[Warning: The following contains MAJOR spoilers for The Sympathizer Season 1 Episode 4, “Give Us Some Good Lines.”]

El simpatizante El episodio 4 es uno de los mejores episodios de 2024 hasta ahora. El episodio rompe con sus entregas anteriores y coloca al Capitán (Hoa Xuande), un agente doble que finge ser leal a la causa de Vietnam del Sur y sus aliados de la CIA, en el set de una película estadounidense sobre la guerra de Vietnam dirigida por Nikos Damianos ( el cuarto de los personajes de Robert Downey Jr.).

El Capitán fue contratado como consultor cultural para la aldea, una sección destacada de la novela ganadora del premio Pulitzer de Viet Thanh Nguyen. Como hombre a cargo de representar a la comunidad vietnamita, el Capitán estaba en una posición única para presenciar la representación racista del pueblo vietnamita en esta película y hacer algo al respecto. ¿Qué resultó en la realización de este? Apocalipsis ahoraLa película de estilo fue un metacomentario que critica cómo Hollywood retrató la guerra de Vietnam en películas durante décadas en la vida real, al mismo tiempo que era una crítica mordaz a la representación asiática (y la falta de ella) en las películas.

la aldea parece una recreación de algunas de las cosas que los espectadores vieron en los episodios anteriores antes de la caída de Saigón, y viene con David Duchovny como un actor de método cuyo “compromiso con su oficio” se extiende más allá de los límites de la moralidad y John Cho como un actor que siempre es asesinado por actores blancos en sus películas (la aldealamentablemente para él no es diferente).

Sandra Oh dijo a los periodistas antes del estreno que el episodio 4 es «muy satisfactorio» debido a su «alta sátira, pero es muy doloroso». Pero es satisfactorio que todo sea desde la perspectiva del Capitán”.

Uno de los muchos errores confusos cometidos por el personal de la película, en su mayoría blanco, fue que no contrataron a vietnamitas para interpretar a los actores vietnamitas de fondo. Por eso, nadie podía improvisar líneas en vietnamita. El Capitán tuvo que señalar que una mujer hablaba chino en una escena intensa. Esto debía rectificarse rápidamente. El Capitán trajo al set a miembros de la comunidad de refugiados vietnamitas en Los Ángeles para interpretar estos papeles secundarios. Debido a que Nikos y la mayor parte del personal no sabían absolutamente nada de vietnamita, el Capitán y su elenco podían jugar con el lenguaje para ridiculizar su racismo sin que ellos lo supieran.

Oh dice que fue “profundamente satisfactorio” verlo porque aprovecha una experiencia familiar para los actores asiáticos. Si bien la industria es ahora mucho más representativa de las culturas globales, todavía queda mucho trabajo por hacer. Caso en punto: El simpatizante es una de las primeras veces que hemos visto el idioma vietnamita utilizado significativamente en los diálogos en pantalla y, sin embargo, ha habido decenas de películas sobre la guerra de Vietnam desde que terminó en abril de 1975. Oh dice que Nikos (también llamado » el autor») el racismo es parte del punto que están planteando en El simpatizante, destacando la singularidad de experimentar esto en detalle desde el punto de vista del Capitán. Destaca «lo ridículo que fue» que hombres como Nikos se salieran con la suya al incorporar tanto racismo en sus películas.

“El autor está lanzando puntos de vista racistas a diestro y siniestro, como es normal para él en ese momento, así que ves al Capitán poniendo los ojos en blanco, apretando los dientes o sin decir nada, pero estás dentro de su historia, ¿no? ? Así que lo que me satisface es que no me duele lo que el autor tiene que decir”, dice Oh a los periodistas.

«Las personas que entienden lo que son esas microagresiones y han tenido que lidiar con simplemente restregárselas y pretender que todo está bien, que es simplemente parte de la cultura, pueden identificarse con simplemente aceptar que así son las cosas y nunca tener un punto de vista diferente”, añade Xuande. “Y luego, cuando finalmente ves a alguien a través de los ojos del Capitán, que está en condiciones de poder hacer algo, lo difícil que es incluso combatir ese sistema, eso es lo que hace gracioso que estos sistemas simplemente no se muevan. Incluso cuando se cuentan historias sobre determinadas personas, ni siquiera a ellos se les permite tener voz sobre su propia historia”.

Xuande y Oh comparten sus pensamientos sobre el uso del lenguaje en El simpatizante Episodio 4.

«Lo que es realmente divertido en el programa es cuando el Capitán intenta que los actores del Vietcong digan cierta línea sobre la libertad y la independencia, el actor está tan indignado y enojado por el hecho de que tiene que decir esas líneas y simplemente gritando: ‘¡Tengo que decir esto y no me pagan lo suficiente!’”, le dice Xuande a TV Insider. “Es muy gracioso para mí que esté indignado porque la industria cinematográfica lo puso en esa situación, teniendo que interpretar algo en lo que no cree. Pero al autor le encanta y descarta por completo cualquier cosa sobre el lenguaje o sobre cómo es esa historia. o se acerca el momento”.

«Simplemente tratar de capturar lo que él cree que se supone que es la narrativa es realmente revelador de lo que la industria en general ha estado contando sobre estas historias durante mucho tiempo», continúa Xuande. «Que simplemente están capturando esos momentos en los que creen cuál debería ser la historia en lugar de escuchar e inclinarse hacia cuáles son estas diferentes perspectivas que no se han contado en mucho tiempo».

«Es divertido y también creo que es extremadamente sofisticado y extremadamente meta», agrega Oh, señalando que incluso el casting de Downey contribuye al objetivo que la serie intenta transmitir.

“Una de las metacosas es que Robert Downey Jr., quien pasó una década de su vida interpretando a Iron Man, está interpretando estos arquetipos del patriarcado blanco occidental. Es algo muy, muy audaz, y creo que puedes entrar en el comentario del meta de todo eso, todas las capas y cómo, a medida que la serie continúa, el significado de que un actor interprete a todos estos personajes. comienza a tener realmente sentido y a tener un significado mucho más profundo”.

la aldea no está filmado en Los Ángeles en el libro, pero ese cambio de libro permitió que el Capitán trajera esta comunidad que los espectadores pasaron tres episodios conociendo. Bon (Fred Nguyen Khan), Lana (Vy Le) y más personajes secundarios pasan a formar parte del elenco. Esto, dice Oh, automáticamente hace que el espectador se preocupe más por su difícil situación y hace que la bufonada de Nikos sea aún más evidente. El contraste de que Nikos sea uno de los directores más exitosos de Hollywood resalta el racismo de la industria.

«Ahora conocemos a estas personas, así que no son nadie sin rostro», dice Oh a TV Insider. «Llega a muchas notas en las que es como si no se pudiera ignorar a estos actores de fondo porque hemos pasado cuatro episodios con ellos… ¡y se están burlando!»

El simpatizantedomingos, 9/8c, HBO

si lo apreciaste BarbieLa locura deslumbrante, pero su discurso virtuoso te pone los dientes de punta, tengo un regalo azucarado para ti. Y por «azucarado» me refiero a calorías vacías, no a sentimentalismo empalagoso. Alegremente tonto (al fin y al cabo, este es el debut como director del maestro del dominio de la nada en la televisión) sin congelar toma la plantilla de la historia del origen, la exprime de toda emoción, mezcla hechos básicos con ficción ridícula y ofrece un poco de historia tostada sobre la búsqueda de un “dingus pastelero relleno de frutas”, la creación del siglo XX que ahora conocemos como el Pop. -Tarta.

Haciendo equipo nuevamente con su pelicula de la ABEJA Colaboradores en la escritura de guiones, pero esta vez sin los forzados juegos de palabras y la complicada mecánica narrativa, Jerry Seinfeld ha atraído a un elenco de miles de personas para interpretar personajes tanto reales como inventados, a menudo un híbrido de los dos, en una comedia directa, sin fundamentos terapéuticos ni cívicos. lecciones: eso es más divertido cuando no se intenta demasiado. (Para mí, la frase más divertida es una respuesta de una sola palabra del personaje de Melissa McCarthy).

Para aficionados de cualquier edad, sin congelar abunda en referencias cinematográficas y televisivas cariñosas y jocosas. Y hay infinitos guiños a los tótems de la cultura pop de los años 60 (sólo en los primeros minutos, Woody Woodpecker, Slinky y GI Joe hacen apariciones fugaces), pero ¿alguien nacido después de 1963, el año en que se desarrolla la película, obtendrá la mayoría de ellos? es otra pregunta. También cabe señalar que las posturas recientes de Seinfeld sobre cuestiones políticas divisivas harán que sea difícil incluso para algunos fanáticos de toda la vida seguir abrazándolo de todo corazón. Pero para aquellos dispuestos a dejar de lado la realidad durante 90 minutos, como sin congelar Lo hace con gusto, la película de Netflix genera una parodia espumosa de tropos y clichés narrativos.

El escenario es Battle Creek, Michigan, la zona cero de Mission Pop-Tart. El guión de Seinfeld, Spike Feresten, Andy Robin y Barry Marder plantea la rivalidad entre Kellogg’s y Post, los principales proveedores estadounidenses de cereales para el desayuno, como una carrera espacial de la Guerra Fría. Seinfeld señala Lo correcto como inspiración clave, y también hay sugerencias de Figuras ocultas. Incluso hay una visita a la NASA, donde la genio de la ciencia alimentaria Donna “Stan” Stankowski (McCarthy) está trabajando en comida para astronautas para el proyecto Apolo. Pero Bob Cabana (Seinfeld) la aleja de la inútil idea de viajar a la luna para tener la oportunidad de trabajar con él nuevamente en Kellogg’s, donde ha comenzado la cuenta regresiva para crear un pastelito duradero (yum).

Un par de niños que bucean en contenedores de basura (Eleanor Sweeney y Bailey Sheetz, ambos ases) le han dado pistas al ejecutivo Bob sobre los avances de Post en ese frente. En un edificio de aspecto malvado al otro lado de la calle, la despiadada y con turbante Marjorie Post (Amy Schumer) y su mano derecha (Max Greenfield), abusada implacablemente, están listos para lanzar su nuevo producto, aunque lo llamarán Dextrose Dillies o Fresh Flatties aún no se ha decidido. Mejorando su juego, Kellogg’s ofrece una conferencia de prensa, sacada directamente de Lo correctopara presentar a su equipo de “pilotos del gusto”, una mezcla de figuras históricas e inventadas interpretadas por James Marsden, Jack McBrayer, Thomas Lennon, Bobby Moynihan y Adrian Martinez, con un cameo de la computadora Univac.

Bob y su jefe, el afable y brusco y afable Edsel Kellogg III (un Jim Gaffigan perfecto), no sólo sienten la presión existencial de la tostadora, sino que también lidian con el malestar laboral entre las mascotas de cereales descontentas. Liderando el impulso está un actor de Shakespeare que actúa en los barrios bajos como Tony el Tigre (Hugh Grant, dándole un toque británico y una intensidad deliciosa al Thurl Ravenscroft de la vida real), mientras que Snap, Crackle y Pop (Kyle Mooney, Mikey Day y Drew Tarver) son convencidos de que se les está impidiendo realizar su potencial profesional.

Al frente de un elenco lleno de virtuosos del ritmo cómico, Seinfeld dibuja actuaciones que son, en su mayor parte, discretas, lo que efectivamente realza la ridiculez de la configuración al interpretarla con claridad. La cabalgata de cameos culmina con una sorpresa sumamente adecuada y satisfactoria, y en el camino hay reuniones con JFK (Bill Burr), Khruschev (Dean Norris) y el jefe de Big Sugar (Felix Solis). El sindicato de la leche está encabezado por el incongruentemente llamado Harry Friendly (Peter Dinklage), mientras que el lechero del vecindario de Bob (Christian Slater) tiene una sonrisa especialmente amenazadora. Para que no olvide que el desayuno es un asunto serio, un quinteto de fabricantes de cereales se reúne en plena noche, al estilo El PadrinoLas cinco familias.

Animado por la partitura de Christophe Beck, una vibra del mundo del mañana de mediados de siglo impregna el proceso. La exuberante alegría del diseño de producción de Clayton Hartley y el vibrante vestuario de Susan Matheson se equilibran con la moderación formal de la lente de William Pope.

Sin embargo, no todas las partes aterrizan y la historia sufre un retraso a mitad de camino. Pero en su punto más fuerte, la película ofrece parodias de dispositivos narrativos gastados: la escena de la lluvia de ideas en la pizarra, por ejemplo.

Lo mejor de todo es que no hay ni una gota de mitificación corporativa en la mezcolanza de hechos y fantasía. El amor de Seinfeld por los alimentos envasados ​​para el desayuno puede colorear el mundo de esta película, pero lejos de ser una oda a la integridad del producto haciéndose pasar por reflexivo e irreverente, sin congelar Lanza los insultos de Pop-Tart tan rápido como puedes brindarlos. Aquí nada es sagrado. Podría haber vivido sin los chistes de Gus Grissom, pero es reconfortante ver al perpetuamente valorado Walter Cronkite (Kyle Dunnigan) como una especie de bufón patético.

Lo más cerca que se acerca la película a la dulzura pura es en su dispositivo de encuadre que involucra a un adorable niño fugitivo (Isaac Bae). Sin embargo, aquí también Seinfeld sabiamente retiene el glaseado de azúcar, incluso si Kellogg’s finalmente decidió lo contrario.

Aunque solo ha habido dos juegos de la serie principal de Mega Man en los últimos 14 años, los fanáticos todavía, en cierto modo, tienen muchas opciones para elegir.

En el frente oficial, Capcom ha relanzado prácticamente todos los juegos de Mega Man, Mega Man X, Mega Man Zero y Mega Man Battle Network en una variedad de compilaciones retro. Además de eso, también ha habido un flujo constante de juegos independientes que toman una clara influencia de la serie Mega Man, con la esperanza de recuperar algo de su magia para aquellos que anhelan algo nuevo.

Berserk Boy es el último ejemplo de esto, pero si bien su deuda con la serie clásica de Capcom es clara, también ofrece lo suficiente para que destaque por sí sola. La trama del juego es una tontería y tiene a los jugadores controlando a Kei (el Berserk Boy titular) mientras intenta derrotar al malvado Dr. Genos y sus secuaces de Energía Oscura. Mentiríamos si dijéramos que la historia nos atrajo, pero también mentiríamos si dijéramos que la mayoría de los juegos de plataformas de acción en 2D se jugaron principalmente por su historia.

Visualmente, el juego tiene ese tipo de estilo artístico ‘HD retro’ que tienen varios juegos independientes modernos, donde está claramente inspirado en la era SNES de gráficos basados ​​en sprites, pero lo logra con un nivel de fidelidad que nunca hubiera sido posible. En el momento. Es uno de los mejores usos del estilo que hemos visto y es el primer ejemplo de cómo el juego se aleja de su aparente inspiración y avanza en su propia dirección.

Donde lleva esto más lejos es en su combate, que se centra más en ataques físicos cuerpo a cuerpo que en los tiroteos que aparecen en los juegos de Capcom. Poco después del juego, Kei conoce a un pájaro llamado Fiore (su equivalente del perro robot Rush de Mega Man), quien lo ayuda a hacer uso de una variedad de poderes especiales llamados Berserk Orbs.

Obtienes el orbe de Rayo poco después del juego y recolectas orbes de Fuego, Tierra, Aire y Hielo a medida que avanzas por los distintos mundos, cada uno de los cuales le otorga a Kei diferentes habilidades. Y si no crees que esas habilidades tendrán sus propias fortalezas y debilidades contra varios enemigos, entonces no sabemos qué decirte. También hay una ligera pizca de Metroidvania, ya que los poderes recién adquiridos se pueden usar para encontrar áreas ocultas en etapas previamente completadas.

Sin embargo, los poderes se utilizan con mayor frecuencia en combate y es aquí donde Berserk Boy satisface más. Los golpes son agradablemente crujientes en la forma más deliciosamente táctil, y los jugadores pueden encadenar ataques para crear combos, lo que a su vez les permite llenar su Berserk Meter y realizar ataques más fuertes.

Puede dar lugar a situaciones en las que el protagonista está bastante dominado, especialmente al principio del juego, donde puedes atravesar enemigos como si fuera mantequilla. Incluso algunos de los primeros jefes son un poco fáciles de superar, que es otra área clave en la que Berserk Boy se diferencia de los juegos de Mega Man.

Afortunadamente, el nivel de dificultad eventualmente se pone al día, y cuando llegas al final de las 6 a 8 horas, ciertamente hay un desafío aquí (especialmente si juegas en el modo ‘Retro’, donde tienes vidas finitas y jefes más difíciles). .

También se debe hacer una mención especial a la música del juego, compuesta por Tee Lopes de Sonic Mania y TMNT Shredder’s Revenge. Camina perfectamente en la cuerda floja entre lo retro y lo moderno y es uno de los aspectos más destacados de una partida de Berserk Boy.

La suma de todas estas partes es un juego de acción muy entretenido que puede que no ofrezca nada que impulse el género de manera significativa, pero que, sin embargo, ofrece lo bueno en cuanto a lo divertido que es jugar.

Hubo un momento memorable en Transformers #2 de noviembre (escribimos sobre ello aquí) donde Decepticon Starscream, peleando con un avión de combate de la Fuerza Aérea de EE. UU., cambia a su forma de robot, obliga a sus oponentes a eyectarse de su avión y luego aplaude su metal. manos juntas, alegremente golpeando a uno de los humanos frente al otro. Fue tremendamente divertido y parecía existir únicamente para ilustrar cuán malvados son realmente los Decepticons.

En Duke #1 (escrito por Joshua Williamson, dibujado por Tom Reilly y coloreado por Jordie Bellaire), queda claro que había más en esa escena de lo que inicialmente pensábamos. El piloto superviviente no es otro que Conrad «Duke» Hauser, un héroe legendario del mundo de GI Joe. El encuentro lo ha dejado traumatizado y ahora tiene muchas preguntas…

¡Spoilers de Duke #1 a continuación!

Continuamos con Duke seis meses después del incidente. Inquieto por lo que le sucedió y en unas «vacaciones» forzadas del ejército, se obsesiona con descubrir la verdad sobre lo que encontró. Esto lo lleva a una reunión con la Dra. Adele Burkhart, una científica deshonrada que se ha topado con lo que ella describe como una «carrera armamentista de alta tecnología», lo que a su vez lo lleva a las misteriosas Industrias MARS.

Spider-Man: Across the Spider-Verse es una de las mejores películas estrenadas este año y la buena noticia es que, si no puedes esperar más, la tercera parte parece ir muy bien.

En julio, Spider-Man: Beyond the Spider-Verse se retrasó indefinidamente en medio de la huelga de escritores de WGA y la huelga de actores de SAG-AFTRA. Sin embargo, por lo que parece, todo ha vuelto a la normalidad.

La película necesita que Colman Domingo sobresalga para que funcione, y lo hace. Su actuación está llena de energía, carisma y un encanto infinito: hay que creer que este hombre era capaz de hacer cosas increíbles a pesar de las barreras en juego, y gracias a Domingo, es increíblemente fácil concebir que Bayard Rustin era un líder talentoso. Su voz perfectamente sintonizada es contagiosa, y Rustin rara vez deja de sonreír, y la brecha en su sonrisa (gracias a un enfrentamiento policial) agrega una capa de atractivo a su personaje. Su energía es inconfundible, su empuje innegable. Domingo ha sido brillante durante mucho tiempo y es fantástico ver a «Rustin» finalmente darle las credenciales de protagonista que claramente se merece. También es brillante en otra película TIFF de este año llamada «Sing Sing», que hace de 2023 el año en que Colman Domingo se lanza a la estratosfera.

He visto miles de películas en los cines a lo largo de mi vida, pero nunca había experimentado un público como el que se sentó a ver «Rustin». Es común que el público del festival rompa a aplaudir al final de la película, especialmente cuando están presentes las personas involucradas en la película. Quizás incluso se produzcan un par de aplausos espontáneos en momentos especialmente agradables para el público. Durante «Rustin», los aplausos siguieron llegando: conté la friolera de ocho grandes rondas de aplausos a lo largo de la película, y hubo algunos otros aplausos a lo largo de la película.

«Rustin» claramente tiene mucho éxito en ganarse a la audiencia, lo que hace que sea aún más desconcertante que vaya directamente a la transmisión (algunas ciudades tendrán «Rustin» en los cines en un lanzamiento limitado). La experiencia comunitaria del cine es muy especial y, con películas como «Rustin», es absolutamente eléctrica. Si bien no me encontré uniéndome a todos los aplausos, admito que todos esos momentos, y otros como ellos, fueron extremadamente satisfactorios; ni una sola vez encontré que los aplausos fueran inmerecidos. El guión, escrito por Dustin Lance Black y Julian Breece, sabe cómo puntualizar los momentos importantes, lo que suele ser a través de una frase cortante o un monólogo poderoso, a menudo cortesía del propio Rustin. Termina siendo demasiado seguro y demasiado convencional, pero «Rustin» sigue siendo un retrato valioso de cómo una persona común y corriente puede hacer cosas extraordinarias frente a una adversidad asombrosa.

/Valoración de la película: 6,5 sobre 10

La caza de monstruos es una parte integral de «The Witcher», ya que Geralt y Ciri giran en torno a una parte de sus identidades en este trabajo esencial pero ingrato. Hay algunas secuencias de lucha rudas en las que Ciri tiene la oportunidad de defenderse y hacer alarde de sus habilidades de brujo, con Geralt brindando asistencia cuando es necesario. Esta inversión de roles es crucial para el sentido de confianza de Ciri, que literalmente decide su destino en «Wild Hunt»: si el sentido de autonomía de Ciri se sofoca y Geralt toma decisiones por ella, puede significar un desastre literal en el resultado final del juego. En un giro de los acontecimientos sorprendentemente bienvenido, la serie sigue el ejemplo del juego y deja que Ciri sea su propia persona, mientras que los demás la guían suavemente a lo largo de su viaje.

Algunos monstruos tienen un propósito mayor además de ser ingredientes en una escena genial de lucha de brujos, ya que se vinculan directamente con los orígenes de la impostora Ciri, que también es indispensable para la trama más grandiosa. Algunas decisiones a este respecto pueden sorprender a algunos, pero hay un claro intento de profundizar en los orígenes y la tradición de los personajes sin interferir con los eventos canónicos amplios. A menos que sea un purista de Sapkowski, estas opciones, aunque imperfectas, funcionan.

Si bien Cavill es siempre convincente como el brujo de pelo blanco, capaz de equilibrar la dulzura y la brutalidad en igual medida, Allan y Chalotra realmente elevan esta temporada con las ricas complejidades que aportan a sus papeles. Yennefer siempre ha sido una figura bastante complicada, extremadamente defectuosa, con algunos esqueletos en su armario, y Chalotra ofrece estos matices con una vulnerabilidad sorprendente. Sin embargo, Allan’s Ciri es fácilmente el punto culminante de esta temporada, ya que somos testigos visibles de cómo su personaje lidia con el significado del verdadero poder desenfrenado. Ya sea que quiera ser una princesa, la salvadora de los Elfos o una bruja errante, la elección es suya. Y eso hace toda la diferencia del mundo.

/Calificación de la película: 7 sobre 10

El volumen 1 de la temporada 3 de «The Witcher» se estrena el 29 de junio de 2023 en Netflix.

Incluido en el juego hay una variedad de piezas. Por supuesto, hay cuatro piezas de juego para cada jugador: Jade Monkey, Keratin Rhinoceros, Metallic Elephant y Obsidian Crocodile. Aquí es donde realmente desearía que el juego hubiera gastado un poco más de dinero, porque estas piezas deberían tener un poco más de peso. Sí, todos tienen un diseño que los hace parecer piezas de juego más antiguas, pero una parte de mí desearía que estuvieran hechos de un material diferente que los hiciera sentir más sustanciales. Aun así, la atención al detalle en su creación es estelar, con un poco de desgaste industrial en algunas de las piezas.

En cuanto a los dados, son una tarifa de juego de mesa más estándar. Hubiera sido bueno hacer que se vean un poco más desgastados, como si se hubieran jugado antes, pero eso es algo que probablemente puedas encontrar en otra parte de la web, si así lo deseas. Después de todo, estos están hechos para jugar el juego, que también incluye algunos elementos de cartón brillante.

Están las cartas circulares que están destinadas a actuar como las consecuencias que de otro modo proporcionaría el portal central del juego de mesa. También hay cartas que corresponden a la tirada de dados como fichas de cazador, lanza y jungla para otro elemento del juego. No entraré en las reglas reales del juego en sí, pero basta con decir que en realidad puedes jugar el juego de «Jumanji» con todo incluido.

(Solo un aviso: las tarjetas son tan brillantes que quedan pegadas cuando las sacas por primera vez de la bolsa verde aterciopelada que las contiene. Así que tendrás que clasificarlas individualmente para despegarlas, y después de que hayan se han separado unos de otros, ya no se pegarán).

Los superhéroes cinematográficos han estado pasando por una mala racha últimamente. Ya este año, tanto Shazam como Ant-Man se mostraron un poco a la mar en sus últimas aventuras. Así que es un alivio informar sobre la culminación de la trilogía. guardianes de la galaxia vol. 3. logra lo que se propone hacer, que es proporcionar un final conmovedor y agradable para la audiencia de una franquicia que ha demostrado ser una de las historias de éxito más grandes e improbables de Marvel. Bueno, al menos hasta que llegue la próxima iteración de los Guardianes.

Llegando seis años después de la última entrega (un eón en los años de los superhéroes), esta edición comienza de manera sorprendente. Mientras escuchamos una versión acústica de “Creep” de Radiohead, vemos a Quill (Chris Pratt) borracho, obviamente todavía llorando la pérdida de su amada Gamora (Zoe Saldaña), colapsando en un estupor. Te lleva a pensar que tal vez esto va a ser menos una historia de aventuras interestelares que un desgarrador drama de adicciones.

No mucho después, Quill se reencuentra con Gamora. Por supuesto, ella es una versión alternativa, ya que la Gamora que amaba fue asesinada por ese molesto Thanos en una de esas películas de los Vengadores. La nueva y más joven Gamora tiene poco uso para Quill, lo que no mejora exactamente su estado de ánimo mientras lucha en vano, como un estudiante de secundaria deprimido, para recordarle lo que alguna vez tuvieron.

Sin embargo, no tiene mucho tiempo para abatirse, ya que los Guardianes deben unirse para salvar a su amado Rocket (Bradley Cooper), que está al borde de la muerte. Esto lleva a flashbacks que involucran la historia de fondo del mapache amado por los fanáticos y su relación con el villano de la película, el Alto Evolucionador (Chukwudi Iwuji, usando su experiencia de actuación de Shakespeare para lograr un excelente efecto imponente), que quiere crear una nueva raza maestra más evolucionada. Al igual que con la mayoría de los villanos de Marvel, en realidad no cree que sea malo, sino simplemente incomprendido.

La historia de Rocket, que también involucra a muchos otros adorables personajes animales que deberían alegrar el corazón de los fabricantes de juguetes, forma el corazón de la película, que realmente se balancea por las vallas en sus esfuerzos por combinar patetismo, humor irreverente y mucha, mucha acción en su ambiciosa mezcla. El guionista y director James Gunn, cuyo despido después vol. 2 sobre algunos tweets controvertidos, solo para ser recontratados gracias en gran parte a la campaña de los miembros leales del elenco, sería un drama convincente en sí mismo: no logra unir todos estos hilos en un todo coherente. Y la historia es demasiado complicada, con tantas cosas sucediendo en tantos momentos y lugares diferentes que prácticamente se necesitan múltiples visionados para mantener todo en orden (no es que Disney tenga un problema con eso). Y dado que la película tiene como objetivo cerrar la trilogía, puede estar seguro de que hay tantos cameos de personajes secundarios y pasados ​​que el rodaje debe haberse sentido como una reunión de la escuela secundaria.

No obstante, esta edición tiene un gran éxito como las otras, gracias a la química del conjunto principal, que se ha convertido en sus personajes con relajada facilidad. La interacción entre ellos es a menudo deliciosa, especialmente entre el controlador mental Mantis (Pom Klementieff) y el gran tonto Drax (Dave Bautista), que parecen versiones alienígenas de Laurel y Hardy. Nebula de Karen Gillan es más mordaz que nunca, y Groot de Vin Diesel ha crecido hasta convertirse en un árbol mucho más grande, aunque su vocabulario no ha mejorado mucho. Y Kraglin, interpretado por Sean Gunn (el hermano del director), bueno, sigue ahí.

Entre los muchos antagonistas disponibles está Adam Warlock, el ser artificial creado para destruir a los Guardianes, que claramente tiene problemas de mamá con la villana Ayesha (Elizabeth Debicki, que se ve aún más llamativa con la pintura dorada en la cara). Will Poulter interpreta el papel con una agradable mezcla de amenaza física y aturdimiento de bebé, pero finalmente no logra causar una impresión duradera.

Esta entrega realmente sube la apuesta en términos de efectos prácticos y de maquillaje, así como en la construcción de mundos, incluido Counter-Earth, que se asemeja a un suburbio de la era de los años 50 poblado por extrañas criaturas humanoides que Rod Serling habría aprobado. . Cuando Quill y sus compañeros Guardianes aterrizan allí, se producen algunos de los momentos más surrealistas de cualquier película de Marvel, así como algunos chistes hilarantes, incluido uno en el que la incapacidad de Nebula para abrir la puerta de un automóvil hace que Quill pronuncie el primer «Fuck». escuchado en el MCU. (Pero solo uno, ya que esa preciosa calificación PG-13 no debe estar en peligro).

Es solo uno de los muchos momentos cómicos que se han convertido en una marca particular de la guardianes series, algunas de las cuales son tan estúpidamente tontas que te sientes como un niño riéndose de ellas. Todavía me estoy riendo del ridículo intercambio entre los Guardianes sobre qué botones presionar en sus trajes espaciales para comunicarse correctamente entre ellos, con la confusión de Quill que hizo que todos escucharan su patético intento de recuperar a Gamora. (¿No odias cuando eso sucede?)

Las imágenes salvajemente imaginativas de la película son otra ventaja, con los procedimientos que se sienten tan extrañamente alucinantes a veces que es como si Gunn tuviera como objetivo crear un clásico de culto de medianoche en lugar de una película de superhéroes de gran éxito. Su estilo distintivamente anárquico está en plena exhibición aquí, lo que hace que te preguntes cómo va a atenuarlo cuando aborda personajes tan icónicos menos adecuados para el humor irreverente como Superman.

Las secuencias de acción también son asombrosas, especialmente una batalla culminante épica acompañada por el propulsor clásico de los Beastie Boys «No Sleep Till Brooklyn», un ejemplo típico de la extraña habilidad del cineasta para proporcionar fantásticas listas de reproducción. Esta no es una excepción, se desvía de las bandas sonoras nostálgicas de la era de los años 70 de las dos primeras entregas para abarcar varias décadas de excelentes cortes y con artistas como Alice Cooper, Spacehog, The Flaming Lips, The The y The Replacements. No es de extrañar que a los Guardianes les encante bailar.

Aunque este episodio no fue uno de los mejores de la temporada, fue bastante consistente en calidad de comedia, incluso si hubo algunos momentos que fracasaron.

Sesión de grabación del álbum – Técnicamente esto es algo recurrente, pero hay tanta variación que no siempre se siente así. La mayoría de las veces, es el anfitrión que se interpreta a sí mismo mientras hace un papel de doblaje para una película animada. Otras veces, ha sido una sesión de grabación de sonido de videojuegos que se descarrila. En este caso, tenemos a Ana de Armas y Ego Nwodim como dos hype girls en una nueva canción de rap producida por Young Spicy (Devon Walker). Básicamente, están buscando algunas líneas de relleno para que suene genial, pero las dos damas siguen aventurándose en territorios embarazosos, como el hecho de que él podría ser analfabeto, vive en un apartamento asqueroso, conduce un Toyota Corolla 2001 y puede haber dejado embarazada a alguien. El destacado aquí es de Armas, quien no solo tiene una apariencia perfecta, sino que hace un gran uso de la goma de mascar y tartamudea con estilo los insultos involuntarios, todo mientras es bastante sexy. ¡Buen material!

Tráiler de la película American Girl Doll – Siguiendo los pasos del reciente tráiler de «Barbie», las queridas muñecas American Girl también tendrán su propia película de acción en vivo. Por supuesto, este no es tan divertido como el mundo de Barbie, porque la mayoría de las muñecas American Girl tienen historias de fondo trágicas entre momentos históricos, y muchas de ellas sobrevivieron a sus padres. Esta es una buena parodia pasada de moda que hace un gran uso del legado de las muñecas American Girl y el considerable elenco de «Saturday Night Live».

Clase de español – Además de traer un poco de español a la parte superior de su monólogo, Ana de Armas y Marcello Hernandez se unieron para hacer que Mikey Day pareciera un verdadero gringo en este sketch de la clase de español. Day hace un trabajo fantástico al hablar español de la manera más blanca posible, y aunque la premisa es bastante simple, es la personalidad de pan blanco y el comportamiento abrumado de Day lo que le permite aterrizar con bastante firmeza. Sin embargo, admito que no soy el mayor admirador del final, que se sintió más como una excusa al estilo «All That» para un cameo con calzador de la invitada musical Karol G. Y sí, de Armas y Hernández están hablando en serio. Español, pero no están metiendo ninguna tontería allí. Todo es relevante para la conversación que sucede en clase.

Comercial de la escuela de actuación canina – Si hubo un boceto malo esta noche, entonces probablemente sea este (aunque también se podría argumentar para el boceto de Nail Salon). Pero incluso este terminó evitando ser francamente terrible simplemente por el uso cómico de algunos perros muy buenos. Bueno, en su mayoría eran buenos perros, aunque no estaban haciendo exactamente lo que «SNL» necesitaba que hicieran. Al mismo tiempo, traer animales como este y hacer que pierdan sus puntos y se distraigan es lo que termina provocando más risas que lo que está en la página. En este caso, la parte más divertida fue un perro que saltaba por completo cuando se suponía que debía comer espaguetis de la boca de Chloe Fineman, pero no quería tener nada que ver con esa mordaza. Perros tan lindos guardaron este boceto, y es un poco difícil enojarse por eso.