Es posible que Olivia Colman no pueda regresar por Detiene el corazón tercera temporada, pero mientras tanto no dejará de ser una lista A. El programa reveló el 25 de abril que Jonathan Bailey hará un cameo en la próxima tercera temporada como el amor clasicista instantáneo de Charlie (Charlie… nos estás matando). Hayley Atwell, mejor conocida como la agente Peggy Carter en el MCU, interpretará a la tía genial de Nick, porque todo niño gay merece una tía genial. Además, Charlie finalmente conseguirá un buen terapeuta, que será interpretado por Eddie Marsan (Ray Donovan). Netflix describe a Geoff, el terapeuta, que aparece en las novelas gráficas, como “franco”, aparentemente sin darse cuenta de que eso tiene un significado diferente en esta situación particular.

«Mientras Detiene el corazón «Siempre celebraremos la alegría y apuntaremos hacia la esperanza», dijo la creadora de la serie Alice Oseman a Netflix, «Estoy muy emocionada de que estemos permitiendo que el tono del programa madure junto con el crecimiento de nuestros queridos personajes. Salud mental, sexo, ambiciones universitarias y más”. Detiene el corazón La tercera temporada comenzó a filmarse en octubre pasado y se estrenará este octubre. Coincide perfectamente con el debut de Kit Connor en Broadway junto a Rachel Zegler en Romeo + Julieta. Un verdadero amante nunca deja de anhelar.

El último controlador de edición especial de Xbox es una nueva versión de su diseño Stormcloud Vapor del año pasado: Dream Vapor.

Según Xbox, Dream Vapor presenta un patrón de remolino de color rosa y morado que será exclusivo de cada controlador. En cuanto a las características, este es el controlador inalámbrico Xbox estándar, con la adición de agarres laterales de goma.

Sin embargo, también desbloquearás un fondo dinámico exclusivo del mismo tema para que puedas hacer coincidir la pantalla de inicio de tu consola con tu hardware.

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Dream Vapor se lanzará el 6 de febrero y costará £65 y se puede pedir en Microsoft Store. Si Stormcloud Vapor y Dream Vapor no son la combinación de colores para ti, hay una nueva línea de patrones de Vapor disponibles en Xbox Design Lab.

Además de Stormcloud y Dream, puedes conseguir Electric Vapor (verde brillante), Fire Vapor (rojo y naranja), Cyber ​​Vapor (tonos más oscuros de rosa y morado) o Nocturnal Vapor (verde oscuro y gris). Sin embargo, estos le costarán un poco más, agregando £ 8 adicionales al precio de £ 60 de un controlador inalámbrico normal.

De todos los diseños de controladores de Xbox que Microsoft ha lanzado a lo largo de los años, considero que Dream Vapor es uno de los mejores. Probablemente esto se deba a que soy un fanático de todo lo pastel. Te veré en mis sueños, Dream Vapor.

[Warning: The below contains MAJOR spoilers for Fargo Year 5, Episode 7, “Linda.”]

Fargo no es nuevo en abordar lo surrealista, y la última entrega del Año 5, “Linda”, hace precisamente eso cuando Dot (Juno Temple) emprende un viaje alucinante por el camino hacia Camp Utopia.

Como recordarán los fanáticos, se vio a Dot alejándose de haber dejado a su hija Scotty (Sienna King) en la casa de Indira Olmstead (Richa Moorjani) en el Episodio 5. Ella resurgió en forma de fotografías maltratadas incluidas en un archivo presentado a Lorraine (Jennifer Jason Leigh) en el episodio 6, y ahora, los espectadores se reunieron con Dot en el camino.

Somnolienta y motivada, sigue avanzando poco a poco hacia un destino que aún tenemos que entender. Al detenerse en un área de descanso para comer algo, Dot le sonríe a su pila de panqueques antes de continuar su “viaje”. Siguiéndola hasta un molino de viento, los espectadores ven a Dot desenterrar una postal de Camp Utopia con un mensaje de Linda que dice: «Lo siento». ¿Pero quién es Linda?

Dot va a buscarla al Campamento Utopía, que resulta ser un santuario en el bosque para mujeres maltratadas y abusadas. Tomando el apodo de Linda, superan sus traumas creando marionetas y reviviendo los malos recuerdos para poder seguir adelante. Su líder resulta ser la Linda que Dot estaba buscando. Pero en lugar de saludarla con amabilidad, Dot ataca a Linda (interpretada por Kari Matchett).

Linda, la primera esposa del exmarido abusivo de Dot, Roy (Jon Hamm), supuestamente desapareció del rancho Tillman, y Dot la culpa por permitir que Roy la victimizara. Dot le ruega a Linda que regrese a casa con ella para que puedan denunciar a Roy por sus crímenes y proteger a su familia, pero Linda reitera que no puede abandonar Camp Utopia más de una vez.

Linda y otras “Lindas” presionan a Dot para que cree su propia marioneta y presente su trauma en el escenario para que pueda renacer metafóricamente, y luego Linda podría considerar abandonar el santuario. Y entonces Dot crea su propia marioneta y revela la historia de su pasado, que involucró a Linda llevándola a vivir con la figura matriarcal, Roy, y su hijo Gator (Joe Keery). A medida que el espectáculo de marionetas continúa y los abusos de Roy se aclaran aún más, el medio de marionetas ofrece una versión más aceptable (pero no menos dolorosa) de los acontecimientos.

Lo que sigue es una secuencia horrible y fascinante en la que Temple asume las voces de todos los roles en este mundo de marionetas en miniatura. Una vez que ha emprendido este viaje, Dot declara su nombre una vez más, afirmando su identidad como Dot Lyon, y nunca más será conocida como Nadine Bump. Cuando Linda finalmente acepta viajar con ella, las mujeres están juntas en el auto en la carretera cuando Dot se aleja, después de haber soñado despierta con su pila de panqueques en el área de descanso.

Resulta que Camp Utopia no es real después de todo, sino simplemente una fantasía. Aún así, Dot no deja que esto la frene mientras se dirige al estacionamiento para poder reanudar un viaje que aún tenemos que entender y que tal vez nunca veamos. Cuando un camión gira en la carretera resbaladiza, choca con los autos en el estacionamiento, empujando a uno hacia Dot, quien luego se despierta en el hospital.

Confundida, pregunta por Linda, pero una enfermera sólo le informa que su marido está cerca y ha estado a su lado desde que la trajeron. Pero no es Wayne (David Rysdahl) quien ha aparecido. No, Dot finalmente se ha encontrado cara a cara con su abusador cuando Roy entra a la habitación y pronuncia la frase escalofriante: «Te tengo».

Si bien el final de suspenso dará paso a algunas revelaciones y eventos interesantes que los coguionistas de “Linda” Noah Hawley y April Shih insinúan, a continuación, también desglosan todos los huevos de Pascua que provocan la realidad de ensueño del viaje de Dot a Camp Utopia, habla sobre el uso de marionetas como dispositivo para contar historias y aborda el papel de Linda en la historia. Además, recorra esta historia para ver el detrás de escena de los muñecos y los títeres.

¿Por qué marionetas?

Abordar la violencia doméstica en el tono de Fargo es una tarea única; Como señala Hawley, «siempre trato de evitar el melodrama y trato de encontrar una manera de contar la historia sin traumatizar a la audiencia». El showrunner revela que creció aprendiendo sobre el tema de su madre, Louise Armstrong, quien, según señala, escribió bastante sobre violencia doméstica. “Crecí hablando de estos temas y conociendo a las mujeres que los sobrevivieron y a los abogados que lucharon por los derechos de las víctimas de violencia doméstica. Es un tema muy serio”.

Si alguien quiere abordar temas tan pesados ​​en un programa con FargoEn el tono oscuramente cómico, Hawley dice: “Hay que tener mucho cuidado al elegir hacer eso. Si te acercas demasiado a la farsa, no podrás ser un espectáculo serio y si te vuelves demasiado oscuro, no podrás sostener la comedia. Y para mí, se trataba de encontrar una manera de contar la historia y hacer que ella confrontara su pasado de una manera que se mantuviera dentro del tono del programa”.

Hawley dice que se inspiró en un enfoque terapéutico en el que un terapeuta le da a un paciente una muñeca y la usa para señalar las formas en que ha sido abusado. «Empecé a pensar en eso y en la idea de enfrentar el trauma de Dot mediante el uso de una muñeca, lo cual me pareció visual e interesante». En una nota menos seria, Hawley reconoce: “También pensé que era gracioso que este drama multimillonario terminara teniendo un espectáculo de marionetas de 10 minutos… eso me pareció gracioso”.

El medio también permitió a Hawley y Shih presentar a los espectadores las duras realidades de la vida pasada de Dot sin que los espectadores quisieran alejarse de sus pantallas. «Queríamos encontrar una manera de abordar este tema que es obviamente oscuro, pero hacerlo de una manera que sea accesible para que la gente pueda recibirlo sin quedar completamente traumatizada», se hace eco Shih de Hawley. “Hubo una evolución en la forma en que [ended up becoming] marionetas, pero también queríamos encontrar una manera de exteriorizar el viaje interno de Dot, el trabajo curativo que tiene que hacer para confrontar a su ex abusivo”, añade Shih. En otras palabras, Dot tuvo que emprender el viaje para prepararse para la lucha que se avecinaba.

“El desafío en [Year 5] Lo importante es que Dot no acabe en una tragedia”, dice Hawley sobre el futuro que se avecina. “La única manera que puede evitarlo es enfrentar el trauma por el que pasó. Ella sale de esa séptima hora como alguien renacido porque ya no niega lo que pasó. Ella ya no niega que fue secuestrada. Ella ya no niega que este pasado que ha regresado es real”.

«También éramos muy conscientes de no querer perpetuar la representación de la violencia contra las mujeres en la pantalla sin ningún motivo», continúa Shih. «Creo que queríamos asegurarnos de que, si íbamos a mostrar algo, había una verdadera razón por la que teníamos que hacerlo». Eso no significa que las escenas sean menos efectivas cuando se ve cómo se desarrolla el espectáculo de marionetas de Dot. Es perturbador y aleccionador a la vez.

Sobre el diseño

Por muy impactante que fuera ver las marionetas, hay una belleza innegable en su artesanía, que se muestra en las fotografías detrás de escena. Cuando llegó el momento de decidir el look, Shih dice: “Fue una colaboración total. Cuando escribimos el guión, lo imaginamos de cierta manera, y luego, a través del proceso de preparación, la búsqueda de locaciones y la observación del arte, definitivamente fue un esfuerzo de grupo”.

“El diseñador de producción [Trevor Smith] — que es tan increíble — contribuyó a todos los decorados y a la dirección de arte. Y luego trajimos a titiriteros y diseñadores de títeres reales para que vinieran y fabricaran los títeres”, explica Shih. “Así que también estuvieron muy involucrados en el diseño. Nos mostraban diferentes maquetas y terminaban teniendo el aspecto [we see onscreen]y creo que son muy lindos, que es lo que queríamos porque es casi más inquietante ver cómo suceden estos actos horribles con marionetas de aspecto tan adorable”.

Huevos de Pascua de ensueño que quizás te hayas perdido

«Linda» es un episodio que puede ser incluso mejor al volver a verlo, ya que la escena del restaurante del área de descanso está llena de huevos de Pascua que insinúan que el viaje que Dot está a punto de emprender no es más que un sueño en su mente. Al entrar al estacionamiento, suena “I’m Your Puppet” de James & Bobby Purify, insinuando lo que está por venir. Pero es en el momento en que cruza la puerta que las piezas del rompecabezas comienzan a encajar en su lugar.

Al pasar junto a un estante de postales, una de las cuales tiene un diseño de Camp Utopia, Dot se sienta en una mesa y mira la pared donde hay colgado un tablón de anuncios. “En el tablón de anuncios ves la receta de piccata de pollo. [one of the “Lindas” prepared at Camp Utopia]y ves un [flyer for a] exposición de muñecas”, señala Hawley, y agrega: “Y adónde va a desenterrar la lata que contiene la postal… en [Episode 8] ella se dará cuenta de por qué vio eso”, bromea el showrunner.

«Esos elementos están ahí… No sé si me corresponde a mí señalarlos o no», dice Hawley antes de preguntar: «¿Notaste alguno de los retratos de las mujeres que cuelgan en las paredes?» Si no, sugiere mirar más de cerca. En cuanto a encajar todas las pistas, Shih dice: “Creo que nos equivocamos al incluir demasiado y probablemente filmamos mucho más de lo necesario. Algunas cosas probablemente fueron eliminadas porque es un buen equilibrio. Queremos que la audiencia pueda, al final del episodio, decir: ‘Oh, sí, fue un sueño y eso tiene sentido’. Pero no queríamos que lo sintieran en la primera vigilia”.

En cuanto a lo que ocurre en Camp Utopia y el encuentro de los espectadores con Linda, Shih dice que es “un reflejo de lo que está pasando en la cabeza de Dot y su percepción de sus cambios a lo largo del episodio y la temporada. Creo que tuvo que crear una historia para protegerse, y la historia involucraba a Linda como una especie de villana, y al hacer el trabajo en este episodio, Dot se da cuenta de que eso no es del todo cierto”, señala Shih. “Hay zonas grises. «

Hawley señala que Temple hace todas las voces en el espectáculo de marionetas de Dot, incluso para Roy, Gator y Linda. «Juno realmente pensó que debería hacerlos todos ella misma», recuerda. “En el momento en que escuché eso, estuve de acuerdo porque es su memoria, es su historia. Todas las voces son las voces de Dot. Todas las ‘Linda’ son versiones de ella, y Camp Utopia es la habitación cerrada en su mente a la que no quiere ir”. Al final, se ve obligada a entrar en ese espacio cuando la camarera del restaurante le pregunta a Dot si está huyendo de casa o corriendo hacia casa. «Ella no lo sabe en ese momento», dice Hawley, «y creo que no tiene adónde ir hasta que enfrente la verdad».

¿Qué viene después?

Como se mencionó anteriormente, hubo un gran suspenso cuando Dot y Roy se encontraron cara a cara por primera vez en la pantalla, pero también hubo otros eventos que pusieron en marcha los siguientes grandes momentos de la entrega, incluida la decisión de Gator de apuntar a Ole. Munch (Sam Spruell). En cambio, el joven disparó a un cadáver estratégicamente ubicado, irrumpió en el auto del hombre que contenía su dinero y mató accidentalmente a la “mamá” de la antigua figura en el proceso. ¿Qué podría salir mal con tales eventos?

«Definitivamente es el colmo», se burla Shih de la paciencia de Munch con Gator y los Tillman. «Él tenía una inversión emocional en esta relación, y creo que necesita vengarse a su manera o encontrar cómo será el pago de esa deuda», bromea.

Respecto a Roy y Dot, Shih dice: “Ella ha estado corriendo durante muchos años y algo tuvo que haber cambiado para que ella realmente pudiera enfrentarlo. Ella ha hecho todo este trabajo, y luego, en ese momento exacto, tiene que enfrentar el miedo real… Creo que pasa de ser alguien que vive una fachada de una vida que realmente quiere ser la persona que realmente quiere ser».

¿Ganará la pelea? Sintonízate para ver como Fargo El año 5 continúa en FX.

FargoAño 5, martes, 10/9c, FX (al día siguiente en Hulu)

El financiero cinematográfico estadounidense Grandave Capital invertirá en el documental “Romano Artioli – The Last Great Dreamer”, sobre el antiguo propietario de las marcas de automóviles Bugatti y Lotus, Romano Artioli.

En 1952, Artioli, un técnico italiano de 20 años, observó con asombro cómo Bugatti cesaba la producción en Molsheim, Francia. Artioli estudió ingeniería mecánica y luego se dedicó a la reparación de automóviles, antes de establecer un negocio minorista e importador de automóviles. A mediados de la década de 1980, este negocio tuvo tanto éxito que Artioli pudo iniciar conversaciones con el gobierno francés sobre la compra de la marca Bugatti. En 1987, su sueño se hizo realidad.

El documental muestra a Artioli y su pasión por la belleza y los autos deportivos que lo llevaron a revivir Bugatti y también a relanzar Lotus, construyendo autos icónicos. A medida que los visionarios de la industria automotriz fueron reemplazados por gerentes de cuello blanco que intentaron eliminarlo, Artioli logró reaccionar rápidamente, impulsando su ambiciosa visión.

Grandave Capital lo describió como “la historia real de un hombre que llegó al Olimpo de la industria automotriz a través del poder de su visión”.

“Romano Artioli – The Last Great Dreamer” fue escrita, dirigida y producida por Thomas Perathoner (“4 Hunters”, “Das Kuckucksnest”) de 44 Production, con Harald Erschbaumer (“Pluto”, “Resina”) como director de fotografía.

El documental, actualmente en postproducción, fue filmado en Italia, Francia, Montecarlo y Reino Unido. Estará en alemán, italiano e inglés.

La película se estrenará en dos versiones: una versión de 60 minutos está disponible ahora con italiano y alemán como idiomas originales, y una versión de 90 minutos está disponible en el segundo trimestre de este año, que agregará inglés como idioma original.

Grandave Capital está encabezada por el CEO y fundador Ruben Islas, y Stanley Preschutti, su presidente. Las inversiones pasadas de la compañía en entretenimiento incluyen «7th & Union» de Omar Chaparro, «Panamá» de Mel Gibson y «The Card Counter» de Paul Shrader.

Para celebrar el décimo aniversario de su primer lanzamiento, Analgesic Productions está regalando Anodyne, un homenaje surrealista a los juegos 2D Legend of Zelda de la vieja escuela. Este fin de semana, puedes reclamar una copia de Anodyne en itch.io (se abre en una pestaña nueva) por un gran total de cero dólares y cero centavos.

En 2013, nuestro crítico Tom Sykes le dio a Anodyne una puntuación de 84 y dijo que «Anodyne puede ser tan divertido y encantador como Link’s Awakening en ocasiones, pero el tono general es de inquietud, con una sutil malevolencia: el ‘algo parece un poco fuera de lugar’, que recuerda al horror independiente Lone Survivor. El significado es esquivo, pero los temas y los motivos pronto comienzan a tomar forma, en un juego que se siente cada vez más personal cuanto más profundizas en él».

La pandemia de COVID-19 aún no ha terminado, quién diablos sabe si alguna vez lo hará, pero sus primeros meses se han vuelto una pesadilla colectiva, distante y ebria, cuando todo lo que creíamos saber sobre el comportamiento humano parecía ponerse se volvió de cabeza. A primera vista, los angelinos en la soñadora y maravillosa de Bernard Rose Luz que viaja, que nos devuelve al verano de 2020, actúan como extraterrestres. Hablan uno a través del otro incluso cuando se juzgan unos a otros. Alternan entre la ansiedad y la frivolidad, como si nada fuera tan importante pero de alguna manera todo es significativo. Todos son increíblemente extraños pero vergonzosamente familiares.

La película de Rose (que se estrenará en cines en Nueva York después de una presentación en Los Ángeles y, con suerte, pronto estará más disponible) tiene lugar en el transcurso de un día a fines de mayo, y su trasfondo es más que solo COVID. De hecho, lo primero que escuchamos es un reportaje sobre la muerte de George Floyd. Las actualizaciones sobre la violencia policial y los disturbios en las calles han puesto a todos nerviosos, en particular a Caddy (Tony Todd, quien también interpretó el papel principal en el clásico de terror de Rose, El hombre de los dulces), un conductor de Uber recién acuñado. Cuando no está transportando pasajeros, Caddy recorre la ciudad en su automóvil en busca de su hijo, quien huyó de casa hace años y bien puede estar entre las muchas personas sin hogar de la ciudad.

Mientras tanto, Harry (Danny Houston), una especie de famoso gurú de la Nueva Era que trabaja a distancia y realiza sesiones de meditación populares en Zoom, se prepara para presidir una fiesta en el mundo real donde un grupo de tipos de Hollywood se reunirá para un poco de atención, un poco de unidad espiritual. con el cosmos, y algo de hedonismo desenfrenado. De una manera un tanto improbable, Caddy termina conduciendo a casi todos los asistentes a la fiesta a su destino, incluido Todd, una estrella del tenis frustrada y entrenadora interpretada por Stephen Dorff, deliciosamente confundido y bronceado como una langosta.

Arthur (Matthew Jacobs), un entrometido nebbishy que, cuando no está tratando de abrirse camino a través de citas en línea, deambula por las calles en busca de extraños sin máscara para fotografiar con su teléfono, presumiblemente para poder hacerlo públicamente, también se abre paso gradualmente a la fiesta. avergonzarlos. Cuando Arthur llega a la fiesta y ve todas estas caras sin máscara pasando el rato juntas en un espacio cerrado, no sabe si delatarlos o unirse a ellos; son, después de todo, hermosos, famosos y geniales, todo lo que él desearía poder ser.

Todo el mundo está en los asuntos de los demás y, sin embargo, cada uno de estos personajes es rotundamente, paralizantemente ensimismado y solo. Luz que viaja no es de ninguna manera una película didáctica: no trata de decirnos quién de estas almas dañadas, si es que hay alguna, está haciendo lo correcto, o incluso qué podría ser lo correcto. Todas estas interacciones parecen envenenadas a su manera. En el verano de COVID y George Floyd y el colapso sociopolítico, parece que todo el experimento humano ha fallado.

Haciéndose eco del caos existencial de la gente está la propia ciudad crepuscular, marcada por tiendas cerradas, calles desoladas y los vestigios de la protesta y la violencia. Conduciendo a sus pasajeros a través de este inframundo, Caddy mira todo y a todos con lo que solo podemos llamar desprecio desconcertado; Tony Todd puede transmitir con solo un giro de cabeza o un giro de ojos más de lo que la mayoría de los actores pueden transmitir con montones de diálogos. Pero este hombre también está buscando una conexión. Al principio se enfrenta a los intentos de un pasajero de quitarse la máscara, pero gradualmente, en el transcurso de la película, la dinámica del distanciamiento social en su automóvil cambia, hasta que al final tiene a alguien en el asiento del pasajero. Y sus intentos de encontrar a su hijo eventualmente lo llevan a un acto de generosidad por alguien completamente desconocido.

Íntima y encantadora, la película tiene una cualidad vagamente improvisada. Las escenas individuales a veces se sienten como fragmentos de un todo más amplio y coherente. Rose nunca ha dudado en cortar cualquier cosa que huela a demasiada trama. Prefiere dejarnos conectar los puntos entre las personas y los incidentes de la manera que queramos, y le gusta ver a sus personajes retorcerse como insectos clavados en un tablero, pero con amor. (Casi se podría pensar en sus imágenes como riffs más oscuros y más ingeniosamente filmados en Controle su entusiasmo.) La película cobra fuerza a medida que avanza y ofrece una sorpresa final hacia el final. No es exactamente un giro, sino más bien un desarrollo que te hace reconsiderar lo que acabas de ver, lo que sugiere que aquellos que a veces parecen preocuparse menos por el mundo son, en secreto, los más abrumados por él.

Luz que viaja continúa los esfuerzos continuos de Rose para crear inquietantes miniaturas sobre la vida en Los Ángeles con un toque clásico. Podemos rastrear el inicio de este proyecto hasta la década de 2000. ivansxtcuna adaptación moderna de Tolstoy La muerte de Iván Ilich, también protagonizada por Huston (en una actuación asombrosa) como un destacado agente de Hollywood que, en vísperas de su mayor triunfo profesional, descubre que se está muriendo de cáncer. En ese momento, Rose estaba tambaleándose por las dificultades de hacer su hermosamente montada 1997 ana karenina adaptación y comprensiblemente se había agriado con el sistema de estudio moderno. Para ivansxtcutilizó cámaras de video de alta definición (mucho antes de que se convirtieran en una práctica estándar de la industria) para liberarse de los grandes presupuestos, los ejecutivos entrometidos y los equipos engorrosos, y al hacerlo nos dio una de las películas más incisivas que se hayan hecho sobre Hollywood, no para menciona uno de los más asombrosamente hermosos.

La asociación de Houston y Rose representa una de las grandes colaboraciones anónimas entre actor y director de las últimas dos décadas. Ellos siguieron ivansxtc con varias adaptaciones más de Tolstoi. En 2008 es imposiblemente sombrío La sonata de Kreutzer, el actor interpreta a un hombre rico consumido por la paranoia, la culpa y la ira después de empujar a su esposa música a una aventura posiblemente imaginaria con un apuesto violinista. En 2012 realizaron Día del boxeouna adaptación de Tolstoy Maestro y hombreen la que Huston interpreta a un cobarde especulador de bienes raíces de Los Ángeles que busca comprar propiedades en Colorado y que solicita la ayuda de un conductor (interpretado por Matthew Jacobs) y termina atrapado en la nieve helada con él.

De estas películas posteriores, mi favorita es probablemente 2 jotas (también de 2012), basado en Tolstoi dos húsares, en la que Huston ofrece una versión carismática de su propio padre, el gran John Huston, mientras interpreta a un legendario director hombre-hombre que vagabundea, juega, pelea y seduce a través de un Hollywood suspendido en el tiempo, una ciudad llena de neo -flappers, vendedores ambulantes de la vieja escuela y hipsters molestamente modernos. Años después de que se va, su hijo favorito (interpretado por el sobrino de Danny, Jack Huston) regresa, con mucha más fanfarria, e intenta su parte de seducir y besuquearse. El hijo deja la ciudad como un hombre arruinado, pero quizás con una mejor comprensión de su padre.

Muchas de estas películas (incluidas varias otras colaboraciones de Rose-Huston, entre ellas un melancólico 2015 frankenstein adaptación y 2019 Maratón de samuráis, hecho en Japón) apenas se estrenó en los Estados Unidos y, a menudo, fue rechazado por los críticos. En conjunto, sin embargo, constituyen una conmovedora serie de fábulas morales… o más bien amoral fábulas Tolstoi estaba preocupado por el problema de vivir en el mundo, de labrarse una vida buena y justa, pero a veces lo transmitía a través de personajes que transgredían todos los límites del decoro y la decencia.

Rose ha seguido esa idea y ha encontrado, en Houston, un barco perfecto para estas exploraciones. La presencia del actor es una fascinante serie de capas. En un nivel, puedes detectar el encanto del viejo mundo de su padre, John Houston. (Él también tiene la voz.) En otro, hay un aspecto flaco que podría pertenecer a un hippie en recuperación, a pesar de que Danny es demasiado joven para haber sido un hippie, en recuperación o no. Esta cualidad suya familiar y multifacética se parece a la de otro vástago de Hollywood, mayor y más famoso, Michael Douglas. Pero a diferencia de Douglas, Houston, con esas cejas arqueadas y esa sonrisa de Joker, nunca podría ser un hombre común. Su energía es demoníaca. O tal vez sea una insolencia divina, que en el mundo de hoy es probablemente lo mismo. De cualquier manera, no puedes quitarle los ojos de encima.

En Luz que viaja, esa cualidad corrupta-divina de Houston pasa de lleno a primer plano. Puede que sea un charlatán pseudomístico, un gurú para un montón de celebridades insípidas, pero su control sobre estas personas y la película es real. En un mundo superficial, ¿no sería un dios superficial simplemente… un dios? Luz que viaja no es una adaptación de Tolstoi. No tiene su armazón narrativo. Pero tiene la calidad de cuestionamiento espiritual de su trabajo, que claramente se ha contagiado a Rose. Eso hace que sus escenas finales, que sugieren que los dioses se han dado por vencidos con nosotros, sean mucho más llamativas y profundas.

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Jim Broadbent se deleita como un soñador incontenible que luchó incansablemente por los derechos del hombre común… a ver televisión gratis. El duque es una conmovedora historia real de un hilarante robo de arte británico. La película aborda hábilmente temas difíciles de clasismo, llegando a un acuerdo con el dolor y la indignidad de los desaires raciales. Un brillante elenco de apoyo, dirigido por la fantástica Helen Mirren, interpreta a una familia dedicada y frustrada. Apoyando las intenciones nobles pero increíblemente tontas de su patriarca. El duque es un rayo de luz cinematográfica. Todos saldrán del teatro radiantes.

En 1961 Newcastle, Inglaterra, Kempton Bunton (Broadbent) se niega a pagar una licencia de televisión para recibir la BBC. Un hombre honesto que creía que los pobres estaban siendo estafados, Bunton emprendió una cruzada pública para detener esta injusticia. Incluso quitó el tubo de la BBC para evitar la recepción. Las payasadas de Kempton frustran profundamente a su severa y trabajadora esposa, Dorothy (Mirren). Ella alimenta a la familia como empleada doméstica mientras Kempton lucha por mantener un empleo. Ambos lloran la trágica pérdida de su hija adolescente de diferentes maneras. Su hijo menor, Jackie (Fionn Whitehead), siente que su madre es demasiado dura. Es un cómplice voluntario de las causas justas de su padre.

Kempton se siente ofendido por el pago de £ 140,000 del gobierno británico por un retrato del duque de Wellington del artista Francisco Goya. Los jubilados solitarios que sirvieron en la guerra ni siquiera podían permitirse ver la televisión. Kempton le dice a Dorothy que irá a Londres para tratar de vender sus escritos. Decide pasar por la Galería Nacional de Retratos. El robo del cuadro es noticia de primera plana. La policía está convencida de que una sofisticada banda de ladrones de arte italianos es la culpable. Ignoran cartas anónimas que exigen caridad pública para la devolución del cuadro. Cambian de tono cuando llega otra carta con evidencia como prueba. Mientras tanto, en la casa de Bunton, Dorothy se pregunta por qué Kempton y Jackie siempre usan guantes en la habitación de invitados.

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El testimonio en la sala del tribunal es oro cómico

Kempton Bunton es un hombre fácil de apoyar. Su comportamiento amable y consideración iban de la mano con idiosincrasias ridículas. La película comienza con el juicio de Kempton y luego retrocede a los eventos que llevaron a la corte. Su abogado, Jeremy Hutchinson (Matthew Good), está cautivado por la personalidad de Kempton. Pero tiene un serio problema para defenderlo de una larga pena de prisión. El testimonio de la corte de Kempton me hizo rodar. La entrega directa de Broadbent del razonamiento de Kempton es oro cómico.

Las tramas secundarias familiares añaden un tinte dramático al gran humor. Dorothy estaba junto a Kempton. Se aman inequívocamente. Pero ella no quiere ningún recuerdo de su hija fallecida. Kempton quiere hablar desesperadamente de su pérdida. Escribe obras de teatro como una salida para su dolor. Sus hijos restantes, Jackie y Kenny (Jack Bandiero), el hijo mayor con una novia turbia (Charlotte Spencer), también se ven afectados por la intransigencia de Dorothy. El vínculo de la familia es fuerte. Son gente de clase trabajadora acostumbrada a tiempos difíciles. La falta de comunicación de Dorothy crea una disonancia que se amplifica durante el juicio.

DirectorRoger Michell (colina de notting, Venus) crea una hermosa película. El duque es una extraordinaria historia de familia ante todo. Está contada de una manera ligera y aireada que aún logra ser conmovedora. El uso de Michell de la edición de pantalla dividida, los colores apagados y el material de archivo clásico respaldan las interpretaciones sumamente conmovedoras. Defender lo que es correcto nunca es fácil. Tomar posesión de tus errores, fallas y fracasos es aún más admirable. El mundo necesita hombres como Kempton Bunton.

El duque es una producción de Pathé, Neon Films, Ingenious Media y Screen Yorkshire. Tendrá un estreno en cines norteamericano el 22 de abril de Sony Pictures Classics.

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