Cuando «Creep» se anunció originalmente en 2014, se pretendía que fuera una trilogía. «Creep 2» no fue un éxito tan grande como la primera película y Duplass fue muy transparente acerca de cómo el equipo tuvo que trabajar duro para que la película fuera tan buena como era, pero sintió «que no era tan tan bueno como podría haber sido.» Ahora, no estoy aquí para decirle a nadie cómo se siente con respecto a su trabajo, pero encontré que «Creep 2» es incluso más efectiva que la primera película, pero tal vez fue la elección de cambiar a una protagonista femenina, a quien Siempre será más fácil identificarse con él. Esa película se centró en una YouTuber llamada Sara (Desiree Akhavan), que responde a un anuncio de un hombre llamado Aaron (el personaje de Duplass que ahora usa el nombre de su víctima anterior) que está buscando un camarógrafo en una cabaña remota. Aaron se revela como un asesino en serie, lo que obliga a Sara a luchar por su vida.

Brice había mencionado en 2017 que una tercera película de “Creep” completaría la trilogía, pero eso fue hace siete años, por lo que tiene sentido que la gente se haya olvidado de la nueva entrega o haya asumido que había muerto en el infierno de la producción. ¿Pero una serie? Eso es aún mejor. Según la descripción oficial:

«La serie se basa en una colección de cintas de vídeo en la bóveda secreta del asesino en serie más mortífero y socialmente incómodo del mundo, que contrata a sus víctimas para filmarlo durante el día con falsos pretextos. Cada episodio expone una nueva víctima de uno de los las legendarias ‘Cintas Creep'».

Duplass y Brice son cocreadores de la nueva serie y Brice dirige todos los episodios. Considéranos listos para pasar más tiempo rechoncho.

La toma de Pelham uno dos tres (1974)

Llevar Velocidad con Keanu Reeves y meterlo en un molinillo con la película B de Liam Neeson Sin escalas. Ahora retroceda en el tiempo hasta 1974, coloque a Robert Shaw (Mandíbulas) y Walter Matthau (sí, el chico de Viejos gruñones), y cariño, tienes una película de atracos increíble cocinándose. Tampoco hay un poco Morir duro en la mezcla aquí, ya que la tripulación que mantiene como rehén a este tren de Nueva York es bastante educada entre sus momentos de terror implacable… a excepción del Sr. Gray (Hector Elizondo), quien tiene la intención de ser un idiota todo el tiempo.

No es un gran día para ser policía de tránsito, y Matthau, como nuestro héroe, el teniente Gerber, lo personifica con un estilo sólido e inexpresivo que todavía se siente fresco como la menta. Con Shaw como su némesis, los dos pasan la película superándose mutuamente y rara vez aparecen en la misma toma. Es una película que realmente resiste la prueba del tiempo, aunque de alguna manera se ha quedado atrás por la tarifa moderna más rápida.

Bola rodante (1975)

1975 bola rodante es la película que ves en Tubi a unas cuadras de Carrera de la muerte 2000con una imagen de lo que parece ser Padrino estrella James Caan con un casco de fútbol americano con un puño tachonado de metal, y piensa «eso se ve genial», pero luego lo olvida porque Carrera de la muerte es un viaje. Desplácese hacia atrás. Está dirigida por Norman Jewison, uno de los mejores directores que nunca ganó la estatuilla de Mejor Director, y es El hombre corredor con un infierno Hay mucho más que decir sobre el final del juego entre individualidad y capitalismo.

No es que sea una diatriba aburrida sobre el tema; James Caan rara vez hacía una actuación aburrida. Fue mejor en roles que le permitieron ser explosivo, silenciosamente o no, y como campeón de Rollerball que se ha vuelto demasiado popular, está aquí para ayudar a su equipo a literalmente asesinar a los otros muchachos en una pista de apariencia increíblemente insegura. Si crees que esto es algo Ángel de batalla Alita-Cosas de nivel, no te equivocas. Me iré a la tumba jurando que esta película inspiró el alita manga derivado, Víctor cenizo.

Trueno rodante (1977)

Trueno rodante es un título cargado; Sí, es un efecto atmosférico en una tormenta, pero también es el nombre de una campaña de bombardeos implacablemente violenta y de años de duración por parte de Estados Unidos que acompañó a la guerra terrestre en Vietnam. Las ordenanzas residuales todavía causan daños hoy en día. Esa es la sombría metáfora dentro de la película de 1977, que muestra a un veterano de Vietnam (y prisionero de guerra de Hanoi) quebrando bajo una presión horrible cinco años antes de que John Rambo tuviera un mal día.

Rane (William Devane) ya está atravesando un difícil camino para adaptarse a la vida civil cuando cuatro delincuentes violentos arruinan todo lo que le queda. Sin su familia, su cuerpo mutilado y su trastorno de estrés postraumático desencadenado hasta el punto de la sociopatía, Rane ni siquiera puede confiarle a su único amigo, Johnny (Tommy Lee Jones), lo que realmente sucedió hasta que esté listo para el tiroteo final. Desolador e impactante, no hay secuelas lindas en las que Rane regrese a Vietnam con una genial diadema roja, un lazo y sed de venganza. Sólo existe el frío consuelo de sobrevivir con todo lo que has perdido aún desaparecido.

Si esa última línea suena increíble, entonces déjame acelerar un poco los descansos. Combs y Divoff realmente tienen piezas de apoyo. La verdadera estrella de Fausto Es Mark Frost. No, no el co-creador de Picos gemelospero el actor inglés ahora mejor conocido por Calle Coronación y doctores. Como John Jaspers, un hombre que hace un trato con el satánico M (Divoff) para vengarse de los mafiosos que mataron a su novia, Frost se parece más a Jim Carrey que a Christian Bale, lo que resulta en una reflexión poco convincente que ni siquiera Combs, que interpreta a un detective en el caso, puede rescatar. Sin embargo, una vez que Jaspers toma su grotesca forma de superhéroe como Fausto, con un traje carnoso que parece una mezcla de Wolverine y Batman, la trama se va por la ventana y el absurdo reina.

La hermandad del lobo (2001)

La década de 2000 vería el lanzamiento del Inframundo franquicia, quizás la combinación de terror y acción más duradera de la década. Pero el mejor cruce de géneros se produjo en el extranjero, con la pieza de época francesa Hermandad del Lobo, dirigida por Christophe Gans. Ambientada en 1764 Francia, Hermandad del Lobo tiene una premisa pulposa, en la que el caballero Grégoire de Fronsac (Samuel Le Bihan) y su compañero iroqués Mani (Mark Dacascos) investigan lo que parecen ser ataques de animales salvajes en un pequeño pueblo.

Lo que sigue es un thriller de conspiración que puede involucrar o no a hombres lobo. Gans y su coguionista Stéphane Cabel juegan rápido y libremente con los detalles de las amenazas, pero lo compensan con un elenco delicioso, que incluye a Vincent Cassel y Monica Bellucci. Aún mejores son las elegantes escenas de lucha, en las que Grégoire y Mani luchan contra sus misteriosos adversarios, sin entender realmente a qué se enfrentan.

El indicado (2001)

Como Fausto, El único También presagia un subgénero que está de moda hoy en día: el multiverso. El único proviene del dúo creativo James Wong y Glen Morgan, conocidos por algunos de los mejores episodios de Los archivos x alguna vez. Wong dirige un guión que escribieron él y Morgan, en el que Jet Li interpreta a Gabe Law, un policía perseguido por su malévolo doble. Wong y Morgan profundizan en la construcción del mundo de ciencia ficción, que involucra a MultiVerse Authority (MVA, seguramente inspirada en Time Variance Authority de Marvel, entonces todavía un concepto menor de Thor y Cuatro Fantásticos cómics) y el agente rebelde Gabriel Yulaw (también Li).

a pesar de abrazar La matriz Sólo unos años antes, el público de la década de 2000 encontró la densa construcción del mundo de El único desconcertante. Sin embargo, los espectadores modernos han sido entrenados por Spider-Man: Sin camino a casa y Todo en todas partes y a la vez aceptar premisas tan escandalosas. Y una vez que no tienen que preocuparse por la exposición, los espectadores son libres de ver el espectáculo de artes marciales no de uno, sino de muchos Jet Lis.

El mosquetero (2001)

Peter Hyams es el director de tres estrellas por excelencia. Todas sus películas superan las expectativas sin alcanzar su máximo potencial, y El mosquetero no es una excepción. En la superficie, El mosquetero Suena como el concepto más de la década de 2000 de todos los tiempos, una versión de la novela de Alexandre Dumas inspirada en el parkour e inspirada en el wuxia. Los tres mosqueteros. Debajo de la superficie, bueno, eso es exactamente lo que El mosquetero es.

Aún así, si uno puede dejar de lado esos elementos, “Él nunca me hará llorar…” es una auténtica maravilla. Si bien Wolvie y Nightcrawler planean darle a Colossus una charla de «hombre», tienen una mejor idea cuando ven a Cain Marko, también conocido como Juggernaut, ocupándose de sus propios asuntos en el bar. Pero cuando Colossus accidentalmente derrama cerveza sobre Juggs, Wolverine decide que la mejor lección es una paliza del imparable enemigo. El resultado es una paliza encantadora que, en última instancia, hace que los lectores amen aún más a los personajes.

“Fiesta de pijamas” (Los nuevos mutantes #21, 1984)

La saga del oso demonio Puede que dure solo tres números, pero tiene más horror e intriga que casi cualquier otro arco argumental del original. Nuevos mutantes cómic. Entonces, después de esa historia, en la que una entidad psíquica malvada del pasado de Mirage la amenaza a ella y a los otros jóvenes estudiantes de la escuela de Xavier, tiene sentido que el equipo necesite un respiro. Entonces, las chicas de los Nuevos Mutantes se desahogan de la mejor manera que saben, invitando a amigos del Salem Center a la mansión para una fiesta de pijamas.

Gran parte de “Slumber Party” permite que los niños de los Nuevos Mutantes sean niños, intercambien bromas sobre estrellas del pop y se burlen unos de otros sobre sus enamoramientos. Aunque escribe con su habitual estilo exagerado, Claremont tiene un manejo claro de las voces de los personajes, lo que les ayuda a sentirse como figuras completas. Sin embargo, los lápices provienen de Bill Sienkiewicz, cuya línea maníaca se adapta mejor a una historia de terror. Y efectivamente, “Slumber Party” se convierte en eso cuando un misterioso extraterrestre comienza a acechar a los adolescentes.

“Noche de damas” (Uncanny X-Men #244, 1989)

X-Men asombrosos El número 244 es la primera aparición de Jubilation Lee, una adolescente con la capacidad de disparar fuegos artificiales con sus manos, que se convertirá en uno de los personajes más populares del equipo. ¿Eso significa que los X-Men abandonan la mansión y van al centro comercial, preguntas? Por supuesto que sí, respondo. ¿Dónde más comerán las chicas del centro comercial papas fritas con chile?

“Ladies’ Night” tiene lugar poco después Caída de los mutantes, un pseudo-crossover en el que todo salió mal para todos los personajes X. En el caso de los X-Men, parecieron morir en la televisión en vivo y se escondieron en el interior de Australia, moviéndose a través de un teletransporte mutante aborigen llamado Gateway. Si eso le parece mucho, tenga la seguridad de que “Ladies’ Night” no lo es. Al darse cuenta de que el equipo necesita desahogarse, Storm le pide a Gateway que la envíe a ella, a Psylocke, a Dazzler y a Rogue a un centro comercial de Los Ángeles, donde compran, coquetean y luchan contra un equipo de tontos cazadores de mutantes llamado The M Squad.

“La resurrección y la carne” (X-Men #4, 1991)

No, “Resurrection and the Flesh” ciertamente no suena como el tipo de historia divertida e independiente que ha poblado esta lista hasta ahora. Y, en muchos sentidos, no lo es. No solo presenta al villano súper nervioso Omega Red, sino que «Resurrection and the Flesh» incluye una mezcla de historias que involucran a Banshee y Moira MacTaggert teniendo una pelea, Shinobi Shaw liderando una versión moderna del Hellfire Club llamada Upstarts, y otras cosas habituales de telenovelas.

A pesar de la reacción, sigo siendo fan de Lin-Manuel Miranda. (Su excelente debut como director, «tick, tick…BOOM!», fue una de mis películas favoritas de 2021). Aún así, agradezco que no haya sido elegido para «If Beale Street Could Talk», una película que considera casi impecable. Empire nunca deja claro para qué papel podría haber estado candidato Miranda, pero dada la naturaleza de la película de época y el apego de Jenkins al realismo, es justo suponer que pudo haber sido considerado para Pedrocito, un camarero de restaurante y amigo de uno de los protagonistas, Fonny (Stephan James). Diego Luna terminó interpretando ese papel y aportó el nivel precisamente correcto de encanto y calidez a su breve aparición en la película. No es que Miranda no hubiera hecho un buen trabajo (es un actor capaz y me imagino aportando su propio sentido de calidez a ese personaje), es sólo que Luna estuvo absolutamente perfecto por esa parte, y la película sería peor sin él interactuando juguetonamente con Fonny y sonriéndole a Tish.

La película también podría ser un poco peor porque, sin Luna, potencialmente no habría incluido una de sus tomas más hermosas: Tish y Fonny caminando bajo la lluvia bajo un paraguas después de salir del restaurante donde trabaja Pedrocito. Cuando hablé con Barry Jenkins sobre la película en 2018, Jenkins explicó que ese momento fue en realidad idea de Luna:

«No trajimos lluvia. Ese día simplemente llovió a cántaros. Así que no estaba destinado a haber un paraguas. Gran parte de la forma en que lo enmarcamos no estaba destinado a serlo. Pero a pesar de que esta película tenía más recursos que Moonlight, , todavía es un presupuesto modesto, por lo que tuvimos que trabajar con los elementos. Así que ese día llovió a cántaros, así que una vez que llegamos a la configuración, pensamos: «¿Cuál es la mejor manera de filmar esta hermosa lluvia libre que tenemos? ¿Tienes?» Fue Diego quien dijo «paraguas», que es como se dice «paraguas» en español. Todo el asunto tomó vida propia. […] Para mí, cuando haces una película o cualquier tipo de arte, tienes que estar abierto a la inspiración de los elementos, de tus colaboradores».

Personalmente, estoy muy contento de que Luna fuera la persona que me ofreció inspiración ese día.

Sobrevivir al juego (1994)

Un año después de que John Woo debutara en Estados Unidos con el vehículo de Jean-Claude Van Damme Objetivo difícil, llegó a los multicines otra película sobre personas sin hogar perseguidas por deporte por empresarios adinerados. Ambas películas se inspiraron libremente en el cuento de Richard Connell «El juego más peligroso», pero si bien el esfuerzo de JCVD, con salmonetes y todo, podría ser mejor recordado por la mayoría, Sobrevivir al juego es posiblemente el más reflexivo de los dos, con el director Ernest Dickerson, mejor conocido por su trabajo como director de fotografía junto a Spike Lee, capaz de explorar temas de raza y clase de una manera que Objetivo difícil anteriormente no lo había hecho.

Ice T es el hombre en la línea de fuego esta vez como Jack Mason, un vagabundo que sufre de trastorno de estrés postraumático y que termina siendo reclutado por el voluntario del comedor social de Charles S. Dutton para un trabajo remunerado como guía de caza de Rutger Hauer. Sin embargo, una vez en el desierto, Mason descubre rápidamente que lo único que Thomas Burns de Hauer y sus amigos están interesados ​​en cazar es a él. Sin embargo, con lo que no contaban es que Mason mostrara unos instintos de supervivencia bastante impresionantes. Un actor bien rodado y con un ritmo sólido. Sobrevivir al juego se eleva aún más gracias a un gran elenco secundario de aspirantes a cazadores que incluye a John C. McGinley, F. Murray Abraham y, en particular, Gary Busey, cuya principal contribución es ofrecer un monólogo sorprendente que, según se informa, se le ocurrió a él mismo en un momento memorable. charlar alrededor de la chimenea. Sólo esa escena hace que valga la pena buscarla.

Muerte súbita (1995)

Peter Hyams ya había demostrado ser un director capaz de sacar una buena interpretación de Jean-Claude Van Damme en su anterior película juntos. policía del tiempo. Pero si bien ese esfuerzo a menudo se presenta como un ejemplo de JCVD ​​en la cima de sus poderes, este tema deportivo Morir duro El clon es igual de visible. Van Damme interpreta a Darren McCord, un ex bombero que asiste al séptimo partido de las finales de la Copa Stanley con su hijo y su hija pequeños.

Desafortunadamente, el disfrute del juego por parte de McCord se ve interrumpido cuando descubre que el vicepresidente, que también está presente, está siendo rehén de un grupo de terroristas liderados por el descontento agente del Servicio Secreto de Powers Boothe, Joshua Foss. Foss y sus compinches han cableado toda la arena con explosivos que detonarán al final del juego a menos que reciban millones de dólares en dinero de rescate. Un éxito moderado en los cines, La muerte súbita sin embargo no logró hacer el tipo de moneda policía del tiempo lo hizo, y los críticos criticaron la naturaleza artificial de la trama de la película. Sin embargo, bajo la atenta mirada de Hyams, Van Damme ofrece otra actuación sólida, impulsada por escenas de acción emocionantes y acrobacias impresionantes. Definitivamente uno de los mejores Morir duro clones que saldrán a lo largo de los años.

Luz del día (1996)

A pesar de un gran comienzo de década con películas como Momento culminante y Hombre de demoliciónla década de 1990 fue un período en gran medida inactivo para Sylvester Stallone, con su adaptación a la pantalla grande de Juez Dredd no poder impresionar antes Asesinos soportó una respuesta igualmente tibia. A esto último tampoco ayudó la decisión de desechar el brillante guión original de la película, escrito por los Wachowski.

Luz Debería haber puesto fin a esa mala racha para Stallone, pero a pesar de recuperar su presupuesto de producción gracias, en parte, a las ventas en el extranjero, carecía de poder de permanencia. Aún, Luz sigue siendo una sólida película de acción y desastres en la que Stallone muestra un atisbo de la vulnerabilidad que le valió elogios un año después por su actuación en James Mangold. Tierra de policias. Aquí interpreta al jefe Kit Latura, un ex paramédico de la ciudad de Nueva York caído en desgracia que tiene la tarea de liderar a un grupo de supervivientes fuera de un túnel subterráneo de Manhattan que se está derrumbando muy rápidamente a su alrededor. Si el director Rob Cohen hubiera obtenido luz verde para su elección original de interpretar a Latura, Nicolas Cage, entonces las cosas podrían haber sido diferentes para Luzcon Cage una estrella prometedora en ese momento.

Kyle Gallner no es más fuerte que el género alternativo, pasando con éxito de una carrera interpretando a adolescentes en películas como «Jennifer’s Body», «The Haunting in Connecticut» y la nueva versión de «A Nightmare on Elm Street» a papeles apasionantes en películas como » Dinner in America» ​​(una película que me encanta tanto que la tengo tatuada en el brazo), «Mother May I» y el éxito de taquilla, «Smile». A pesar de que la presencia de Gallner fuera de la pantalla demuestra que es una de las personas más amables en el negocio, a la industria ciertamente le encanta presentarlo como bichos raros y basura peligrosos. Afortunadamente, nadie puede interpretar a estos difamados inferiores como él, y Benson está hecho a medida para sus talentos. En las más que capaces manos de Gallner, la amenaza de la violencia explosiva de Benson está siempre presente, incluso cuando su encanto palpable adormece al público (y a Randy) con una falsa sensación de seguridad.

Mientras tanto, Johnny Berchtold está en camino de convertirse en un nombre familiar, y los cineastas de terror harían bien en mantenerlo en el espacio del género. Le aporta una vulnerabilidad tan honesta a Randy que incluso cuando quieres saltar a través de la pantalla y sacudirlo por ser tan fácil de convencer, es porque en el fondo, está aprovechando esa parte evolutiva de nuestro cerebro que quiere protegerlo de cualquier daño. Es cuando aprendemos más sobre el pasado traumático de Randy que Berchtold realmente brilla, con cada confesión de monólogo emocional que se duplica como un carrete destacado para este Rey del Grito en ciernes. Con un guión tan sencillo, «El Pasajero» vive y muere según sus actuaciones, y la pareja de Gallner y Berchtold parece como un rayo en una botella.

Sociedad educada

Esta película de acción, comedia, romance y atracos, con un poco de ciencia ficción, es una loca combinación de géneros que es un auténtico alboroto. Ritu Arya (Academia paraguas) y Priya Kansara (Bridgerton) interpretan a las hermanas Lena y Ria. Ria sueña con convertirse en doble de acción, mientras que su hermana mayor Lena abandonó la escuela de arte. Cuando Lena conoce a un hombre que rápidamente le propone matrimonio, Ria piensa que algo sospechoso está sucediendo y trama un plan para salvar a su hermana con la ayuda de sus amigos.

Sociedad educada está escrita y dirigida por Nida Manzoor, quien hace su debut cinematográfico aquí pero ha dirigido episodios de Médico que en el pasado. Hay alegría en todas partes, con química de sobra entre las dos hermanas, un gran guión y algunas secuencias de artes marciales increíbles. Esta película fue un poco pasada por alto en su estreno, posiblemente porque no fue inmediatamente obvio qué era (hora de confesar: pensé que era una película de superhéroes por alguna razón), pero hazte un favor y compruébalo. –Rosie Fletcher

Transmitir en: Amazon Prime Video (EE.UU.); Cielo (Reino Unido)

callejeros

Hacer reír a carcajadas a una sala repleta de cinéfilos borrachos un viernes por la noche es una cosa; Hacer reír a carcajadas a dos cinéfilos completamente sobrios en una sala que de otro modo estaría vacía a las 14.30 horas de un día laborable merece respeto. Película de perros que hablan callejerosdel director Josh Greenbaum (Barb y Star van a Vista Del Mar) y el escritor Dan Perrault (Vándalo americano), merece mucho más respeto que el que tuvo en su lanzamiento. Es una comedia sólida de mal gusto que los habría hecho rodar por los pasillos si alguien hubiera estado allí para rodar.

La premisa (un Border Terrier se une a otros perros callejeros para vengarse de su antiguo dueño mordiéndole, bueno, su pene) puede parecer poco prometedora, pero el escritor Perrault le saca corazón e incluso sabiduría. Sin embargo, sobre todo es un muy buen momento con algunos chistes con clasificación R muy agradables. Will Ferrell da voz al engañado de buen corazón Reggie, un ingenuo desaliñado abandonado por el cabrón de Will Forte, Doug. Reggie aprende las costumbres de los callejeros gracias al astuto Boston Terrier Bug de Jamie Foxx, un pastor alemán con la voz de Isla Fisher y un gran danés con la voz de Randall Park. Y sabes qué, todos aprenden algo de él también.

Son 90 minutos y pico de tonterías y diversión y, según algunas de sus críticas desdeñosas y sin humor, la definición misma de subestimado. – Luisa Mellor

Durante décadas, el espíritu del terror independiente ha prosperado gracias a la energía y la creatividad de los cineastas noveles, y eso fue sin duda cierto en el caso de «Birth/Rebirth» en 2023. El primer largometraje de la directora Laura Moss, esta versión revisionista y centrada en las mujeres sobre los mitos de «Frankenstein» aborda temas de la maternidad, el embarazo y los dilemas biológicos de la vida humana desde una perspectiva nueva e inquietante.

La película está protagonizada por la luminaria del teatro y el cine independiente Marin Ireland como la Dra. Rose Casper, una técnica antisocial de la morgue que alberga una profunda obsesión con el concepto de reanimación y, a menudo, realiza experimentos en su propio cuerpo para mejorar su comprensión de los límites entre la vida y la muerte. Un día, Rose se cruza con Celie Morales (Judy Reyes), una enfermera en la sala de maternidad de su hospital, cuando Lila (AJ Lister), la hija de cinco años de Celie, muere repentinamente y queda para que Rose le haga una autopsia.

Gracias al conocimiento que ha acumulado, Rose puede devolverle la vida a Lila, pero para que su último experimento siga siendo exitoso, ella y Celie deben unirse para vigilar a Lila y robar material biológico vital de la maternidad del hospital. pabellón. Rodada con una frialdad mareante y un realismo sorprendente, la película plantea fascinantes cuestiones éticas y filosóficas sin dejar de ser un viaje compulsivamente observable hacia el lado oscuro del alma humana.

«No es tan simple.» Esta línea resuena en toda la mezcla de géneros de ciencia ficción, comedia dramática y mayoría de edad adolescente, y en el sentimiento igualmente aplicable a los recursos narrativos de la película y sus personajes. La historia comienza de forma bastante inocente… hasta que, inexplicablemente, un coche deportivo cae del cielo y se estrella boca abajo en una calle suburbana.

Su familia no cree en el único testigo, Cameron (Jim Gaffigan). Su propia confusión se intensifica cuando el conductor ileso del automóvil aparece y asume el papel de presentador de su programa científico infantil poco visto. Este evento marca otro suceso en su plena crisis de la mediana edad. Con su matrimonio al borde del abismo, se siente abrumado por el arrepentimiento por las oportunidades perdidas, mientras que su práctica esposa, Erin (Rhea Seehorn), se siente frustrada por los deseos insatisfechos de hacer algo «fantástico» en su vida. Mientras tanto, su hija adolescente Nora (Katelyn Nacon) se involucra con el hijo del hombre que tomó el programa de Cameron. Cuando otro objeto, un trozo de basura espacial, cae inexplicablemente del cielo a su patio trasero, se convierte en el catalizador para que Cameron persiga su sueño juvenil de convertirse en astronauta. Decidido a lograr lo imposible, se propone construir un cohete a partir de los restos. Gran parte de lo que sucede no tiene sentido… hasta que lo tiene.

Si bien podría ser tentador tratar esto como un simple rompecabezas, una vez más prevalece el «no es tan simple». Lo que sucede no es tan importante como por qué sucede. En general, «Linoleum» es una experiencia visualmente impresionante y que invita a la reflexión, que presenta imágenes, estética y exploración introspectiva de la identidad y la familia de ensueño.