Un cerebro resplandeciente, líderes mundiales perdidos en el bosque, un presidente estadounidense con un evidente acento británico, ah, y hombres pantanosos: momias cuya virilidad ha sido cercenada y envuelta alrededor de sus cuellos. Estos son los elementos diversos de la comedia política de Guy Maddin, Evan y Galen Johnson Rumores aquí en Cannes.

La película, que se estrenó mundialmente el sábado por la noche y se estrenará en Estados Unidos desde Bleecker Street, sigue a los siete líderes de las democracias liberales más ricas del mundo en la cumbre anual del G7 después de que se pierden en el bosque y enfrentan peligros cada vez mayores mientras intentan redactar una declaración provisional. respecto a una crisis global.

Dijo la dos veces ganadora del Oscar Cate Blanchett, protagonista de la película, en la conferencia de prensa oficial del domingo. «Creo que si intentas encontrarle sentido a esta película, sentirás que estás perdiendo la cabeza».

Empecemos por el título. Los realizadores dicen que los financieros y productores en ningún momento les preguntaron qué significaba. Por qué Rumores?

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Bueno, lleva el nombre del álbum Fleetwood Mac. Galen Johnson dice: «Eso fue muy creativo: todos se acostaban entre sí». Por tanto, un ajuste perfecto.

«No se trata de ser una película importante con un mensaje», dijo Blanchett, quien dijo que se sintió animada a trabajar en el proyecto porque tenía tres directores, además de que era fanática del canon de Maddin.

Maddin y sus colaboradores adoraron la idea del G7 dado el secretismo y los informes que rodean la reunión de líderes mundiales del teatro estilo kabuki. Blanchett facturó Rumores como “documental” al levantar el telón sobre el G7. Y el POTUS con acento británico interpretado por Charles Dance, todo eso fue intencional según Maddin y sus codirectores.

Otra idea inspiradora de Maddin: “¿Qué pasaría si la guerra revolucionaria fuera por otro lado? ¿Qué pasaría si (Estados Unidos) siguiera siendo una colonia?”

A Evan Johnson se le preguntó acerca de un Rumores franquicia. Bromeando, dijo: «Sí, es verdad, se llama Tumores.”

Con Rumores, el legendario director canadiense Guy Maddin, en colaboración con sus colaboradores habituales Evan y Galen Johnson, ha realizado la que podría ser su película más divertida hasta la fecha. Pero, como siempre ocurre con Maddin, el humor está algo enrarecido. Rumores Sigue a los líderes del G7 mientras se pierden en un bosque alemán y son acosados ​​por misteriosas figuras antiguas, mientras también son consumidos por sus propias y extrañas pasiones. Cate Blanchett interpreta a la elegante y dominante canciller alemana, decidida a mantener unido al grupo, pero tampoco temerosa de un polvo rápido en el bosque con el fornido y masculino primer ministro canadiense (Roy Dupuis), quien a su vez es un tímido indeciso que todavía lleva antorchas por sus amores perdidos. El señorial Charles Dance interpreta al presidente de los Estados Unidos y no se molesta en ocultar su acento británico. Alicia Vikander interpreta a la presidenta de la Unión Europea como una bruja salvaje que murmura profecías sin sentido en sueco. En un momento dado, aparece en el bosque un cerebro brillante gigante del tamaño de un hatchback. Juro por Dios que no miento cuando les digo que esta es también la película más accesible que ha hecho Maddin.

El humor en Rumores Esto requiere cierta familiaridad vaga con la forma en que estas reuniones internacionales públicas (ya sea la cumbre del G7, la cumbre de la OTAN o diversas reuniones de la ONU) nunca resultan en algo que se parezca a acciones o soluciones reales, sino que emiten innumerables declaraciones conjuntas de débil voluntad y trabajan periódicos y otras formas de cháchara diplomática. (El hecho de que la película asuma que su audiencia entenderá esto también sugiere que Rumores podría ser una de las películas más canadienses que Maddin haya hecho, lo que ciertamente dice algo). Al principio, la líder alemana invita a sus colegas a ver un hallazgo arqueológico reciente: un cadáver milenario perfectamente momificado, un «hombre del pantano». cuyo pene ha sido cortado y enrollado alrededor de su cuello. La especulación es que se trataba de un ex líder, “asesinado en sacrificio por no cumplir la promesa de una buena cosecha”. Veremos más hombres de los pantanos más adelante: colgados de los árboles, caminando pesadamente por el bosque, masturbándose colectivamente al unísono animal. De alguna manera, estas momias pegajosas cubiertas de barro y mierda y masturbándose en las profundidades de un bosque alemán sirven como metáfora y contrapunto a la ineficacia de estos líderes modernos.

Maddin ganó renombre al comienzo de su carrera por sus ingeniosos y estratificados pastiches del cine mudo. Es un maestro de la mezcla del melodrama de la vieja escuela y el expresionismo alemán, y Rumores de manera similar se entrega a guiños divertidos al pasado cinematográfico. Hay un brillo enfermizo, rosado, de autocine de serie B en gran parte de la imagen. Cuando los primeros ministros de Canadá y el Reino Unido (este último interpretado por Nikki Amuka-Bird) discuten brevemente una vieja historia de amor, la música se llena de nostalgia saxofonista y bluesera. Cuando más tarde Canadá relata, con angustia histriónica, los detalles profundamente aburridos del “escándalo de intereses” que ha condenado su futuro político, un órgano de película de terror suena en la banda sonora. Un momento de valentía física mundana va acompañado de estallidos triunfantes del “Exilio” de Enya, como algo salido de El último de los mohicanos. También hay fragmentos divertidos al azar, como el constante paso del líder italiano por el salami que robó del buffet del almuerzo, o líneas como: “Alemania atrapada en el drama. Hemos visto esto antes”.

El peligro de las películas basadas en el ingenio conceptual es que perderán fuerza a medida que avancen las cosas y los realizadores se queden sin ideas. Afortunadamente, Maddin y los Johnson desarrollan efectivamente su historia, por ridícula y absurda que sea, de modo que estas constantes indagaciones contra nuestros líderes ineficaces se fusionan en algo significativo y alarmante. Rumores Comienza centrándose en cómo el capullo del liderazgo es al mismo tiempo un privilegio y una maldición para estas personas. Al final, entendemos que los que realmente estamos condenados somos el resto de nosotros. Pero el hecho de que nos ahoguemos con la risa no significa que no sigamos riéndonos.

Apple TV+ Palma Real Puede estar ambientada a finales de la década de 1960, pero sus mayores placeres parecen hechos a medida para la era de Internet. Cada toma de una socialité sonriendo sobre el borde de una copa de cóctel se reproduce como el GIF de reacción perfecto. Los comentarios maliciosos también podrían estar diseñados para dividirse en fragmentos de sonido del tamaño de TikTok, y los escandalosos giros de la trama para provocar jadeos en el chat grupal. Y la estética… ¡oh, la estética! En un repudio al color gris del “lujo tranquilo”, esta visión de la élite estadounidense está inundada de brillantes tonos joya y brillos de Lilly Pulitzer. Podrías construir paneles de estado de ánimo completos alrededor de la librería hippie-chic o de la mansión barroca. Yo mismo perdí unos buenos 20 minutos buscando en Google entre episodios gafas de sol estilo ojo de gato como las que aparecen en Maxine (Kristen Wiig).

Pero el estilo llamativo es tan bueno como el espectáculo; la diversión termina donde termina la superficie. Si bien suceden muchas cosas en Palma Real, incluidas puñaladas por la espalda, aventuras tórridas e intentos de asesinato, hay muy poca sustancia verdadera acechando debajo de su caparazón de caramelo. En episodios de diez horas de duración, la comedia recorre un camino tremendamente largo para no llegar a ninguna parte interesante.

Sin embargo, bajo la luz dorada adecuada, incluso los defectos pueden parecer destellos de potencial a primera vista, y lo mismo ocurre con Palma Real. Si el tono del estreno (dirigido por La ayuda helmer Tate Taylor) está por todas partes, uno podría esperar que se deba a un exceso de ambición; Si los personajes son difíciles de leer, quizás lo divertido sea adivinar qué están haciendo. La protagonista Maxine es, después de todo, una impostora: se la ve por primera vez colándose en un club de campo que no puede permitirse, con ropa y joyas que «tomó prestadas» de la comatosa gran dama Norma (Carol Burnett). Pero su verdadera irrupción en la alta sociedad se produce cuando se hace amiga de Dinah (Leslie Bibb), quien en realidad es la socialité que Maxine sólo ha estado fingiendo ser. A partir de ahí, la reina de belleza de Tennessee poco a poco encanta y manipula su camino hacia la clase dominante de Palm Beach, supervisada por la imperiosa Evelyn (Allison Janney).

Como seguramente se desprende del párrafo anterior, una gran parte de Palma RealEl atractivo de es su elenco repleto de estrellas. Y los actores ciertamente vienen a jugar: Wiig aporta una intensidad fuera de lugar a la apariencia perfecta de Barbie de Maxine y a sus sonrisas listas para un desfile, de modo que no importa cuánto se esfuerce Maxine para integrarse, no puede evitar destacar. Janney podría interpretar a la “matriarca imponente” mientras duerme, pero eso no hace que sea menos entretenido ver a su cisne andar en caftanes mientras reduce su tamaño a la feminista Linda de Laura Dern. Bibb es una maravilla interpretando a la maliciosa y malcriada que no me sorprendería que su próximo papel principal fuera descartado por la fuerza de este. Y Ricky Martin, como el sarcástico pero secretamente dulce barman Robert, emerge como lo más parecido que esta serie tiene a un corazón palpitante.

Sin embargo, si las actuaciones son constantemente entretenidas, la escritura rara vez está a su nivel. Creado por Abe Sylvia (adaptando el libro de Juliet McDaniel) Sr. y Sra. American Pie), la historia está vagamente enmarcada como una destrucción del sueño americano: con Maxine como la luchadora que sube la escalera a través de puro coraje, y los miembros de Palm Royale como la élite indigna incapaz de lidiar con un mundo cambiante. Pero para ver el panorama general es necesario alejarse mucho. De cerca, lo único que queda claro es que los personajes son un desastre y sus relaciones, un caos. Una cosa es que los enemigos de Maxine no puedan saber si ella es “una paleta o la mujer más despiadada de Palm Beach”; el problema es que Palma Real Tampoco parece saberlo. La narrativa simplemente arroja todo lo que se le ocurre contra la pared e intenta ver qué se mantiene.

A veces es una sátira cursi sobre Evelyn y Dinah intercambiando cumplidos pasivo-agresivos. A veces es un drama serio sobre Maxine tratando de encontrar su lugar en el mundo, o sobre Robert cada vez más seguro de su sexualidad. Hay elementos de suspenso, como disparos, chantaje e identidades secretas, y otros absurdos, como una trama secundaria centrada en las ballenas que podría haber estado más a gusto en la película de Wiig. Barb & Star van a Vista Del Mar. De vez en cuando apunta hacia un comentario social, mientras los informes televisivos sobre protestas contra la guerra resuenan de fondo y las damas durante el almuerzo lloran la “muerte de la gentileza”. Principalmente opera al nivel de una telenovela sobre quién se está jodiendo a quién, quién hereda qué, si Maxine será capaz de organizar una fiesta de fin de temporada lo suficientemente grandiosa como para consolidar su estatus en Palm Beach, lo cual sería más fascinante si los personajes eran más que muñecos de papel que se inclinaban ante los caprichos de los escritores que intentaban llenar un recuento de episodios.

En cierto sentido, es apropiado que lo único Palma Real Realmente las uñas son su apariencia. Cada decorado parece haber sido decorado con un gran coste, de acuerdo con los gustos de lujo de los personajes. Cada magnífico disfraz ha sido elegido cuidadosamente para señalar el estado o las aspiraciones de cada personaje en un momento dado, de modo que a menudo es más fácil rastrear la suerte de Maxine a través de la idoneidad de sus vestidos que a través de la trama entrecortada. Nuestra heroína sería la primera en estar de acuerdo en que la presentación importa, ya sea que uno esté tratando de ganar la corona de un concurso, ascender en la jerarquía social o contar una historia.

Sin embargo, al final, incluso ella pierde la paciencia para poner buena cara. En lo que debería haber sido su mayor momento de triunfo, se presenta ante una multitud con su vestido más hermoso hasta el momento para cantar «Is That All There Is?» Ojalá pudiera preguntarle lo mismo al programa.

Al igual que los fenómenos astrológicos semi-raros, las incursiones de Kate Winslet en el espacio de las series limitadas de HBO han sido confiablemente excepcionales, quizás las oportunidades más importantes para la querida actriz en los últimos 15 años de su carrera (a menos que estuvieras particularmente enamorado de cualquier criatura azul submarina que Winslet jugado en el Avatar continuación).

La frágil severidad de Winslet Mildred Pierce Su actuación estuvo muy alejada de los matices magullados y autodestructivos de Delco que trajo a Yegua de Easttown. Ahorrándonos la brecha de una década entre esos proyectos, Winslet ha regresado rápidamente a HBO con El régimenuna historia de seis episodios que lucha por unirse como igual a sus predecesores.

El régimen es una sátira política que, con demasiada frecuencia, no logra sondear a sus objetivos a un nivel más profundo que “los autócratas están aislados de la gente que gobiernan y, por lo tanto, suelen ser malos”. El creador de la serie Will Tracy Sucesión El trasfondo hace que las comparaciones sean inevitables y estén destinadas a la decepción, pero sigue siendo un experto en el diálogo francamente profano y, en Winslet, tiene una estrella que es capaz de desplegar ese diálogo como un garrote.

No siempre estuve seguro de qué El régimen estaba haciendo, o por qué, pero el trabajo de Winslet, una combinación compleja de elecciones físicas y psicológicas, mantuvo la serie en algún lugar entre visible y fascinante.

Winslet interpreta a Elena Vernham, canciller de un régimen autoritario de un país ficticio situado en el centro de Europa. Elena, una ex médica casada con un francés amante de la poesía (Nicky de Guillaume Gallienne), se hizo cargo del país de manos de su líder depuesto hace mucho tiempo (Hugh Grant) y cultivó un reinado de maternalismo fascista.

El país, con una economía basada en la minería del cobalto y la remolacha azucarera, ama a Elena.

Elena se está desmoronando.

Su padre murió un año antes y su espíritu ronda el palacio, un hotel de lujo apropiado que Elena nunca abandona. O tal vez el problema sea simplemente el moho. Elena se ha vuelto cada vez más paranoica ante las incursiones de hongos en su grandiosa residencia. Elena ha ordenado que todos los espacios vacíos estén llenos de deshumidificadores, y sus exigencias al personal del palacio (Andrea Riseborough interpreta a la severa y cada vez más agotada coordinadora del hogar Agnes) son cada vez más erráticas.

Un punto de inflexión llega cuando Elena contrata al cabo Herbert Zubak (Matthias Schoenaerts) para que sea su nuevo traficante de esporas, examinando cada habitación en busca de niveles de humedad. Elena no está bien, pero Herbert no está mucho mejor. Recientemente formó parte de una situación bastante desafortunada en la que los militares masacraron a manifestantes en una mina, pero por alguna razón Elena está convencida de que «hay un buen hombre ahí que merece amor».

En muy poco tiempo – episodios de El régimen avance semanas y meses a la vez, mientras la temporada cubre un año en declive: Elena y Herbert han formado un vínculo tóxico en el que no siempre está claro quién manipula a quién y con qué fin. Es un poco psicosexual y un poco político, y la creciente influencia de Herbert comienza a preocupar al consejo de asesores intercambiables de Elena, luego a los Estados Unidos de América (con Martha Plimpton interpretando a una senadora desaprobadora) y luego a los civiles.

¿Puede la revolución estar muy atrás?

Tracy ha situado la historia en una región nebulosa entre lo alegórico y lo tangiblemente basado en la realidad, lo que resulta en una crítica superficialmente cortante en lugar de profundamente perspicaz. La serie tiene cierta conciencia de las tácticas empleadas por los regímenes autoritarios (los discursos televisados ​​habituales de Elena a la nación, redactados en un lenguaje romántico apaciguador, son su conexión clave con el mundo exterior), pero los asuntos en juego son confusos o desconcertantemente concretos. Cuando la serie habla de labios para afuera sobre las consecuencias de la reforma agraria en Zimbabwe y Sudáfrica, se trata de cuestiones reales que han tenido consecuencias globales reales que El régimen es completamente incapaz de abordar de manera justificadamente real.

Es una condena borrosa y evidente de la demagogia tempestuosa, que ataca a los medios y busca chivos expiatorios y que ciertamente se podría conectar con los Donald Trump o Vladimir Putin del mundo. Pero también puedo imaginar fácilmente una interpretación (¿mala interpretación?) en la que Elena sea un reflejo de las tendencias más paternales de un Joe Biden a escupir ensalada de palabras. Por lo tanto, es posible una lectura totalmente desdentada de que “Cualquiera que quiera poder y lo ejerza probablemente sea malo”.

El régimen tiene poco que decir, pero lo dice con un orgulloso torrente de palabras de cuatro letras, y las cadencias son lo suficientemente cercanas a esa marca de obscenidad florida de Iannucci/Armstrong que fácilmente puedes sentarte y disfrutar de los insultos. A menos que estés plagado de la sensación de que El régimen en realidad podría ser tan frío y vacío como los primeros detractores de Sucesión reclamado eso el espectáculo fue.

A diferencia de Sucesiónno creo El régimen será categorizado erróneamente como un drama, con los directores Stephen Frears y Jessica Hobbs adentrándose en la peculiar ligereza mientras siguen a personajes en disputa a través de la opulencia del palacio, acompañados por una partitura agresivamente caprichosa de Alexandre Desplat. Se podría pensar que un espectáculo ambientado casi en su totalidad en un edificio cerrado podría resultar claustrofóbico, pero cuando ese edificio incluye un bar de karaoke de mala muerte, un Amor estraño-Esque sala de guerra y varias celdas de prisión subterráneas, el diseñador de producción Kave Quinn llega a ser una verdadera estrella.

Winslet profundiza en su conjunto de trucos profesionales para hacer ilegibles las motivaciones y el bienestar de Elena. A veces hay una dificultad para hablar y una caída en el labio que sugiere enfermedad e inestabilidad. Otras veces, es fría, calculadora y completamente en control. Cuando su mente vacila, deja que su postura transmita fuerza. Cuando su cuerpo falla, usa su mente para seducir a todos los que la rodean, incluido Nicky de Gallienne, que es un cornudo voluble y divertido, y Herbert de Schoenaerts, una figura corpulenta con una atracción gravitacional aparentemente irresistible.

Se puede imaginar una versión más sustantiva de El régimen que aproveche al máximo un conjunto que es a la vez bastante brillante y bastante infrautilizado. Plimpton y Grant están presentes básicamente durante solo un episodio cada uno, con Plimpton canalizando de manera experta una imperiosidad estadounidense muy Hillary Clintoniana y Grant volviéndose al estilo Tony Blair como una figura disecada aferrándose a la influencia que le otorga su carisma decreciente.

Al obtener más tiempo en pantalla y probablemente acercarse lo más posible a una figura comprensiva como ofrece la serie, Riseborough tiene una cualidad sombría, ocasionalmente hilarante y espectral, como una mujer que reconoce cuán disfuncional es el palacio, pero no puede hacer nada para detenerlo. Agnes contrasta con el coro griego adulador de asesores alegres y desconcertados de Elena que apenas tienen nombres y definitivamente no tienen personalidades individuales más que el hecho de que están interpretados por actores británicos de pedigrí (David Bamber, Danny Web y Henry Goodman, entre otros). .

Puedes ver como El régimen quiere encajar en eso Sopa de pato/El gran dictador/Plátanos tradición de comentario, sin desenterrar mucha sabiduría sobre la naturaleza del poder y cómo se usa y abusa de él en la actualidad. Después de ver seis episodios, el poder en el que más invertí fue en la capacidad de Kate Winslet para hacer que valga la pena echarle un vistazo a cualquier proyecto de HBO.

Hay muchas etiquetas para mundo pal flotando por ahí en este momento. Se ha calificado de todo, desde una nueva versión del género de domesticación de monstruos hasta un ingreso de dinero derivado. En verdad, mundo pal Es ambas cosas y más, pero una cosa que no es es una sátira.

Palworld es subversivo, no satírico

No me malinterpretes: mundo pal es innegablemente subversivo. Tiene Pokémon fuera de marca portando armas, ¿cómo podría no serlo? El juego incluso permite a los jugadores capturar humanos y criaturas Pal, lo que es en sí mismo una astuta inversión de la extraña dinámica de poder incorporada en el juego. Pokémon franquicia.

Pero nada de esto es suficiente para mundo pal calificar como sátira. Es, en el mejor de los casos, una parodia; satiriza los personajes, mundos y tropos de Pokémon y propiedades similares para lograr un efecto cómico. Para ser una sátira, mundo pal Necesitaría ampliar sus miras y decir algo sobre la sociedad misma, y ​​no lo hace.

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Considere Prime Video Los chicos, que es ampliamente considerada como una sátira eficaz de superhéroes. No es satírico porque personajes como el pastiche de Superman, Homelander, hacen volar la cabeza de la gente o participan en escandalosas orgías sexuales. No, es una sátira porque todo ese material atrevido es un vehículo para explorar la influencia corruptora del poder y la celebridad, entre otros temas.

El más cercano mundo pal Llega a este tipo de comentarios a través de sus talleres de explotación Pal, pero incluso este concepto está muy poco elaborado. Claro, fila tras fila de lindos bichos trabajando como esclavos en las cintas transportadoras es una imagen sorprendente; es incluso morbosamente divertido. Pero ¿qué significa realmente?

Palworld está lleno de Pal y furia, y no significa nada

Lo mejor que se me ocurre es que es una crítica a las corporaciones (incluidas Nintendo y The Pokémon Company) que explotan e incluso corrompen sus creaciones. Sin embargo, eso parece exagerado. En cambio, parece más probable que el desarrollador Pocketpair estuviera más interesado en el valor impactante que en los mensajes.

Lo mismo va para mundo palde labios para afuera sobre la mecánica de caza en el corazón del género de domesticación de monstruos. Una vez más, Pocketpair trata esto más como una parodia que como una sátira, porque ¿no es así? gracioso ¿Pensar en (o incluso convertirte) en un cazador furtivo de Pokémon? Pero, ¿el juego realmente analiza la caza furtiva (y, por extensión, la idea de devastar la naturaleza para nuestros propios fines egoístas) como concepto? No.

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Diablos, ni siquiera hay espacio mundo palEl sandbox de supervivencia con una historia ligera para ataques incisivos a la mentalidad de coleccionista o la ética de tener una mascota. Sus “temas” realmente se reducen a Pokémon con armas de fuego; es tan simple y profundo como eso. ¿Y honestamente? No hay nada malo en eso, como tampoco hay nada malo en disfrutar mundo pal sí mismo.

Pero que es mal es etiquetar mundo pal una sátira, porque simplemente no es así.

El acceso anticipado a Palworld ya está disponible.

mundo pal ha vendido un millón de copias en poco más de ocho horas, El juego ha sido gracias a su premisa única ‘Pokémon con armas’, y parece que el día del lanzamiento ha sido un éxito absoluto.

De hecho, ha tenido tanto éxito que el juego bajo el estrés de millones de PokéMasters armados. El desarrollador pide paciencia y dice que está «trabajando para resolver esto lo antes posible». La gran cantidad de descargas y jugadores simultáneos han hecho de este el mayor lanzamiento de Steam del año hasta el momento.

Estas cifras sólo se refieren a Steam. La versión de acceso temprano de mundo pal También se lanzó en Game Pass, por lo que es probable que la cantidad de descargas sea mucho mayor de lo anunciado, ya que no hay números de Xbox Series X/S. Parece que muchas personas han estado ansiosas por conocer los monstruos de bolsillo favoritos de todos.

Y vaya, este juego es oscuro y arenoso. En lugar de devolver a la naturaleza monstruos no deseados, llamados Amigos, También puedes vender a tus “amigos” como esclavos, comértelos y, por supuesto, luchar contra ellos hasta la muerte. Uno de los avances del juego muestra montones de cadáveres de Pal apilados, alcanzando el cielo. Todo parece ser un riff satírico sobre la naturaleza misma de Pokémon, que es una franquicia de juegos en la que obligas a tus muy buenos amigos a luchar sólo para mejorar tu propia reputación.

mundo pal ha recibido críticas bastante buenas hasta ahora y esta es una versión de acceso temprano, por lo que es probable que los desarrolladores perfeccionen la jugabilidad en los próximos meses. Mientras tanto, puedes adquirirlo en Steam por $27, hasta que vuelva a su precio normal de $30. También es un lanzamiento de Game Pass del primer día, así que enciende tu Xbox y pruébalo. Sólo trata de mantener la cuenta regresiva del asesinato. O no.

La serie Read the Screenplay de Deadline, que destaca los guiones más comentados del año, continúa con el debut cinematográfico del guionista y director Cord Jefferson. Ficción americana.

Adaptado de la novela de Percival Everett de 2021. Borradura, Ficción americana Surge como un comentario contundente sobre la identidad, la narración y los terrenos microagresivos de la industria editorial. Con un elenco poderoso liderado por Jeffrey Wright y apoyado por Tracee Ellis Ross, Erika Alexander, John Ortiz, Leslie Uggams y Adam Brody junto con Sterling K. Brown e Issa Rae, la película apunta a deconstruir ese mundo en su relación con innumerables facetas de Vidas negras.

Se centra en Thelonious “Monk” Ellison (Wright), un novelista frustrado que está harto de que el establishment se beneficie del entretenimiento “negro” que se basa en tropos cansados ​​y ofensivos. Para demostrar su punto, utiliza un seudónimo para escribir su propio y extravagante libro “negro”, un libro que lo impulsa al corazón de la hipocresía y la locura que dice desdeñar.

La parte más impactante del guión trata sobre mantener la agencia personal en un mundo que a menudo busca definir las historias de los demás. Es posible que la visión de los medios sobre las vidas de los negros nunca cambie, pero los individuos tienen el poder de establecer sus propias narrativas y límites. Esta película desafía a los espectadores a reflexionar, cuestionar y posiblemente reevaluar sus percepciones sobre la negritud en Estados Unidos.

La película tuvo su estreno mundial en el Festival de Cine de Toronto de septiembre, donde ganó el premio People’s Choice Award del festival, que a menudo actúa como un referente de las nominaciones al Oscar. MGM la estrenó en cines selectos en diciembre, donde ha recaudado 1,8 millones de dólares hasta la fecha.

Desde entonces, ha obtenido nominaciones a guión adaptado de los Critics Choice Awards y Spirit Awards. También tiene nominaciones a Mejor Película de esos grupos, así como a los Globos de Oro.

En cuanto al origen del guion, Jefferson, ganador del Emmy por su trabajo en la serie de HBO vigilantesle dijo a Deadline que leyó una reseña sobre un libro al que se hacía referencia como una sátira de Everett. Borradura. Nunca leyó el libro que fue reseñado, sino que localizó Borradura y «me enamoré de él al instante».

«Muy pronto después de leerlo, supe que quería escribir el guión», dijo Jefferson, señalando que su idea desde el principio era «hacer una sátira que nunca se volviera ridícula» (también luchó durante un tiempo por la redacción de su guión). titulo original, Joder, antes de que lo disuadieran). “Un poco después supe que quería escribirla y dirigirla. Y luego, en algún momento, no recuerdo cuándo, comencé a leer la novela con la voz de Jeffrey Wright. Así de temprano comencé a pensar en Jeffrey para el personaje de Monk y comencé a imaginármelo en las escenas de la novela. La visión comenzó a tomar forma con bastante rapidez”.

Haga clic a continuación para leer su guión.

La sátira “Testament” del cineasta canadiense Denys Arcand inaugurará la 44ª edición de Fantasporto, que se celebrará del 1 al 10 de marzo en la segunda ciudad de Portugal, Oporto. La épica de fantasía china “Creación de dioses I: El reino de las tormentas”, dirigida por Wuershan, cierra el ecléctico evento.

El festival, que este año fue nombrado por la revista MovieMaker como uno de los “25 festivales más geniales del mundo”, está encabezado por los críticos de cine Beatriz Pacheco Pereira y Mário Dorminsky. Este año se presentaron alrededor de 600 largometrajes y 1.200 cortometrajes.

Pacheco Pereira dice que seleccionan películas que tienen un “toque especial pero al mismo tiempo un lenguaje universal”. Dorminsky añade: «Intentamos descubrir nuevos directores». Estos directores, que han establecido una relación con el festival, suelen regresar con sus películas posteriores, afirma.

“Testament” personifica una tendencia que identifica Pacheco Pereira, que es “los ancianos preguntan: ‘¿Adónde va el mundo?’”. Y agrega: “’Testament’ es una película maravillosa en la que un anciano pierde el interés por la vida y luego lo recupera”, afirma. Muestra cómo este anciano se enfrenta al cambio tecnológico y social. “Representa lo que es Fantasporto, que es buen cine”. “Las invasiones bárbaras” de Arcand ganó el Oscar a la mejor película en lengua extranjera.

“Creation of Gods I: Kingdom of Storms”, que presenta una serie de guerras míticas entre humanos, inmortales y monstruos, ganó el Gallo de Oro a la mejor película este año.

Después de Portugal, el país con más películas en el festival es Japón, con 11 producciones. Entre los más destacados se encuentra el thriller de terror y suspenso sobrenatural “The Forbidden Play”, dirigido por Hideo Nakata, mejor conocido por la película de terror “Ring”. La película se centra en la directora de vídeo Hiroko Kurasawa, que va a la casa de su ex colega Naoto Ihara y ve a su hijo Haruto recitando un extraño hechizo hacia un montículo de tierra en su jardín. Ha enterrado el dedo de su madre muerta en el suelo y está intentando resucitarla. Fenómenos extraños comienzan a ocurrir alrededor de Hiroko, y lo que comenzó como el inocente deseo de un niño se convierte en el mal desatado.

Pacheco Pereira también recomienda otra película japonesa, “Shadow of Fire”, dirigida por Shinya Tsukamoto. La película, que se estrenó en Venecia en la sección Horizontes, analiza las vidas desesperadas de los ciudadanos japoneses en el período inmediatamente posterior a la Segunda Guerra Mundial y se pregunta a qué clase de mundo estamos trayendo a nuestros hijos.

Pacheco Pereira añade que muchas películas japonesas tratan temas contemporáneos, como «Tokyo Revengers» de Tsutomu Hanabusa, que consta de dos partes. «Los japoneses están intentando construir una cinematografía urbana», afirma. «Hay muchas películas sobre la violencia callejera y sobre cómo el mundo de los gánsteres -el mundo yakuza- entra en contacto con la sociedad normal».

Una subsección del festival está dedicada a películas japonesas que son adaptaciones de series de libros manga, como “Baian the Assassin, MD”, partes uno y dos, que presentan a un acupunturista que usa sus habilidades con la aguja para impartir justicia. “Los japoneses quieren presentar el manga al mundo como un género que bebe del espíritu de la época”, dice.

China tiene una fuerte presencia en el cartel, con cuatro películas. Además de “Creación de dioses I: El reino de las tormentas”, Pacheco Pereira destaca la película de gran presupuesto “Lost in the Stars”, dirigida por Cui Rui y Liu Xiang. «China está tratando de construir sus mitos y héroes al estilo occidental», dice. “Antes las películas chinas eran bastante pesadas, pero ahora tienen una línea narrativa que podemos entender”.

Al observar películas de otras partes del mundo, destaca el drama fantástico indio “Invisible Windows”, dirigido por el Dr. Biju. Ambientada en una sociedad distópica, sigue a un activista pacifista que comienza a comunicarse con los muertos. Pacheco Pereira lo describe como “muy inesperado y muy conmovedor”.

Otro destacado en la programación es la comedia dramática de David Duchovny “Bucky F*cking Dent”. Duchovny protagoniza junto a Logan Marshall-Green una película de dos partes sobre un hombre misántropo que muere de cáncer y su hijo cursi, que anhela el amor de su padre. Pacheco Pereira califica de “maravillosa” la actuación de Duchovny. Otra película de la selección que aborda el papel de los padres es “Un camino extraño”, del cineasta brasileño Guto Parente.

Varias películas analizan la vida de las familias, como la película surcoreana “A Normal Family”, dirigida por Jin-Ho Hur. “La película nos hace pensar en la familia. ¿Deberíamos respetar la moralidad y dañar a nuestra familia? ¿Deberíamos hacer lo correcto? Pregunta Pacheco Pereira.

Pacheco Pereira dice que muchas de las películas de la era pospandemia, una época de guerra y cambio climático, muestran que “el hogar ya no es un lugar seguro. Es probable que tu ciudad sea destruida en cualquier momento. Así, a través de las películas mostramos nuestro miedo por el futuro. Muestran la fragilidad de la vida”.

También hay historias de amor, como “Heart Strings” de Ate de Jong, en las que se cruzan los mundos de los reality shows y la música country. La película, que en cierto modo es un homenaje a la cultura americana, tendrá su estreno mundial en el festival. Su productor Steven Gaydos, que es VariedadEl vicepresidente ejecutivo de contenido global de YouTube dará una charla titulada “Cine independiente estadounidense: antes y ahora”, que está vinculada al 50 aniversario de “Cockfighter” de Monte Hellman.

El festival también incluirá un homenaje al cineasta belga Karim Ouelhaj, con proyecciones de cinco películas, entre ellas “Megalomaniac”, que ganó el premio a la mejor película en el Fantasia Film Festival y Fantasporto.

Otra sección está dedicada a películas de Kazajstán, como “Goliat” de Adilkhan Yerzhanov, que se presentó en la sección Horizontes de Venecia el año pasado.

Finalmente, hay una sección dedicada al cine húngaro, con películas como “Semmelweiss” de Lajos Koltai y “Mastergame” de Barnabás Toth.

Asher y Whitney inicialmente dan la sensación de ser personas buenas y genéricamente liberales, pero su incapacidad para ver más allá de sus propios estereotipos conduce a secuencias tremendamente incómodas. Aunque no sorprende que Fielder sea eficaz a la hora de ser el blanco de la broma (como en momentos involuntariamente incómodos en un casino local o mientras asiste a una clase de comedia corporativa), el feroz compromiso de Stone con el tema también es bastante notable. «The Curse», como si sintiera el escepticismo de su audiencia, juega un poco con la noción de que Stone y Fielder interpretando a una pareja casada parece un poco fuera de lugar, pero aunque Whitney es aparentemente encantadora, carismática y hermosa, enmascara una intensa inmadurez e ignorancia. esto último surge cuando interactúa con un artista indígena (Nizhonniya Austin), a quien Whitney ve como un camarada artístico (una opinión que es claramente unilateral).

Gran parte de lo que permite que «The Curse» parezca casi espeluznante por su incomodidad e incomodidad se debe a un increíble diseño de sonido y una paciente cinematografía y edición. Todos estos son efectivamente sellos distintivos de un estilo más moderno de psicodrama y suspenso, como lo demuestra el estudio independiente A24, por lo que no debería sorprender que el mismo estudio coprodujera este programa. (También están las corrientes musicales aportadas por el compositor Daniel Lopatin, ya que la banda sonora parece chillar incluso cuando las voces de los personajes permanecen bajas). Aunque la duración de los episodios varía, muchos duran alrededor de 50 a 60 minutos y están repletos de tomas largas, lentas. panorámicas de la cámara y una sensación constante de que casi estamos espiando los eventos del programa. Mientras que el puñado de escenas de un programa dentro de un programa son, como era de esperar, pulidas, brillantes y de ritmo rápido, el resto de «The Curse» está filmado en un estilo más allá de lo real, lo que implica que las cámaras que filman la serie están lo más ocultas posible. para permitir que la posible disolución de un matrimonio inestable se desmorone sin una verdadera intrusión.

Como tal, «The Curse» a menudo resulta desconcertante e inquietante. Siempre hay, siempre la sensación de que algo terrible está a punto de suceder en este programa, ya sea que la maldición de un niño pueda considerarse o no como el factor decisivo. El proceso largo y lento de una preparación es casi un poco más satisfactorio que lo que viene después; La promesa de algo extraño y posiblemente aterrador no siempre puede ser igualada por lo que realmente llega. Si eso parece vago, bueno… sólo tendrás que ver «The Curse» para entenderlo, porque poner palabras a lo que sucede en la serie no puede coincidir con el programa en sí. No logra concretar el aterrizaje, pero «The Curse» es, como otros proyectos de Fielder y Safdie, un comentario distintivo, único y extrañamente desconcertante sobre la cultura moderna, tan refractado y deformado como los espejos que constantemente confrontan a sus personajes.

/Calificación de la película: 8 sobre 10

«The Curse» se estrena el viernes 10 de noviembre en streaming y bajo demanda para los suscriptores de Paramount+ con el plan Paramount+ con Showtime, antes de hacer su debut al aire en Showtime el domingo 12 de noviembre de 2023.

Thelonious «Monk» Ellison (Jeffrey Wright) trabaja como profesor de literatura en Los Ángeles y ha logrado publicar varios libros aclamados a lo largo de su carrera, aunque nadie lo consideraría un gran éxito comercial. Su obra encajaría mucho mejor en la sección «Mitología» de Barnes & Noble que en la sección «Estudios afroamericanos», aunque la categorización de librero nunca le daría ese crédito, para su disgusto. Su agente (John Ortiz) lucha por vender su nuevo libro a los editores porque el trabajo no encaja en una de esas cajas predeterminadas para las voces negras.

Monk regresa a su ciudad natal de Boston, y su vida da un giro total cuando se entera de que su madre (Leslie Uggams) tiene Alzheimer y requiere cuidados constantes y costosos. En parte como broma y en parte inspirado por el trabajo de la autora Sintara Golden (Issa Rae), cuya última novela «We’s Lives in Da Ghetto» se ha convertido en un éxito de ventas, Monk asume el seudónimo del convicto Stagg R. Leigh y escribe la novela «negra» más estereotipada y complaciente que pueda imaginar llamada «My Pafology», completa con gánsteres, asesinatos, policías, una dinámica trágica entre padre e hijo y un diálogo escrito fonéticamente exagerado. Inmediatamente se convierte en una sensación.

Lo que hace que la inclinación satírica de la «ficción estadounidense» sea tan impactante es que no es una interpretación completa del mundo literario en forma de caricatura. Cord Jefferson sitúa firmemente esta película en el mundo real, pero simplemente gira la muesca del mando de lo escandaloso entre un 10 y un 15 por ciento. Cuanto más real se siente el olvido de los editores blancos (Miriam Shor y Michael Cyril Creighton) o del cineasta blanco (Adam Brody) que quiere adaptar la novela para una película ganadora de premios, más fuertes son las risas. Para algunos, los tropos son demasiado reconocibles, y todo lo que necesitamos es ese ligero ajuste para que los chistes lleguen. Para aquellos que no se dan cuenta de hasta qué punto su visión de los artistas negros se alinea con la de los blancos en la película, esto podría ser una experiencia bastante reveladora que, con suerte, les permitirá darse cuenta de que se están riendo de sí mismos.

La comedia no se limita del todo al mundo artístico. Monk y su familia, que incluye a personas como Tracee Ellis Ross y Sterling K. Brown, son personas inteligentes y apasionadas que no se andan con rodeos cuando se trata de intercambiar bromas ingeniosas entre sí, y Jefferson no tiene miedo de dejarlo sus personajes tampoco van a lugares oscuros por el humor. No tienen lo que llamarías una familia unida, pero cualquier familia tiene su tipo especial de camaradería que permite relaciones inesperadas tanto para la comedia como para el drama.