Hay fantasmas dentro y fuera de la pantalla en el largometraje número 28 de Ridley Scott, el principal de ellos es la película biográfica no realizada de Stanley Kubrick sobre Napoleón Bonaparte, el estratega militar corso que se abrió camino en las filas del ejército para convertirse en el líder de Francia no una sola vez. dos veces. Que a la edad de casi 86 años Scott haya dado un paso adelante para terminar lo que Kubrick no pudo es algo que el director británico sin duda disfrutará. Pero aunque su visión de la historia es suya, todavía hay algo esquivo en la historia de Bonaparte que no forma un todo coherente: como es consistente con la historia, la visión de Scott Napoleón es un amante y un luchador, una incongruencia que lleva a cambios bruscos de tono y a una narrativa inquietantemente episódica que puede resultar abrumadora en sus fechas, nombres y lugares.

Para Napoleón Para funcionar, se necesita una presencia imponente pero carismática, alguien como Marlon Brando, quien interpretó a Bonaparte en el extraño romance histórico de 1954. Desirée. Kubrick había querido a Jack Nicholson, y Joaquin Phoenix no cae lejos de ese árbol. Su casting ciertamente marca la pauta, y Scott no pierde el tiempo en diseñar su puesto: será una epopeya de la vieja escuela, en la línea de Anthony Mann. La caída del Imperio Romanoy ciertamente es un placer visceral ver a Scott, un maestro artesano, poniendo cada dólar y más en la pantalla.

Esas películas, sin embargo, generalmente contaban con un casting de gran éxito y, aunque sirve a la historia, al ser la historia de un hombre que superó sin esfuerzo a sus compañeros, Napoleón A menudo se siente como si le faltara uno o dos turnos de estrella, una sospecha persistente que se confirma cuando Rupert Everett aparece en los últimos 40 minutos, como el astuto Duque de Wellington, y Bonaparte finalmente encuentra su rival.

Scott ha dicho que el tratamiento de Kubrick no le interesaba porque abarcaba “el nacimiento hasta la muerte”, pero el guión de David Scarpa no está muy lejos de eso, y rastrea la ascensión de Bonaparte hasta su muerte, que es 28 de 51 años. El prólogo establece las escenas iniciales en la Francia revolucionaria, señalando que “la gente es impulsada por la miseria a la revolución” y viceversa, mientras vemos la agonizante decapitación de María Antonieta. El público está encantado, pero detrás de escena, el gobierno francés está en crisis. Para levantar la moral, Bonaparte ofrece sus servicios al líder del régimen Paul Barras (Tahar Rahim), ideando un ingenioso ataque de guerrilla contra una fortaleza británica en Toulon.

Su plan es un éxito, y Scott lo pinta en todo su sangriento esplendor, culminando en la espectacular destrucción a fuego de cañón de los barcos británicos con imágenes que son tan brutales e inmediatas como las de la CNN y, sin embargo, tocadas por el arte de Canaletto (la ética de este (desplegar la estética en representaciones de la guerra) están abiertos a debate, pero Scott ha logrado eludir ese tema durante años). En estos explosivos 20 minutos, la película ya tiene su punto de partida, estableciendo a Bonaparte como un hombre con sed de combate y un guerrero intrépido que no tiene reparos en liderar desde el frente. ¿Cómo podrá mantener el ritmo durante las próximas 2 horas y 30 minutos?

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Como era de esperar, no puede; El ascenso de Napoleón Bonaparte está tan interconectado con el laberinto de burocracia que siguió al Reino del Terror (la intriga y la contraintriga) que Scott inmediatamente pasa al primer encuentro de Bonaparte con Joséphine de Beauharnais (Vanessa Kirby). Joséphine lo descubre mirándola en un baile de sociedad e inmediatamente lo confronta. Bonaparte está vestido con todas sus galas militares, pero Joséphine está fulminante. “¿Qué es este disfraz que llevas puesto?” ella pregunta. “Es mi uniforme”, dice, un pequeño momento divertido que muestra lo pequeño que se vuelve en su presencia. Termina la escena suplicándole: “No me digas tu nombre”. Pero él lo descubre de todos modos cuando ella envía a su hijo pequeño a recuperar el sable de su difunto padre.

Joséphine es una dicotomía que fascina a Bonaparte. «Cuando me miras, ¿ves a un aristócrata?» se pregunta, antes de decirle que, mientras estuvo prisionera durante el Terror, usó su cuerpo para sobrevivir. A pesar de estas “indiscreciones”, Bonaparte continúa con la relación; Sin saber que ella ha tomado un amante a sus espaldas, escribe cartas intensas y apasionadas mientras comienza su ataque por todo el mundo. Cuando su mente debería estar concentrada en el trabajo, está firmemente en otra parte (“Mis logros parecen insignificantes, ya que nos mantienen separados”, dice). Y en un sutil presagio de cómo se desarrollarán las cosas, señala: “Este amor que tengo por ti es una especie de muerte”.

Claramente, entonces, hay dos historias muy diferentes que se entrelazan aquí y, por un tiempo, no llegan a encontrarse en el medio. Kirby lucha con un papel que tiene tanto peso psicológico (su «amor» se describe mejor como una codependencia tóxica al estilo sadomasoquismo), pero cada vez menos tiempo frente a la pantalla, mientras Bonaparte se obsesiona con producir un heredero varón bajo la atenta mirada de su madre. Quizás sea de esperar, entonces, que Scott haga todo lo posible para las escenas de combate, coronando el feroz asedio de Toulon con la gélida batalla de Austerlitz y, finalmente, el momento en que Bonaparte se encontró literalmente con su Waterloo, de manera exquisita y presumiblemente fiel. escenas de batalla renderizadas que disparan para Akira Kurosawa Corrió.

Así como culminó la historia de Bonaparte, Waterloo lleva las cosas a una conclusión satisfactoria, en gran parte gracias a la interpretación de Everett de Wellington. Scott incluso aporta aquí un toque de humor británico autocrítico (“Nunca me mojo si puedo evitarlo”, dice Wellington, montando a su caballo en el último minuto), y el director permite que Gran Bretaña celebre su victoria. sin condiciones, lo que demuestra mucha buena disposición, dado el desastroso desempeño de los políticos británicos en los últimos siete años.

El tiempo de ejecución no pasa muy rápido y uno se estremece al pensar en cómo ayudará un Director’s Cut con dos horas más. esopero Napoleón, al igual que su sujeto, llega a su destino sigilosamente. A lo que cuesta acostumbrarse es a que la verdadera película ocurre en la mente de Bonaparte; está acostumbrado al hecho de que sus compañeros piensen que es un matón, que ha mantenido al mundo como rehén, que luchará para lograr la paz por cualquier medio necesario y, mientras lo hace, desprecia a casi todos los que conoce ( «Es una lástima que un hombre tan grande no tenga modales», se queja un enviado británico). Es difícil imaginar un actor que pueda lograr esto y hacerlo tan atractivo, pero Phoenix lo hace, un logro que se vuelve especialmente impresionante cuando te das cuenta de que este autoproclamado maestro de la guerra envió a más de 3 millones de hombres a la muerte en solo 22 años.

Título: Napoleón
Distribuidor: Fotos de Sony
Fecha de lanzamiento: 22 de noviembre de 2023
Director: RidleyScott
Guionista: David Scarpa
Elenco: Joaquin Phoenix, Vanessa Kirby, Ludivine Sagnier, Rupert Everett, Tahar Rahim
Clasificación: R
Tiempo de ejecución: 2 horas 38 minutos

Una nueva tendencia en el circuito de festivales de otoño de este año es la película biográfica del héroe desconocido, algo que parece impensable ahora en la era digital. hay Una vida, sobre los logros Schindlerianos de Nicholas Winton, quien salvó a casi 700 niños judíos de una muerte segura en la Praga ocupada por los alemanes. hay Rustinsobre el activista negro y gay que organizó la Marcha a Washington por el Empleo y la Libertad en 1963 (literalmente, hasta los baños) y tuvo que esperar 50 años para recibir un agradecimiento oficial.

Y también hay Sotavento, que es ligeramente diferente de estas dos películas anteriores en que su tema, el fotógrafo y ex modelo Lee Miller, es bastante conocido en todos los campos con los que está asociada, principalmente en el mundo del arte. Pero la película de Ellen Kuras es un intento reflexivo de alejarse de lo que Miller realmente hizo. hizo y centrarse en la forma en que ella realmente hizo normalmente con poco estímulo y apenas gratitud.

De manera refrescante, aunque es una especie de Figuras ocultasexposición al estilo de la forma en que las historias de mujeres se borran de la historia, no es simplemente un llamado al sexismo sistémico, es una historia más grande e inclusiva sobre el arte y el propósito del arte, sobre el punto donde la creatividad y el reportaje se superponen: una línea de frente que Miller cruzó (en sentido figurado y literal) muchas veces durante la Segunda Guerra Mundial.

Después de un tenso prólogo de tiempos de guerra (Miller vestido de camuflaje, huyendo de los disparos), el dispositivo de encuadre es decepcionantemente prosaico en términos de lo que estamos a punto de ver: Miller (interpretado de manera convincente por Kate Winslet en cada período de tiempo) está siendo entrevistado por un hombre (Josh O’Connor) quien suponemos que es periodista. Él quiere escuchar su historia y ella dice que no hay ninguna. Él tiene sus fotografías frente a él, algunas de las imágenes más famosas de todos los tiempos, y ella se encoge de hombros: «Son sólo fotografías». El intercambio es gélido. “¿Qué esperas obtener de esto?” ella pregunta. «¿Qué obtengo?» El periodista parece ofendido. «¿Tiene que ser transaccional?» Ella lo mira. «Bueno, eso es lo que la vida es.”

Para ser oídos modernos, criados en tiempos de paz, es una respuesta sorprendente, pero Lee Miller (1907-1977) vivió gran parte del siglo XX.^th siglo, una época particularmente transaccional para las mujeres que querían ser escuchadas y vistas en el arte, los negocios y la política. La película continúa sugiriendo que parte de la razón por la que se subestimó a Miller fue por su entorno bohemio: al principio, la película la encuentra en un almuerzo en el sur de Francia, donde aparece en topless mientras come una ensalada mientras se habla de Adolf Hitler. Llega un invitado sorpresa, el marchante de arte y pintor Roland Penrose (Alexander Skarsgård), y Miller instintivamente se tapa, ya que es un recién llegado al grupo. Sin embargo, Penrose ciertamente está en sintonía con ellos y con la idea de que “la única respuesta sensata a la tiranía es pintar, crear… y beber”.

A pesar de su modestia inicial, Miller tiene un romance con Penrose, como lo hará con otros hombres, y para ser honesto, este vaivén frutal se volverá un poco confuso a partir de ahora, tal como debió serlo para él, ellos. y ella. Sotavento se vuelve mucho más satisfactorio cuando se centra en la vida artística de Miller, el viaje que cambió en su cabeza después de ser vista como musa y modelo durante tanto tiempo. “Prefiero tomar una foto que serlo”, dice, y, vaya, ¿pone esa filosofía en acción?

El meollo de la película es la incursión de Miller en el teatro de la guerra en Europa, es decir, el actual guerra, donde los jóvenes, en su mayoría hombres, eran mutilados y asesinados en combate. A Miller se le niega la acreditación militar (lo que supera después de mucha persistencia) y a menudo escucha frases como: «No puede estar aquí, señora». Esto puede parecer terriblemente sexista ahora, pero cuando Miller se encuentra con un hospital militar, con todos los horrores que lo acompañan, comienza a preguntarse si tienen razón. Es la primera señal clara de un conflicto entre Miller el ser humano y Miller el artista: “Incluso cuando quería mirar hacia otro lado, sabía que no podía”, admite.

Vale la pena señalar aquí que otra cosa que destaca la película de Kuras es que algunos de los trabajos más importantes de Miller fueron encargados por una revista femenina, la británica Moda. A pesar de los mejores esfuerzos de un celoso Cecil Beaton (un poco arrojado debajo del autobús aquí como compañero Moda pargo), la editora de Miller allí, Audrey Withers (interpretada por Andrea Riseborough), presenta imágenes desgarradoras que los periódicos y los medios estatales del Reino Unido se niegan a publicar o tienen demasiado miedo para reconocer.

A medida que se desarrollan estos fragmentos de la vida de Miller, uno comienza a preguntarse cómo eventualmente se unirán todos, y realmente no es ningún spoiler informar que no es así. Bueno, no bastante. Como la propia Miller, Sotavento termina siendo un montón de contradicciones que, si bien son narrativamente frustrantes, hacer tiene sentido, ciertamente honrando los deseos de una mujer que se propuso “nunca prometer nada”.

Desde el principio, puedes ver por qué Miller no querría que se hiciera una película sobre su vida, ya que, cuando alguien cuenta la historia de un fotógrafo (o cualquier otro tipo de narrador), simplemente está contando una historia sobre la forma en que se desarrollan las historias. dijo. Pero lo que funciona Sotavento es la forma en que trasciende eso, al permitirle a su sujeto una vida interior incognoscible que, resulta, incluso su propio hijo solo puede adivinar pero no puede acceder. En un papel que puede considerarse demasiado matizado o que no se siente lo suficientemente bien para la temporada de premios, Kate Winslet realmente logra este aspecto súper importante del personaje: Miller se negó a ser analizado o interpretado; Esto lo dice una mujer que montó una foto de ella bañándose en la bañera del Führer el día de su suicidio: la palabra “provocativa”… Bueno, aquí se autocombusta.

Para muchos, Lee será vista como un vehículo para Winslet, y no se sentirán decepcionados por su actuación, que, sin querer maldecir el futuro de esta actriz con múltiples guirnaldas, seguramente se registrará como una de sus mejores. Sin embargo, es posible que tengan algunos problemas con una película que refleja plenamente tanto el optimismo del tema como sus muchas paradojas. “Nací decidida”, dice en un momento. ¿Qué es muy, muy cierto en el caso de una mujer que fue a la guerra incluso después de que se lo recordaran, o pensó que le estaban “diciendo” y se ofendió? — que ni siquiera hablaba francés.

A lo largo del año pasado, me he preguntado por qué Anillo de Elden no conectó conmigo de la forma en que lo ha hecho con tantos otros. Por un tiempo, pensé que tal vez le faltaba la resonancia alegórica que Almas del demonio tenía. O tal vez fue la ausencia de un impulso narrativo claro, aunque eso sería algo extraño para casi cualquier Soulslike. Como me encontré disfrutando de la janky, de bajo alquiler Timesia y aumento de acero más que la obra de FromSoftware, todavía no podía ubicarlo. Pero finalmente, en Wo Long: dinastía caídacreo que he encontrado una respuesta.

Aunque intervienen varios factores, todos se reducen a una sensación de dominio sobre el entorno del juego. Una gran parte de eso es la linealidad de Wo largo. Tiene niveles discretos con un número limitado de caminos a seguir de principio a fin. El diseño es arquetípico del género y, comparado con el de Anillo de Elden, poco sofisticado. A menudo, esa palabra trae connotaciones negativas —suelo asociarla con otras palabras como “desaliñado” o “básico”, según el contexto— pero la considero una fortaleza en esta ocasión.

A juzgar por la respuesta crítica, es justo decir que Anillo de EldenEl mundo abierto de es uno de los mejores en la historia de los videojuegos. Es muy probable que anuncie un cambio de paradigma en el diseño de Soulslike en los próximos años a medida que otros desarrolladores lo estudien y repliquen. Aun así, a pesar de todos los elogios y elogios, no pudo atraparme. Para mí, el diseño del mundo estaba reñido con el diseño del juego: la promesa de una belleza y una maravilla infinitas encerrada detrás de una hostilidad sin límites. La atmósfera antagónica de Lands Between solo se vio amplificada por la sofisticación de su diseño.

El retroceso y la repetición son parte del ciclo de juego central de Soulslike, excepto que es repetición con variación. Cada nueva hoguera o bandera de batalla es un nuevo punto de generación. Te permiten atravesar el paisaje en reversa, abriendo muchas más oportunidades para despachar enemigos sigilosamente. Como muchos de estos juegos, gran parte de Wo largo está diseñado para provocar dificultad mirando hacia adelante. Los caminos enemigos y las conciencias están ajustados para la primera vez que te abres camino a través de un nivel. Retroceder, entonces, se siente como si estuviera eludiendo los sistemas. No es un modo fácil, pero lo es. más fácil y no menos satisfactorio.

De hecho, puede ser lo más convincente de Wo largo. Avanzar puede sentirse como golpearse la cabeza contra una pared. Incluso si memorizas las ubicaciones de los enemigos y los patrones de ataque, siempre existe la posibilidad de «qué pasaría si» de equivocarte en el momento o no reaccionar lo suficientemente rápido. Los errores a menudo conducen a muertes rápidas. Sin embargo, retroceder es una forma mucho más sencilla de lograr el dominio sobre el dominio. Los enemigos caen ante espadas invisibles; te conviertes en un agente de destrucción, un presagio de muerte.

Y eso trae la conversación de vuelta a Anillo de Elden. Hay menos repetición intrínseca en la exploración en ese juego. No siempre es necesario tomar el camino A desde el punto A hasta el punto B. En su lugar, puedes ignorar los puestos de avanzada por completo, evitar grupos de enemigos y salirte de los caminos trillados para encontrar tu propio camino hacia adelante o hacia los lados o de la forma que quieras. .

Nunca me han gustado los juegos de mundo abierto como a muchos otros, pero en general aprecio sus libertades: huir de peleas difíciles, jugar en entornos lujosos, tomarme mi tiempo. En Anillo de Elden, lo encontré contrario a la intuición porque no había indulto. Dondequiera que iba, era para luchar o huir. La mayoría de las veces, era lo último. El mundo abierto significa que, en comparación con sus predecesores y Wo largo, necesitas estar más alerta, más consciente de tu entorno. Los enemigos pueden estar en cualquier lugar en cualquier momento; son las espadas invisibles, y a menudo las espadas visibles, que pueden abrumar con pura fuerza. No es necesario ocultarlos en rincones y grietas, agacharse en pasos subterráneos o colgarse de arquitrabes porque pueden ocultarse a simple vista. El diseño es fantástico porque se inclina de todo corazón e incluso amplifica la hostilidad inherente al género Soulslike.

Entonces, entiendo por qué a las personas que disfrutan del género les encanta Anillo de Elden, pero no comparto esos sentimientos. Para mí, la mejor parte del género está en dominar los distintos escenarios. Está aprendiendo patrones y ubicaciones de los enemigos para pasar, desbloquear el siguiente punto de control, luego trabajar hacia atrás a través de la multitud para adquirir más almas o Qi genuino usando sigilo, puñaladas por la espalda y golpes críticos en los NPC que miran hacia otro lado porque las ubicaciones de los enemigos son No está diseñado para retroceder.

que tiene de bueno Wo largo es que premia ese estilo de juego a través del sistema de Moral. Matar enemigos aumenta tu nivel de moral, lo que aumenta tu fuerza. Y si es más fácil matar enemigos volviendo a los niveles, entonces, a su vez, hace que la tarea más onerosa de avanzar sea más fácil. Tal vez eso no sea un dominio real sobre los niveles, sino solo jugar con los sistemas.

De cualquier manera, es un sentimiento que faltaba en Anillo de Elden. En ningún momento de mis (relativamente pocas) horas en las Tierras Intermedias sentí que tenía control sobre una ubicación, una capacidad constante para despejar un puesto de avanzada aprovechando los puntos ciegos. Y tal vez Anillo de Elden simplemente no está diseñado para ese estilo de juego orientado al sigilo. Sin embargo, considerando que es un juego de rol, posiblemente el juego de rol más aclamado desde Skyrim Permanece en mi mente como una pesadilla.

Tal vez ahora, después de haber identificado finalmente una razón clara de juego para mi insatisfacción con Anillo de Elden, podré volver a visitarlo y tener una experiencia diferente. O tal vez no. Por ahora, al menos, estoy contento con abrirme camino a golpes Wo Long: dinastía caídaaliviado de que, al menos en lo que a mí me importa, es más satisfactorio que Anillo de Elden.

Kevin Durant es un maestro del disfraz que ya se integra a la perfección con los Phoenix Suns. No muchos equipos pueden hacer lo Desafío DMX y presentar tantas miradas como los Suns puedan con su nueva ala deambulando por la cancha. La mayoría de los muchachos se toman un segundo para reintegrarse a una ofensiva o para curarse de un esguince de MCL o, ya sabes, un Aquiles desgarrado. Durant vuelve a ponerse su uniforme de trabajo y actúa como si siempre hubiera estado allí. Lo mismo sucedió en su debut como miembro de los Phoenix Suns.

Phoenix no podría ser más diferente que Brooklyn, pero esta es la cuarta vez que Durant se muda en su carrera. No está casado con una ciudad, un entrenador, un esquema ofensivo, una base de fanáticos o incluso una familia. Es la superestrella perfecta para vivir la vida del camionero.

En su nueva residencia de la NBA, el todo es mayor que la suma de las partes. Sin embargo, Durant hace que todo se hinche. Debut del jueves por la noche en un 105-91 la victoria sobre los Charlotte Hornets fue un testimonio de la versatilidad de Durant.

Chris Paul y Devin Booker tuvieron que ser estratégicos con sus jabs antes, atacando el rango medio, sondeando la pintura, operando en el pick-and-roll y manteniendo los engranajes engrasados ​​en la ofensiva del entrenador en jefe Monty Williams. En camino a 23 puntos ágiles en 27 minutos, Durant demostró cómo su considerable longitud y versatilidad en ambos lados deberían darle a los Suns el golpe de gracia que se han estado perdiendo.

Desde 2020, Phoenix ha contrarrestado la tendencia hacia las ofensivas de 4 outs que dependían demasiado de los tiros de 3 puntos al convertirse en el mejor equipo de tiros de rango medio de la NBA y desplegar un gran equipo. Durant es el rey de la gama media en la NBA contemporánea. Esta temporada, él es segundo en toda la liga en intentos de rango medioy primero en eficiencia sobre sus pares más cercanos por aproximadamente siete puntos porcentuales.

Durante años, Paul fue el más prolífico base anotador de rango medio en la liga, Booker se ha convertido en la élite de ese espacio entre la pintura y el arco por derecho propio, por lo que los Suns jugarán esos puntos fuertes. Hubo 18 equipos en acción el miércoles por la noche y Durant intentó más tiros en salto de medio alcance que nadie en la Asociación. Booker intentó el tercero. Ese pequeño tamaño de muestra es lo que deberíamos esperar ver durante el resto de su temporada.

Durant? ¿En una ofensiva basada en equipos?

La mudanza a Phoenix también significa el final de sus tendencias ofensivas antisociales. Solo los Spurs y los Warriors realizaron aislamientos con menos frecuencia que Phoenix esta temporada. Mientras tanto, Durant se ha acostumbrado a una de las ofensivas más iso-pesadas de la NBA con los Nets. En cambio, Phoenix se inclinará por darle a Durant un mejor espacio para su tiro en salto y, ocasionalmente, se hará a un lado para que tome el alma de algún defensor que no coincida.

La división del trabajo estará más equitativamente espaciada. Ver a Paul preparar el menú mientras Durant y Booker cocinan es algo digno de ver después de años de ver a KD preparar agua y cereales en Brooklyn. Paul desapareció en primer plano el miércoles por la noche, anotando solo dos puntos, pero repartió 11 asistencias.

Defensivamente, la longitud de Durant dio a los Hornets ataques en tramos. Como partidario secundario del aro, la presencia de Durant permitió a Monty Williams que Deandre Ayton jugara más agresivamente en los pick-and-rolls. En dos posesiones separadas, Durant se acercó para competir con el centro de Charlotte, Mark Williams, y su envergadura de 7 pies y 7 pulgadas sin que Ayton lo apoyara, incluida una secuencia en la que Booker se filtró en el contraataque, luego lanzó un pase saltado a Durant en el ala izquierda. Durant se levantó y encontró el fondo de la red desde la distancia.

Durant y Paul no serán mejores amigos fuera de la cancha al nivel que él y Kyrie Irving lo fueron, pero serán mejores colegas. Mientras Durant y Paul hacían pick-and-rolls en un lado de la cancha, los compañeros del lado débil no se quedaban boquiabiertos. En varias ocasiones, Booker salió corriendo de múltiples pantallas y ni siquiera fue el punto focal secundario de la defensa en esos minutos si Durant estaba ejecutando alguna acción en el otro lado de la cancha. Sin embargo, eso todavía lo liberó para cubos más fáciles.

Con Durant fuera, Booker ordenó el saque, venciendo a los Hornets por 37 puntos en 15 de 26 disparos y generando siete asistencias propias. Booker y su socio de PNR, Ayton, también estuvieron ocupados. Va a ser enloquecedor defenderlos e igual de difícil encontrar una discordancia en los interruptores para aprovechar.

Los asombrosos minutos de Booker y Durant es donde los Suns encontraron su salsa dulce. Durant comenzó a correr con las reservas durante la mayoría de sus turnos y nunca miró hacia atrás, obteniendo un plus-13 plus-minus.

De acuerdo, Durant tuvo que acomodarse contra un equipo de los Hornets contra LaMelo Ball y desarmarse para las próximas guerras de Wemby de la lotería del draft. Sin embargo, claramente encontraron una sinergia que Luka y Kyrie no han podido desbloquear en Dallas. En poco tiempo, los Suns debería comenzar a recuperar la economía de la atención y parecerse al gigante que tuvo el mejor récord de la NBA hace un año.

Esta discusión y revisión contiene spoilers de El último de nosotros episodio 4, «Por favor, toma mi mano».

“Por favor, sostén mi mano” se siente como un episodio de transición, uno que se dedica en gran medida a establecer elementos y presentar personajes que darán sus frutos en el próximo episodio.

Hay mucho trabajo preliminar establecido aquí. Se establece Kansas City, una comunidad sin ley que ha caído en manos de una milicia local. Se presenta a Kathleen (Melanie Lynskey), se describen claramente sus motivaciones y se destaca su búsqueda de Henry (Lamar Johnson). También se explica una historia de fondo considerable, con Joel (Pedro Pascal) revelando un poco más de su pasado a Ellie (Bella Ramsey), mientras completa los espacios en blanco sobre lo que Tommy (Gabriel Luna) está haciendo en Wyoming y por qué Joel está tan preocupado. sobre él.

Al igual que con los primeros dos episodios, existe la sensación de que el escritor Craig Mazin está aclarando todo esto por adelantado para que El último de nosotros puede pasar a un ritmo más suave en la segunda mitad de la temporada. «Por favor, sostén mi mano» es un episodio de televisión apreciablemente leve. Es el segundo episodio más corto de la temporada, dura media hora menos que el episodio anterior «Long Long Time» y 35 minutos menos que el estreno, «When You’re Lost in the Darkness». Hay una eficiencia admirable en el trabajo preliminar que se realiza en «Por favor, sostén mi mano».

Dicho esto, el trabajo preliminar que se establece en «Por favor, toma mi mano» también es considerablemente más suave que la construcción del mundo en «Cuando estás perdido en la oscuridad» o «Infectado». Quizás esto se deba a que no se trata de una exposición sobre las reglas del paisaje postapocalíptico, sino que se basa en gran medida en la profundización de la comprensión del programa de sus personajes y temas. Joel no le cuenta a Ellie sobre Cordyceps o FEDRA. En cambio, le está hablando de sí mismo, de Tommy y de las vidas que han vivido.

En muchos sentidos, parece que «Long Long Time» fue una especie de reinicio suave del programa. Mientras El último de nosotros es indudablemente un programa costoso que HBO espera realizar como un éxito de taquilla de televisión, funciona mejor en sus momentos más pequeños e íntimos. A pesar de su brevedad, «Por favor, sostén mi mano» les da a Joel y Ellie espacio para respirar. Una gran parte del episodio se dedica al viaje por carretera de Boston a Kansas, un viaje a través de una América en descomposición, montañas rusas oxidadas y búfalos errantes.

El último de nosotros no es un espectáculo sobre el fin del mundo. Ni siquiera es un espectáculo sobre salvar el mundo. Es un programa sobre Joel y Ellie. “Si no crees que hay esperanza para el mundo, ¿por qué molestarte en continuar?” Ellie le pregunta a Joel en un momento de su viaje. Joel responde: “No has visto el mundo, así que no lo sabes. Sigue yendo por la familia, eso es todo”. Ellie aclara que ella no es familia de Joel, y él está de acuerdo. Aún así, su viaje a Wyoming está impulsado por su deseo de reunirse con Tommy.

El último de nosotros es obviamente un thriller de supervivencia poblado por zombis infectados con hongos. Sin embargo, también es un western. Eso es obvio de muchas maneras, desde la partitura con inflexión de guitarra de Gustavo Santaolalla hasta la fascinación del espectáculo con la gran naturaleza estadounidense. Es evidente en el confiable rifle anticuado de Joel, que parece más la herramienta de un hombre de la frontera que el arma de asalto preferida por los soldados. Incluso está presente en los campos de búfalos al costado de la carretera.

También se refleja en el hecho de que Joel y Ellie están literalmente avanzando hacia el oeste, desde Boston hasta Wyoming. Se desarrolla en los tiroteos y emboscadas, incluso en entornos urbanos. Incluso se filtra a través del leve acento tejano que Pascal le da a Joel en momentos clave, como para afirmar que Joel es uno de los últimos vaqueros. Por supuesto, el género postapocalíptico siempre se ha sentido atraído por la iconografía occidental, particularmente en obras modernas como Los muertos vivientes y mundo occidental.

Una de las preocupaciones centrales del género occidental siempre ha sido la masculinidad: qué significa ser hombre. Esto es lo que hizo que Jane Campion El poder del perro tan llamativo y efectivo y por qué provocó una respuesta tan fuerte de los tradicionalistas. El último de nosotros está muy comprometido con este aspecto del western, particularmente en lo que se refiere a Joel y a los personajes con los que el programa contrasta y compara a su protagonista.

Es parte de lo que hizo que Bill (Nick Offerman) fuera tan atractivo en «Long Long Time». En muchos sentidos, Bill era un arquetipo masculino ampliamente dibujado. Tenía un sótano lleno de armas. Estaba preparado para el apocalipsis. Instaló lanzallamas y cercas eléctricas en el borde de su propiedad. Como se reveló al comienzo de «Por favor, sostén mi mano», su camioneta alberga un casete de Hank Williams, que reproduce «Alone and Forsaken», un tema de la franquicia que se ha utilizado en los tráilers del juego y el programa.

Sin embargo, Bill también fue una subversión de ese arquetipo de macho. el era homosexual Era “un hombre que (sabía) emparejar un conejo con un Beaujolais”. Podía tocar el piano y albergaba una profunda afinidad por la música de Linda Ronstadt. Sus placeres simples incluían probar fresas con su amante Frank (Murray Bartlett). Como Ellie descubre al comienzo de «Por favor, sostén mi mano», su camioneta también escondió algo de porno gay. Bill ofreció una representación matizada y convincente de la masculinidad.

En «Por favor, toma mi mano», Joel le cuenta a Ellie sobre su hermano Tommy. Tommy parece un arquetipo igualmente masculino, uno que persigue activamente la fantasía romántica del heroísmo. “Tommy es lo que solíamos llamar un carpintero, sueña con convertirse en un héroe”, explica Joel. “Así que se alista en el ejército, nada más salir de la escuela secundaria. Unos meses más tarde, lo enviaron a Desert Storm. Así llamaban a esa guerra; no importa. El punto es que estar en el ejército no lo hizo sentir como un héroe”.

El último de nosotros argumenta que la fuerza por sí sola no es suficiente para salvar el mundo. Después de todo, por eso FEDRA es monstruosa. Ellie está fascinada con el hardware militar y el episodio comienza con ella jugando con un arma. «¡Quiero ver un tanque!» le dice a Joel. «Lo harás», responde, sombríamente. “Tanques. helicópteros Todas esas cosas. Construido para luchar contra el enemigo equivocado. Ahora están dispersos”. La violencia y la fuerza no son el principio y el fin cuando se trata de sobrevivir al fin del mundo.

Con personajes como Bill y Tommy, existe una fuerte sensación de que la masculinidad va más allá de la capacidad de violencia de un hombre al servicio de un objetivo superior. Tommy estaba buscando algo que no pudo encontrar en el ejército. En contraste, Bill encontró su propósito en su amor por Frank. Es una visión de la masculinidad que desconfía inherentemente de la violencia como un fin en sí misma, como una herramienta al servicio del estado e incluso como una expresión de poder. Es la masculinidad ligada a la protección, por encima de cualquier otra cosa.

Esto es obvio incluso con Kathleen, quien sirve como contraste para Joel de varias maneras muy evidentes. Lo más obvio es que hay un contraste evidente en el carácter de Kathleen como líder de este grupo paramilitar local altamente armado y abiertamente agresivo. Al igual que con Bill, el casting hace mucho del trabajo aquí. Lynskey ha pasado años interpretando a esposas y figuras maternas en películas como ¡El informante!, Banderas de Nuestros Padres, Las ventajas de ser tímido, no mires hacia arribay muchos otros.

Sin embargo, el mejor trabajo de Lynskey siempre ha yuxtapuesto este arquetipo doméstico con algo más primitivo y violento debajo de él. Hizo su debut teatral en criaturas celestiales, en la que interpretó a una colegiala asesina. Ha disfrutado de un renacimiento profesional posterior gracias a su ingenioso casting en Chaquetas amarillas, en la que interpreta a una ama de casa y madre que tiene una sorprendente capacidad para la violencia. Lynskey es genial interpretando este contraste inherente.

Kathleen existe en este espacio. Ella juega como contrapunto a esa fascinación por la masculinidad. Dirige una milicia local poblada por hombres que visten uniforme militar, anteojos de sol y rifles de asalto, pero suena como el tipo de persona que siempre quiere hablar con el gerente. Le da un giro interesante a un arquetipo común en este tipo de narrativas postapocalípticas, pero que tradicionalmente se presentaría más como su mano derecha, Perry (Jeffrey Pierce).

«Por favor, toma mi mano» establece claramente a Kathleen como un espejo oscuro para Joel. Joel se define por la búsqueda de su hermano Tommy y su deseo de proteger a su hija sustituta Ellie. Eso es lo que lo impulsa. Eso es lo que justifica la violencia que hace. Por el contrario, Kathleen ha perdido tanto a su hermano y su hijo (por confirmar). Ella no está promulgando violencia para protegerlos. Ella está infligiendo violencia para vengarlos. Por supuesto, ella realmente está infligiendo violencia para satisfacerse a sí misma. Eso es lo que la impulsa.

Kathleen está tan obsesionada con cazar a Henry que hace la vista gorda ante los cimientos literalmente podridos de su comunidad. Cuando Perry le llama la atención sobre las grietas literales, ella le dice: “Manejemos lo que tenemos que manejar. Podemos lidiar con esto después. La ironía es que Kathleen no “tiene que” manejar nada. Ella no está usando la violencia para mantener a las personas seguras. De hecho, está poniendo en peligro a toda la población en busca de sus propios fines violentos.

“Por favor, sostén mi mano” vuelve una y otra vez a la idea de que la violencia cobra un precio tanto a quienes la usan como a sus víctimas reales. Al fin y al cabo, en muchos casos, quienes emplean la violencia son los que tienen que vivir con ella. Esto es obvio incluso en términos físicos. Cuando Ellie nota que Joel ha debilitado la audición en su oído derecho, pregunta: «¿Es porque te dispararon allí?» Él responde, honestamente: “Probablemente más por disparar. Entonces, si quiere mantener su audiencia, quédese con ese cuchillo”.

Más que nada, Joel se avergüenza de que Ellie haya tenido que usar el arma para protegerlo durante la emboscada. Él trata de disculparse y ella asume que está reconociendo su dificultad. hablando sobre la violencia, pero aclara que ve la necesidad de su violencia como su falla personal. «Quiero decir que es mi culpa», le dice. “No deberías haber tenido que hacerlo. Y lo siento.» La dirección de Jeremy Webb juega con esto; cuando tanto Ellie como Kathleen disparan sus armas, la cámara permanece en ellas, no en sus víctimas.

“Por favor, sostén mi mano” es mucho montaje, pero ya es más rico e interesante que los primeros episodios del programa. Con una comprensión más firme de sus temas centrales, El último de nosotros ha encontrado una manera de hacer que las convenciones de estas historias post-apocalípticas parezcan interesantes y convincentes una vez más.

Las «revelaciones sobre el pasado de Hulk» y las «decisiones que Thor hace sobre el futuro» sacuden el Universo Marvel hasta su esencia misma en «Hulk vs. Thor: Banner of War» de cinco partes, dice Marvel Comics, pero lo que los fanáticos realmente podrían querer saber es quién es el más fuerte que hay: Hulk o Thor.

Los fanáticos de Marvel pueden tener la oportunidad de averiguarlo cuando el crossover escrito por Donny Cates comience el 27 de abril con Hulk vs. Thor: Banner of War Alpha #1 y luego continúe en mayo con Thor #25 y Hulk #7.