“Green Border” de Agnieszka Holland ganó el premio del público en la 53ª edición del Festival Internacional de Cine de Rotterdam en un buen año para el evento, que registró 253.500 visitas en toda su programación.

La holandesa ganadora del Premio del Jurado de Venecia deriva su nombre de los bosques pantanosos que se encuentran en la frontera entre Polonia y Bielorrusia, un lugar peligroso donde cientos de inmigrantes, en su mayoría de Medio Oriente y África, intentan llegar a la Unión Europea. “Green Border” narra las vidas entrelazadas de personas atrapadas en las redes geopolíticas del cruce y se une a varias de las películas holandesas que se proyectaron en IFFR, incluidas “Europa Europa” y “Burning Bush”.

La edición de este año del festival, que tuvo lugar del 25 de enero al 4 de febrero, contó con 424 películas, 183 de las cuales fueron estrenos mundiales, además de programas complementarios que incluyeron Art Directions y IFFR Talks. Como parte del programa Talks, el festival dio la bienvenida a nombres como Sandra Hüller, Billy Woodberry, Marco Bellocchio y Debbie Harry para conversar en profundidad sobre sus carreras y su impacto en el mundo del cine independiente.

Los programas Focus del festival abarcaron desde una retrospectiva sobre el cine chileno en el exilio hasta el trabajo de los directores de “Diabolik”, Manetti Bros., y una retrospectiva curada para celebrar el estreno de la última película del provocador de Hong Kong Scud, “Naked Nations – Tribe Hong Kong”. .”

Como se anunció anteriormente, “Rei” de Tanaka Toshihiko ganó el premio Tiger principal de IFFR, mientras que “The Old Bachelor” de Oktay Baraheni se llevó el premio VPRO Big Screen. Cinemart, el brazo industrial del festival, otorgó sus premios principales a “Cherub” de Barbara Rupik y “Duchampiana” de Lilian Hess.

«En esta edición hemos visto con gran placer cómo nuestros descubrimientos encontraron a su público», afirmó la directora del festival, Vanja Kaludjercic. “Desde la alegría de nuestra noche inaugural hasta la emoción de dar la bienvenida a superestrellas y gigantes del cine, pasando por presenciar el florecimiento de futuros grandes como el ganador del Tiger Award, en esta edición hubo una atmósfera especial en el festival”.

“Estamos orgullosos de crear un programa que pone en primer plano lo inesperado y único, y que desafía y enriquece. Al mirar hacia adelante, vemos que nuestras ideas y aspiraciones conectan fuertemente con la audiencia, fortaleciéndonos para los años venideros”, concluyó Kaludjercic.

Esta edición de IFFR marcó la primera de Claire Stewart como directora general, quien dijo sobre el exitoso año: «Estamos encantados de que, a pesar de una reducción en escala para igualar nuestros recursos, la 53.ª edición de IFFR haya mantenido su alcance público, superó las entradas objetivos de ventas y aumentamos nuestra tasa de ocupación general al 75%. Esto afirma nuestro enfoque estratégico en el ‘impacto a escala’ y nos coloca en una excelente posición para continuar la recalibración de IFFR en años futuros”.

El director debutante y ganador del Festival Internacional de Cine de Rotterdam, Toshihiko Tanaka, seguirá a “Rei” con “Shumari”, una vez más ambientada en Hokkaido, Japón.

“Allí se encuentra el lago artificial más grande del país. Está hecho por el hombre, pero aun así armoniza maravillosamente con la naturaleza circundante, creando un paisaje impresionante. Será una película de suspenso, pero si tuviera que resumirlo todo diría: se trata de amor”, dice. Variedad exclusivamente después de la victoria.

Haciendo referencia a acontecimientos reales que tuvieron lugar antes y después de la Segunda Guerra Mundial, recordará la tragedia de las víctimas del trabajo forzoso. Trabajadores japoneses y coreanos perdieron la vida mientras trabajaban en la construcción de la presa. Algunos de ellos todavía esperan un entierro adecuado.

“Continúan los intentos de excavar y repatriar sus restos”, añade.

“Anticipo un presupuesto mucho mayor que el que tuve para ‘Rei’, pero me centraré principalmente en el presente y en los acontecimientos que tuvieron lugar hace 20 años. El objetivo es combinar el drama humano íntimo con el contexto histórico, que sigue siendo muy actual, mostrando una vez más la impresionante belleza de Hokkaido. Pero esta vez mi enfoque será diferente”.

Tanaka también está desarrollando un proyecto aún sin título sobre el multiverso.

«Estoy muy interesado en explorar el tema del espacio», dice.

“Me encanta ‘Interstellar’, que es mucho más que una típica película de ciencia ficción. También quiero representar las vastas e infinitas posibilidades del universo, yendo más allá del conocimiento científico más reciente, y combinarlo con las luchas humanas comunes”.

Mientras que se espera que “Shumari” dure dos horas de duración, “Rei” (con 189 minutos) requirió una escala mucho mayor.

“Incluso para mí hace falta valor para ver una película de tres horas de duración. Aun así, desde el principio tomé la decisión consciente de no pensar en absoluto en el público. Me influenció ‘Happy Hour’ de Ryusuke Hamaguchi, que dura más de cinco horas. Pasar tanto tiempo con los personajes fue como emprender un viaje juntos”.

En “Rei”, producida por el propio Tanaka y vendida por Geta Films, los personajes treintañeros buscan conexión y amor. Al igual que Hikari, quien luego conoce al fotógrafo con discapacidad auditiva Masato, interpretado por el director, mientras su amiga lucha con las exigencias de la maternidad.

«Como actor, quería asegurarme de que cada miembro del elenco recibiera la atención y el protagonismo adecuados», dice. En “Rei”, decidió trabajar principalmente con no profesionales.

“Me interesa mucho la comunicación, especialmente cuando es no verbal. En el escenario vivo y respiro palabras. Aún así, cuando viajo, me resulta difícil expresarme en inglés. Sin embargo, el problema no es el idioma, soy yo. En Japón, también me cuesta establecer relaciones con otras personas”.

Y añade: “Realmente siento que cada vez es más difícil formar conexiones reales en Japón. Las redes sociales podrían tener algo que ver con esto. Es una tendencia mundial, pero lo noto especialmente en casa”.

Tanaka está listo para abordar temas que podrían sorprender a algunos en Japón.

“La política y la religión generalmente se consideran tabú. Si bien existe libertad de expresión, expresar opiniones sobre estos temas puede generar rápidamente críticas. Me gustaría abordar eso en el futuro cuando sienta la necesidad de hacerlo”.

Habiendo actuado en el escenario “durante más de 10 años”, descubrió la dirección durante la pandemia.

“Empecé escribiendo un guión sencillo y filmando a mis amigos. Antes de darme cuenta, se convirtió en algo significativo. Siempre sentí que si perdía la curiosidad por los personajes que interpreto en el escenario, no podría continuar. Cuando cumplí 40 años, este sentimiento se intensificó. Ahora, como director, director de fotografía y fotógrafo, mis medios de expresión se han ampliado significativamente”.

Sin embargo, hacer cine personal ha resultado ser una lucha.

“En Japón casi no existe un sistema que apoye el cine experimental. Para este tipo de proyectos, los cineastas a menudo tienen que recurrir al crowdfunding”, afirma.

“En ‘Rei’, uno de los personajes dice: ‘Sería fantástico si pudiéramos entrar en una era en la que sólo sobrevivan las buenas obras’. Realmente refleja mis propios sentimientos. Nuestro presupuesto promocional para la película era casi nulo, pero creo que hay potencial de éxito en la taquilla local”.

Después de su victoria, Tanaka ya se centra en su próximo objetivo.

«Mi objetivo es la Palma de Oro», dice. “Dicho esto, mi mayor alegría proviene de relacionarme con el equipo en el set y ser creativos juntos. Lo que realmente quiero lograr es completar mi trilogía de Hokkaido; habrá otra entrega después de ‘Rei’ y ‘Shumari’. Ese es mi mayor sueño”.

El drama de relaciones humanas del actor y director japonés Toshihiko Tanaka rei y la historia de identidad y sociedad del cineasta iraní Oktay Baraheni El viejo soltero han ganado los principales premios en el Festival Internacional de Cine de Rotterdam.

rei ganó el premio Tiger de 40.000 € (43.000 dólares) en la competición principal.

El drama gira en torno a una mujer de poco más de treinta años que trabaja en una empresa en Tokio y que lucha por comprender el valor de su vida hasta que conoce a un fotógrafo de paisajes sordo que vive en lo profundo de las montañas de Hokkaido.

«El jurado decidió conceder el Premio Tigre a un director emergente que eligió desarrollar su ópera prima en un entorno relajado y sin límites», afirmó el jurado formado por Marco Müller, Ena Sendijarević, Nadia Turincev, Billy Woodberry y Herman Yau.

Los dos premios especiales del jurado, dotados con 10.000 euros (8.540 dólares) cada uno, fueron para la película del director indio Midhun Murali. carro de besosun drama político rodado con técnica de juego de sombras, y la película del cineasta australiano Jaydon Martin. cabeza planaun trabajo híbrido que explora la vida obrera en Australia.

Baraheni El viejo soltero ganó el premio VPRO Big Screen Award 2024 de 30.000 euros (32.000 dólares), que se reparte a partes iguales entre el cineasta y el productor.

La competición de la gran pantallan presentó 12 títulos que acortaron la distancia entre el cine popular, el clásico y el de autor

“Explorando temas poderosos como el patriarcado, la misoginia, el amor, la violencia y la tragedia, esta película es una clase magistral de narración, a través de su diálogo apasionante y matizado, su exquisita atención al detalle y el desarrollo de la tensión, que hierve a lo largo de la película hasta que alcanza el punto de ebullición. en el acto final, explosivo”, afirmó el jurado formado por Samina Khan, Sylvie de Leeuwe, Lisa van der Loos, Marcos Silva y Ella de Bruijn.

Murali’s carro de besos también ganó el Premio FIPRESCI por su “puro coraje y frescura al abordar el grave problema de la falta de libertades y de la represión sexual y de género de una manera que combina humor, espectáculo e intriga”.

Este jurado FIPRESCI estuvo compuesto por Ela Bittencourt, Dārta Ceriņa, Panagiotis Kotzathanasis, Antonios Lagarias y Ronald Rovers.

El premio NETPAC al mejor largometraje asiático, otorgado por un jurado de la Red para la Promoción del Cine Asiático, ha recaído en el largometraje de animación distópico del director indio Ishan Shukla Schirkoa: En las mentiras confiamos.

«Es una película con un enfoque universal, realizada con un estilo espectacular, una visión clara, muchas ideas sorprendentes y un gran sentido del humor», afirmó el jurado formado por Elena Larionova Haug, Donsaron Kovitvanitcha y Andreas Ungerböck.

“Rei” de Tanaka Toshihiko recibió el viernes el Tiger Award, el máximo galardón del Festival Internacional de Cine de Rotterdam. El primer largometraje de Toshihiko narra la historia de una mujer de unos 30 años empleada en un trabajo corporativo en Tokio que conoce a un fotógrafo de paisajes sordo que vive en lo profundo de las montañas de Hokkaido.

Toshihiko trabajó con un elenco y un equipo de estudiantes y en su mayoría no profesionales y no solo dirigió “Rei”, sino que también produjo, editó y actuó en la película. Se lleva a casa un premio valorado en 40.000 euros otorgado por un jurado compuesto por la directora de “Sweet Dreams” Ena Sendijarević, el productor e historiador Marco Müller, el director y guionista de “Ebola Syndrome” Herman Yau, el cineasta pionero de “Bless Their Little Hearts” Billy Woodberry y el productor Nadia Turinčev.

El jurado calificó a Toshihiko como un “director de cine floreciente que eligió desarrollar su primera película en un entorno relajado y sin límites” y cuya fuerza reside en “un entorno de colaboración centrado en los actores”.

Se otorgaron dos premios especiales del jurado a “Kiss Wagon” de Midhun Murali y “Flathead” de Jaydon Martin. El jurado consideró la película experimental de medios mixtos de Murali que combina imágenes hechas a mano y extractos de video para contar la historia de un trabajador del servicio de paquetería con la misión de entregar un paquete a un misterioso VIP como «hipnótica, desconcertante y maravillosamente extraña».

“Kiss Wagon” también recibió el Premio FIPRESCI por parte de un jurado de periodistas cinematográficos internacionales que declararon que su decisión unánime se inspiró en el “audaz desafío de las convenciones cinematográficas” de la película, y agregaron: “Con su intrincado collage de estilos, géneros y temas, y un oficio elaborado, artesanal, muy personal, nos recordó que el cine es un espacio ilimitado de juego e invención, que se renueva constantemente”.

El primer largometraje de Jaydon Martin combina ficción y documental para presentar un “retrato compasivo de la vida obrera en Australia” y ha sido elogiado por el jurado como una película con una “ejecución tranquila pero conmovedora” y una “película naturalista y realista en su máxima expresión”. » El elenco fue descrito como «excepcionalmente impresionante».

El Concurso de Pantalla Grande del festival, cuyo objetivo es cerrar la brecha entre el cine popular, clásico y de autor, otorgó el Premio VPRO de Pantalla Grande a “The Old Bachelor” de Oktay Baraheni. El segundo largometraje de Baraheni sigue a dos hermanos de mediana edad que viven con su padre intimidador en un Irán agobiado por una economía en dificultades.

El jurado, formado por Samina Khan, Sylvie de Leeuwe, Lisa van der Loos, Marcos Silva y Ella de Bruijn, dijo que la película es una “clase magistral de narración” y “una experiencia cinematográfica profundamente visceral que te cautiva junto con sus personajes como su mundo se encierra a su alrededor”. Además de un premio en efectivo de 30.000 euros, “The Old Bachelor” recibió un estreno garantizado en cines en los Países Bajos y será transmitido en la televisión holandesa por VPRO y NPO.

El Premio NETPAC al mejor largometraje asiático, otorgado por un jurado de la Red para la Promoción del Cine Asiático, fue para “Schirkoa: In Lies We Trust”, de Ishan Shukla, mientras que el Premio del Jurado Juvenil fue seleccionado por un panel de jóvenes amantes del cine local. fue a “Levante” de Lillah Halla.

Lista completa de ganadores a continuación:
COMPETENCIA DEL TIGRE
Premio Tigre a “Rei” de Tanaka Toshihiko (Japón)
Premio Especial del Jurado a “Kiss Wagon” de Midhun Murali (India)
Premio Especial del Jurado a “Flathead” de Jaydon Martin (Australia)

COMPETENCIA DE PANTALLA GRANDE
Premio VPRO Pantalla Grande a “The Old Bachelor” de Oktay Baraheni (Irán)

PREMIO FIPRESCI
Premio FIPRESCI a “Kiss Wagon” de Midhun Murali (India)

PREMIO NETPAC
Premio NETPAC a “Schirkoa: In Lies We Trust” de Ishan Shukla (India, Francia, Alemania)

PREMIO DEL JURADO JOVEN
Premio NETPAC a “Levante” de Lillah Halla (Brasil, Francia, Uruguay)

MÁS PREMIOS
El Premio del Público y el Premio del Jurado Joven IFFR se anunciarán el domingo con la clausura del festival.

“Cherub” de Barbara Rupik recibió el premio Eurimages New Lab a la innovación en CineMart, el brazo de mercado de coproducción del Festival Internacional de Cine de Rotterdam, y “Duchampiana” de Lilian Hess se llevó a casa el premio Eurimart New Lab a la divulgación.

El proyecto de Rupik sigue a las criaturas titulares, seres angelicales que cambian de forma con cabezas humanas y alas de pájaro, mientras descienden a una aldea olvidada para reclamar el alma de una niña moribunda. La declaración del director dice que «Cherub» combinará «elementos grotescos, musicales, dramáticos y de terror del género, tejidos a partir del folclore y las tradiciones rurales». Rubik, autor de la animación de marionetas en “Silent Twins” de Agnieszka Smoczyńska y cuyos cortometrajes han sido premiados en Cannes y DOK Leipzig, también se llevó el premio Wouter Barendrecht dotado con 5.000 euros.

«Duchampiana» es una experiencia artística de realidad virtual centrada en la política del cuerpo e inspirada en «Desnudo descendiendo una escalera» de Duchamp. La instalación seguirá a su protagonista a lo largo de una escalera infinita hacia una exploración poética de lo que significa reclamar el lugar de uno en el mundo. La declaración de Hess decía que su intención es “crear una experiencia emocional que deje al espectador en un estado de reflexión; enfrentados a preguntas cuya respuesta puede cambiarlos irreversiblemente”. El trabajo anterior de Hess incluye “Observaciones en 65º Sur”, adquirida por Netflix en octubre de 2022. Esta es su primera incursión en la dirección de realidad virtual.

Eurimages es el fondo cultural del Consejo de Europa dedicado a apoyar el cine independiente. Esta edición de CineMart marcó el lanzamiento de los dos nuevos premios Eurimages New Lab: el Premio a la Innovación, que garantiza 20.000 € para proyectos en desarrollo que promuevan la experimentación, y el Premio Divulgación, valorado en 30.000 €, para proyectos en proceso que promuevan la llegada a la audiencia.

El director de “Azor”, Andreas Fontana, recibió el Premio de Postproducción Filmmore dotado con 7.500 euros por “Les Diplomates”, un drama ambientado durante la desintegración del Bloque del Este a finales de los años 1980 y que sigue a dos diplomáticos con viejos rencores que se encuentran por casualidad en Ginebra.

Otros ganadores incluyen “Una casa distante fuma en el horizonte”, de Shengze Zhu, financiada por el Fondo Hubert Bals, que se llevó el Premio Internacional ArteKino valorado en 6.000 € y “Alumbre” de Alejandro Telémaco Tarraf, galardonado con el Premio VIPO valorado en 3.000 €.

Los ganadores fueron seleccionados entre los 16 largometrajes y cuatro proyectos inmersivos en desarrollo presentados en CineMart junto con los cuatro largometrajes y dos proyectos inmersivos a punto de finalizar que participaron en la segunda edición del programa de trabajo en progreso Darkroom.

«La variedad de proyectos que se ofrecen en nuestro mercado de coproducción nunca ha sido tan rica, no sólo en términos de la diversidad de historias y sus países de origen, sino también en sus medios y etapas de producción», dijo la directora de IFFR Pro, Alessia Acone. . “En el panorama en constante evolución del cine y los medios, IFFR Pro es una plataforma sintonizada con las necesidades de la industria, que fomenta la vanguardia, lo visionario y lo innovador”.

Lista completa de ganadores:

Premio Estudios 4DR
Ganador: “El mundo se inundó”, dir. Isobel Knowles y Van Sowerwine, Australia
Producida por: Film Camp

Premio Internacional ArteKino
Ganador: “Una casa lejana fuma en el horizonte”, dir. Shengze Zhu, China, EE. UU.
Producida por: Burn the Film, con el apoyo del Fondo Hubert Bals para el desarrollo

Premio Eurimages New Lab – Divulgación
Ganador: “Duchampiana”, dir. Lilian Hess, Francia, Alemania
Producido por: Tchikiboum

Premio Eurimages Nuevo Laboratorio — Innovación
Ganador: “Cherub”, dir. Barbara Rupik, Polonia
Producido por: Madants

Premio Filmmore Postproducción
Ganador: “Les Diplomates”, dir. Andreas Fontana, Suiza, Reino Unido
Producida por: Alina Film

Premio Wouter Barendrecht
Ganador: “Cherub”, dir. Barbara Rupik, Polonia
Producido por: Madants

Premio VIPO
Ganador: “Alumbre”, dir. Alejandro Telémaco Tarraf, España
Producida por: Zeitun Films

La nueva película de Marcelo Gomes, “Retrato de cierto Oriente”, estará representada en las ventas mundiales por la brasileña O2 Play. El acuerdo se cerró antes del estreno de la película en el Festival Internacional de Cine de Rotterdam, donde se proyecta como parte de la Competencia de Pantalla Grande.

O2 Play es la división de distribución del grupo O2 Filmes, una empresa de producción, postproducción y publicidad propiedad de Fernando Meirelles, el director nominado al Oscar por “Ciudad de Dios”, “El jardinero fiel” y “Los dos papas”. Meirelles dirige la empresa junto a Andrea Barata y Paulo Morelli. Fundada por Igor Kupstas en 2013, O2 Play ha estrenado en cines más de cien películas en Brasil, entre ellas “Drive My Car” de Ryusuke Hamaguchi, “The Irishman” de Martin Scorsese y, más recientemente, “Priscilla” de Sofia Coppola.

Gomes, cuyo primer largometraje de 2005, “Cinema, Aspirins and Vultures”, fue financiado por el Fondo Hubert Bals del IFFR, regresa al festival con su octavo largometraje, una adaptación de la novela homónima de 1989 del eminente escritor brasileño-libanés Milton Hatoum sobre un trío de inmigrantes libaneses que se dirigen a Brasil.

Gomes dijo: “En mi película, trato de mostrar que la única manera de deconstruir los prejuicios es viendo el mundo a través de los ojos de los demás como un antídoto contra el fanatismo. En vista de las numerosas crisis que nos afectan en todo el mundo, esto parece más importante hoy que nunca”.

Igor Kuptsas, director de O2 Play, dijo: “La obra de Marcelo es una prueba de que es uno de los cineastas brasileños más reconocidos de la actualidad, y su tratamiento sensible e incisivo de las cuestiones de migración y pertenencia llega al corazón de uno de los cineastas actuales. Los problemas globales más apremiantes en una saga familiar con la que es universalmente identificable”.

Hablando exclusivamente con Variedad Antes del estreno de la película, Gomes dice que se sintió atraído por la novela de Hatoum debido a que “no se puede filmar” y explica que apreciaba la idea de adaptar un libro que presenta varias corrientes de conciencia. La historia, que sigue a dos hermanos libaneses católicos que conocen a un libanés musulmán en un barco rumbo a Brasil, le pareció un “rompecabezas” al director de “Joaquim”.

“Quería mostrar el Amazonas a través de los ojos de alguien que nunca había estado allí, mostrar Brasil desde la perspectiva de un extranjero. Mi primera película trata sobre un extranjero en el noreste de Brasil y creo que esa película me hizo comprender mi país mejor que cualquier otra película”, añadió. «Me encanta la idea de que alguien venga del Medio Oriente, del desierto y aterrice en el Amazonas».

El director pasó a describir la realización de una película como una “saga”. “¡Esta película es un milagro! Llevábamos tres días de rodaje cuando tuvimos que parar debido a la pandemia. Todos volvimos a casa y más tarde tuvimos que volver a recaudar dinero para reiniciar la producción”. Aún así, incluso con las dificultades, Gomes logró producir una película en varios idiomas, incluidos árabe, francés y la lengua indígena tucano, y con un elenco internacional que incluía a Wafa’a Celine Halawi, Charbel Kamel, Zakaria Al Kaakour y Eros Galbiati.

Esto era vital para el director porque, en el libro, la ciudad brasileña de Manaos es descrita como una Babilonia, con inmigrantes procedentes de países como España, Portugal y Líbano para trabajar en las numerosas plantaciones y fábricas de la región. «Era una ciudad muy cosmopolita, así que pensé que esta película debía estar en varios idiomas», dijo Gomes. “Tuve que invitar a actores libaneses porque necesitaba actores que hablaran en su idioma y con su propio acento y también quería actores que nunca hubieran visto el país con sus propios ojos. Pensé que esto le daría una verdad a la película que era muy importante”.

Sobre abordar temas contemporáneos como la demarcación de tierras y la inmigración en una película de época, el director dijo: “Los inmigrantes quieren un lugar al que llamar hogar. Este es un problema que tenemos en Brasil. En el Amazonas, los agricultores quieren robar la tierra a los nativos. El libro fue escrito en 1981, pero soy una persona que vive en 2024 y me conmueven los problemas que suceden a mi alrededor. Tuve que incluir cuestiones indígenas en la película, tuve que mencionar las cuestiones de Oriente Medio en la película y la crisis de inmigración”.

El estreno de la película en Rotterdam tiene un significado especial para Gomes, quien afirma que el festival es “el más importante de mi carrera”. “He mostrado mis cortos allí y, cuando estaba desarrollando el guión de mi primer largometraje, allá por finales de los 90, no tenía dinero. Entonces solicité el Fondo Hubert Bals y recibí la subvención. Gracias a esa beca escribí el guión, solicité otras becas, logré hacer mi película y luego la presenté en Cannes. El festival es como mi madre”.

“Retrato de un cierto Oriente” se estrenará en IFFR el 27 de enero.

El cineasta radical Santiago Mohar Volkow (“Los Muertos”) presentará su cuarto largometraje “A History of Love & War” (“Una Historia de Amor y de Guerra”) al público en la 53ª edición del Festival Internacional de Cine de Rotterdam.

Un examen viscalmente ridículo de la historia colonial de México y la naturaleza engañosa de la gran riqueza, la película se proyecta como parte de la sección Harbour, dedicada a una amplia gama de narrativas contemporáneas.

La trama comienza con el insoportablemente mimado y corrupto magnate inmobiliario Pepe Sanzhez Campo (Andrew Leland Rogers) mientras sus planes de desarrollo de un megacentro comercial avanzan y una oferta de compromiso a su adinerada interés amoroso Constanza (Lucía Gómez Robledo) resulta un éxito.

Cuando las fuerzas militantes desafían sus derechos a la tierra y una despedida de soltero que de otro modo sería cliché se vuelve amarga después de que el amante de su prometido, Teo (Darío Yazbek Bernal), desencadena un cambio de marea trepidante, Pepe se marcha con un ajuste de cuentas que descarrila su futuro privilegiado.

Proporcionando una risa saciante a través de la gran depravación y la traición, el proyecto maneja una fantasía cobarde, y Pepe finalmente se convierte en un emblema del pasado brutal del país, una herramienta utilizada para examinar la disparidad residual.

“A History of Love & War” fue producida por Mohar Volkow, Santiago de la Paz Nicolau, Santiago Dosal, Jonathan David y Juan Sarquis en las productoras de Ciudad de México Nómadas (“Sísifos”), Laredo 17 (“Natural”) y Edge Films. (“Modo Avião”). Los créditos de producción ejecutiva son para Alejandro Quintero, Juan Simons, García Rulfo, Yazbek Bernal y Leland Rogers.

Manuel García Rulfo (“El abogado Lincoln”), Aldo Escalante (“Club De Cuervos”), Mónica del Carmen (“Año bisiesto”), Florencia Ríos (“The Darkest Days of Us”), Santiago Espejo (“VGLY”) , Sharon Kleinberg y Sophie Gómez (“Monarca”) completan el elenco de élite, con apariciones especiales de Hernán del Riego (“Juana Inés”), Patricia Bernal (“Pobre Rico, Pobre”) y Teresa Sánchez (“Dos Estaciones”) .

Antes del estreno público de la película el 31 de enero, Mohar Volkow habló con Variedad sobre el proyecto.

México actúa como el lienzo perfecto para sus elecciones estilísticas audaces y vibrantes, a la vez ancladas en el pasado y profundamente modernas. Él‘No hay duda de que la estética es una parte importante de tu mundo cinematográfico. ¿Puedes hablar de cómo llegar a tu estilo estilísticamente?

La mayoría de las películas y directores que más amo tienen fuertes estilos barrocos. Supongo que cuando uno finalmente tiene la oportunidad de hacer una película, es natural hacer algo que disfrute como parte del público. Estoy aburrido y harto de las limitaciones asfixiantes del naturalismo actual que caracteriza a la mayor parte del cine contemporáneo, especialmente en México, donde muchas veces es difícil distinguir una película de otra.

Es casi contradictorio imitar este estilo internacional para adaptarlo a nuestras historias cuando nuestra historia y cultura son tan intrínsecamente barrocas. Me gusta pensar que este compromiso lúdico con la forma, que rompe con los imperativos del realismo convencional, también resultará más atractivo para un público más amplio que normalmente está bastante aislado del llamado cine de autor.

El estilo de vida de los ricos y famosos se presta fácilmente al absurdo que usted captura en sus proyectos y habla de privilegios y jerarquías de clases en muchas de sus películas. ¿Qué tiene de atractivo examinar las luchas del proletariado, el vicio de los burgueses?

La desigualdad rampante a la que uno se acostumbra a vivir en México es una realidad completamente absurda que se vuelve aún más extraña cuando además tenemos en cuenta que ya no la vemos como una anomalía. Esta extraña dinámica entre un mundo que no tiene sentido y una sensibilidad que de alguna manera logra encontrar una lógica en su interior es la experiencia clave de México, es muy difícil de entender pero vivimos con ella todos los días. Hacer una película que sucede en este lugar conducirá inevitablemente, al menos a nivel personal, a un intento de explicación, de entender un poco más de por qué las cosas son como son.

¿Cuál es el aspecto más desafiante de trabajar dentro de un marco de comedia y sátira para explorar temas sociales importantes y por qué el producto final suele ser tan brillante cuando está bien ejecutado?

La comedia siempre es un desafío porque constantemente corre el riesgo de ser ridiculizada; cuando se hace dentro de un tema que es actual y sensato para una audiencia contemporánea, existe un riesgo agregado de crueldad que tratamos de evitar de forma natural. Pero, a veces, lo que puede parecer crueldad es en realidad una forma de revelación, y cuando eso se logra, creo que algo verdaderamente grandioso sale a la luz.

También están los aspectos sociales y políticos de lidiar con eventos y temas que pueden provocar algún tipo de reacción, algo que se vuelve más angustiante a medida que aumenta el tamaño de las películas. Productores, estudios y plataformas tienen que lidiar con este tipo de problemas todo el tiempo y realmente no hay una salida fácil porque hay mucho dinero involucrado, pero no hay duda de que tiene un efecto en que las películas sean menos atrevidas y arriesgado, tanto en el tema como en la forma.

Afortunadamente, esta es una imagen pequeña y realmente teníamos total libertad para hacer y decir lo que quisiéramos. No me sorprende la recepción mixta que ha tenido, incluso en su corta vida antes del estreno real. No creo que nadie pueda hacer una película hoy en día y no esperar algún tipo de rechazo, por eso es importante tomar las críticas críticamente y aceptar que, en algunos casos, el rechazo y la división son en realidad elogios.

Utiliza las conmovedoras palabras de James Baldwin para abrir la película: “La gente está atrapada en la historia y la historia en ellos”. ¿Cómo incorporaste ese sentimiento al proyecto?

La frase de Baldwin es absolutamente brutal y cierta. Incluso si lo leo en otro contexto, el ensayo en el que lo encontré casi no tiene relación con la trama de la película, es una definición tan hermosa y poética de lo que es nuestra existencia política que se sostiene sin importar dónde la pongas. Suena cierto cuando pensamos en nosotros mismos en el contexto histórico de nuestros países o incluso de nuestras familias, así que pensé en eso cuando escribí el guión, tratando de entender a los personajes no sólo como los agentes de su historia, sino también como pequeñas representaciones ambulantes. de los traumas de nuestra historia.

El cineasta indio Ishan Shukla causó sensación con un corto de animación premiado chirkoa en 2016, que se estrenó mundialmente en el LA Shorts Film Festival y luego viajó a más de 100 festivales en todo el mundo.

El trabajo rompió el molde por su creación en el motor de juego Unreal Engine y tropos distópicos que son raros en el cine indio.

Shukla vuelve al circuito de festivales con una versión de largometraje Schirkoa: En las mentiras confiamos y Deadline puede revelar el tráiler internacional antes de su estreno mundial en Rotterdam este fin de semana.

Ambientada en un mundo distópico donde las personas se ven obligadas a usar bolsas de papel sobre la cabeza, la película sigue a un miembro del consejo recién nombrado que provoca una revolución accidental.

El elenco de voces incluye a Golshifteh Farahani, Asia Argento, SoKo, King Khan y estrellas invitadas como Lav Diaz, Karan Johar, Shekhar Kapur, Anurag Kashyap y Gaspar Noé.

“Schirkoa: En las mentiras confiamos Es una reacción metafórica al mundo en el que vivo hoy: un conflicto perpetuo entre dos dimensiones de nuestro mundo”, dice Shukla.

“Imaginé una línea de tiempo alternativa en la que el mundo entero se concentra en sólo dos naciones: una mezcla ecléctica de culturas, identidades e idiomas. Una nación, Schirkoa, se esfuerza mucho por alcanzar la perfección y la logra con bastante éxito mediante la «Ley de Bolsas». La segunda nación, Konthaqa, es más humana, colorida, romántica, a veces irracional y, finalmente, caótica”.

Dice que rodar la película íntegramente en Unreal Engine, una tecnología que utiliza renderizado en tiempo real, redujo la huella de carbono y proporcionó flexibilidad al equipo de realización.

«Podíamos modificar tomas, editar secuencias e incluso escenas enteras sobre la marcha», afirma.

Schirkoa: En las mentiras confiamos es una coproducción indio-francesa entre el estudio de animación Red Cigarrillo Media de Shukla y la compañía parisina Dissidenz Films, fundada por Bich-Quan Tran, que incorporó al coproductor alemán Stephan Holl de Rapid Eye Movies (Alemania).

Las ventas internacionales están a cargo de New Europe Film Sales junto con la co-representación de Anonymous Content para Norteamérica.

El primer largometraje del galardonado artista Justin Anderson, “Swimming Home”, tiene su estreno mundial en competencia en el Festival Internacional de Cine de Rotterdam. Variedad ha asegurado el acceso al primer clip de la película.

La película, una adaptación de la novela finalista del Premio Man Booker 2012 de Deborah Levy, se centra en el poeta Joe (Christopher Abbott) y la fotógrafa de guerra Isabel (Mackenzie Davis), cuyo matrimonio está muriendo cuando Kitti (Ariane Labed), una extraña desnuda encontrada flotando en el piscina en su soleada villa de vacaciones en Grecia, está invitado a quedarse. La actriz y directora libanesa nominada al Oscar Nadine Labaki desempeña un papel importante en la película, al igual que la actriz emergente Freya Hannan-Mills.

En 2014, Anderson dirigió “Jumper”, un corto inspirado en “Teorema” de Pasolini, sobre un hombre que emerge de una piscina y se queda desnudo junto a la ventana durante una cena familiar. Un amigo vio la película y le sugirió que leyera la novela de Levy. El libro resonó en Anderson y se puso en contacto con Levy. Almorzaron y hablaron sobre el surrealismo, Freud y Cocteau, y para sorpresa de Anderson, Levy le ofreció la opción del libro, que anteriormente estaba en Blossom Films de Nicole Kidman.

Anderson llevó el libro a su antiguo psiquiatra y le hicieron un análisis freudiano de los personajes. “Ciertamente no tenía un plan. Pero tenía una sensación muy fuerte sobre el libro”, dijo Anderson. Variedady agregó que le hizo recordar las películas francesas clásicas sobre “la incomodidad en un lugar hermoso”, como “La Piscine”, “La collectionneuse” y “Pauline at the Beach”.

El libro también tenía un “sentido de lo extraño”, que Levy discutió con Anderson mientras caminaban por Hampstead Heath en Londres. “Cuando los personajes hacen cosas que no tienen sentido, me gustó mucho. Cuando leo sobre Isabel, pienso que no tengo idea de por qué está haciendo esto. Y pensé que era realmente interesante, como personaje central, no saber la motivación. Y para mantener eso cubierto, pensé que era realmente interesante”, dijo Anderson. «Y además, el libro era muy visual, tenía non sequiturs y esas cosas visuales extrañas que sentí que encajaban en el tipo de encuadre y el trabajo que hice».

Junto a la narrativa principal de la película se encuentra el Crab Club, un mundo de baile donde la vida real y un metamundo chocan, coreografiado por Candela Capitán. La película también está cargada de erotismo con mucha desnudez, pero la idea no era tratar sobre sexo, dice Anderson. “La película trata mucho sobre el deseo… un sentimiento de deseo navideño. Volviendo al libro, siempre hay un deseo rondando, pero nunca placentero. Hay un sentimiento de deseo y malestar al mismo tiempo”, dijo Anderson. “El deseo puede funcionar en muchos niveles, pero no creo que la película trate sobre sexo. Cuando la gente lee el guión, inmediatamente dice: «Mujer desnuda en la piscina, se trata de una fantasía masculina». Y yo dije, no, se trata de algo mucho más interesante y más difícil de encasillar”.

La película también es política, pero no abiertamente, ya que el guión de Anderson cambia parte del texto original de Levy para reflejar las realidades contemporáneas. “Se trata de cómo vivimos nuestras vidas rodeados de traumas y de lo que guardamos dentro de nosotros mismos. Lo que intento hacer es examinar el interior. Estamos rodeados de historias traumáticas y ¿cómo negociamos eso con nosotros mismos en nuestras cómodas vidas? Para mí, esa es la pregunta que vale la pena hacernos sobre nosotros mismos”, dijo Anderson.

La película es una producción de Anti-Worlds, Quiddity Films, Reagent Media y Heretic en coproducción con Lemming Film. Los productores incluyen a Andy Starke, Giorgos Karnavas, Emily Morgan, Marcos Tellechea y Paula Linhares.

Bankside Films se encarga de las ventas internacionales.

Mira el primer clip de la película aquí:

Tamara Tatishvili está a toda máquina en su primera edición del Festival Internacional de Cine de Róterdam, que se celebrará del 25 de enero al 4 de febrero, tras su nombramiento como directora del brazo de financiación del festival, el Fondo Hubert Bals. Comenzó a trabajar a tiempo completo a principios de enero.

“Utilizaré el festival para conectarme con profesionales fuera de IFFR, organizando reuniones informales de grupos de expertos con profesionales de la industria, productores y agentes de ventas en un entorno cercano para ver cuáles son sus observaciones e ideas, y cómo esto podría contribuir a las estrategias de pensamiento futuras. del Fondo Hubert Bals”, dice Variedad.

Continuó enfatizando la importancia de los festivales desde el punto de vista de los financiadores. “Los festivales son plataformas clave para conectar con el público las historias que los fondos ayudan a crear. La participación de la audiencia es un tema clave. Los financiadores y productores creen que es necesario hacer películas para llegar al público. Así es como creas impacto y cómo haces que la gente comprenda el mundo un poco mejor”.

El Fondo Hubert Bals se fundó en 1988 y lleva el nombre del primer director del festival. En las tres décadas posteriores, el fondo ha apoyado a cineastas como Apichatpong Weerasethakul, Radu Jude y Lucrecia Martel. Los éxitos recientes de festivales apoyados por el fondo incluyen “Tiger Stripes” de Amanda Nell Eu, “Youth (Spring)” de Wang Bing y “The Delinquents” de Rodrigo Moreno. Tres películas respaldadas por HBF se proyectan en el IFFR de este año: “Blackbird Blackbird Blackberry” de Elene Naveriani, “Dolomite and Ash” de Toma Selivanova y “Praia Formosa” de Julia De Simone.

Tatishvili asume el cargo como ex director del Centro Nacional de Cine de Georgia y actual jefe de estudios de Medici, un foro de formación e intercambio para los responsables de los fondos cinematográficos públicos internacionales. Ella dice que el papel le pareció un “siguiente paso natural” en su carrera como productora, programadora y consultora de estrategia, ya que “reúne mis pasiones por la curación y la estrategia además de mi perspectiva y comprensión de los países de baja producción”.

“La belleza de un fondo como Hubert Bals Fund es que no sólo podemos financiar el desarrollo de proyectos, sino que también podemos acompañar al talento durante todo el camino”, continúa. “Eso es mucho más una asociación con el talento que un fondo de financiación estricto. Estoy muy dispuesto a comprender qué valor adicional puede aportar el fondo al talento”.

Los antecedentes personales de Tatishvili la hacen apreciar particularmente la misión del fondo de apoyar talentos de áreas del mundo que podrían no tener acceso al mismo nivel de financiamiento y apoyo disponible en países con industrias cinematográficas más desarrolladas.

“Viniendo de un pequeño país del sur del Cáucaso en Georgia y viendo la industria desde dentro, no estoy interesado en ir a otros países y predicar a la gente sobre cómo hacer películas. Estoy más bien interesado en comprender el contexto local y encontrar una manera de apoyar la autenticidad y diversidad de las historias, pero también depende de mí, como fondo, ser táctico y estratégico con esquemas que puedan apoyar a la mayor cantidad de talentos”.

Trabajar en una estrategia a largo plazo para el fondo es lo siguiente en la lista de tareas pendientes de Tatishvili, pero espera tomar 2024 como un “año de pensamiento”. “No tengo prisa, no voy a revolucionar nada en 24 horas. Se necesita mucho trabajo. Me he comunicado con talentos que han sido financiados por nosotros más de una vez para escuchar qué piensan sobre el impacto del fondo, y espero que a través de estas conexiones podamos crear algo así como una red de talentos”.

Tatishvili enfatiza que los programas actualmente en ejecución del fondo seguirán adelante con muy pocos ajustes mientras ella trabaja con su equipo en soluciones a grandes preguntas, como cómo financiar el talento establecido y gestionar el abrumador volumen de solicitudes que reciben cada año.

“Si un director ya ha hecho tres o cuatro películas que han dado forma a su visión artística, ¿necesitamos apoyarlo más? No podemos financiar a cineastas estimados al lado de cineastas debutantes. Éste es uno de los enigmas que todavía tenemos que resolver”.

La ambición de Tatishvili para 2025 es “renovar y revisar todos los esquemas”, centrándose al mismo tiempo en cómo optimizar mejor su proceso de solicitud. “El año pasado recibimos más de 600 solicitudes para proyectos en desarrollo y sólo pudimos financiar 10. Esto no está funcionando. Quizás a veces necesitemos aconsejar a los cineastas que no presenten su candidatura si no es el momento adecuado. Mi sueño personal y muy egoísta para HBF sería, por supuesto, conseguir más financiación”.