que no me interesaran las películas, mientras crecí donde lo hice», dijo una vez.

El servicio en la Segunda Guerra Mundial y su educación (también asistió a Oxford durante un semestre, estudiando literatura inglesa) lo frenaron. Después de Stanford, trabajó durante cuatro días en US Electric Motors y luego intentó entrar en el negocio trabajando como mensajero en 20th Century Fox. Cuando regresó de Oxford (y de una breve estancia en París) se convirtió, según sus propias palabras, en “un vagabundo”. De 1951 a 1953 realizó trabajos ocasionales y cobró desempleo. Trabajó brevemente como lector de guiones; Convencido de que podía hacerlo mejor, escribió “Highway Dragnet” y la vendió a Allied Artists por 4.000 dólares.

Con el dinero que ganó con el estreno de 1954 y las contribuciones de familiares y amigos, produjo “The Monster From the Ocean Floor” y llegó a un acuerdo con Arkoff’s AIP. A cambio de adelantos en efectivo, Corman acordó hacer una serie de películas.

Entre 1955 y 1960, Corman produjo o dirigió más de 30 películas para AIP, todas con un presupuesto de menos de 100.000 dólares y producidas en dos semanas o menos. Había películas del oeste (“Five Guns West”, “The Gunslinger”); terror y ciencia ficción (“El día que el mundo acabó”, “Los no muertos” en 1956 y 1957); así como películas para adolescentes como “Carnival Rock” y “Rock All Night”.

Pronto se convirtió en el héroe de los autocines.

Críticamente, no fue hasta «Machine Gun Kelly» en 1958 que Corman llamó la atención. A esa película le siguió una película de estudio, “I Mobster”, para Fox. Después de “La pequeña tienda de los horrores” en 1960, Corman convenció a Arkoff para que financiara algunos proyectos más ambiciosos, en particular, una serie de películas basadas en las obras de uno de los autores favoritos de Corman, Edgar Allan Poe. La serie de terror, que comenzó con “La caída de la casa Usher” en 1960, generó ocho éxitos de bajo presupuesto, entre ellos “La tumba de Ligeia” y “La máscara de la Muerte Roja”. Revivieron las carreras de Boris Karloff, Vincent Price, Basil Rathbone y Peter Lorre y se convirtieron en una especie de clásicos.

Durante el mismo período, dio sus primeros papeles a actores desconocidos como Ellen Burstyn, Nicholson y De Niro, guionistas como Robert Towne y directores como Scorsese, Demme, Joe Dante y Peter Bogdanovich.

Su única película con “mensaje”, “The Intruder” de 1962, protagonizada por William Shatner, trataba sobre el racismo. Las críticas fueron buenas, pero debido a que la película usó la palabra «N», se le negó el Sello del Código de Producción, por lo que las reservas fueron pocas. “Decidí en ese momento que nunca más volvería a hacer una película que fuera tan obviamente una declaración personal”, le dijo una vez a un entrevistador del New York Times.

Tampoco estaba satisfecho con su incursión en películas “grandes” para Columbia Pictures cuando los ejecutivos intentaron limitar sus presupuestos. De regreso a AIP, hizo “The Wild Angels”, una película de motociclistas con Peter Fonda que costó 360.000 dólares y recaudó más de 25 millones de dólares.

Le siguió “The Trip”, sobre el LSD y otros éxitos juveniles. Pero empezó a perder fuerza en la época de “Bloody Mama” en 1970 y se retiró de la dirección después de “Von Richthofen and Brown”. En 1970 formó New World Pictures para producir y distribuir el tipo de películas que Arkoff alguna vez había financiado. Al final de su primer año, con lanzamientos como “Women in Cages” y “Night Call Nurses”, estaba en números negros. Posteriormente produciría películas como “Piranha”, “Eat My Dust” y “Death Race 2000”.

Su hambre por las películas artísticas comenzó en 1972 con “Cries and Whispers” de Bergman y continuó con “Autumn Sonata”, “The Story of Adele H”, “Amarcord” y “Fitzcarraldo”. Reinventó su marketing y distribución, reservándolos en una variedad más amplia de lugares y brindando al público fuera de las grandes ciudades una muestra del cine mundial que no habían disfrutado antes.

Las películas extranjeras representaban una quinta parte de los 55 millones de dólares de ingresos anuales del Nuevo Mundo en 1980. También añadió a su mezcla películas familiares como «A Hero Ain’t Nothin’ but a Sandwich» y proyectos de mayor precio (5 millones de dólares), como la película de ciencia ficción. -Fier “Batalla más allá de las estrellas”. En 1983 vendió New World por 16,5 millones de dólares y fundó Concorde/New Horizons. Siguió descubriendo nuevos talentos como el director Luis Llosa y en 1989 ya presumía de Variedad de una serie de 40 personas consecutivas que obtuvieron ganancias. Pero el mercado había cambiado y sus ganancias nunca alcanzaron las alturas del AIP o los primeros días del Nuevo Mundo. Afortunadamente para Corman, el siempre floreciente mercado extranjero tomó parte del relevo (llegó a representar la mitad o más de su negocio) y CNH surgió en el momento perfecto para capitalizar el nuevo mercado de vídeo doméstico. Con su enorme catálogo anterior, estaba perfectamente posicionado para sacar sus fotografías antiguas en video y al mismo tiempo crear otras nuevas dirigidas específicamente a ese mercado.

Al regresar a la silla de director por primera vez en dos décadas con “Frankenstein Unbound” de 1990, Corman decepcionó a los fanáticos del género y no volvió a dirigir.

Sin embargo, no hay duda de que su estrategia de alto volumen para vídeos domésticos tuvo un éxito financiero. Corman cambió el nombre de la empresa a New Concorde en 2000 y se reorganizó para formar New Concorde Home Entertainment.

Corman había producido una película llamada “Rápido y Furioso” en 1955, y cuando el productor Neal Moritz descubrió la película cuando estaba lanzando su propia franquicia impulsada por automóviles protagonizada por Vin Diesel y Paul Walker, Moritz decidió que tenía que hacerlo. Tengo ese título para la película. Los dos hombres llegaron a un acuerdo según el cual Moritz intercambió material de archivo por los derechos del nombre de la película de 2001 y sus sucesoras.

Corman también encontró nuevos medios para sus fotografías en Showtime y Sci Fi Channel (ahora Syfy). CNH produjo una serie de películas de ciencia ficción, terror y fantasía “Roger Corman Presents” para el canal de pago. La serie “Black Scorpion” del canal de ciencia ficción de 2001 se basó en dos de sus películas más populares directamente en video. Las imágenes televisivas de Syfy incluyeron “Dinoshark”, “Dinocroc vs. Supergator” y “Sharktopus”.

En 2005, Concorde firmó un contrato de 12 años con Buena Vista Home Entertainment, otorgando a este último los derechos de distribución de las más de 400 películas producidas por Corman, luego, en 2010, Corman firmó un acuerdo con Shout Factory otorgando a este último los derechos exclusivos de Homevid en Norteamérica sobre 50 Corman. -películas producidas.

Juntos lanzaron una serie de entretenimiento en el hogar llamada Roger Corman’s Cult Classics. Los primeros títulos disponibles fueron “Piranha”, “Humanoids From the Deep”, “Up From the Depths” y “Demon of Paradise”.

En 1990, Corman publicó sus memorias «Maverick: Cómo hice 200 películas en Hollywood y nunca perdí un centavo».

Con frecuencia hacía cameos en las películas de los cineastas exitosos que comenzaron con él, apareciendo, por ejemplo, en “Philadelphia” de Demme, “Apollo 13” de Howard, “El Padrino: Parte II” de Coppola y “Looney Tunes: Back” de Dante. en acción.»

En 1998 recibió el primer Premio de Productores jamás otorgado por el Festival de Cine de Cannes.

En 2006, Corman recibió el premio David O. Selznick del Producers Guild of America. El mismo año, su película “La caída de la Casa Usher” estuvo entre las 25 películas seleccionadas para el Registro Nacional de Películas, una recopilación de películas importantes que la Biblioteca del Congreso conservará.

El largometraje documental de Alex Stapleton de 2011, “El mundo de Corman: hazañas de un rebelde de Hollywood”, exploró las actividades del cineasta.

A Corman le sobreviven su esposa, la productora Julie Corman y sus hijas Catherine y Mary.

(Carmel Dagan contribuyó a este informe).

El inversor inmobiliario Grant Cardone aparecerá en Home.Made.Nation de A&E después de que el bloque de estilo de vida se apoderara de su Rey inmobiliario serie.

La serie tiene licencia para la cadena y se estrenará el 12 de junio.

El programa sigue a Cardone mientras los operadores inmobiliarios locales y aspirantes le proponen una variedad de acuerdos inmobiliarios, mientras compiten por la oportunidad de conseguir un acuerdo financiado por el propio rey de los bienes raíces.

Está producido por 10X Studios, fundado por Cardone y Aengus James. El acuerdo fue cerrado por Mónica Gil-Rodríguez de CRE84U Entertainment y John Pollak de Allied Management Group.

Además de inversor inmobiliario, Cardone es autor de La regla 10X libro y conferencia de crecimiento 10X, así como administrador de fondos de acciones.

CRE84U y Allied Management Group representarán la lista 10X en los mercados globales y serán productores ejecutivos junto con Cardone y James.

“Quiero ayudar a Estados Unidos a aprender cómo crear riqueza generacional invirtiendo en bienes raíces. En la primera temporada visito diez grandes ciudades de Estados Unidos en busca de excelentes propiedades inmobiliarias para comprar. Ningún acuerdo es demasiado pequeño o demasiado grande. Si se trata de una excelente propiedad inmobiliaria al precio correcto con el socio adecuado, la compraré con mi dinero. En el proceso de ver el programa, el espectador aprenderá mis secretos para crear una riqueza masiva invirtiendo en bienes raíces”, dijo Cardone.

“Estamos encantados de desempeñar un papel en el monumental esfuerzo de llevar el contenido de 10X Studio de Grant Cardone y Aengus James a una audiencia mundial. Como emprendedor, entiendo profundamente la importancia de tener acceso a contenido fascinante y procesable capaz de impulsar las empresas a alturas sin precedentes. El resonante mensaje de Grant, especialmente en medio de un contexto de incertidumbre económica, tiene una profunda relevancia. Anticipo con impaciencia el impacto transformador que la feria tendrá sin duda en la comunidad empresarial local”, añadió Gil-Rodríguez.

[Warning: The following contains details about the non-fiction book on which Starz’s Mary & George is based.]

La historia se reescribe en El asesino del rey: El asunto fatal de George Villiers y James I. El libro de no ficción, escrito por Benjamin Woolley, es la base del sexy drama de época de Starz. María y Jorge y examina la evidencia que sugiere que George Villiers realmente mató al rey James I, como acusaron a sus enemigos después de la muerte del rey escocés en marzo de 1625. María y Jorge terminar de la misma manera? Esto es lo que nos dice el libro sobre cómo podría concluir el drama de Starz.

George Villiers, con la ayuda de su madre Mary, logró un ascenso meteórico al conectarse con el rey James I en 1615. James estaba tan embelesado con George que expresó públicamente su deseo de que George fuera su “esposa”. Durante la década siguiente, George siempre estuvo al lado de James, ya fueran asuntos de corte, estado o asuntos carnales. Deseosos de derrotar a George, sus oponentes políticos inmediatamente acusaron al duque de Buckingham de envenenar al rey. George mantuvo el poder y la influencia después de la muerte del monarca, incluso cuando se inició una investigación sobre su presunta participación en el fin de su amante.

Al final, no salió nada de las acusaciones contra George, pero Woolley sostiene que la arrogancia y la vulnerabilidad llevaron a George a envenenar a su amante y la fuente de su éxito. Woolley también señala en el libro que podría haber matado accidentalmente al rey después de que un tratamiento médico prescrito salió mal. Con solo dos episodios restantes de la serie limitada de siete episodios, María y Jorge parece estar preparándose para un posible resultado.

George, de Nicholas Galitzine, ha estado disfrutando de su improbable éxito durante dos episodios. Una vez que él y James (Tony Curran) finalmente se juntaron en el Episodio 4, para George todo fue cuesta arriba y una gran inflación del ego. Al igual que en la historia, James prefiere un enfoque de no intervención en el gobierno y sólo abre el parlamento cuando necesita más dinero para su lujoso estilo de vida. El deseo de James de que sus amantes alivien la tarea de tomar decisiones coloca a George en una excelente posición, pero también le da la falsa sensación de que es un buen político. ¡En realidad, apesta! Pero no podías hacer que su ego creyera eso.

George se está volviendo tan audaz que siente resentimiento hacia su madre, la intrigante y realmente brillante Mary (interpretada con diabólica ferocidad por Julianne Moore). George se está volviendo demasiado grande para sus pantalones, olvidando que fueron las constantes peleas de su madre las que lo hicieron triunfar. El camino no fue fácil, pero fue pavimentado gracias a ella, no porque George tuviera tanto talento como para que su transición se produjera sin problemas.

Mientras se gesta una rivalidad entre las estrellas titulares, María y Jorge está preparando el escenario para un final violento. No es difícil imaginar quién saldría victorioso en una hipotética pelea a muerte entre esta madre y su hijo, pero George ya ha salido de situaciones cercanas a la muerte antes. La historia nos dice que James fue el primero en morir en 1625, seguido por George en 1628; John Felton, un oficial del ejército que guarda rencor contra George, lo mató a puñaladas. María murió entonces en 1632. Dado que María y Jorge es una serie limitada basada en un libro sobre la muerte… diríamos que es seguro asumir que la serie representará al menos algunos de estos finales.

En cuanto a si la muerte de James pudo ser accidental o intencionada, el programa claramente tendrá que elegir entre los dos. Un adelanto del episodio final lanzado por Starz el 9 de mayo (ver más abajo) revela un hermoso y romántico momento orquestado por el propio George. Guía a James, que parece débil y posiblemente enfermo, a un dormitorio que instaló en medio de un bosque como una especie de castillo caprichoso para compartir. Los pilares que los rodean están cubiertos de telas fluidas y la cama es un sueño. Claramente, George todavía está comprometido a hacer que su amante se sienta especial en el final, pero siempre tiene un motivo oculto.

George le entrega una botella de vino a James y lo observa beberla con gran interés. Sabiendo que George posiblemente envenenó a James en la vida real, te preguntas si este es el momento en que lo hace, pero luego George toma un trago de la botella justo antes de que termine el clip. Esto podría ser un presagio de que George le dará a James un medicamento falso, por accidente o no.

Dada la naturaleza violenta de la serie hasta ahora, y dada la mentalidad cada vez más engreída de George y su nueva inclinación por la violencia despiadada, apostaríamos nuestro dinero a que George matara intencionalmente a James y lo hiciera de una manera más violenta. No es lo suficientemente suave para el veneno, y la mayoría de las muertes en este programa hasta ahora han sido sangrientas. Si tenemos razón en que George tomará una ruta más física para matar al rey, ¿podría el programa tomarse la libertad y decir que Mary también podría estar involucrada? Hay evidencia histórica que insinúa que Mary podría haber ayudado a su hijo a conseguir el veneno, por lo que tenerla en la habitación donde sucede no está definitivamente en las cartas.

María y Jorgeviernes, 9/8c, Starz

Esta semana, el Príncipe Harry regresó al Reino Unido para el décimo aniversario de los Juegos Invictus, su evento de estilo Paralímpico para militares heridos. Esta es la primera vez que regresa desde febrero, cuando visitó a su padre poco después de que al rey Carlos le diagnosticaran cáncer. Excepto que esta vez, los muchachos reales han vuelto a pelear: el rey Carlos y el príncipe William organizaron sus propios eventos importantes el mismo día de un servicio religioso que conmemora los Juegos Invictus, lo que obligó a Harry a llegar solo a la Catedral de St. Paul.

Según el Daily Beast, nadie de la familia real británica apareció en la iglesia para el servicio de Harry, posiblemente porque todos debían asistir a una gran fiesta organizada por Carlos exactamente al mismo tiempo. Al parecer, Carlos ordenó a todos los miembros de la realeza que asistieran a una fiesta en el jardín de 5.000 personas en el Palacio de Buckingham porque nada grita más “diversión” que una fiesta obligatoria. Allí, él y un elegante sombrero de copa saludaron a la tía de Harry, la princesa Ana, a su tío, el príncipe Eduardo, a la esposa de Eduardo, Sophie, a su primo, el príncipe Richard, y a la esposa de Richard, Bridget. La “realeza trabajadora” aparentemente no incluía a William y Kate, quienes Gente afirma que Harry invitó al servicio junto con Charles, pero William estaba ocupado con su propio compromiso el miércoles, organizando una investidura para (entre otras personas) el director Ridley Scott en el Castillo de Windsor.

Hasta ahora, ha sido una visita solitaria a Londres para Harry, quien dijo a los medios a través de un portavoz que ver a su padre mientras está en la ciudad «desafortunadamente no será posible debido al programa completo de Su Majestad». Una fuente dijo Feria de la vanidad que Charles está demasiado ocupado para ver a su hijo “se siente como un desaire”. Mientras tanto, supuestos informantes le dijeron al Daily Beast que Charles no verá a Harry porque todavía no lo ha perdonado por llamar a Camilla «peligrosa» y «villana» en sus memorias.

Afortunadamente para Harry, un lado de la familia está mucho menos distanciado: la hermana, el hermano y la prima de su difunta madre, Diana, estuvieron presentes. Espero que les haya traído algunas mermeladas de agradecimiento.

North West, Heather Headley de Broadway y el ganador del Grammy Lebo M. se han agregado al elenco de 30.° aniversario de El Rey León de Disney: un concierto en vivo para una películaun concierto musical que se llevará a cabo del 24 al 25 de mayo en el Hollywood Bowl.

Se unen a los veteranos de la franquicia y el reparto previamente anunciados Billy Eichner, Bradley Gibson, Ernie Sabella, Jason Weaver, Jeremy Irons, Nathan Lane y la invitada especial Jennifer Hudson para el evento de dos noches, que contará con una orquesta completa interpretando la partitura ganadora del Oscar de Hans Zimmer. . El elenco interpretará canciones y números con el vestuario, la escenografía y los títeres del espectáculo de Broadway.

Disney Concerts y Fulwell 73 Productions junto con AMP Worldwide y Live Nation-Hewitt Silva, el equipo detrás Encanto de Disney en el Hollywood Bowl (cuatro nominaciones al Emmy) y la ganadora del Emmy Elton John Live: Adiós desde el Dodger Stadium, están produciendo los eventos. El metraje pasará a formar parte de un especial original de Disney+. El Rey León en el Hollywood Bowlcelebrando los 30 años de la franquicia.

No se ha fijado una fecha de transmisión. La próxima entrega de la franquicia, la precuela de Barry Jenkins Mufasa: El Rey Leónllegará a los cines en diciembre.

West, la hija de Kim Kardashian y Kanye West, irrumpió en el cine dando voz a un papel en la película del año pasado. Patrulla Canina: La poderosa película y se convierte en la última hija de un importante artista musical en unirse a un Rey Leon elenco; La hija de Beyoncé y Jay-Z, Blue Ivy Carter, está en el elenco de voces de mufasa.

Headley, ganador del Tony por Aídainterpretó a Nala en la producción original de Broadway de El rey León. Lebo M. trabajó con Zimmer en las bandas sonoras de las películas originales como compositor y vocalista, así como en el musical de Broadway.

Para los conciertos del Hollywood Bowl, Gabe Turner y Sally Wood son los showrunners creativos, Paul Dugdale dirigirá y Misty Buckley es la diseñadora de producción.