La nueva película de Demi Moore, el horror feminista sobre el cuerpo “The Substance”, la muestra completamente desnuda, con varias escenas que presentan desnudez total. En la conferencia de prensa del Festival de Cine de Cannes sobre la película el lunes, el actor de 61 años habló de la “experiencia vulnerable”.

«Al entrar en ello, quedó realmente explicado: el nivel de vulnerabilidad y crudeza que realmente se requería para contar la historia», dijo Moore. «Y fue una experiencia muy vulnerable y simplemente requirió mucha sensibilidad y mucha conversación sobre lo que estábamos tratando de lograr».

En la película de la directora de “Revenge”, Coralie Fargeat, Moore interpreta a una celebridad en decadencia que usa una droga del mercado negro que da nombre a la película: un dispositivo de replicación celular que termina creando una versión joven y mejor de sí misma (Margaret Qualley). No sólo debe compartir un espacio con esta nueva criatura, sino que también tiene que pasar la mitad de su tiempo en estado latente para que la otra pueda prosperar. En una de las primeras escenas en las que Qualley “nace”, por así decirlo, Moore pasa mucho tiempo estudiando su cuerpo desnudo antes de apretar el gatillo de la droga. Cuando Qualley emerge, ella también se maravilla con su nuevo y flexible traje de piel. Es una muestra cruda pero quizás necesaria de frontalidad total para ambos.

Moore también le dio crédito a Qualley, que no estuvo presente en la conferencia de prensa porque tuvo que viajar para asistir a un rodaje, por hacerla sentir cómoda en el set.

“Tenía a alguien que era un gran compañero con quien me sentía muy seguro. Obviamente estábamos bastante cerca, desnudos, y también sentimos mucha ligereza en esos momentos por lo absurdas que eran ciertas situaciones”, dijo. «Pero ultimamente. se trata simplemente de dirigir realmente la comunicación y la confianza mutua”.

A medida que avanza la película, Moore queda horriblemente desfigurada gracias al abuso que le está infligiendo su otra mitad Qualley. En el último acto de la película, se parece bastante a Anjelica Huston de la película de 1990 “Las brujas”, después de transformarse en una abominación jorobada.

«Fue muy extraño», dijo Moore sobre verse a sí misma con las prótesis tanto en el set como en la proyección de estreno el lunes. Una cosa que ayudó fue que “mi perro todavía me reconocía. Fue mi piedra de toque de la realidad”, dijo. El perro en cuestión es Pilaf, un perro de cartera que se ha robado corazones en todo el mundo en las últimas semanas, sentándose en primera fila con Moore en el desfile de la colección crucero de Gucci y posando para fotografías en la Croisette en los últimos días.

Dennis Quaid también protagoniza la película como un “imbécil”, como describió su personaje durante la rueda de prensa. El difunto Ray Liotta debía desempeñar el papel antes de su fallecimiento en mayo de 2022, y Quaid le dedicó su actuación.

«En mi corazón, dediqué este papel a Ray Liotta, quien estaba destinado a interpretarlo», dijo Quaid. “Fue esta semana, hace dos años, que falleció, así que me gustaría recordarlo. Era un actor increíble”.

Cannes se volvió loco con “The Substance” en su estreno el domingo por la noche, dándole a la película una ovación de pie de 11 minutos, la más larga del festival hasta el momento.

En una entrevista con Variedadel director francés habló sobre los temas feministas de la película y dijo que el horror corporal es “el vehículo perfecto para expresar la violencia de la que tratan todas estas cuestiones de mujeres”.

Con un trasfondo de #MeToo en el festival de este año a medida que el movimiento crece en Francia, Fargeat espera que la película arroje aún más luz sobre el tema. “Es una pequeña piedra en el enorme muro que todavía tenemos que construir con respecto a este tema y, para ser honesto, espero que mi película también sea una de las piedras de ese muro. Eso es realmente lo que pretendía hacer con él”.

Chris Hemsworth defiende las películas de Marvel Studios tras las críticas de directores legendarios como Martin Scorsese y Francis Ford Coppola.

En una nueva entrevista, el Thor La estrella habló sobre las opiniones negativas que algunos cineastas tienen sobre el género de superhéroes y el estado de fatiga de superhéroes que están experimentando las películas.

“Se sintió duro y me molesta, especialmente por parte de los héroes. Fue una sorpresa para mí, la gente atacando el espacio de los superhéroes”, dijo Hemsworth en una entrevista con Los tiempos.

Hemsworth, quien interpretó al Dios del Trueno en todo el MCU, dijo que todos experimentan recesiones en la industria y agregó: “Esos tipos tenían películas que tampoco funcionaron; todos las tenemos. Cuando hablaron de lo que les pasaba a los superhéroes, pensé, genial, díselo a los miles de millones que los miran. ¿Estaban todos equivocados?

En 2019, Scorsese escribió un artículo de opinión para el New York Times titulado “Martin Scorsese: Dije que las películas de Marvel no son cine. Dejame explicar.»

“Hay entretenimiento audiovisual en todo el mundo y está el cine. Todavía se superponen de vez en cuando, pero eso es cada vez más raro. Y me temo que el dominio financiero de uno se está utilizando para marginar e incluso menospreciar la existencia del otro”, se lee en parte del artículo de opinión de Scorsese. “Para cualquiera que sueñe con hacer cine o que esté empezando, la situación en este momento es brutal e inhóspita para el arte. Y el simple hecho de escribir esas palabras me llena de una tristeza terrible”.

Coppola también participó en el artículo de opinión y estuvo de acuerdo con la opinión de Scorsese, añadiendo: “Cuando Martin Scorsese dice que las películas de Marvel no son cine, tiene razón, porque esperamos aprender algo del cine, esperamos ganar algo, algo de iluminación. algo de conocimiento, algo de inspiración. No sé si alguien saca algo de ver la misma película una y otra vez. Martin fue amable cuando dijo que no es cine. No dijo que sea despreciable, y yo sólo digo que lo es”.

Hemsworth no estuvo de acuerdo con la opinión de Scorsese y Coppola y dijo Los tiempos, “La asistencia al cine no cambió gracias a los superhéroes, sino gracias a los teléfonos inteligentes y las redes sociales. Las películas de superhéroes en realidad mantuvieron a la gente en los cines durante esa transición, y ahora la gente está regresando. Por eso merecen un poco más de reconocimiento”.

El actor australiano también rechazó a los actores que han hablado negativamente sobre su experiencia filmando películas de superhéroes.

“Es como, ‘Son películas que tienen éxito, ponme en una’. Ah, ¿el mío no funcionó? Los golpearé’”, dijo Hemsworth. “Mira, yo crecí viendo una telenovela. Y solía molestarme cuando los actores luego hablaban del programa con culpa o vergüenza. La humildad ayuda mucho. Uno de los actores mayores de ‘Home and Away’ dijo: «No nos pagan por hacer que las buenas líneas suenen bien, sino por hacer que las malas funcionen». Eso se me quedó grabado.

Continuó: “Pero bueno, todo es una lección. Y si alguna vez volviera a [Thor] Me preguntaría cómo podríamos cambiarlo de nuevo. Pero hay una maldición de superhéroe en el sentido de que te encasillan, y me sentí un poco paralizado con lo que podía hacer, así que [I] Quería desesperadamente algo que me asustara. Y furiosa hizo.»

John Leguizamo reveló recientemente a Business Insider algunos de los roles que más lamenta haber rechazado a lo largo de su carrera. Incluyen el papel de Stanley Tucci como Nigel en “The Devil Wears Prada”, el papel de voz de Robin Williams en “Happy Feet” y el papel de Vince Vaughn en la película de acción de 2005 “Mrs. y la señora Smith”. Vaughn actuó junto a Angelina Jolie y Brad Pitt en esta última película.

“Tenía mis razones. Quiero decir, son estúpidos, pero yo tenía mis razones”, dijo Leguizamo sobre estas decisiones, y agregó que fue una preocupación salarial lo que lo llevó a rechazar al “Sr. y la señora Smith”. El actor dijo que le ofrecieron trabajar a gran escala en la película, mientras que Pitt y Jolie recibían un pago de 20 millones de dólares. A lo largo de los años han surgido informes de que fue Pitt quien recibió 20 millones de dólares, mientras que Jolie ganó 10 millones de dólares.

“Para el ‘Sr. & Mrs. Smith’ fue porque les estaban pagando $20 millones y a mí me iban a pagar escala. Me sentí despreciado, y probablemente ellos no me estaban despreciando, pero me sentí despreciado”, dijo Leguizamo. “A veces, cuando eres una persona de color, estás tan acostumbrado a que te menosprecien que crees que te están menospreciando, y a veces no te están menospreciando. Entonces eso es lo que sucede y hay que ir a mucha terapia para solucionarlo”.

Leguizamo parece consciente de que a Pitt y Jolie les ofrecieron millones de dólares más que a él para protagonizar “Mrs. & Mrs. Smith” debido a sus carreras de primer nivel al frente de películas de gran éxito, pero eso no le impidió sentirse irrespetado en ese momento. En cuanto a “Happy Feet”, el musical animado centrado en los pingüinos de la Antártida, Leguizamo ya tenía entre manos una exitosa franquicia animada con las películas de “Ice Age” y dijo: “No quiero hacer todas estas películas sobre hielo. Qué razón tan estúpida. Pero en ese momento me pareció lógico y luego perdí millones”.

El año pasado, el actor fue noticia por decirle a ComicBook.com que “negoció” para unirse al Universo Cinematográfico de Marvel como Buitre en “Spider-Man: Homecoming”. Si bien el papel fue interpretado por Michael Keaton, aparentemente las conversaciones con él fueron lo suficiente como para que Marvel quisiera tener otro actor en fila para asumir el papel de villano. Leguizamo supuestamente era el actor que alinearon.

“Se suponía que yo sería el Buitre”, dijo Leguizamo en ese momento. “Habíamos negociado y estaba a punto de interpretarlo, y dijeron que Michael Keaton quería recuperarlo y me preguntaron si lo dejaría. Dije: ‘Bueno, está bien, supongo’. Dijeron: ‘No, trabajaremos contigo otra vez, vamos a…’ Eso es lo que pasó allí”.

Según Leguizamo, el estudio “le ofreció algo minúsculo” como consuelo por haber renunciado al papel más importante de Buitre. “Dije, ‘No, uh’”, dijo el actor.

En su nueva entrevista con Business Insider, Leguziamo dijo que había «acordado los términos» con Marvel para interpretar al Buitre y pensó que «otro actor habría demandado» si los hubieran dejado como lo hizo él. Y añadió: “No había firmado contrato, pero habíamos acordado. Creo que esos son términos aceptables”.

“El director del estudio me llamó y me dijo: ‘Esto es terrible. Me siento fatal, ¿y lo dejarías? Y lo hice. Sentí que si no me querías, yo tampoco quiero estar allí, ¿sabes a qué me refiero? añadió Leguízamo. “Mi abuela me decía: ‘Si no te quieren en una fiesta, no vayas’. Entonces pensé, no me quieres en la fiesta. No quiero estar allí. Me sentí menospreciada y menospreciada, así que realmente no quería ser parte de eso”.

Cuando se le preguntó si volvería al Universo Cinematográfico de Marvel u otra franquicia de esa escala, Leguizamo respondió: “Lo haría si me ofrecieran El Acertijo o algún papel así. Volvería a otras franquicias. Quiero decir, si me compensas. Pero luego me ofrecieron un pequeño científico en la película. Yo estaba como, ‘No, gracias’. Gracias pero no.'»

Dirígete al sitio web de Business Insider para leer la entrevista de Leguizamo en su totalidad.

Elisabeth Moss apareció recientemente en el podcast “Let’s Talk Off Camera” de Kelly Ripa mientras promocionaba su nueva serie de FX “The Veil” y reflexionó sobre el “intimidante” pero estimulante set del drama de 1999 de James Mangold “Girl, Interrupted”. Moss tenía alrededor de 15 años cuando filmó la película e interpretó a Polly “Torch” Clark, una víctima de quemaduras que sufre de esquizofrenia. El elenco estuvo encabezado por Winona Ryder y Angelina Jolie, la última de las cuales ganó un Oscar por su actuación. Debido a la tensión que existe entre sus dos personajes, Moss dijo que el set de filmación se dividió naturalmente en dos bandos.

“Había dos tipos de campos. Estaba el campo de Winona Ryder y el de Angelina Jolie. … Fuera de cámara, pero basado en lo que estaba en cámara, basado en el guión”, dijo Moss. “Estaba en el campamento de Winona Ryder. El campamento de Angelina Jolie fue realmente genial. Me sentí intimidado por el bando de Angelina Jolie. No tenía pensamientos de poder estar alguna vez en ese campo”.

«He hablado con Angelina desde entonces y es encantadora, pero en ese momento fue increíblemente intimidante», continuó Moss. “Nunca mencioné el tema. Estoy seguro de que ella no tendría idea de lo que estaba hablando de todos modos. Definitivamente no era lo suficientemente genial como para estar en su campamento”.

La propia Ryder aludió una vez al set dividido en una entrevista de 2010 con el Sydney Morning Herald, señalando que nunca se hizo buena amiga de Jolie durante el rodaje de la película. Ryder fue la estrella y productora ejecutiva de “Girl, Interrupted”.

«Recuerdo que pensé: ‘Oh, vamos a llegar a ser grandes amigos'», dijo Ryder en ese momento. «Pero creo que ella necesitaba poder mirarme como el personaje de Susanna, no como Winona, así que de una manera muy respetuosa simplemente mantuvo la distancia».

“Girl, Interrupted” se basó en las memorias homónimas de 1993 de Susanna Kaysen. Ryder interpretó a Kaysen, una chica de 18 años con un trastorno límite de la personalidad que es enviada a un hospital psiquiátrico local. Jolie interpretó a Lisa Rowe, una paciente manipuladora del hospital a la que se le diagnostica un sociópata. Las dos mujeres se sienten atraídas la una por la otra y la película se centra en los altibajos de su relación.

Moss dijo en el podcast de Ripa que hacer la película fue “una experiencia increíble” y agregó: “Tenía 15 o 16 años. Mi mamá todavía estaba conmigo yendo al set. Estuve con todas estas estrellas de cine. ¡Winona Ryder! ¡Angelina Jolie! ¡Clea DuVall! ¡Britney Murphy! Este increíble elenco de mujeres. Fue como caer en el Mago de Oz. Me sentí tan asombrado por mi entorno y por trabajar con Winona y Angelina, y eran muy diferentes e interesantes”.

Escuche el episodio completo de la entrevista de Moss en el podcast “Let’s Talk Off Camera” aquí.

Jodie Whittaker ha pasado de interpretar a un Señor del Tiempo a actuar Tiempo.

el primero Médico que estrella se une El último de nosotros‘Bella Ramsey y La canción larga‘s Tamara Lawrance para la temporada 2 del drama carcelario británico, ahora ambientada en un centro penitenciario para mujeres en el norte de Inglaterra. El personaje de Whittaker, Orla, es una madre soltera de clase trabajadora con tres hijos, que lucha financieramente, cuyo mundo se desmorona cuando es sentenciada a seis meses tras las rejas. Su delito: “tocar el violín del leccy”, jerga para referirse a manipular el contador de electricidad para bajar la factura.

Ese delito no violento coloca a Orla en medio de un mundo insondable (confinamiento con prisioneras como Kelsey (Ramsey), una adicta a la heroína, y Abi (Lawrance), una asesina convicta, y la sumerge aún más en un abismo mientras intenta retenerla. familia unida, con sólo su madre alcohólica de quien depender. Aún así, no fue difícil para Whittaker conectarse con Orla, a pesar de sus circunstancias muy diferentes y las malas decisiones que ella toma.

“Estoy tan cerca de esto y tan alejada en muchos sentidos”, dice. “Soy de ese pueblo, tengo esa edad y soy madre. Pero no estoy en la miseria y mi comunidad me apoya. Fue interesante interpretar a alguien cuya necesidad de sobrevivir y cuidar de su familia a veces anulaba la decisión racional o la mejor para ella, pero también ves lo difícil que es navegar en este sistema”.

Whittaker también se vio envuelta en una situación desconocida cuando comenzó a trabajar en Tiempo. La actriz había estado haciendo una película en Australia y llegó al set un par de semanas después de comenzar el rodaje. «Me sentí completamente sumergida en el fondo», dice, un escenario que parecía apropiado para interpretar a Orla. Por eso también Whittaker evitó hablar con personas que habían estado encarceladas, por lo que su inmersión en TiempoEl mundo áspero y sombrío sería aún más sorprendente. “El shock absoluto, la falta de conocimiento y la falta de profundidad fue todo lo que tuve para jugar”.

Como la primera temporada de Tiempo, protagonizada por Sean Bean y Stephen Graham, los tres episodios de la temporada 2 no son para personas aprensivas. Los guiones del creador de la serie Jimmy McGovern (Acusado) y Helen Black no rehuyen representar la brutalidad de la vida en prisión, pero Orla, Kelsey y Abi encuentran compañía y apoyo mutuo, a pesar de que el pánico y la rabia a veces las llevan al punto de ruptura.

Whittaker alaba no sólo a sus coprotagonistas sino también a los jóvenes actores que interpretaron a sus hijos, Isaac Lancel-Watkinson, Brody Griffiths y Matilda Firth. Tuvieron momentos emotivos para interpretar cuando sus personajes visitan a Orla en prisión. En una escena, Firth se sentaba en su regazo, jugaba con su cabello y, recuerda Whittaker, “Cuando tuvieron que irse, ella no me soltó y tuve que quitármela físicamente de encima. Era un actor joven instintivo”.

Aún así, el elenco encontró momentos de ligereza cuando las cámaras no estaban grabando. Whittaker ha dicho que adjunta una canción a cada proyecto en el que trabaja y para el que trabaja. Tiempo era “Apricots”, una canción vibrante del dúo de EDM Bicep: “La tocábamos en el camión de maquillaje. Tiene cierta estructura que realmente nos dio energía a todos”.

En cuanto a su proyecto más destacado hasta la fecha, Whittaker, que hizo historia como Médico queLa primera protagonista femenina, dice que vio y disfrutó las entregas del año pasado, protagonizadas por David Tennant y Ncuti Gatwa, el decimoquinto Doctor.

“Dejas esto y te lamentas, tienes esa extraña sensación de: ‘No quiero que nadie más tenga esos zapatos’. Luego, la gente que se hace cargo de él lo destroza, así que sí, me encantó”, comparte.

Whittaker siente lo mismo acerca de su viaje desde una serie de fantasía hasta un drama inquebrantable y un personaje cuyo castigo parece más severo que su crimen.

«Me pareció fascinante interpretar a alguien en prisión que es técnicamente culpable de su delito», dice. “Pero si alguien me dijera: ‘¿Estás jugando al bueno o al malo?’ [I’d say,] ‘Soy un bueno, el sistema es el malo’”.

Tiempo, Estreno de la temporada 2, miércoles 27 de marzo, BritBox

La comunidad de World of Warcraft descubrió recientemente casi por accidente que el creador principal de las historias del juego abandonó silenciosamente Blizzard.

La partida del director narrativo de Warcraft, Steve Danuser, no fue anunciada, sino más bien descubierta por fanáticos que notaron una actualización en su página de LinkedIn que establece el final de su empleo en Blizzard para noviembre pasado, justo en el momento de la convención anual BlizzCon en Anaheim.

Ya no es ningún secreto que Meghan McCain se separó de La vista después de cuatro años de malos términos. La autora política ha compartido su opinión sobre el popular programa de entrevistas diurno de ABC varias veces a lo largo de los años sobre el ambiente laboral tóxico que experimentó y la forma en que Los coanfitriones han seguido “demonizándola” desde que ella se fue. Luego de que volvieron a aumentar las tensiones por un comentario de Ana Navarro en el programa, McCain dio más información sobre su experiencia en La vista.

Meghan McCain criticó las recientes reflexiones de Ana Navarro eso La vista Los coanfitriones han utilizado los nombres de sus familiares para “tráfico de influencias”. Si bien Navarro no mencionó ningún nombre, la hija del difunto senador estadounidense John McCain tomó el comentario como un ataque directo contra ella, e incluso amenazó con emprender acciones legales. En un episodio de El podcast de Janice Dean Publicado el 17 de diciembre, McCain habló más sobre cómo sus circunstancias impactaron su experiencia negativa en La vista. Ella dijo:

En ese momento, cuando sentí que estaba perdiendo la cabeza y pasando por un momento muy difícil emocionalmente, impactada por el hecho de que mi papá se estaba muriendo de cáncer cerebral, yo estaba teniendo problemas de fertilidad. Estaban sucediendo muchas cosas en mi vida, además de entrar en este ambiente de trabajo que me parecía realmente hostil. te llamé [Janice Dean] Muchas veces después del show llorando.

El dinero no puede comprar el amor, sugiere el éxito de hace sesenta años “Can’t Buy Me Love”, con el que Paul McCartney, con una sonrisa traviesa, subió al escenario del Maracaná el sábado por la tarde. Cabello gris y barba blanca en lugar de una cabeza negra en forma de hongo: el Beatle Paul se ha convertido desde hace mucho tiempo en el anciano estadista McCartney. Pero el entusiasmo sigue siendo el mismo. Cualquiera que haya sobrevivido al sexo, las drogas y el rock’n’roll de los años sesenta perdurará mucho tiempo después.

Si no fuera por las especulaciones de la prensa brasileña. Su gira “Got Back”, que lo llevó en las últimas semanas por Australia, México y Brasil, será la última, se dijo antes del concierto. Por eso organizó especialmente el concierto final en el Maracaná, donde actuó ante el mayor público de su carrera en 1990. A sus 81 años, ya muy pasada la edad de jubilación, se decía que marcaría un final perfecto.

McCartney y su cuarteto, que lo acompaña desde hace más de veinte años, están en plena forma en el Maracaná. Recientemente, un trío de metales también ha enriquecido el sonido. Pequeños jugadores, McCartney sonríe con confianza. Se mantiene relajado, incluso cuando canta la tierna “Blackbird” (1968) solo con su guitarra en el enorme escenario. Su voz, cada vez más frágil en los últimos años, parece sorprendentemente fuerte esa noche. Incluso ladra con valentía la canción proto-metal “Helter Skelter” (1968) del “White Album” de los Beatles.

También puedes perdonarlo por las piezas más nuevas y aburridas. Sirven como calentamiento para los grandes homenajes: “Maybe I’m Amazed” (1970) para Linda, fallecida en 1998, y “Here Today” (1982) como una conversación post mortem con John Lennon, quien fue asesinado en 1980. Y interpreta “Something” (1969) para George Harrison, fallecido en 2001. “Me estás preguntando si mi amor crecerá”, canta McCartney con el ukelele. “No lo sé, no lo sé”, resuena desde el gigantesco círculo.

La larga espera por un Beatle

La Beatlemanía también prevaleció en América Latina en los años 1960. Pero los «Reyes del ¡Sí, sí, sí!» – título brasileño del álbum “A Hard Day’s Night” de 1964 – no dio ni un solo concierto aquí. La banda Wings de McCartney, con la que disfrutó de éxito mundial a mediados de los años 1970, también se mantuvo alejada de América Latina. Por eso hubo gran alegría cuando anunció dos shows en el Maracaná de Río como parte de su gira mundial 1989/90.

Fue su primera gira desde la muerte de John Lennon y siguió a una década decepcionante para él. La máquina de éxitos de McCartney se había estancado y los críticos lo consideraban artísticamente irrelevante. Él mismo parecía creerlo también. Si bien evitó los viejos éxitos cuando estaba con Wings, la lista de canciones en 1989/90 consistía en dos tercios de material de los Beatles. Un punto de inflexión que continúa hasta el día de hoy.

La elección de dar su primer concierto en Brasil en el Maracaná en 1990 encajaba con el viaje de McCartney en el tiempo hasta los dorados años sesenta. Quería jugar en el estadio más grande del mundo, donde el dios del fútbol Pelé marcó los goles de sus sueños. Construido para la Copa Mundial de Brasil de 1950 y, por lo tanto, ocho años más joven que McCartney, el Maracaná era considerado el salón de la gente que podía ver un fútbol fantástico por poco dinero.

Hasta el día de hoy, mantiene el récord de asistencia a todos los Mundiales: más de 173.000 aficionados vieron a Uruguay arrebatarle el título de la Copa del Mundo a sus anfitriones el 16 de julio de 1950. Ante la desgracia del “Maracanazo”, le correspondió a la leyenda Pelé asegurar los grandes momentos del Maracanazo, como por ejemplo con el gol número 1000 de su carrera en 1969. Los Beatles eran actualmente el número 1 del mundo con el álbum “ Abbey Road».

¿Los Beatles alguna vez quisieron tocar para Pelé?

Al tres veces campeón del mundo le gustaba decir que los Beatles querían darle un concierto privado en el Mundial de Inglaterra de 1966. Pero, según los informes, los funcionarios brasileños prohibieron a los Fab Four acceder al campo de entrenamiento en Liverpool. Sea cierta o no, la historia muestra cuán conectados están Pelé y los Beatles como íconos de los años sesenta.

Pero los espectáculos del Maracaná casi fracasaron en abril de 1990. Primero, el presidente Fernando Collor de Mello congeló todas las cuentas de ahorro en medio de una crisis económica. Luego, una lluvia que duró tres días inundó el estadio. Sólo 80.000 espectadores asistieron al lluvioso primer concierto. Pero cuando el sol brilló para el segundo espectáculo, McCartney estableció el récord de asistencia a un concierto en un estadio con más de 184.000 fans que pagaron. “Me sentí como el mismísimo Pelé en este estadio”, se regocijó.

33 años después, ya hace tiempo que es huésped permanente en Brasil. Ningún otro artista extranjero ha vendido más entradas aquí, y el regreso al Maracaná supone su concierto número 34 en suelo brasileño. A principios de diciembre llenó tres veces el estadio del campeón de fútbol Palmeiras en São Paulo, tan a menudo como lo había hecho la estrella adolescente Taylor Swift dos semanas antes.

El sábado, 66.000 aficionados le esperaban en el Maracaná, con entradas agotadas. Para el Mundial de 2014, la capacidad del estadio se redujo a la mitad y el espacio para estar de pie tuvo que dejar paso a asientos coloridos. Desde entonces, se ha oído que el fútbol se ha vuelto elitista y que las entradas son demasiado caras para los aficionados normales. Incluso si quieres pararte frente al escenario en la zona VIP de McCartney, tendrás que desembolsar el equivalente a un salario mínimo mensual. El ambiente es mejor en los asientos más baratos. Nubes de marihuana flotan entre las gradas, donde la gente grita sin parar.

McCartney calienta hábilmente el ambiente. “O Maracanã é nosso” (el Maracaná nos pertenece), entona el grito de batalla del club local Flamengo. También utiliza el meme “O Pai tá on” (Papá está listo para irse), que una vez hizo viral la estrella del fútbol Neymar, para motivar a la audiencia. Pero la opresiva humedad de la multitud pasa factura. Incluso McCartney recibe una botella de agua, la primera vez en sesenta años de shows en vivo.

El popurrí de “Abbey Road”

Pero cuando desempaqueta los viejos éxitos, el público se despierta: al canto del cisne de los Beatles «Let It Be» (1970) le sigue la canción de James Bond «Live and Let Die» (1973) con ensordecedores fuegos artificiales. Luego McCartney dirige a la multitud a través de un Nananana de un minuto de “Hey Jude” (1968). Y «I’ve Got a Feeling» (1970) es un dúo con John Lennon, de 28 años, cuya parte del famoso concierto en la azotea de enero de 1969 se proyecta en las pantallas. “Paul, eu te amo” (Pablo, te amo), canta la multitud. En realidad, el dinero no compra el amor, McCartney trabajó duro para ganárselo.

Finalmente, el popurrí de “Abbey Road”: “Golden Slumbers”, “Carry That Weight” y “The End”; ninguna otra banda terminó su carrera de manera más brillante que los Beatles con este ciclo de canciones. Así, el espectáculo culmina después de dos horas y media con sabias líneas: “Y al final, el amor que recibes es igual al amor que haces”; al final, el amor que recibes es tan grande como el amor que das. .

¿Se suponía que este sería realmente el último concierto de McCartney? La banda hace una reverencia, “Até a próxima”, grita McCartney, hasta pronto. Luego sale corriendo del escenario. Pelé, que tenía casi su misma edad, murió hace un año. McCartney dijo en una entrevista reciente que él mismo nunca se jubilaría. Incluso si tienes que empujarlo al escenario en silla de ruedas.