«A Man on Death Row» es un episodio interesante, ya que en realidad fue escrito por Noah Hawley, quien desde entonces se ha convertido en un gran nombre en la televisión. No sólo está detrás de programas de FX como «Fargo» y «Legion», sino que también está detrás de la próxima serie de televisión «Alien». Es más, fue escrito como el cuarto episodio del programa pero terminó transmitiéndose como el séptimo.

Cuando se trata de los diversos cadáveres del programa, por falsos que hayan sido, no fue solo Millegan quien los encontró inquietantes. Como explicó Boreanaz en el mismo reportaje, tuvo dificultades en un episodio específico porque él, en ese momento, tenía su propio hijo pequeño. El cuerpo en cuestión le hizo pensar en esto:

«Cuando hicimos el episodio sobre el niño pequeño fue bastante difícil para mí porque tengo un niño de tres años. Fue duro. No podía mirar eso. Hay algunas cosas que realmente te hacen retroceder. Lo horrible cosas viscosas que podrían estar bajando».

El programa también hizo todo lo posible para tratar de garantizar que todos en el laboratorio criminalístico hicieran las cosas según las reglas, relativamente hablando. Como explicó TJ Thyne, el actor detrás de Jack Hodgins, en el mismo reportaje, había expertos en el set cuyo trabajo era asegurarse de que el elenco manipulara los cadáveres correctamente:

«Realmente tenemos a alguien aquí en todo momento para ayudarnos y asegurarse de que estemos haciendo todo correctamente. Tenemos a alguien que está allí cada vez que tratamos con un cuerpo para asegurarse de que lo hagamos correctamente. Eso es «Ha sido una gran experiencia de aprendizaje para todos nosotros, sabiendo que ni siquiera puedo poner esto sobre la mesa porque técnicamente podría afectar los resultados de nuestros hallazgos».

«Bones» se transmite actualmente en Hulu y Amazon Prime Video

El propio MacLachlan arrojó algo de luz sobre el problema, diciendo: «Yo era joven, y cuando tienes esa edad, esa es una de las cosas que te detiene en seco, porque sabes lo que viene y dices: ‘Ahhh , No lo sé.'» La solución del equipo fue darle a MacLachlan una barra lagrimal mentolada, que se suponía debía aplicar ligeramente debajo de los ojos. MacLachlan se sintió frustrado porque esto no estaba funcionando, por lo que se frotó los ojos hasta el punto de que accidentalmente obtuvo mentol. en ellos, no sólo debajo de ellos. «Entonces estoy en realidad «Estoy llorando», dijo, pero no era el tipo correcto de llanto. Paul Atreides no es el tipo de persona que llora a lágrima viva por la muerte de Jamis; es el tipo de persona que lucha contra su dolor hasta el punto en que sólo una lágrima o dos escapa.

«No fue realmente una progresión orgánica», dijo MacLachlan. «Tienes este pequeño paso del tiempo, y está el momento de duelo, ¿sabes a qué me refiero? Fue entonces cuando se dio cuenta. Esa progresión tiene sentido para mí como actor, pero no era así». Logró completar la escena, pero finalmente toda la secuencia fue cortada por tiempo y estaba feliz de verla desaparecer. No fue un gran momento para la confianza de MacLachlan como actor, pero al menos reafirmó la confianza y la fe que David Lynch tenía en él. «David fue muy comprensivo y amable durante eso», explicó Sammon. Sean Young, quien interpretó a Chani, también confirmó esto:

«David realmente creía en él. Tenía que pelear por Kyle. Había muchas otras personas que tenían más crédito. David ganó esa pelea, por lo que se tomaría mucho tiempo con Kyle. Quería ser reivindicado por esa elección. «.

David Benioff y DB Weiss pueden ser mejor conocidos por ser los showrunners de Game of Thrones, el éxito de fantasía de HBO que duró ocho temporadas, pero el próximo proyecto de la pareja, en el que se unen con el escritor y productor de True Blood, Alexander Woo, es muy Caldera de pescado diferente.

3 Body Problem es una nueva serie de Netflix que salta de género y está basada en la trilogía china Remembrance of Earth’s Past del autor Liu Cixin, y si eso suena muy alejado de Game of Thrones, es porque esa era la intención de Benioff y Weiss.

Una de las razones por las que Ulrich sufrió la lesión en el set es porque, como parte de la escena, Sidney (interpretada en la toma por una especialista y no por Campbell) lleva una de las máscaras de Ghostface mientras ataca a Billy, lo que hace que la visibilidad sea un problema. Durante su comentario para la película, Craven recordó el incidente entre Ulrich y el paraguas:

«Aquí está la historia interna de esto: Skeet, cuando tenía 10 años, tuvo una cirugía a corazón abierto, y hay un lugar en su pecho donde hay un alambre de acero inoxidable, donde si lo tocas, es insoportable. Y lo teníamos completamente acolchado sobre esto, para que cuando sea apuñalado por este paraguas que se derrumba, esté protegido. Y, por supuesto, la doble, debido a que la máscara es muy difícil de ver a través, lo apuñala justo en el lugar y falla por completo la almohadilla. […] Entonces es una reacción muy real».

Hay algunas capas de ironía aquí; Uno, que Ulrich tenía un lugar específico en su cuerpo que esperaba poder evitar, y no fue así. Dos, que en una película que involucra a múltiples asesinos haciendo actos sucios con varios cubiertos, más personas no resultaron heridas por todos los otros apuñalamientos y cortes. Y tres, que a pesar de todos esos objetos punzantes presentes e involucrados en la narrativa, la mayor herida vendría por cortesía de un paraguas. Aunque quizás ese último punto no debería sorprender demasiado; Como cualquier fanático del terror sabe por películas como, por ejemplo, «Silent Night Deadly Night Part 2» y «Turbo Kid», los paraguas pueden causar muchísimo daño.

Suicide Squad: Kill the Justice League está abandonando las oscuras calles de Gotham por la ciudad de Metrópolis, un patio de juegos de mundo abierto que cambia más que solo la paleta de colores.

En una entrevista con GamesRadar+, el director asociado de diseño Johnny Armstrong analiza el nuevo escenario para el spin-off del supervillano y cómo es el lugar perfecto para hacer realidad la visión que el equipo tenía para el juego.

Mi progreso hacia una casa verdaderamente «inteligente» ha sido dolorosamente lenta. Estoy harto de comandos de voz poco fiables, interruptores inteligentes poco fiables y aplicaciones mal diseñadas. ¿Dónde está la experiencia perfecta que se prometió? Como señala a menudo mi esposa, si no es más fácil que accionar el viejo interruptor normal o correr las cortinas usted mismo, no es una mejora. La automatización del hogar inteligente ofrece perspectivas de conveniencia, pero rara vez la cumple.

Cualquier programa de hogar inteligente que configures será tan fuerte como su eslabón más débil. Necesita dispositivos que funcionen de manera confiable, con amplia compatibilidad, personalización y respaldo cuando surgen problemas. El sensor de movimiento de Eve es exactamente uno de esos dispositivos. Realiza un seguimiento confiable de la ocupación de las habitaciones y los niveles de luz, funciona con casi cualquier plataforma de hogar inteligente a través del estándar Matter y activa automatizaciones rápidamente. Ha sido mi mayor aliado hasta ahora para convencer a mi esposa de que vale la pena tener un hogar más inteligente.

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Tomando el control

Me he quejado antes de los controles domésticos inteligentes. El problema es que cada dispositivo tiene su propia aplicación, requiere comandos de voz específicos y puede tardar un poco en responder. Con las luces inteligentes, los interruptores físicos deben estar en la posición de encendido o no funcionarán, pero la memoria muscular es difícil de superar. Enseñar a su familia o compañeros de casa puede ser especialmente complicado cuando tiene una configuración de hogar inteligente variada. La supuesta conveniencia se evapora cuando son necesarios varios intentos para que algo funcione. Interrumpir a mi sufrida esposa para decirle que debería pedirle a Google y no a Siri que apague la luz nunca sale bien.

La automatización de las funciones del hogar inteligente puede reducir nuestra dependencia de aplicaciones, comandos de voz e interruptores inteligentes. Sin embargo, muchos sensores no son fiables; a menudo tardan varios segundos en reaccionar o se niegan a encender las luces a pesar de que yo agito frenéticamente la mano delante de ellos. Algunos sensores dejan de funcionar si se corta Internet o cuando actualiza el firmware en su centro de hogar inteligente.

El Eve Motion Sensor ha brindado una experiencia completamente diferente. Con el soporte de Matter, funciona con el ecosistema de su elección. Configuré sensores con Apple HomeKit y Google Assistant a través del Apple TV 4K (3.ª generación) y Nest Hub Max. (Amazon Alexa y Samsung SmartThings también son opciones). Fue rápido y fácil, aunque necesita un centro que sirva como controlador de materia y enrutador de borde de subprocesos.

La capacidad de respuesta fue inmediatamente impresionante. El Eve Motion Sensor utiliza Thread, un protocolo inalámbrico de bajo consumo que permite que los dispositivos se comuniquen directamente entre sí. Es rápido y confiable en comparación con alternativas como Bluetooth Low Energy (LE), Wi-Fi, Zigbee y Z-Wave. Las luces se encienden tan pronto como entro en una habitación. También puede funcionar localmente, por lo que los problemas de Internet no lo afectarán.

Cuando se le preguntó si prefería interpretar a Thor con el pelo largo o corto, Hemsworth respondió rápidamente y dijo:

«Cabello corto. Me gusta ese look con el pelo semi rasta y la barba y todo eso, especialmente en [‘Endgame’], pero esa fue la mirada más incómoda en la historia de todo lo que he hecho. Tienes pegamento en la cara y en la barba, y luego se pega la peluca. Y hay alfileres y todo tipo de cosas más. Son una o dos horas más de peinado y maquillaje cada día, así que es agradable cuando le cortamos el pelo a Thor en la tercera película, porque podía entrar, maquillarme un poco y caminar directamente al set».

En la película de Taika Waititi de 2017, «Thor: Ragnarok», el personaje fue capturado por un administrador alienígena en un planeta basura y obligado a luchar en una arena de gladiadores. Parte del encarcelamiento de Thor fue que nada menos que la leyenda de Marvel Stan Lee le cortara el pelo. A Hemsworth le gustó que su pelo corto fuera fácil de mantener. Sin embargo, en los Marvel Comics originales de la década de 1960, Thor siempre tuvo el pelo largo y, a lo largo de su larga historia, sus mechones vikingos han sido una parte distintiva de su apariencia. Cuando Thor regresó en “Thor: Love and Thunder” de 2022, los realizadores decidieron volver a darle el pelo largo, lo que significó más pelucas para Hemsworth. En la entrevista de Marvel, el actor parecía un poco molesto ante la idea.

«Love and Thunder» también presentó un montaje de Thor volviendo a estar en forma para luchar, adelgazando después de los eventos de «Endgame». Llámenme chiflado, pero si ser un semidiós con superpoderes aún requiere entrenamiento y ejercicio regulares, ¿no elimina eso el atractivo de los superhéroes de fantasía de poder? Se podría suponer que se mantienen musculosos y ágiles sin ningún esfuerzo. Supongo que esa suposición es incorrecta.

Este artículo contiene spoilers del Miles de millones final de la serie, «Fondo de almirantes.”

Los mercados han cerrado por Miles de millones, el drama financiero de alto riesgo que concluyó su carrera después de siete temporadas llenas de adrenalina. Con un último plan final ejecutado impecablemente, los viejos rivales Chuck Rhoades (Paul Giamatti) y Bobby “Axe” Axelrod (Damian Lewis) se unieron para derrocar al moralista multimillonario Mike Prince (Corey Stoll). De un solo golpe, Prince se volvió pobre y los aduladores más leales de Axe se llenaron los bolsillos. «Admirals Fund» ofrece la apariencia de un final feliz, con Axe recuperando su antiguo fondo de cobertura y el abogado de carrera Chuck reafirmando su misión de llevar a los criminales ante la justicia, pero eso no significa crecimiento, co-creadores y co-showrunners Brian Koppelman y David Levien le dice a Vulture. «¡No pueden evitarlo!» dice Koppelman. “Tal vez estás adoptando el lenguaje de la evolución, pero eso no significa que estés evolucionando”.

¿Cómo se siente decir adiós?
Brian Koppelman: La forma en que el público interactuó con este programa, las personas que lo amaron, estaban tan obsesionadas como nosotros contándolo. Esta última temporada fue para ellos. Era para personas que querían descubrir las referencias, que querían entender lo que querían decir los personajes cuando decían varias cosas: personas que básicamente tenían sus propios tableros de asesinatos, tratando de descubrir las alianzas. Las personas que aman el programa lo ven una y otra vez, y ese es el tipo de espectadores que somos cuando se trata de las cosas que amamos. Vimos el final con una audiencia en 92nd Street Y, y fue increíble porque se rieron en cada lugar donde esperábamos que lo hicieran. Ax le dice a Prince que 100 millones de dólares en Indiana es prácticamente como ser multimillonario. O Senior diciéndole a Chuck que no se desplome sobre los hombros. Eso nos pareció muy bien.

¿Puedes describir el proceso de escritura a medida que te acercabas al final?
David Levien: Cada vez que hacemos un final de temporada, nos enfrentamos a una buena cantidad de resolución sobre la temporada, pero siempre queríamos dejar una ventaja nueva. Si no era un suspenso, era algo dramático que iba a impulsar a todos a la próxima temporada. Esta vez fue como si la temporada fuera un embudo que descendía hasta este estrechamiento final. No había un mañana. Hicimos una lista de los personajes de los que necesitábamos despedirnos y las parejas que necesitaban tener sus momentos de cierre.

BK: Queríamos premiar a todas las personas que observan de cerca. Los programas de los que seguíamos hablando eran los Hombres Locos episodio final, y obviamente Los Sopranos episodio final y El ala oeste episodio final también. Aunque Aaron Sorkin no lo escribió, se podía sentir la mano de John Wells de una manera muy directa. Eso ala oeste El final fue satisfactorio porque tenías algunas buenas preguntas dramáticas en el centro, pero también obtuviste estas resoluciones de personajes. Estábamos muy contentos de tener a Timothy Busfield en el programa esta temporada porque para nosotros, la relación de Allison Janney y Busfield en ese episodio final, hasta que Allison Janney dijo: «No quiero quedarme en la Casa Blanca». Queríamos asegurarnos de que honremos a nuestros personajes de la misma manera que ellos honraron a esos personajes.

¿Cuáles fueron sus objetivos específicos para este episodio final?
DL: El objetivo era encontrar una manera de equilibrar estos momentos finales con los personajes con una trama que tenía que tener mucha resolución, y encontrar una manera de no solo terminar la historia y luego tener muchas despedidas.

BK: Hablamos de querer una reacción visceral a momentos como las últimas palabras de Axe a las tropas. Queríamos que se sintiera de cierta manera, la forma en que Miles de millones Lo sentí, pero esperaba que luego pudieras decirte a ti mismo: “Vaya, ese es un final feliz para Axe. Estoy tan feliz.» Y luego podrías decir: “Espera un segundo. ¿Entonces este tipo, después de todo este deseo de libertad, sus últimas palabras son: ‘¡Hagamos algo de dinero!’ Es como, ¿es realmente un final feliz? Pero queremos que tú sentir eso. Todo el tiempo, estábamos tratando de crear la adrenalina de estar rodeados de este tipo de personajes avariciosos que persiguen un cierto tipo de libertad y poder. Es esa emoción de viajar con ellos. Siempre esperamos que cada vez que termine el viaje, te preguntes por qué y qué significa sobre el mundo en el que vives, que esto se haya convertido en algo que permitimos que nos emocione. Siempre sentimos que la mejor manera de hacerlo no era satirizarlo, y no era hablar de ello, sino ponerte allí con ellos en esa montaña rusa. Queríamos que el final hiciera eso también. Pero, ya sabes, la canción “Take the Money and Run” es divertidísima y se siente de cierta manera, pero también te contamos una historia sobre qué carajo está pasando.

Yo estaba como, «Espera un minuto, ¡Chuck y Ax están nuevamente donde comenzaron!». Están hablando de cómo han crecido, de cómo son diferentes. ¡No tu no eres!
BK: Rian evoluciona. Taylor da un gran paso hacia la evolución. Pero la gente como Dollar Bill nunca evolucionará. Victor nunca va a evolucionar. Eso no es realmente parte de su matriz. Pero Ax pertenece detrás de ese escritorio. Ahí es donde se supone que debe estar.

Con Wendy, ella es el personaje principal de Miles de millones porque Wendy es el único personaje que puede ir más allá del viaje del héroe. Si alguien puede resistir la tentación de los dioses, esa es Wendy. Lo que ha hecho Maggie Siff es darle humanidad al programa y alguien a quien apoyar durante toda la serie. Todos podríamos esperar que ella salga de ese pantano y recuerde quién es.

Y Jeffrey DeMunn es un tesoro nacional; su actuación ha sido absolutamente extraordinaria.

DL: En la proyección, cuando lo vemos sentado en su escritorio cuando Chuck entra, la sala estalló. Porque sabían que iban a estar encantados con lo que sucediera. Eso es justo lo que trae.

He perdido la cuenta de cuántas veces he llamado “repugnante” al personaje de Jeffrey DeMunn en mis resúmenes, ¡y me hizo llorar en esa escena!
DL: Que Jeff DeMunn sea un personaje repugnante es el colmo del arte porque es un hombre maravilloso. No se parece en nada a ese personaje.

BK: Durante todo el tiempo que escribes la serie, no te permites rendirte. Pero es difícil escribir ese episodio final sin sentir mucha emoción por los personajes.

Pregunta final: ¿Toby Leonard Moore tuvo entrenamiento en teppanyaki?
DL: A lo largo de una serie de larga duración, llegas a conocer mucho sobre el elenco y, si tienen habilidades especiales, intentamos usarlas, como Condola Rashad que habla italiano con fluidez. Pero Toby nos mencionó alrededor de la segunda temporada que se había abierto camino en la escuela como chef de teppanyaki. Y lo teníamos en la cabeza en la última temporada: «Tenemos que lograrlo de alguna manera, porque será increíble verlo hacerlo». Cuando le dijimos, por supuesto, dijo: «Estoy tan oxidado que no lo he hecho en años». Y nosotros pensamos: «Enviaremos a un chico, empieza a practicar».

BK: Pero es magnífico, ¿no? Creo que la mayoría de la gente no esperaba verlo de regreso en el hibachi al final del episodio.

Advertencia: La siguiente discusión sobre cómo Rogue One: Una historia de Star Wars hizo que la galaxia muy, muy lejana se sintiera más grande que nunca contiene spoilers menores.

Con la liberación de El creador en los cines, parece una buena oportunidad para revisitar la última película del director Gareth Edwards, Rogue One: Una historia de Star Wars.

Para ser justos, la autoría de Pícaro uno es algo controvertido. Hoy en día, es fácil pensar en la película como obra de Tony Gilroy. Después de todo, Disney reclutó a Gilroy para realizar cambios serios en la postproducción. Si bien no es tan intensivo como el trabajo de Ron Howard en Solo, estas nuevas tomas aún representaron una revisión significativa. Desde entonces, los vínculos de Gilroy con la película se han visto aún más consolidados por su trabajo en Andorlo que constituye un gran logro en la franquicia por derecho propio.

Mirando Pícaro uno, es definitivamente reconocible como parte del trabajo más amplio de Tony Gilroy. En particular, el personaje de Orson Krennic (Ben Mendelsohn) es un antagonista arquetípico de Gilroy, un burócrata de nivel medio que inevitablemente se mete en problemas. Definitivamente existen las semillas de Andor Personajes como Syril Karn (Kyle Soller) o Dedra Meero (Denise Gough) se encuentran en Krennic. Como Andor, Pícaro uno presenta una visión cruda y fragmentada de la revolución.

Edwards ha sido amable al hablar sobre sus experiencias en Pícaro unopero está claro que no quiere dedicar la gira de prensa a El creador hablando de ello. «Mira, lo único que puedo decir es que tuve mucha suerte», dijo. Variedad. “La idea de que alguien tan privilegiado como yo de alguna manera implique que fue algo más que la increíble experiencia que fue hasta cierto punto, como, no tengo ninguna empatía por esa persona y no quiero serlo. esa persona tampoco”.

Aún así, teniendo en cuenta esto, reconociendo las contribuciones de Gilroy a Pícaro uno No debería hacerse a expensas de ignorar cómo Edwards lo moldeó como cineasta. Hacer cine es un proceso colaborativo. Las películas son obra de innumerables artistas que trabajan juntos por un propósito común. La belleza del arte es que puede existir en múltiples contextos. Es posible situar Pícaro uno en términos del arco profesional más amplio de Tony Gilroy, pero eso no descarta su lugar en la filmografía de Edwards.

De hecho, parte de la belleza de Pícaro uno es la forma en que las sensibilidades de Gilroy y Edwards se integran bien. Parte de esto es simplemente estructural. Edwards es un director extraordinario, pero sus películas a menudo pueden parecer desestructuradas o desorganizadas. Quizás debido a la amplia experiencia de Gilroy como guionista, Pícaro uno tiene una estructura clara de tres actos, con cada acto organizado en torno a una acción y un escenario dramático en un planeta diferente: Jedda, Eadu y Scarif. Esto crea una sensación de tensión creciente.

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Sin embargo, Gilroy y Edwards también sincronizan bastante bien sus temas. Ambos son narradores preocupados por la escala. Para Gilroy, esto tiende a ser abstracto y sistemático. En su Bourne películas y en Michael Clayton, Gilroy tiende a enfrentar a sus héroes contra grandes burocracias pesadas con mucho dinero y poca humanidad. Para Edwards, esa escala es más literal. Sus películas anteriores, monstruos y Godzillacentrado en personajes humanos eclipsados ​​por amenazas más allá de su marco de referencia.

A los héroes de Edwards normalmente se les presentan calamidades tan grandes que son funcionalmente impotentes contra ellas. monstruos Se originó con una simple pregunta. “¿Qué pasaría si alguien hiciera una película de monstruos ambientada años después de que terminaran la mayoría de las otras películas de monstruos?” recuerda haber pensado. «Cuando la gente no corre ni grita, sino que la vida continúa». Hay una sensación de aceptación e inevitabilidad cósmica en las tres primeras películas de Edwards.

Las películas de Edwards suelen tratar sobre personajes a los que se les presenta una amenaza enorme y existencial para su forma de vida, pero sin otra opción real que seguir adelante. monstruos y Godzilla Ambos tratan sobre personajes humanos que intentan llegar a casa mientras monstruos gigantes abren un camino de destrucción. Incluso El creador tiene lugar en un mundo donde la inteligencia artificial es tan ordinaria que resulta mundana, y una guerra global ya se ha librado durante más de media década.

El creador Es realmente la primera de las películas de Edwards que tiene un protagonista arquetípico de Hollywood, un personaje que puede salvar al mundo de manera significativa. Incluso Pícaro uno trata sobre un grupo de personajes que mueren proporcionando el dispositivo de trama que impulsa el original. Guerra de las Galaxias, colocándolos a varios grados de separación de la destrucción de la Estrella de la Muerte. Las películas de Edwards suelen tener lugar en mundos donde lo mejor que los personajes pueden esperar hacer cuando se enfrentan a alguna nueva atrocidad es sobrevivir.

En este sentido, Edwards es un cineasta milenial por excelencia. Sus películas se dirigen a una generación de cinéfilos que han soportado una serie de calamidades que aparentemente acaban con el mundo, desde la crisis financiera hasta el cambio climático y la pandemia, y no se les ha presentado mejor opción que simplemente continuar con sus asuntos. De hecho, Owen Gleiberman señaló que Pícaro unoLa historia de un grupo noble pero condenado de combatientes de la resistencia tuvo una resonancia peculiar después de la elección de Trump.

Sin embargo, saliendo del contexto cultural específico del trabajo de Edwards, pocos directores en activo tienen una comprensión tan profunda del tamaño y la masa. En pocas palabras, Edwards sabe cómo hacer que las cosas parezcan grandes. En una industria donde los éxitos de taquilla aumentan constantemente en términos de apuestas y presupuesto, esa es una habilidad muy útil. Los críticos y los fanáticos a menudo hablan de cuán “grande” se ve o se siente una película determinada, pero los éxitos de taquilla de Edwards tienden a parecer más grandes que la mayoría.

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Este es un enfoque que se presta a Guerra de las Galaxias. Después de todo, Guerra de las Galaxias ayudó a codificar el éxito de taquilla moderno. Se la ha descrito, no sin razón, como “mitología estadounidense moderna”. El original Guerra de las Galaxias fue la película más taquillera de todos los tiempos hasta Titánico. Los personajes y el diálogo de la película han dejado su huella en la cultura pop, hasta el punto de que las personas que nunca han visto una Guerra de las Galaxias La película puede reconocer a Darth Vader (David Prowse, James Earl Jones) o saber acerca de «la Fuerza».

Esta sensación de magnitud se reflejó en la propia narrativa. El original Guerra de las Galaxias prometió a su audiencia toda una galaxia de aventuras, con una cantina poblada por extraterrestres que podrían tener cada uno su propia historia (y la mayoría de los cuales la tenían). Había referencias a innumerables personajes y eventos fuera de la pantalla. Se sugería una compleja historia compartida. En el original Guerra de las Galaxiasesa galaxia muy, muy lejana parecía increíblemente vasta e increíblemente profunda.

Por supuesto, la familiaridad lo ha adormecido. Particularmente en los últimos años, la Guerra de las Galaxias El universo ha comenzado a sentirse mucho más pequeño. Está poblado en gran medida por personajes y organizaciones que el público ya reconoció. La galaxia muy, muy lejana parece consistir en unos setenta personajes con nombre que se mueven en los mismos círculos y se cruzan constantemente entre sí. Películas como Solo parecen existir en gran medida para que la audiencia pueda señalar cosas que reconocen.

El mayor logro de Pícaro uno es que logra tomar una gran cantidad de familiares Guerra de las Galaxias iconografía e imbuirla de un sentido de escala. Sobre el papel, la idea de una película basada en el robo de los planos de la Estrella de la Muerte parece el colmo del fan-service, y el escenario del tercer acto de la película que muestra a Darth Vader (Spencer Wilding, James Earl Jones) es ciertamente eso. Sin embargo, es mérito de Edwards que haya logrado tomar esa premisa y hacerla sentir emocionante y nueva.

Después de todo, la Estrella de la Muerte es una de las imágenes más familiares de todo el mundo. Guerra de las Galaxias franquicia. El original Guerra de las Galaxias se construye a su alrededor, y la idea aparentemente era tan atractiva para el Imperio que duplicaron su apuesta por El regreso del Jedi. La carrera por las trincheras de la Estrella de la Muerte es un elemento fijo de Guerra de las Galaxias videojuegos, y la superarma incluso hizo un breve cameo hacia el final de Venganza de los Sith. Es un desafío tomar algo tan familiar y hacerlo parecer amenazador.

Después de décadas de sobreexposición, Pícaro uno hace que la Estrella de la Muerte parezca realmente extraterrestre. En el original Guerra de las Galaxiaslos personajes confunden la Estrella de la Muerte con una luna. Pícaro uno lo filma como tal. La Estrella de la Muerte proyecta una larga sombra sobre la superficie de Jedda, donde bloquea el sol para crear un eclipse solar. En Scarif, cuelga en el cielo azul brillante como una luna visible detrás de las nubes. En el puente del destructor estelar del gobernador Tarkin (Guy Henry, Peter Cushing), la Estrella de la Muerte ocupa toda la ventana gráfica.

Edwards es muy bueno a la hora de utilizar la sensación de conciencia especial del público para transmitir esta escala, y a menudo coloca objetos familiares uno al lado del otro para crear una sensación de tamaño relativo. En la secuencia en la que presenta la Estrella de la Muerte, comienza centrándose en un TIE Fighter, un objeto que es relativamente pequeño. Ese caza queda entonces eclipsado por un destructor estelar. El Destructor Estelar queda entonces eclipsado por la Estrella de la Muerte. Incluso entre estas cosas gigantescas hay un claro orden de magnitud.

Edwards utiliza el lenguaje cinematográfico de Guerra de las Galaxias para transmitir esta enormidad. La primera Guerra de las Galaxias Se abre con una cámara inclinada hacia abajo para revelar un planeta y una luna. En Pícaro uno, Edwards emplea repetidamente la técnica opuesta, inclinándose hacia arriba. Comienza con tomas amplias, como Cassian (Diego Luna) y Jynn (Felicity Jones) en Jedda, estableciendo escala. Luego se inclina hacia arriba, como si el marco no pudiera capturar la enormidad de la imagen. Sobre ellos, una ciudad excavada en la roca. Encima, un destructor estelar.

Algunas de las habilidades de Edwards podrían deberse a su experiencia profesional. Antes de convertirse en director, Edwards trabajó como ingeniero de efectos especiales. Es famoso por su participación práctica con sus equipos, manejando personalmente la cámara El creador. Como resultado, hay un tacto en su realización cinematográfica que lo distingue de muchos de sus contemporáneos. Edwards sabe cómo utilizar tanto los efectos visuales como el encuadre en armonía para lograr el máximo impacto.

Pícaro uno siempre iba a ser un desafío para Guerra de las Galaxias. Fue la primera película de acción real fuera de la saga “Skywalker” y la primera vez que dos Guerra de las Galaxias Las películas se habían estrenado en años consecutivos. Había una posibilidad muy real de que Pícaro uno podría devaluar la marca, reducir Guerra de las Galaxias de una mitología americana a una franquicia más. Podría decirse que esto es lo que finalmente ocurrió con Soloquizás el primero Guerra de las Galaxias Película de acción real para no sentirla como un evento.

Es mérito de Edwards que Pícaro uno no hace Guerra de las Galaxias sentirse más pequeño. En todo caso, lo hace parecer más grande que nunca antes.

Si está buscando más pensamientos de Darren sobre el cine, consulte su reciente In the Frame sobre cómo The Creator de Edwards es una alegoría de las películas de la guerra de Vietnam y por qué tiene sentimientos encontrados sobre el resultado.

EXCLUSIVO: Creativos detrás Alicia y Jack, protagonizada por Domhnall Gleeson y Andrea Riseborough en el primer papel de este último desde la a leslie controversia, han destacado cómo querían que la serie de televisión Channel 4/Masterpiece se sintiera como una película independiente.

hablando antes Alicia y JackEn el estreno TIFF, el director ganador del Gran Premio de Cannes, Juho Kuosmanen, y el EP Richard Yee explicaron que el equipo detrás del programa, escrito por hombres locos Victor Levin, prácticamente todos procedían del mundo del cine independiente.

La idea de una serie romántica sobre un vínculo inquebrantable entre dos personas surgió de largas conversaciones entre Levin, Riseborough y Gleeson durante la pandemia de Covid-19 y se había estado filtrando durante años, con Channel 4 y Masterpiece subiendo posteriormente. También protagonizada por Aisling Bea, Sunil Patel y Educación sexual Aimee Lou Madera, Alicia y Jack sigue a estas dos personas durante un largo período de tiempo que están unidas por una conexión «tan poderosa que nada puede romperla», pero «la vida y las complejidades emocionales se interponen en el camino», según el logline.

«Para nosotros fue clave abordar esto más como una película que como una serie de televisión», dijo Yee, productor ejecutivo y cofundador de yo soy rut Producciones independientes Me + You. «Queríamos desarrollarlo para que pareciera un autor y no queríamos tratarlo como un programa de televisión más».

Yee comparó el tono de la serie con el éxito de BBC/Hulu. Gente normal, que catapultó a Paul Mescal y Daisy Edgar-Jones al estrellato y también fue filmada durante un largo período de tiempo con sensibilidad de cine independiente.

“Alicia y Jack obviamente es algo propio, pero ese enfoque un poco más adulto de las relaciones es similar,» añadió. “Están motivados por la observación y muestran el desorden y las imperfecciones de la vida y el amor. Personas que han visto [Alice & Jack] Han dicho que desearían que hubiera más representaciones ‘adultas’ de relaciones como ésta, por lo que definitivamente ha conectado con mucha gente”.

Kuosmanen, añadió Yee, consideró que encajaba bien en el proyecto como director principal debido a su anterior dirección de “historias de amor poco convencionales”, como la ganadora de Cannes. Compartimento número 6, y le entregaron los primeros tres episodios, con Lilting Hong Khaou dirige el resto.

Encontrar al director

Encontrar a Kuosmanen resultó complicado. El equipo creativo quedó impresionado con su trabajo en Compartimento nº 6 pero apenas tuvo representación. Sólo un viaje casual a Finlandia para Riseborough, donde espontáneamente preguntó a un conductor si conocía a Kuosmanen, obtuvo sus frutos: el conductor resultó ser uno de los antiguos alumnos del director.

“Así funcionan las cosas en Finlandia: la gente dice: ‘No es un país, es un club’”, bromea Kuosmanen.

Dijo que estaba feliz de asumir el desafío de trasladar la sensibilidad del cine independiente a la televisión. «La principal diferencia entre el cine y la televisión es realmente cuántas páginas se filman por día, pero, por otro lado, la pasión y la ambición realmente se sienten como trabajar en una película».

Un desafío mayor fue ingresar al programa más adelante de lo que normalmente lo haría en un proyecto, explicó Kuosmanen, además de mantener el estilo y el tono iguales en todos los episodios, incluidos los dirigidos por Khaou.

«Me gusta mucho Hong como director, pero nuestro estilo es muy diferente», añadió. “Así que cuando estaba pensando en diseñar y bloquear escenas, quería algo que no fuera tanto mi estilo pero que no estuviera demasiado alejado del suyo. Teníamos el mismo director de fotografía y eso ayudó”.

Tanto Yee como Kuosmanen hablaron sobre la química de Gleeson y Riseborough dentro y fuera de la pantalla y la pareja ha trabajado en múltiples proyectos a lo largo de los años, incluido Nunca me dejes irdonde jugaron una pareja, y Bailarín de sombra, donde eran hermanos. Esto aportó «una historia compartida a los personajes», según Yee.

«Soy un director impulsado por los actores y sentí que la forma en que hablaban del programa significaba que realmente estaban involucrados y dispuestos a hacer un gran trabajo», agregó Kuosmanen. «Es más fácil inspirarse y entusiasmarse con los actores que con un guionista divertido o un gran productor».

Controversia ‘a Leslie’

Los meses anteriores Alicia y Jack El anuncio vio a Riseborough aparecer en los titulares debido a la a leslie controversia, película por la que fue nominada al Oscar tras el apoyo del público de grandes estrellas como Cate Blanchett, que generó reacciones adversas.

Yee, sin embargo, rechazó la idea de que esto actuara como una distracción para Alicia y Jack, y añade: “Andrea tiene muchos proyectos diferentes en marcha. Ella fue brillante en a leslie y cuanta más gente pueda verlo, mejor porque ella es una intérprete increíble”.

Ayer, Deadline reveló que Masterpiece había abordado Alicia y Jack en los EE.UU

Alicia y Jack está producida por Me+You junto con Groundswell Productions, nominada al Premio de la Academia, De Maio Entertainment y Fremantle. Fremantle se distribuye a nivel mundial. Levin es creador y EP. Otros EP son Riseborough, Gleeson, Kuosmanen, Yee, Krishnendu Majumdar, Michael London, Shannon Gaulding, Lorenzo De Maio, Rebecca Dundon y Hilary Martin.