Para Kevin Kane, el final nunca flaqueó una vez que se propuso mudarse a Nueva York a principios de los años para seguir una carrera en la actuación. Te dirá que la suerte parecía estar siempre de su lado, ya que el actor de Filadelfia encontró trabajo poco después de su llegada a la Gran Manzana.

Kane pronto fue lanzado al mundo de Dick Wolf Entertainment con pequeños papeles en Ley y Orden y Policía de Chicago Esto eventualmente lo llevaría a su papel recurrente actual como el detective Terry Bruno en Ley y orden: Unidad de víctimas especiales, que emitió su final de la temporada 25 el 16 de mayo.

Pero desde el principio, mientras estudiaba actuación en el William Esper Studio, Kane formularía un vínculo y una amistad para toda la vida con una compañera de clase llamada Amy Schumer. Juntos, no sólo perfeccionarían sus habilidades en el drama y la comedia, sino que también perfeccionarían su escritura, producción y todo lo que fuera necesario para garantizar que encontraran el éxito en Hollywood. Los resultados terminaron convirtiéndose en los ganadores del Emmy. Dentro de Amy Schumer (Comedy Central, seguida de una temporada de reactivación para Paramount+) y, más recientemente, la serie de Hulu. vida y bethque recientemente completó su segunda temporada de 10 episodios en febrero.

El reportero de Hollywood Recientemente nos reunimos con Kane para hablar sobre el final de UVE; su asociación y amistad únicas con Schumer a lo largo de su carrera; cómo una de sus experiencias traumáticas de la vida real se convirtió en un episodio de vida y beth; y profundas conservaciones filosóficas en el set con Ice-T.

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¿Qué te pareció el final de la temporada 25 de Ley y orden: Unidad de víctimas especiales¿“Deber de tener esperanza”?

Es uno de esos finales que reúne a todos los equipos para trabajar como uno solo, y hay una secuencia de acción y muchas cosas se entrelazan durante toda la temporada. Entonces, fue uno de esos tipos de finales culminantes. Fue divertido trabajar con Benson en algo lleno de acción. [Mariska Hargitay plays Captain Olivia “Liv” Benson], donde la respaldamos. Ha sido un viaje realmente divertido.

Es interesante cómo progresó tu carrera como habitual en UVE cuando recuerdas las muchas veces que apareciste como invitado en Ley y orden y UVE. Y ahora, aquí estás, en el papel habitual del detective Terry Bruno.

Honestamente, hombre, bastante rápido, después de bajarme del autobús, estaba en un set con Jerry Orbach. [one of the longest cast members of Law & Order from 1992 to 2004; Orbach died from cancer shortly after the 2003-2004 season ended] como mi primera vez en un televisor. Entonces, sí, he recorrido toda la gama del universo de Dick Wolf.

Háblame de The Collective NY. Ahí es donde tú y Amy Schumer se conocieron, ¿correcto?

Estuve en Nueva York durante un par de años y trabajé un poco. Tuve una novia, cuando tenía 20 años, que hacía esto Estrellas del pop (WB) espectáculo. Ella estaba en ese grupo Eden’s Crush; Entonces, ella y yo nos mudamos a Los Ángeles por un par de años y yo simplemente no sentía mi vibra con todo. Yo digo: «Voy a reiniciar». Entonces, fui al William Esper Studio en Nueva York, hice el programa de dos años y allí estaba mi compañera de clase, Amy Schumer. ¡Y tuvimos una clase especial realmente especial! Bill nos decía eso todo el tiempo. Él dijo: «Manténganse unidos, comiencen a trabajar juntos». Y formamos esta compañía de teatro, que realmente no llamamos compañía de teatro; simplemente íbamos a hacer cosas juntos. Íbamos a hacer algo de teatro; algunos cortometrajes y cosas así.

Y Amy hizo una especie de tontería para conseguir un patrocinio de cerveza. Ella estaba haciendo monólogos en ese momento y estaba empezando a tener un poco de tracción con eso. Y un tipo que era como el director ejecutivo de Genesee Beer la contrató para una fiesta en el patio trasero. Decía que los niños del centro bebían Pabst Blue Ribbon y él decía: «¿Por qué no mi cerveza?». Entonces Amy dijo: «Bueno, tenemos el espectáculo más popular en el centro y deberías enviarnos cerveza». Entonces, en una de las reuniones de nuestra compañía de teatro, y esta es la clásica Amy Schumer, ella entra y dice: “¡Chicos, tenemos que idear un espectáculo! ¡Tenemos 30 paquetes de 30 que llegarán el domingo por la noche! Entonces, ese fue mi comienzo en la comedia con Amy Schumer. Hicimos esta comedia para recaudar fondos; teníamos stand-ups y el público crecía. Queríamos poner a nuestros actores al frente, así que empezamos a hacer bocetos. Eso fue una especie de precursor de trabajar juntos en Dentro de Amy Schumer.

Entonces, tú y el grupo eventualmente llegarían a un acuerdo con Comedy Central para crear Dentro de Amy Schumer, que se transmitió en la cadena de 2013 a 2022 (el programa ganaría un Emmy en 2015 por su destacada serie de variedades con guión). Fuiste productor del programa. ¿Estabas escribiendo también?

Estaba en la sala de escritores. Como productor, estábamos lanzando cosas. Y había un tipo realmente bueno llamado Daniel Powell que era el showrunner, con Jessi Klein. Y aunque era un sketch cómico, fue como una verdadera educación sobre producción. Porque para un programa de sketches, hubo un día en el que filmamos un comercial por la mañana, una película de terror japonesa por la tarde, ¡y aprendes todo rápido! Años más tarde comencé a trabajar con Judd Apatow, y él decía (porque no lo hacía). El show de Ben Stiller – «Nunca trabajas tan duro ni aprendes tanto como cuando haces un programa de bocetos».

¿Alguna de esas partes “detrás de escena” del negocio te gusta tanto, si no más, que actuar?

Empecé a producir desde el punto de vista del actor y del director, porque lo hacíamos en el escenario. Y así, aprendes todo lo que viene con esto. Como dice Amy, fingiríamos hasta lograrlo. Entonces, aprendimos el juego de la producción de esa manera.

Hulu lanzó la segunda temporada completa de vida y beth en febrero. El episodio cinco, «Claire», se centró en tu personaje, Matt, que descubre 16 años después que tiene una hija y la conoce por primera vez. Creo que leí en alguna parte que esta es una historia real.

Este programa está hecho con mucho amor y trata sobre estas cosas que suceden en tu vida; este tipo de traumas de los que podemos sentirnos avergonzados o molestos y cómo superarlos. Y creo que lo tomamos a la ligera. Mostramos: Oye, todos somos iguales, todos tenemos las mismas cosas. Se nos pide que seamos semiautobiográficos. Entonces, Amy vino a verme para la segunda temporada y me dijo: «Mira, creo que es hora de que cuentemos esta historia». Es una historia real. Es como solía decir cuando era un joven actor en Nueva York con nuestros amigos, y especialmente para molestar a Amy o a cualquier otra actriz con la que éramos cercanos, me decían, «¿tienes hijos?», y yo iré. «No lo sé, tal vez». Luego recibes esa llamada telefónica y ya no bromeas al respecto. Y aunque no es exactamente la misma historia que en ese episodio, tiene muchas circunstancias similares. Amy fue la primera persona a la que acudí después de recibir esa llamada telefónica; ya sabes, toma una copa y nunca creerás esta historia. Entonces, en cierto modo lo parodiamos un poco. Pero muchos de los actores del programa son todos amigos nuestros y trabajamos con personas con las que hemos trabajado durante mucho tiempo.

¿Es difícil pasar de la comedia al drama, como filmaste? vida y beth y UVE al mismo tiempo?

Siento que Amy y yo trabajamos tan bien juntas es porque lo abordamos de todos modos. De hecho, a menudo hay más en juego en la comedia; sólo tienes que amplificarlos. Pero creo que ese también fue nuestro enfoque de la comedia. Fue intentar fundamentarlo y hacerlo lo más real posible, luego las risas surgen aún más fuerte cuando están listas.

Entre estos dos trabajos que tenía al mismo tiempo, en realidad se convirtieron en como unas vacaciones. Porque obtuve mi papel en UVE, y me dijeron: «Este es el guión de esta semana» y no tenía nada que decir al respecto. Pero en vida y beth, desde el primer día que estoy en la sala de guionistas hasta la preproducción, estamos explorando y seleccionando el casting. Había días en los que tenía que tomar una camioneta, hacía una escena con Amy Schumer y Cole Escola, y luego me subía a una camioneta y hacía una escena en la calle con Ice-T por la noche. Fue una experiencia un tanto extraña, pero ambos tenían sentido el uno para el otro.

El final de temporada de UVE Es un resumen, y aún no hay ningún anuncio sobre una tercera temporada de vida y beth. ¿Qué hay en el horizonte para ti?

Tengo un par de proyectos cinematográficos que están en las etapas finales de obtener luz verde. Y la verdad es que tengo una cita importante que ayudará con el día de campo de mi hija. Tengo que volver a esas cosas. Debido a que mi esposa estaba haciendo una obra de teatro, estaba en Broadway y ahora está haciendo una nueva serie para Netflix con Jason Bateman. Entonces, acabo de salir y ahora estoy dentro. Ahora estoy dirigiendo el programa en casa. Mi hija tiene 6 años. Pero tengo un par de cosas de las que no puedo hablar todavía, pero sucederán muy pronto.

Una última cosa, ¿Ice-T y tú tenéis conversaciones filosóficas profundas en el set?

Déjame decirte algo, todos son filosóficos, incluso cuando no creas que lo son. (risas.) Él te lo hace saber. Nunca he trabajado con nadie que se lo pase 10 de 10 veces genial en el set. Y tiene sentido que haya estado haciéndolo durante tanto tiempo. Viene a trabajar listo para trabajar. Le encanta trabajar, siempre está de buen humor. Siempre está con una broma, siempre con la historia. Y él ha sido una de las mejores partes de hacer el programa.

Diré esto, ha sido realmente genial conmigo y me da consejos para navegar a través del programa y todo eso. Y siempre hace esta broma, todo el tiempo, dice: “¡Kev, solo asegúrate de no sangrar en el último episodio! ¡Nunca querrás sangrar en el último episodio! Y volvió a morderlo, porque fue el único que sangró en el último episodio. [Ice-T’s character gets accidentally shot in the arm by a pre-teen who is mad that the officer arrested his father on faulty evidence]. ¡Por supuesto, volverá para la temporada 26! (risas.)

Ley y orden: UVE la temporada 25 se transmite en Peacock; vida y beth Las temporadas uno y dos se transmiten en Hulu.

Hannah Einbinder se conmovió hasta las lágrimas. Nick Thune se sintió impulsado a cantar. John Leguizamo compartió duras verdades. Samantha Bee reunió a la multitud en nombre de los derechos de las mujeres. Y todos los que participaron en los premios Power of Comedy Awards de Variety el viernes se burlaron de los premios, ahora en su segundo año en SXSW en Austin, Texas.

«No hay nada más propio del mundo del espectáculo que un premio que dice ‘Nos encanta que estés aquí’ dos años después de que los ejecutivos de la cadena dijeran ‘Necesitamos que te vayas'», dijo Bee ante la sala repleta del famoso Teatro ACL. un guiño a la desaparición en 2022 de su serie de TBS “Full Frontal with Samantha Bee”.

Bee, quien fue honrada por la presentadora Brooke Shields con el premio Comedy Innovator por ser una de las pocas mujeres en presentar una serie de comedia nocturna, señaló que el evento coincidió con el Día Internacional de la Mujer.

«No hay mejor manera de celebrar a las mujeres que estar rodeado de hordas de tipos que hablan y visten exactamente como Scooter Braun», bromeó Bee. Ella y otros señalaron que el estado de Lone Star ha dado un giro preocupante últimamente en materia de leyes que restringen los derechos de reproducción de las mujeres.

“Técnicamente, el día internacional de la mujer es lo que llaman ‘La Purga’ en Texas. Así que tengan cuidado, señoras, no están a salvo”, dijo Bee. “El aborto es atención médica”, dijo después de recibir el reconocimiento de la presentadora Brooke Shields.

La aparición conjunta de las estrellas de “Hacks” provocó grandes aplausos. Jean Smart cautivó al público en bata de hotel antes de entregar el premio a la actriz de comedia a Hannah Einbinder. Con su característico estilo inexpresivo, Einbinder confesó que se interesó en la comedia por la misma razón por la que la mayoría de los comediantes prefieren actuar: «Comenzó como una búsqueda excesiva de validación externa para llenar un enorme vacío en mi corazón», dijo Einbinder. Pero con verdadera sinceridad, habló de cómo ser parte de la comunidad de comediantes ha animado su espíritu en tiempos difíciles. Mencionó el nombre de su coprotagonista Smart y de los creadores de “Hacks”, Jen Statsky, Paul W. Downs y Lucia Aniello, y les agradeció por haber “hecho que el enorme agujero en mi corazón fuera mucho, mucho más pequeño”.

La velada fue presentada por Michael Schneider, VariedadEditor ejecutivo de televisión. Él marcó la pauta burlándose de los premios (“¿Cuántos de ustedes saben realmente en qué carajo están?”). Wells Fargo y Liquid Death fueron patrocinadores clave.

Los actores Andrew Rannells y Nick Kroll fueron agasajados con el premio al Dúo de Comedia, celebrando una asociación que era prácticamente nueva para ellos. El presentador Morgan Spector elogió a los dos como “personas divertidas tremendamente exitosas”, ambas separadas y separadas.

“Nos sentimos muy honrados de recibir el premio al dúo de comediantes. Hemos sido un dúo desde el comienzo de este premio. Significa mucho más para nosotros ser honrados ahora como dúo”, dijo Kroll.

La actriz Sophia Bush hizo los honores a Lilly Singh, quien obtuvo el reconocimiento por Comedy Crossover. La ex estrella de YouTube y presentadora nocturna de NBC se ha diversificado hacia el cine y la producción. Su productora está detrás de la comedia independiente “Doin’ It”, que se presenta en SXSW. «Ella no tiene miedo a la hora de contar historias», dijo Bush. «Ella no rehuye la verdad, pero se las arregla para hacerla divertida».

Singh hizo una broma a expensas de los elogios y del estereotipo de que las familias inmigrantes tienen altas expectativas para sus hijos.

«Esto no significará nada para mis padres», bromeó Singh. Al mismo tiempo, observó que el humor “es el mejor vehículo para transmitir un mensaje que de otro modo sería incómodo o tabú”, dijo. “Realmente ha sido mi salvador”. Al mismo tiempo, ella tampoco pudo evitar observar: “Mi programa nocturno y mi ex se comportaron exactamente de la misma manera. Ambos duraron muy poco tiempo”.

Nick Thune entregó el premio al Actor de Comedia a John Leguizamo, señalando que su rango se remonta a “Romeo y Julieta” de Shakespeare, bueno, a la versión de 1996 de Baz Luhrmann.

“Nunca he tenido miedo de una risa fácil o dura”, dijo Leguizamo, después de aclarar que no era un actor en activo en el siglo XVII. “Hay mucha gente que niega a la comedia el derecho a ser seria o significativa y, de hecho, piensa que está mal que la risa se mezcle con temas pesados. Siempre he sentido que la comedia podía hacer más trabajo y ser más elevada de lo que permitía la comedia estadounidense”.

Leguizamo continuó: “Como latino, nuestra comedia es visceral, emocional y peligrosa porque esa es nuestra experiencia diaria en Estados Unidos. Cuando comencé a escribir, quería mostrarle al mundo la belleza de mi cultura, los grandes personajes de nuestras vidas, las divertidas personalidades que pueblan nuestro mundo y que nunca tuvieron la oportunidad de ser vistas en películas, programas de televisión, obras de teatro o novelas. Estaba desesperada por llenar ese vacío. Quería ser el antídoto contra nuestra invisibilidad”.

El creador de “King of the Hill”, Mike Judge, entregó a su hijo en pantalla Pamela Adlon el premio al Director de Comedia, usando su icónica voz de Hank Hill para presentar a Adlon, quien lo siguió usando su igualmente icónica voz de Bobby Hill para agradecerle.

«Ha habido muchos momentos trascendentales en mi vida», dijo el creador de «Better Things». “Si lo piensan así, hay ventanas de oportunidad y tienen que mirar eso y pensar en su vida en una especie de plan de cinco años, o hacer algo que realmente quieran hacer. Porque eventualmente funcionará. Como dijo Mike, a los 50, saqué todos estos músculos nuevos que nunca pensé que tendría”.

Adlon también dijo que «las mujeres deben ser hermanas entre sí» en Hollywood, y no la corrija, ella sabe lo que dijo.

Diablo Cody subió al escenario para presentar el premio Artista Revelación de la Comedia a Cazzie David, quien aceptó por primera vez su condición de “bebé nepo” ante sus padres Larry David y Laurie David. “Tenía que haber uno aquí esta noche”, dijo David, quien estrenará su debut como directora “I Love You Forever” en SXSW.

«En muchos aspectos soy una persona muy afortunada», añadió. “También he heredado todos los rasgos humanos posibles que hacen que una persona se sienta miserable. No me perdí ni uno solo. La única ventaja de esta horrible disposición es la comedia. Al menos eso espero, porque sería terrible estar así por nada”.

Thune regresó al podio para entregar el premio Comedy Connoisseur a Jaboukie Young-White, que el comediante calificó como «quizás el premio más gay que he recibido en mi vida».

«Los conocedores de la comedia suenan como si estuviera viendo ‘The Crown’ y estuvieran tratando de describir a alguien que tiene un fetiche por las cosquillas», dijo Young-White. Pero más en serio, dijo que era un honor recibir el título porque “el gusto es fundamental para este medio”, y lo que es “divertido” es completamente subjetivo.

Variedad La coeditora en jefe Cynthia Littleton entregó el premio Campeón de la Comedia a Robbie Praw, vicepresidente de formatos de comedia y stand-up de Netflix, y lo destacó como el nombre que más surgió al preguntar en la ciudad por el ejecutivo que «hace la mayor diferencia». tomando los cambios más grandes y emitiendo los cheques más grandes”.

Cuando Praw aceptó el honor, que recibió en parte por el especial de comedia stand-up transmitido en vivo que batió récords y que Netflix hizo con Chris Rock el año pasado, reveló que los comediantes con los que trabaja se habían burlado de él durante toda la semana, y también su esposa e hijos, quienes “se rieron en mi cara” cuando enviaron al “campeón” a Austin.

(En la foto: las estrellas de “Hacks” Hannah Einbinder y Jean Smart en los premios Power of Comedy de Variety)

Al igual que las comedias, el romance también ha estado muerto en la taquilla durante algún tiempo, y la mayoría de las comedias románticas quedan relegadas a la transmisión a menos que tengan grandes nombres como George Clooney y Julia Roberts en «Ticket to Paradise» o un concepto elevado como «The Lost». City» con Channing Tatum y Sandra Bullock. Pero el mundo del cine independiente siempre ha sido un lugar donde las comedias románticas han triunfado, y este año no es la excepción. Directamente del Festival de Cine de Sundance de 2023, tenemos «Rye Lane» y «Shortcomings».

«Rye Lane» (vista arriba) no tiene exactamente una contraparte cómica directa, pero el debut como director de Raine Allen-Miller con un guión de Nathan Bryon y Tom Melia es más divertido que la mayoría de las películas consideradas comedias de este año. Además de eso, hay una química maravillosa entre los dos protagonistas de la película, David Jonsson y Vivian Oparah, quienes interpretan a dos extraños que tienen un encuentro lindo en «Before Sunrise» en el sur de Londres y recuerdan sus recientes rupturas mientras caen lentamente. uno para el otro. Tiene toques de «Love Actually», por eso Colin Firth tiene un pequeño cameo en un restaurante mexicano llamado Guac’tually, y es a la vez encantador y divertido.

Mientras tanto, “Shortcomings” funcionará para la audiencia de “Forgetting Sarah Marshall”, ya que el coprotagonista de “WandaVision”, Randall Park, hace su debut como director a partir del guión de Adrian Tomine, que en realidad se basa en su cómic del mismo nombre. En la película, tienes a Justin H. Min («After Yang») como Ben, un cineasta de California que lucha en su vida romántica después de que su novia se muda a Nueva York para realizar unas prácticas, lo que le deja contemplar lo que realmente quiere de la vida. . Aparte de las risas que surgen del trabajo de Ben como administrador de una sala de cine de autor, la película está impulsada por un divertido papel secundario de Sherry Cola.

Después de ser elegido en Sundance, Searchlight Pictures eligió «Rye Lane», pero lo envió directamente a transmisión en Hulu (aunque se estrenó en cines en el Reino Unido). Mientras tanto, «Shortcomings» fue estrenada en cines a finales del verano por Sony Pictures Classics, que sabe cómo elegir grandes películas, pero a menudo no hace lo suficiente para comercializarlas a una audiencia más amplia. Dado que Sony no tiene su propio servicio de transmisión, la película debe alquilarse o comprarse en soporte físico o digital. Una vez más, las huelgas de WGA y SAG impidieron que se promocionaran adecuadamente, pero incluso con esos canales disponibles, este es el tipo de películas que debes buscar, porque no te las están golpeando en la cabeza con grandes campañas de marketing.

En una entrevista con UPI, la estrella de la comedia Kumail Nanjiani dijo que cree que «Ghostbusters: Frozen Empire» devolverá la franquicia a sus raíces de terror. Mientras promocionaba la nueva película animada «Migration», Nanjiani dijo: «Hay algunas cosas realmente aterradoras. Las cosas aterradoras son realmente aterradoras».

El avance no pierde el tiempo. Nos dicen que los neoyorquinos están muriendo de frío en toda la ciudad. No sé si necesito una película de «Los Cazafantasmas» con un número de muertos del tamaño de Roland Emmerich (afortunadamente, dudo que estas personas sigan muertas), pero es importante hacernos creer que todo el planeta está en peligro. Porque esa proporción entre peligro y comedia es la razón por la que la primera película es un clásico del relámpago en una botella.

Nanjiani lo entiende. «El peligro es muy real y hay mucho en juego», dijo a UPI. «Eso hace que la comedia sea aún más divertida».

Sería genial conseguir una película legítimamente genial de «Cazafantasmas» para el 40 aniversario de la franquicia. Descubriremos si Kenan lo logró cuando “Ghostbusters: Frozen Empire” llegue a los cines el 29 de marzo de 2024.

Los amantes del cine francés de Los Ángeles se vieron privados este año de su dosis anual de otoño de la cultura cinematográfica gala con la cancelación del Festival de Cine Francés Estadounidense debido a las huelgas de Hollywood.

Algunos de los títulos originalmente previstos para ese evento se proyectarán ahora en la tercera edición del French Comedy Club, que se celebrará este fin de semana en el Lumière Cinema de Beverly Hills.

La exhibición de dos días comienza con la partera (hombre sabio) que recaudó 4,6 millones de dólares en taquilla en Francia para Warner Bros. Francia a principios de este año.

El recién llegado Melvin Boomer protagoniza junto a Karin Viard el papel de un joven que decide probar la partería después de reprobar sus exámenes de medicina.

El programa también presenta Un año difícilla última película de Intocable dúo de directores Eric Toledano y Olivier Nakache. Pio Marmaï y Jonathan Cohen interpretan a dos estafadores junto a Noémie Merlant como una ecoactivista.

La película, que tuvo su estreno internacional en Toronto, se estrenó en Francia el 18 de octubre y ha recaudado unos 6,5 millones de dólares en casa para Gaumont.

El programa lo completa la comedia sobre las elecciones presidenciales de Albert Dupontel Segunda giraque ha recaudado alrededor de 7,1 millones de dólares en Francia para Pathé desde su estreno en cines el 1 de noviembre, y el secuestro de Tarek Boudali Sólo quedan 3 díasque ha recaudado 13,3 millones de dólares para Studiocanal, también desde el 1 de noviembre.

La exhibición del French Comedy Club es una creación de Olivier Albou y Laurence Schonberg, codirectores de la casa de producción y ventas Other Angle, con sede en París, que actualmente tienen su sede en Los Ángeles mientras intentan expandir sus actividades en los EE. UU.

“Mil personas asistieron a cada una de las dos primeras ediciones con las salas agotadas”. dice Albou. “Es una mezcla de profesionales y público. Es una buena participación para las comedias francesas que realmente no tenían ningún tipo de publicidad y se basaban principalmente en el boca a boca”.

La idea detrás del evento nunca fue la de ser un festival en toda regla, sino más bien mostrar comedias francesas con el objetivo de allanar el camino para acuerdos complementarios o de remake.

“El Comedy Club es una buena prueba para ver si una película tiene potencial en Estados Unidos”, afirma Albou.

“Las dos primeras ediciones generaron ventas de remakes en Estados Unidos y hay otros acuerdos de remake en proceso. Ahora que terminó la huelga, los proyectos van a empezar a escribirse y producirse”, afirma.

“El valor de una comedia francesa en Estados Unidos no está realmente en el cine, sino en VOD, SVOD y AVOD… Un pequeño lanzamiento técnico ayuda a que la película exista”, afirma.

Other Angle tiene experiencia en esto habiendo vendido previamente Mocosos malcriados y foto de acción El último mercenario a Netflix, que luego registró cinco millones de visitas entre ellos.

«En Estados Unidos hay público para esas películas. Simplemente nunca se distribuyen en salas porque los distribuidores estadounidenses están más interesados ​​en películas de autor o de género», dice Albou.

Las proyecciones del Comedy Club alimentan las ambiciones más amplias de Albou y Schonberg de irrumpir en el país, centrándose en actividades de remake y aportando sus conocimientos sobre ventas de películas europeas al mercado independiente estadounidense.

“Queremos posicionarnos como productores o productores ejecutivos, lo que hace que sea mucho más interesante que simplemente vender las películas”, afirma Albou.

«Creemos que estamos en una buena posición para adquirir material francés que luego instalaremos en Estados Unidos. Hay una gran necesidad de contentarse ahora que la huelga ha terminado y los proyectos finalmente pueden avanzar».

Albou dice que han aprendido lecciones valiosas sobre la financiación de proyectos en inglés durante su estancia en Los Ángeles.

“Es diferente de Francia, donde depende más de las preventas de televisión. No existe tal cosa para las películas independientes en Estados Unidos, que dependen más bien de preventas extranjeras, inversores de capital, devoluciones de impuestos y financiación de brechas”, afirma.

Albou y Schonberg quieren fusionar sus conocimientos sobre ventas y distribución internacional con las formas de financiación estadounidenses.

«Creemos que esto ayudará a hacer crecer nuestro negocio hacia más proyectos internacionales que necesitamos para ir más allá de nuestra operación boutique francesa».

El club de comedia francés se celebrará los días 2 y 3 de diciembre.

El desorden (físico y emocional) es el tema de la nueva obra de Broadway de Theresa Rebeck Necesito esouna comedia dramática en la que la estrella Danny DeVito trabaja poderosamente y con creciente inutilidad para llenar de risas y significado.

Coprotagonizada por la hija de DeVito, Lucy DeVito, y Ray Anthony Thomas, Necesito eso (como en Hey, Don’t Throw That Away) parte de una premisa débil: un acaparador (Danny DeVito) vive en medio de una casa llena de detritos de la vida en un intento imposible de aferrarse al pasado, y la atiborra de repeticiones y rellenos. y desarrollos de personajes que son predecibles o poco convincentes.

Dirigida por Moritz von Stuelpnagel, que dirigió mucho mejor la película de Rebeck. Bernhardt/Hamlet en 2018: la producción del estreno mundial de Roundabout Theatre Company de Necesito esoque se estrena esta noche, es, en el mejor de los casos, una excusa bastante decente para ver al gran comediante de Taxi y Siempre está soleado en Filadelfia en vivo y en persona. Su afligido y solitario Sam es una variación aparentemente más adorable de su bulldog Louie De Palma o del ilimitado Frank Reynolds, incluso cuando controla el mismo torbellino y centro de atención.

La situación de la comedia se hace inmediatamente clara con la primera visión del escenario intencionalmente caótico de Alexander Dodge: Todos hemos visto Acaparadores, incluso si Sam no lo ha hecho (su antiguo televisor realmente no funciona, especialmente cuando se tambalea sobre una gran pila de revistas). La nerviosa hija de Sam, Amelia (Lucy DeVito), pasa por allí con frecuencia para preocuparse por el desorden, discutir sobre la limpieza infinitamente pospuesta y suplicar por el orden que tanto necesita.

Mientras tanto, el viejo amigo y vecino de Sam, Foster (Thomas), adopta un enfoque más comprensivo, ofreciendo hamburguesas, consejos amables y, como aprendemos desde el principio, algunas intenciones no tan desinteresadas. Foster, la obra telegrafía, toma nota obvia de los elementos más valiosos en la basura de la vida de Sam.

Rebeck, una dramaturga y escritora de televisión tan inconsistente como prolífica, parece no poder entender la situación: los vecinos se quejan, los bomberos amenazan con el desalojo y, bueno, eso es todo. Sin embargo, lo que no tiene en acción es Necesito eso compensa con la repetición.

«Mira este lugar», ladra Amelia. “Revistas viejas que nadie lee. Ropa que nadie usa. juegos de mesa no
uno juega. Pero los conservas porque te recuerdan a todos esos hermanos y hermanas que siempre fueron horribles contigo”.

Y: “Esto es basura, nadie la usa, y si la tiraras no ocuparía espacio en tu casa ni en tu cerebro, lo cual sería bueno porque tu familia inútil no merece ser recordada”.

Y: “¿Qué tal esta palabra: Desalojo. Sin hogar. Morir en la calle”.

Ronda tras ronda de eso, seguida de ronda tras ronda en la que Sam decía alguna variación de “Amelia”. Escuchar. No necesito que vengas aquí y me digas que no estás contento con mi forma de vivir. Vivo como vivo. Si no te gusta, no tienes por qué venir”. (A lo que los miembros de la audiencia podrían estar susurrando ronda tras ronda de “Amén, hermano”).

De vez en cuando, Rebeck lanza una bola curva, como cuando Foster, que es negro, de repente se ofende por una de las historias de perros peludos de Sam sobre un antiguo compañero de trabajo que regresó de Vietnam «sin todo su sentido común». Foster detecta algo de racismo en esta historia, una interpretación inicialmente intrigante que la escritura de Rebeck no logra, en parte porque los detalles, como tantos otros en la obra, simplemente no cuadran. ¿Exactamente qué edad se supone que tiene Sam? ¿Cuántos años tiene Amelia? ¿Cuándo salió de casa? ¿Tiene edad suficiente para recordar Vietnam? ¡Y cómo es que nunca se dio cuenta de tantos objetos atesorados (ese televisor antiguo, un asesino) como en el premio mayor! – ¿una guitarra antigua que se relaciona con ese antiguo compañero de trabajo (y, coincidentemente, un miembro del Salón de la Fama del Rock and Roll de 2023 en la vida real)?

Dada la sensación de subdesarrollo de la obra, no es de extrañar que el elenco parezca fracasar. Por supuesto, la actuación reseñada fue una de las primeras de la serie de programas disponibles para los críticos, y la tenue comprensión del guión por parte de los actores (saltos de líneas, vueltas hacia atrás, aparente improvisación de palabras) bien podría haberse intensificado (junto con un problema técnico). que tenía el equipo giratorio negándose obstinadamente a moverse; otros créditos tecnológicos estaban bien a pesar de algunos extraños, zona de penumbrasonidos -ish destinados a indicar la edad de ese televisor). Podría haber ayudado más tiempo de ensayo, junto con una mano más dura del director von Stuelpnagel y algunos ajustes serios en el diálogo de ensalada de palabras de Rebeck.

Es cierto que muchos en el público esa noche parecían felices de pasar por alto las deficiencias, y la razón era obvia: es difícil imaginar a un actor cómico mejor equipado para manejar la exasperación espontánea que el querido Danny DeVito. Este es un hombre que provocó una de las mayores risas de la noche con un solo e improvisado «¡Broadway!» cuando la gran casa de chatarra se negó a girar en el momento justo. Esa noche se ganó hasta la última ovación.

Los coprotagonistas Lucy DeVito y Thomas hacen lo mejor que pueden con papeles de una sola nota (hasta que ya no lo son), hasta el punto de que es difícil no desearles lo mejor a todos, a los personajes y a los actores que los interpretan. Todos parecen personas muy agradables, que merecen una vida larga y ordenada, lejos de cosas que no pueden despegarse.

Título: Necesito eso
Evento: Teatro American Airlines de Broadway
Director: Moritz von Stuelpnagel
Escritor: Teresa Rebeck
Elenco: Danny DeVito, Lucy DeVito, Ray Anthony Thomas
Tiempo de ejecución: 1 h 40 min (sin intermedio)

Mientras aparecía en “The Ellen DeGeneres Show” en 2021, Courteney Cox reveló que filmar el montaje de la fuente fue una especie de pesadilla. «Estuvimos mucho tiempo en esa fuente», explicó la actriz Mónica. «Alguien pensó que sería divertido y déjame contarte lo que pasó: no es divertido estar bailando en una fuente durante horas y horas». Peor aún, la producción comenzó a las 4 de la mañana, lo que probablemente no mejoró el humor de nadie.

Afortunadamente, Matthew Perry estuvo allí para mantener las cosas ligeras con su ingenio característico. En el prólogo de las memorias de Perry, «Friends, Lovers, and the Big Terrible Things», Lisa Kudrow elogió a su coprotagonista como fuente de inspiración desde el principio de la serie y escribió que él «podía animarnos a todos durante un rodaje nocturno agotador»

De manera similar, en el libro complementario de la serie de televisión, «Friends… ‘til the End», la actriz Phoebe explicó un poco más esa noche y dijo: «Matthew Perry nos estaba haciendo reír haciendo tantas bromas sobre cuánto tiempo pasó». Lo recuerdo diciendo: «No recuerdo un momento en el que no estuviera mojado. No recuerdo un momento en el que no haya tenido frío». Nos reímos mucho. Eso es lo que estaban filmando: nosotros reiéndonos de Matthew Perry burlándose de lo incómodo que era estar en esa fuente».

En un giro de los acontecimientos completamente inesperado, Mick Jagger apareció en «SNL». Primero, Jagger hizo una aparición sorpresa y sin sentido en este sketch de «Telenovela». Este boceto fue bastante decente y, nuevamente, hizo un gran uso del idioma principal de Bad Bunny. El sketch muestra a Bad Bunny y Marcello Hernandez interpretando a dos actores de una telenovela española que están a punto de entrar en una escena de pelea, pero luego son interrumpidos por la criada, interpretada por Punkie Johnson como un actor negro que no tiene idea de cómo hacerlo. hablar español correctamente. Este fue un boceto bastante divertido, especialmente cuando el personaje de Punkie confunde el uso de la palabra «negro», que en español significa el color negro, con un uso racial.

Luego, por alguna razón, Mick Jagger aparece como su padre en la escena, y aunque es divertido verlo con un terrible bigote estereotipado y hablando español, no parecía que sirviera para mucho más allá de: «Oye, mira». ¡Es Mick Jagger!» Aparte de eso, el boceto implosionó sobre sí mismo de todos modos, ya que los escritores no parecían saber cómo terminarlo correctamente. Pero eso es un elemento básico de los bocetos de «SNL».

Lo loco es que ese no fue el único uso sorpresa de Mick Jagger que tuvimos en este episodio. Usando a Jagger en un final similar, aparece como un hombre que ha estado fingiendo ser una monja para poder acostarse con todas las demás monjas. Este giro fue en realidad un poco más divertido y tenía sentido dentro del contexto del sketch, porque todo el tiempo, se hace creer al público que Bad Bunny es la monja engañosa en cuestión, comportándose exactamente como un hombre mal disfrazado de monja. haría. En realidad, este fue uno de los sketches en los que el inglés forzado de Bad Bunny funcionó a su favor, porque resaltaba la idea de que era un terrible mentiroso en esta situación.

¿Por qué Mick Jagger apareció dos veces en este episodio de «SNL»? No podría decírtelo, pero supongo que estamos (un poco) contentos de que estuviera allí.

En un paisaje cinematográfico construido sobre fórmulas probadas y verdaderas, Boy Kills World de Moritz Mohr se atreve a ser diferente, borrando los límites entre lo absurdo y la acción llena de adrenalina. Escrita por Tyler Burton Smith y Arend Remmers, esta audaz aventura está inmersa en un trasfondo distópico que sigue sus propias reglas. Sumérgete en un mundo donde el caos se encuentra con la comedia y los asesinatos sangrientos son algo cotidiano. La película está protagonizada por Bill Skarsgard, Famke Janssen, Yayan Ruhian, Sharlto Copley, Andrew Koji, Brett Gelman y Jessica Rothe.

Boy Kills World comienza con una animación sobre Culling, una tradición anual que mata a miembros aleatorios de la población iniciada por Hilda (Janssen). Luego pasa a la jungla lluviosa donde el niño, cubierto de barro, se arrastra hasta los pies del chamán (Ruhian), un hombre que también está en la jungla entrenando al niño en las artes marciales. La narración va acompañada de su diálogo interno que proporciona exposición y utiliza su capacidad para comunicarse con otros que parecen entenderlo aunque no pueda oír ni hablar.

Como adulto, el Niño (Skarsgard) ve a los secuaces de Hilda, Gideon (Gelman) y Glen (Copley), dando un discurso sobre el evento de sacrificio del año. Las cosas van cuesta abajo cuando la gente del pueblo muere por accidente, gracias a la ineptitud del dúo. El Niño es testigo de todo y esto lo inspira a buscar venganza por la muerte de su familia. Deja atrás al Chamán y se une a Basho (Koji) y Bennie (Mustafa), quienes son parte de la resistencia contra Culling. Juntos prometen acabar con todo el establishment incluso si les cuesta la vida.

En primer lugar, el giro narrativo me dejó sin palabras. Es una reminiscencia de esos giros inesperados en una montaña rusa: lo ves venir pero no puedes creerlo hasta que lo tienes justo frente a ti. No me sorprende fácilmente el mercado saturado de giros argumentales, pero Remmers y Smith desafían las expectativas, subvirtiendo las nociones preconcebidas del público de una manera impactante. Sin embargo, la película no está exenta de errores. La historia general, aunque atractiva, plantea algunas ópticas desconcertantes cuando cuestioné la caracterización del chamán: ¿por qué se le presenta como un enemigo? La descripción es una discrepancia narrativa y la película quiere que apoyes a los personajes que comenzaron el drama en primer lugar. Simplemente no tiene sentido para mí.

Las escenas de lucha son un área donde Boy Kills World podría haberse beneficiado de un poco más de estabilidad. El uso que hace Mohr de una cámara temblorosa, junto con cortes frecuentes, desdibuja lo que podría haber sido una coreografía emocionante. En lugar de dejarme arrastrar al centro de la acción, me encontré entrecerrando los ojos y luchando por descifrar lo que estaba sucediendo frente a todo el caos. Pero la tontería de todo esto tiene paralelos con el anime de bajo rango que verás en Crunchyroll. Esta puede ser una comparación dura, pero como la mayoría de los animes, la película oscila entre la comedia absurda y la acción sangrienta, alternando entre momentos que me hicieron reír y aquellos que me hicieron estremecer. Esto es parte del encanto. No pretende ser más que un espectáculo estridente y entretenido.

En términos de actuaciones, si bien Skarsgård aporta cierto encanto a su papel con su sonrisa característica, es Ruhian quien se roba el espectáculo. Ver a esta diminuta potencia enfrentarse cara a cara con gigantes, dando golpe tras golpe, refuerza la idea de que Ruhian está consolidando lenta pero seguramente su posición en Hollywood como una estrella de acción prometedora. Su alcance y potencia en las secuencias de acción son encomiables, incluso si el montaje de la película no siempre le hace justicia.

Boy Kills World salta entre lo emocionante y lo confuso. A pesar de todos sus problemas narrativos, sigue siendo un espectáculo vívido que se deleita en su caos de mezcla de géneros. Este esfuerzo cinematográfico demuestra que puede entretener incluso en medio de sus imperfecciones. Para aquellos que buscan una película de acción audaz y sin complejos con toques de comedia, esta película la ofrece. En el vasto mundo del cine de acción, este es un viaje desigual que funciona principalmente si superas sus inconsistencias.

Título: Niño mata al mundo
Festival: Festival de Cine de Toronto (Locura de medianoche)
Distribuidor: N / A
Fecha de lanzamiento: N / A
Director: Moritz Mohr
Guionistas: Tyler Burton Smith y Arend Remmers
Elenco: Bill Skarsgard, Famke Janssen, Yayan Ruhian, Sharlto Copley, Andrew Koji, Brett Gelman y Jessica Rothe
Clasificación: R
Tiempo de ejecución: 1 hora 51 minutos

Si me has oído despotricar sobre esto una vez, me has oído despotricar sobre ello mil veces: las categorizaciones de los Emmy no tienen sentido. Varios de los dramas más nominados del año: el loto blanco, Sucesión, malas hermanas, entre otros, son, para mí, sátiras absolutas con matices dramáticos. Y varias de las comedias más nominadas del año: barry, El oso, ted lassoentre otros, posiblemente estén más cerca de los dramas, al menos en sus temporadas más recientes.

Esa es la cosa: barry y ted lasso ambos decidieron, a medida que se acercaban al final de sus respectivas historias, que estaban más motivados por la emoción que por los remates. El oso no hizo exactamente un cambio tanto como los votantes de los Emmy encontraron que el programa, con sus episodios de 30 minutos de duración, era más fácil de procesar como una comedia.

No sé que diría que la tercera temporada de Hulu’s Solo asesinatos en el edificio es exactamente un drama, y ​​definitivamente no diría que representa un cambio notable para una serie que tiene la muerte y la tristeza que la acompaña en su mismo título.

Lo que diría, sin embargo, es que los primeros ocho episodios de la nueva temporada funcionan mejor como una meditación ocasionalmente sombría sobre la soledad que puedes sentir incluso si estás en una de las ciudades más pobladas del mundo, resides en un complejo de apartamentos abarrotado y son parte de una familia encontrada que es una compañía de teatro. Ese siempre ha sido un elemento de la serie, pero en un delicado equilibrio.

Volvamos a la primera temporada, con su misterio efectivamente construido y la efervescente sensibilidad cómica de Shouts & Murmurs, y la angustia apareció como un valioso jugador secundario. En la tercera temporada, la angustia tiene que asumir el papel principal porque la comedia es una mezcla desgarbada de devoluciones de llamada desesperadas y golpes de teatro de béisbol internos inconsistentes y el misterio solo involucra de manera limitada.

Cuando dejamos las cosas, Oliver Putnam (Martin Short) estaba dirigiendo una reposición de Broadway de una obra que resultó ser un misterio de asesinato cuando, en la noche del estreno, su protagonista (Ben de Paul Rudd) murió en el escenario. ¿El asesino es parte del elenco? ¿Quizás la influenciadora de las redes sociales Kimber (Ashley Park) o el suplente Jonathan (Jason Veasey), novio del asistente de Oliver, Howard (Michael Cyril Creighton)? ¿Qué hay de Loretta (Meryl Streep), una actriz con muchos problemas cuya gran oportunidad al final de su carrera se vio comprometida por disputas con Ben? ¿Qué tal el coprotagonista Charles (Steve Martin), elevado de casi la jubilación por el éxito de los podcasts de asesinatos de temporadas anteriores, o su novia Joy (Andrea Martin)?

Con Oliver obsesionado con resucitar su obra ahora estancada, cueste lo que cueste, y Charles enfrentando la ansiedad tanto por su nueva relación como por las presiones del teatro en vivo, ¿podría depender de Mabel (Selena Gomez) resolver el misterio por sí misma? ¿O podría Mabel tener sus propias distracciones en forma de inseguridades personales y un coqueteo con Tobert (Jesse Williams), un documentalista que estaba haciendo una película sobre Ben en el momento de su muerte?

Al estilo familiar de Agatha Christie, Ben era tan idiota que la lista de sospechosos es larga, tan larga que cada episodio se centra básicamente en un solo sospechoso, a veces acompañado por la narración en off de ese sospechoso de una manera que, más a menudo de lo que debería, evoca similitudes con Apple TV+ la fiesta posterior. La estructura garantiza que si un episodio comienza con un sospechoso, se revelará como una pista falsa en 38 minutos. Es difícil invertir mucho interés en la vida o la muerte de Ben, a pesar de los esfuerzos de juego de Rudd en la última variación de una estrella de cine que interpreta con buen humor una versión de sí misma en la televisión. El misterio del asesinato cómico ha estado de moda recientemente y, al igual que la tensa segunda temporada de la fiesta posterior, Solo asesinatos en el edificio está a punto de confirmar que incluso las piezas más frescas de revisión de género no siempre están hechas para durar.

El lado cómico de solo asesinatos es, curiosamente dado el pedigrí del elenco, que muestra la mayor tensión. Continuando con una tendencia que también fue algo evidente en la segunda temporada, las bromas en la nueva temporada tienden a basarse no en nuevos objetivos sino en referencias a cosas sobre las que se bromeó anteriormente. Entonces, no es exactamente divertido que Charles comience a preguntarse si Joy podría ser el asesino tanto como lo es que esta es la segunda vez en la serie que Charles comienza a preguntarse si su novia podría ser un asesino. Y tal vez porque Charles y Oliver se quedaron sin cosas específicas sobre las que ser luditas, Mabel está atrapada haciendo bromas sobre todas las bromas que hizo en el pasado sobre la discrepancia de edad en su trío de podcasts. Y cuando se trata de las suaves bromas dirigidas a la comunidad de Broadway, todo se reduce a reírse entre dientes sobre la terminología teatral, muchas referencias (las referencias de Oliver siempre serán adorablemente aleatorias) y algunas inverosimilitudes confusas que encajan discordantemente con los intentos de precisión.

Si la nueva temporada no es tan divertida como debería ser, no me hagan comenzar con varios personajes traídos de temporadas anteriores con rendimientos decrecientes, y no es tan misterioso como podría ser, ¿por qué sigue siendo lo suficientemente entretenido? para una recomendación tibia? Porque, como dije arriba, juega efectivamente como drama.

La pareja de Short y Streep no debería funcionar como una tentativa de historia de amor, pero hay una dulce melancolía en estas dos personas plagadas de desilusión al tratar de recordar cómo es enamorarse. El programa es innecesariamente tentativo acerca de dejar que Short interprete a Oliver y sus anhelos sin grandes bromas. Es muy bueno, y muy bueno frente a Streep, quien parece encontrar un poco de alegría en la idea de que se necesitaría algo extravagante para que Meryl Streep hiciera una comedia de transmisión (acentos, canto, etc.) mientras disfruta de un papel que es encantadoramente normal. .

Gomez y su impecable sarcasmo han sido generalmente mi parte favorita de la serie. Esta temporada amplía la incomodidad de Mabel al acercarse a los 30 sin un trabajo estable o una situación de vida estable o una vida amorosa estable. Mabel pasa gran parte de la temporada herida y frustrada por las personas que la rodean y es fácil empatizar con la actuación graciosa y agotada de Gomez.

Charles siempre se ha sentido impulsado por los arrepentimientos y, habiendo demostrado ser capaz de hacer lo romántico en la primera temporada y lo paternal en la segunda, hay menos aquí que sea nuevo para Martin. Está cargado con una mayor parte del truco físico que los escritores le asignaron previamente a Short, y desearía haberlo disfrutado más. Las mejores escenas de Martin no son con Short o Gomez o (Andrea) Martin, sino más bien en un episodio que pone en primer plano a la vecina cascarrabias Uma, interpretada por la siempre maravillosa Jackie Hoffman.

Cuando comenzó, ¿qué set solo asesinatos aparte estaba la cantidad de cosas que estaba tratando de hacer y cuántas de ellas estaba haciendo bien. Está tratando de hacer aún más cosas en este punto, y solo está haciendo una o dos bien, aunque eso puede ser suficiente por ahora, si no a largo plazo.