El martes, el guionista y director Cord Jefferson recibió su primera nominación al Oscar por Ficción americana en Escritura (Guión Adaptado).

Basado en la novela Borradura por Percival Everett, Ficción americana cruza la línea entre el drama y la sátira para representar comentarios sociales sobre la microagresión y el encasillamiento de los creativos negros en la industria editorial y cinematográfica. Para contar esta historia, la película se centra en Thelonious “Monk” Ellison (Jeffrey Wright), un autor inteligente y hastiado frustrado por los altos márgenes de ganancia del entretenimiento negro que se basa en comportamientos y tropos discriminatorios. Pero, al querer desafiar la construcción y demostrar su punto sobre el sesgo hacia las narrativas negras que son más aceptables para los consumidores blancos, usa un alias para crear un libro ampliamente estereotipado que accidentalmente le otorga elogios y notoriedad de la crítica.

«Este es el tipo de película que mucha gente me dijo que no funcionaría», dijo Jefferson a Deadline. “Muchos distribuidores rechazaron esta película. Y creo que cuando tienes una película que trata sobre este tipo de material y en la que las estrellas son predominantemente de reparto negro, piensa que, en el papel, mucha gente dirá: ‘Bueno, esa no es una película que vaya a ser un éxito’. »

Afortunadamente, los votantes de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas pensaron que la película tenía piernas, ya que obtuvo otras cuatro nominaciones para Amazon MGM Studios para Laura Karpman en Música (partitura original), Sterling K. Brown como actor de reparto, Wright. a Actor Protagónico y Mejor Película.

Aquí, Jefferson habla de su primera nominación al Oscar y espera que los futuros cineastas puedan continuar perseverando a través de las percepciones de raza e identidad para ampliar los límites del cine.

FECHA LÍMITE: No solo te nominaron a tu primer Oscar por tu debut cinematográfico, sino que Ficción americana También obtuvo las primeras nominaciones de Jeffrey Wright y Sterling K. Brown.

CORDÓN JEFFERSON: Estoy muy orgulloso de ellos. Estoy muy feliz por ellos. Realmente. Es el mayor honor.

FECHA LÍMITE: Para usted pasar de reportero a guionista y nominado al Oscar es un viaje bastante salvaje. ¿Qué pasó por tu mente esta mañana cuando llegaron las nominaciones? ¿Viste la transmisión en vivo?

JEFFERSON: Soy una persona increíblemente nerviosa y ansiosa, y por eso sabía que no había manera de que pudiera mirar [the Oscar telecast] vivir porque probablemente tendría un ataque al corazón o un derrame cerebral. Y por eso me quedé despierto lo más tarde posible anoche. Entonces, para mí, fueron las 2:30 a. m., y luego tomé la mitad del Xanax y dije, pase lo que pase, mañana querrás estar bien descansado. Y por eso no descansé bien. Finalmente me quedé dormido a las 3:00 a. m., pero luego me desperté a las 7:00 a. m. y sabía que no podría volver a dormir, pero me di la vuelta y agarré mi teléfono, y tenía 228 mensajes de texto. Entonces sentí que estaba bien, algo bueno había sucedido o algo terrible. Entonces, afortunadamente, estuvo bien.

FECHA LÍMITE: ¿Hay algún tipo de ironía cósmica que estás encontrando entre haber sido nominado para Ficción americanaque también trata sobre este personaje que escribe algo irónico sobre las representaciones y estereotipos de los negros que termina siendo elevado en un espacio de premios como este.

JEFFERSON: Creo que la diferencia en la película es que Monk odia lo que ha hecho. Y entonces, está realmente sorprendido por el hecho de que el mundo no está de acuerdo con él y le gusta lo que ha hecho. Diré que estoy extraordinariamente orgulloso de nuestra película. Estoy extraordinariamente orgulloso de todos los que trabajaron en ello. No creo que mi orgullo me haya permitido jamás soñar con ser nominado a los Oscar. Creo que este fue un año. Recuerdo que cuando estábamos presentando nuestra película al Festival de Cine de Toronto, uno de los productores dijo: escucha, modera tus expectativas porque este es un año muy competitivo. Este es un año en el que el 70% de los grandes directores del mundo han decidido sacar una película. Así que no se sorprendan si no entramos porque es muy competitivo. Y así, cuando me enteré que habíamos entrado al festival, estaba saltando arriba y abajo. No me permití soñar nada más grande que eso. Se trataba simplemente de llevarlo a un festival de cine y que el público del festival de cine lo proyectara. Ese fue, para mí, el mayor sueño hecho realidad. Y entonces, el hecho de que estemos aquí ahora mismo realmente está más allá de mis sueños más locos. Realmente lo es.

Para mí, esta es, en muchos sentidos, la pequeña película que podía hacerlo, no teníamos un gran presupuesto de producción. No teníamos un gran presupuesto de marketing. Rodamos la película en 26 días. Esto es algo que a mucha gente le apasionaba y muchos le pusieron el corazón. Y esperas que a la gente le guste, pero nunca se sabe. Y entonces, esto es simplemente… Creo que todavía estoy tratando de entenderlo hasta cierto punto.

FECHA LÍMITE: ¿A qué crees que está respondiendo la gente y qué te gustaría que consideraran realmente mientras ven esta película?

JEFFERSON: Lo que la gente está respondiendo no es mi responsabilidad. Creo que una vez que lanzas la película al mundo, es para todos. Pero yo diría que algo que he escuchado de la gente es que la película es diferente. Acabamos de hacer algo que se siente diferente. Y creo que se siente diferente en tono. Creo que se siente diferente en las ideas que se presentan. Creo que se siente un poco diferente a lo que la gente está acostumbrada a ver. Creo que también la historia, creo que lo que realmente me ha encantado de la película es que está en papel. Este es el tipo de película que mucha gente me dijo que no funcionaría. Muchos distribuidores rechazaron esta película. Y creo que cuando tienes una película que trata sobre este tipo de material y en la que las estrellas son predominantemente negras, piensa que en el papel mucha gente dirá, bueno, esa no es una película que vaya a ser un éxito.

Y creo que lo que ha sido realmente agradable para mí es ver cuántos tipos diferentes de personas han salido de la película diciéndome que algo resonó en ellos. Hemos proyectado la película en el Festival de Cine de Hamptons, la hemos proyectado en el Morehouse College de Atlanta, la hemos proyectado en la costa oeste y en la costa este, y la hemos mostrado predominantemente Público negro y público predominantemente blanco. Lo hemos mostrado en Inglaterra y Francia… y muchos tipos diferentes de personas han salido y han dicho que encontraron algo que les resonó. Entonces, creo que esa es otra cosa que la película tiene en el futuro: se siente, a pesar de que es predominantemente negra, a pesar de que trata sobre un novelista negro y su familia, también tiene una cualidad universal que mucho de personas pueden verse a sí mismas.

Y eso para mí es muy, muy agradable porque creo que con frecuencia nos dicen, bueno, si vamos a hacer una película negra, no resonará en la gente y nadie está realmente interesado. Y es como si, con suerte, si esta película puede hacer algo, con suerte, abra la puerta un poco más para los cineastas detrás de nosotros que están tratando de contar historias que se sienten un poco diferentes y que la gente tal vez no crea, hay un mercado para él. Y eso, para mí, ha sido de lo que me siento realmente orgulloso. Y creo que lo que nos ha beneficiado es que la gente puede verse a sí misma en ella y, con suerte, otras películas que son un poco diferentes como la nuestra tienen la oportunidad de ser el centro de atención por un tiempo.

La 96ª edición de los Premios de la Academia se llevará a cabo en el Dolby Theatre el 10 de marzo.

Han pasado 13 años desde que Alan Wake se lanzó a las turbias aguas del lago Cauldron en un intento por salvar a su esposa, Alice. Durante más de una década, ha estado languideciendo en el Lugar Oscuro, con visiones surrealistas y una dimensión infernal de pesadilla como única compañía. Pero ahora está de regreso en Alan Wake 2, la tan esperada secuela de Remedy, y está listo para quemar la oscuridad una vez más.

Esta vez, sin embargo, Remedy ha decidido llevar la serie en una nueva dirección. El desarrollador se está deshaciendo del género de acción y aventuras anterior y, en cambio, está siguiendo un nuevo camino: el del survival horror. Pero, ¿cómo y por qué Remedy dio este salto entre géneros? ¿Y por qué ahora?

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«Al salir de Max Payne hace mucho tiempo, realmente no exploramos la idea de diferentes géneros de juegos», me dijo el director creativo Sam Lake en un evento de prensa de Alan Wake 2 celebrado a principios de este mes. «Fue como un hecho de ‘vale, es algo de acción y tal vez con un poco más de aventura y algunos elementos de terror en el lado de la historia'».

Sin embargo, Remedy recibió una buena cantidad de críticas por el juego original, y Lake me dijo que muchos se quejaron de que el combate de Alan Wake era «repetitivo» y que simplemente había demasiado. Por lo tanto, cuando el estudio finalmente obtuvo luz verde para una secuela, sintió que tenía que abordar estas preocupaciones y adoptar un enfoque diferente.

«Los jugadores preguntaban ‘¿qué es esto?'»

Otro factor del cambio fue el enfoque de Alan Wake 2 en la narración interactiva, algo que, según Lake, necesitaba «más ambición» que cualquiera de los juegos anteriores del estudio. Esta vez, Remedy quería «encontrar formas de fusionar el juego con la narración», algo que no había hecho específicamente antes.

«Por lo general, la historia es algo independiente que se experimenta, y el juego principal es mucha acción. Así que con esto en mente, estábamos buscando soluciones, y de repente surgió ‘¡Oye! ¡Survival horror!'», explicó Lake. admitir que el género original de Alan Wake causó cierta «confusión» entre los jugadores.

«Los jugadores preguntaban ‘¿qué es esto?’, ¿sabes? Algunos lo llamaban horror, pero no parecía horror», recordó. Entonces, esta vez, Remedy está siendo muy claro con sus intenciones, lo que significa menos combate en general, pero mucha más «atmósfera que conduce al combate» que hay allí.

«Cuando estás peleando, hay más variación. [and] «Más pensamiento estratégico también desde la perspectiva de la gestión de recursos y espacios de inventario limitados», dijo Lake. «El terror tiene un ritmo más lento y hay más avance y exploración, y eso llevó a la posibilidad de que ‘podamos idear nuevas cosas’. mecánicas’, donde podemos fusionar la historia con el juego».

Lake destacó el nuevo personaje Saga Anderson y sus investigaciones en el noroeste del Pacífico. Saga necesita encontrar pistas que la ayuden a resolver los misteriosos asesinatos en el área y usar su Mind Place para comprender lo que sucede a su alrededor. Del mismo modo, Alan tiene su Sala del Escritor.

«Estás involucrado activamente en la historia», explicó Lake, y agregó que estas nuevas mecánicas parecían «adecuadas» para el género de terror de supervivencia.

Evidentemente, Remedy ha puesto mucho énfasis en este cambio de género, pero el género de terror de supervivencia es competitivo, con algunos ejemplos de primer nivel solo este año. Aún así, la diseñadora narrativa principal Molly Maloney cree que Alan Wake 2 se destacará, ya que Remedy basa sus juegos en el «personaje».

El hecho de que Alan sea escritor significa que el Lugar Oscuro puede ser realmente una «prisión de [his] propia influencia», sugiere. «Los juegos de terror pueden tener muchas mecánicas compartidas, mucha jugabilidad compartida y mucho tono compartido, pero el personaje es algo realmente único que [Remedy is] traer a la mesa.»

«A nivel de franquicia, ya sabes ‘luchar con la luz’, ‘luz versus oscuridad’, ‘ficción versus realidad’; creo que conceptualmente nos han permitido introducir mecánicas que muchos otros juegos no usan», dijo el director del juego. añadió Kyle Rowley.

«Estamos tratando de apoyarnos en estas dos fantasías de poder diferentes. Por ejemplo, con Saga siendo un detective y realmente haciendo elementos de investigación, y teniendo Mind Place, y siendo capaz de marcar el ritmo del juego usando esas ideas. Eso es algo que no hago». No creo que muchos otros juegos lo utilicen o lo tengan».

Rowley afirmó que Alan Wake 2 no será «puro horror» todo el tiempo. «Creo que es importante desde la perspectiva de la franquicia de Alan Wake que incorporemos a esos [lighter] elementos, y creo que eso nos hace únicos», afirmó.

Por supuesto, también existe el aspecto psicológico de Alan Wake 2. ¿Pueden Alan y el jugador confiar realmente en su entorno, especialmente en Dark Place? No tengo una respuesta clara y nadie en Remedy me la diría, pero todo esto añade otra capa al viaje de Alan Wake 2 hacia el survival horror.

Según Lake, Remedy encontró liberador el cambio de género en Alan Wake 2. «Dado que [Alan Wake 2] Nos tomó tanto tiempo poder hacerlo, sentí que había toda esta energía reprimida de ‘¡Oh, finalmente! Y ahora pondremos todo lo que creamos que está bien’.

«Y eso ha sido una gran parte de esta… especie de locura que siento, que nos permitió ser bastante audaces e impulsar las cosas más allá de lo que creo que jamás habíamos impulsado», continuó Lake. «Ahora es horror, no hay obstáculos, podemos llevarlo tan lejos como creamos que es necesario. No por sí mismo, sino simplemente como ‘aquí es donde va la historia'».

«Estamos trabajando en muchos metaniveles de narración»

Maloney destacó las secuencias de acción en vivo de Alan Wake 2 como una de las formas en que Remedy está superando los límites. «En nuestros juegos anteriores jugamos mucho con acción en vivo, pero siento que nunca antes habíamos visto una oportunidad tan grande de crear una capa surrealista como la que hemos hecho aquí», dijo. «La combinación con la acción real añade un extrañeza surrealista adicional a Dark Place que creo que es realmente exitosa».

«Estamos trabajando en muchos metaniveles de narración», continuó Rowley. «[Live-action] in the Dark Place es un buen ejemplo de cómo intentamos utilizarlo para que, contextual y narrativamente, realmente tenga sentido. No lo hacemos simplemente por hacerlo, sino que intentamos decir algo».

Al igual que con el Alan Wake original, el estudio se ha inspirado en personajes como Twin Peaks y Stephen King, pero para la secuela, Remedy también se ha visto influenciado por medios de investigación criminal como True Detective y Hannibal, particularmente para el lado de la historia de Saga.

Mientras tanto, las experiencias de Alan incluyen indicios de Taxi Driver y Se7en, y Lake también promociona Inception de Christopher Nolan como inspiración. Remedy usa estas influencias para jugar con la propia psique de Alan, y Lake me dice que al autor «no le está yendo bien» en Dark Place.

«Tenía algunos problemas ya establecidos en el primer juego, ahora están más presentes… hay muchos ecos, dobles y espejos retorcidos», dijo Lake cuando le pregunté cómo la salud mental de Alan había inspirado la dirección que estaba tomando el estudio. .

No entre en pánico si todo esto le parece demasiado para asimilar, ya que Remedy desea enfatizar que puede disfrutar de Alan Wake 2 sin reproducir el original o reproducirlo para refrescar su memoria.

«Ya veo a Alan Wake 2 como un evento cruzado, desde la perspectiva de que es realmente importante que sigamos afirmando que queríamos crear Alan Wake 2 para que sea un juego en el que no es necesario haber jugado ningún juego anterior de Remedy. «Tiene que ser accesible», me dijo Lake.

«Como [Saga] está aprendiendo, el jugador está aprendiendo»

«Saga es en gran medida el nuevo personaje héroe, que tampoco sabe nada sobre el universo conectado de Remedy, ni nada sobrenatural. Ella es una recién llegada a esto, y comenzamos a jugar como ella al comienzo del juego, así que A medida que ella aprende, el jugador aprende.

«Esa es la idea, aunque hay muchas capas para nuestros fans que regresan cuando [Alan Wake 2] Se pone en marcha y empiezas a explorar. Hay un montón de puntos de conexión e hilos que se están recogiendo y continuando, tanto con respecto a Alan Wake como a Control».

Lake me dijo que nunca quiere que los juegos de Remedy se conviertan en «deberes» para los jugadores. «Todos y cada uno de los juegos… deben valerse por sí solos. Pero estoy entusiasmado de que, de todos modos, estemos encontrando formas de unirlos, de una manera muy concreta».

Remedy siempre establece la narrativa central de un juego antes de que los desarrolladores comiencen a tejer conexiones de la historia, me dijeron Maloney y Rowley. Luego, los equipos intercambian notas y metraje entre sí, y los desarrolladores pueden aprovechar las ideas de los demás (aunque con suficiente supervisión para que los equipos no rompan las narrativas de los demás en el proceso).

«Obviamente, el universo conectado es realmente importante, pero aún queremos que sea accesible para la gente. Si no disfrutaste de Control, todavía quiero que puedas amar a Alan Wake», sonrió Maloney.

Alan Wake 2 parece que será una experiencia inspirada en Se7en que te pondrá la piel de gallina, pero ya estoy mirando hacia el futuro. Después del nuevo juego plus y DLC de Alan Wake 2 (de los cuales habrá dos: The Lakehouse y Night Springs, ambos disponibles en 2024, para los cuales los desarrolladores me dicen que el equipo se está «volviendo aún más creativo con la narrativa»), ¿qué es ¿Qué sigue para Remedio? ¿Se está preparando el estudio para algún tipo de mega lanzamiento final, al estilo de un amigo de Marvel’s Avengers?

«Tal vez», se rió Lake, claramente divertido. «Pero fue necesario [Marvel] bastantes películas y apenas estamos comenzando. Adónde va, no lo sé.

«Estamos muy concentrados en esto, y lo que venga después… bueno, ya veremos».

¿Cómo se desarrolla todo? Lea mis impresiones de Alan Wake 2 en mi vista previa práctica.

El exjefe de Disney India y productor del éxito de Sony LIV «Rocket Boys», Siddharth Roy Kapur, elogió la taquilla india revitalizada y el sólido espacio de transmisión. Sin embargo, ve desafíos por delante.

Después de que “Pathaan” de Shah Rukh Khan encendiera una taquilla pospandémica estancada en enero, los éxitos han sido esporádicos. Si bien hubo chispas en las diversas industrias cinematográficas de idiomas específicos de la India, incluida la película en hindi «The Kerala Story», «Tu Jhoothi ​​Main Makkaar» y «Zara Hatke Zara Bachke», la película en telugu «Waltair Veerayya» y «Veera Simha Reddy”, la película en malayalam “2018” y “Romancham” y la película en tamil “Ponniyin Selvan: II”, la taquilla general se mantuvo lenta durante los primeros cinco meses de 2023.

La taquilla india se incendió en el período de junio a julio con éxitos que incluyen “Satyaprem Ki Katha” en hindi, “Baipan Bhaari Deva” en marathi, “Carry On Jatta 3” en punjabi y “Bro” en telugu. y «Baby» y «Maaveeran» en idioma tamil manteniendo los torniquetes funcionando.

Hollywood disfruta de una cuota de mercado del 10 % en la India y, tras el éxito de “Fast X” en mayo, los estrenos gemelos de “Barbie” y “Oppenheimer” en julio hicieron que el público acudiera a los cines. “Rocky Aur Rani Kii Prem Kahaani”, del multiguionista Karan Johar, llegó a los cines tras el gigante “Barbenheimer” y está en camino de convertirse en un gran éxito.

«En el negocio del cine, seis meses es toda una vida, por lo que se sintió como mucho tiempo después de ‘Pathaan’, donde la taquilla en realidad no había regresado, excepto por algunas películas», dice Roy Kapur. Variedad. “Que todo suceda al mismo tiempo significa que entonces estás creando una regularidad de hábito una vez más, que la gente quiera volver al cine con regularidad, volver a caer en el ciclo virtuoso de considerar el cine como su opción de fin de semana.”

“’Rocky Aur Rani’ es maravillosa para la industria, es una película comercial convencional de Karan Johar que va viento en popa día tras día en sus colecciones. ‘Oppenheimer’ es otro resultado muy interesante porque para un drama de tres horas (una película compleja y con muchas capas de Christopher Nolan, no una versión doblada) es principalmente el negocio inglés el que realmente está impulsando la película, no ninguna estrella conocida en el mercado indio. , como Tom Cruise o Brad Pitt, y una narrativa y un tema en sí mismo que puede resultar bastante seco. Que eso funcione tan espectacularmente como lo está en la taquilla india da mucha esperanza para géneros como el drama, que mucha gente había descartado y dijo: ‘Esto se ha convertido en un género de transmisión’. Eso realmente da mucha esperanza de que si haces drama de una manera cinematográfica y convincente, la gente seguirá viniendo”, dice Roy Kapur.

Roy Kapur dice que mientras “Barbie” y “Rocky Aur Rani” son “experiencias y espectáculos cinematográficos”, películas como “Zara Hatke Zara Bachke” y “Satyaprem Ki Katha” han funcionado en las ciudades más pequeñas y áreas metropolitanas respectivamente. “Y luego tienes a ‘Oppenheimer’, que rompe todas las reglas y no es una secuela, no es propiedad intelectual, ese santo grial del cine puro”, dice.

India es el único mercado importante donde «Oppenheimer» ha superado a «Barbie» 3:1, con entradas agotadas para las funciones de las 3:30 am. “Deberíamos estar muy orgullosos de eso: ‘Oppenheimer’ ha invertido la tendencia de ‘Barbenheimer’ de ‘Barbie’ estar en la cima”, dice Roy Kapur. “Todas las señales son muy positivas y también soy muy optimista sobre los próximos meses”.

Algunos de los grandes lanzamientos programados para la segunda mitad del año incluyen «Jawan» y «Dunki» de Shah Rukh Khan, «Jailer» de Rajinikanth, «Gadar 2» de Sunny Deol, «Salaar» de Prabhas, «Animal» de Ranbir Kapoor, “Capitán” de Dhanush y “Rey de Kotha” de Dulquer Salmaan.

Roy Kapur dice que a pesar de que los streamers indios ganaron una gran cantidad de miradas durante la pandemia y son eminentemente asequibles, existe un mercado para películas más pequeñas teatralmente si encuentran temas nuevos y relevantes, tienen buena música y brindan una experiencia completa de risa y llanto. tan querido por el público indio. “Incluso con un presupuesto más limitado y con actores que son estrellas pero no superestrellas, en realidad puedes tener un retorno de la inversión muy significativo”, dice Roy Kapur.

Mientras tanto, los transmisores han seguido el ritmo este año con una gran cantidad de éxitos en servicios que incluyen «Kohrra», «Scoop», «Dahaad», «Rocket Boys» Season 2, «Jubilee», «The Night Manager», «The Trial ”, “Saas, Bahu Aur Flamingo” y “Farzi”, por nombrar algunos.

“La creación de contenido de transmisión de primera calidad no es algo que India haya hecho antes, digamos, en los últimos cinco a siete años”, dice Roy Kapur. “Entonces, la curva de aprendizaje ha sido bastante empinada. Cada vez más, todos los involucrados en el proceso se han dado cuenta, probablemente a través de prueba y error, de lo que funciona y lo que no funciona y, por lo tanto, han logrado atraer a las audiencias con una variada mezcla heterogénea de contenido”.

Continuó: “Acercando el debate de transmisión versus cine, la belleza de la India es que somos un mercado ‘y’, no somos un mercado ‘o’, lo que significa que todos los modos de entrega de entretenimiento pueden crecer en al mismo tiempo, no necesariamente a expensas del otro, porque tenemos una gran parte de nuestra población que aún no ha sido cubierta”.

Roy Kapur dice que la población joven de la India está pasando de estar por debajo del umbral de la pobreza a la clase media, lo que está impulsando a más personas a consumir televisión terrestre, tecnología, televisión por cable, transmisión, cines, radio e impresos. “Todo está creciendo simultáneamente, a tasas de crecimiento obviamente diferentes, que no se ven en los mercados más desarrollados. A grandes rasgos, esa es la belleza de la historia india en este momento”, dice Roy Kapur.

Para el futuro inmediato, Roy Kapur tiene tres observaciones. La audiencia teatral cada vez más exigente significa que las estrellas por sí solas no garantizarán el éxito de taquilla, lo que obliga a los creadores a innovar. En segundo lugar, el productor espera que las medidas contra la piratería anunciadas recientemente entren en juego y puedan detener la fuga de ingresos. Por último, el productor quiere que los consumidores entiendan el valor del contenido.

Roy Kapur dice que si bien bajar los precios atrae a un mayor número de consumidores, el corolario es que aumentar los precios se vuelve mucho más difícil. “Podría existir el peligro de la erosión del valor en el mercado, como sucedió en la telefonía, como sucedió en tantas otras áreas donde la apropiación de tierras puede conducir a la devaluación de todo un mercado, y eso tiene un efecto dominó. efecto en las otras transmisiones, porque una vez que su consumidor está capacitado para pagar menos por el contenido, eso significa que sus números de suscripción son más bajos, eso significa que tiene menos dinero para la creación de contenido y, por lo tanto, el valor de la industria se reduce, a pesar de sus números de audiencia subiendo. Debemos tener mucho cuidado con la erosión del valor en la industria. Y deberíamos darle mucha importancia a asegurarnos de que el consumidor esté capacitado para pagar por el contenido. Y el consumidor entonces recompensará el buen contenido y no recompensará el mal contenido”, dice Roy Kapur.

Próximamente para Roy Kapur Films se encuentran la épica de guerra “Pippa”, las comedias “Bas Karo Aunty!” y «¿Woh Ladki Hai Kahaan?» y un thriller sin título. La serie histórica “The Anarchy” es una coproducción internacional con Wiip y ocho series más con directores como Nagraj Manjule, Vishnuvardhan, Mahesh Narayanan, Hardik Mehta, Abbas Tyrewala, Anubhav Chopra, Bhavesh Kapadia y Arati Kadav, que abarcan géneros desde la acción histórica. a la ciencia ficción y el romance, están en desarrollo.

La Reina de la Ton está de vuelta, pero esta vez como una adolescente en Netflix Reina Charlotte: una historia de Bridgerton. La precuela de Shonda Rhimes Bridgerton La serie sigue a la reina Charlotte de 17 años mientras navega por su nueva vida como esposa del rey Jorge III y los cambios instantáneos que tiene que hacer para prosperar como futura matriarca..

En el estreno en Los Ángeles de reina charlotte el miércoles, Golda Rosheuvel, quien repite su papel como la versión adulta de Charlotte en la nueva serie, dijo que los espectadores aprenderán más sobre lo que experimentó a lo largo de su vida que la hace tan fuerte como lo fue en Bridgerton.

“Vas a conocer su vulnerabilidad y lo humana que es y su fuerza para saber quién es”, dijo Rosheuvel. El reportero de Hollywood. “Luego, cuando ella está en esas posiciones vulnerables, todavía se mantiene firme en sí misma. Incluso a los 17, cuando llega y se casa con George, no se disculpa, sabe quién es, se mantiene firme en sí misma”.

Aunque los fanáticos pueden esperar ver a Rosheuvel tomar la pantalla en una serie de flash-forwards hasta el día de hoy, habrá seis episodios con Charlotte como una adulta joven, interpretada por India Ria Amarteifio, quien cuenta con el apoyo de una joven Lady Danbury, interpretada por Arsema Tomás. “La gente en el mundo de Bridgerton las obligó a estar juntas”, dijo Thomas, porque ambas son mujeres negras. “Se conocen de una manera diferente, tácita. Simplemente llegar a ese nivel de autenticidad fue la forma en que se dieron cuenta de que su amistad en realidad los está salvando”.

Frente a la Charlotte de Amarteifio está King George, interpretado por Corey Mylchreest, quien dijo que aunque inicialmente sintió presión para asumir este papel, fue una gran experiencia. “Fue muy duro para mí no pensar que estaba siguiendo los pasos [of past leading men Regé Jean Page and Jonathan Bailey],» él dijo. “Puedo simplemente eliminarme, y pueden ser una cosa por sí mismos, y en realidad no sentí presión para interpretar a George. Me enamoré de él cuando investigué sobre él”, y agregó que “se sentía como darle voz a un amigo silencioso”.

Después de la reina charlotte proyección de estreno, el elenco participó en una sesión de preguntas y respuestas sobre temas que incluyen relaciones, amistades y cuán impactante fue ver a la Reina usar afros y una gran cantidad de otros peinados naturales para la representación de mujeres negras no ambiguas.

Thomas recordó cómo, desde el principio, cuando comenzó a peinar y maquillar a Lady Danbury, tenía una hoja de referencia de la artista de R&B/hip hop Lauryn Hill, que tiene una tez de piel más profunda como ella, además de cabello natural.

“Hay algo en el cabello negro que no creo que necesariamente valoremos”, dijo. “Una cosa es que una persona negra esté allí, pero que una persona negra sea ella misma… así que poder verlo completamente abarcado en todas sus diferentes y hermosas facetas es la validación de que yo importo y que las chicas que se parecen a mí importan, y nunca debemos olvidarlo en absoluto”.

Rosheuvel también compartió una historia similar sobre el momento en que, mientras peinaba y maquillaba a Charlotte, su propio cabello natural fue aceptado por el personaje. “Estaba emocionada porque fue un momento en el que ‘me ven no solo como actriz, como una persona de color, sino que este personaje se ve a través de estos ideales de cabello y maquillaje’”. Agregó: “Yo nunca, nunca lo olvidaré.”

Reina Charlotte: una historia de Bridgerton comienza a transmitirse en Netflix el 4 de mayo.

EXCLUSIVO: Estrenada en agosto, el thriller de acción y ciencia ficción de Louis Koo guerreros del futuro se ha convertido no solo en la película local más taquillera de Hong Kong, sino también en la película asiática más taquillera jamás estrenada en el territorio, con una recaudación bruta de 81,7 millones de dólares de Hong Kong (10,5 millones de dólares estadounidenses). La película también recaudó 100 millones de dólares en China durante el verano y actualmente ocupa el cuarto lugar en el ranking mundial de películas en idiomas distintos del inglés de Netflix después de su estreno mundial el 2 de diciembre.

Es un resultado alentador para la industria cinematográfica de Hong Kong, que sufrió algunos de los cierres de cine más frecuentes y prolongados durante la pandemia, el último que finalizó en abril. También es un logro extraordinario para una película de ciencia ficción de Hong Kong, ya que el territorio nunca antes había intentado producir una película de este género y a esta escala.

Dirigida por el especialista en efectos visuales Ng Yuen-fai (guardaespaldas y asesinos), la película de $ 56 millones tardó seis años en realizarse a través de One Cool Group de Koo, un equipo de producción, distribución y VFX de servicio completo, que lanzó en Hong Kong y Bangkok en 2013. Koo también encabeza el elenco de la película junto con Sean Lau Ching-wan y Carina Lau. Una de las estrellas más grandes de Hong Kong con más de 100 créditos a su nombre, Koo también actúa en películas de otras compañías, con créditos recientes que incluyen Tormenta G, Anita y próximo drama de acción Crepúsculo de los guerreros: amurallado.

Hablando a Plazo justo después del lanzamiento de guerreros del futuro en Netflix, Koo explica que One Cool comenzó proporcionando CGI y DI [digital intermediate] servicios, y luego se expandió a la producción de películas, servicios de equipos, gestión de artistas y distribución regional. La galardonada casa de VFX de Ng, Fatface Production, es parte del grupo.

«Hemos hecho muchas películas, pero la idea era crear una ventanilla única que cubriera toda la cadena de producción y distribución, de modo que tuviéramos una fuente constante de ingresos entre las producciones cinematográficas», explica Koo. .

Durante varios años, Koo no hizo público que fuera el fundador del grupo, aunque era un secreto a voces en la industria cinematográfica de Hong Kong, porque no quería que su estatus de estrella se desviara de su trabajo. Además de las coproducciones de gran presupuesto entre Hong Kong y China, que también incluyen el próximo drama de acción volver al pasado y thriller policiaco más allá del pecadola compañía también produce una gran cantidad de películas de bajo presupuesto de directores primerizos de Hong Kong y otros talentos emergentes.

“Hay una necesidad real de encontrar nuevos talentos de escritura y dirección en Hong Kong, porque nuestra industria ha tenido un pasado muy exitoso, pero no ha satisfecho los gustos de la audiencia local más joven”, explica Koo. «No están tan interesados ​​en los thrillers de acción y crimen por los que somos conocidos internacionalmente, por lo que queríamos comenzar a desarrollar películas que reflejaran más de cerca su estilo de vida y sus experiencias».

Ejemplos recientes de estas películas incluyen la de Luk Yee Sum El diario secreto de una futura mamá, sobre una joven mujer de carrera que está menos que encantada cuando queda embarazada; Drama ambientado en Macao de Emily Chan Magdalena, sobre la relación entre un taxista y la camarera de un bar; y el de Jimmy Wan Cero a héroe, la historia real del atleta de los Juegos Paralímpicos de Hong Kong So Wa Wai, que fue la presentación de Hong Kong a la categoría de Mejor largometraje internacional de los Oscar el año pasado. Realizadas con presupuestos modestos, estas películas han tocado la fibra sensible en la taquilla local y han recibido obras en festivales regionales.

Koo dice que los próximos pasos para la compañía son expandirse a Hollywood y la producción panasiática. One Cool ya ha invertido en dos películas animadas de Sony: vivos y Los Mitchell contra las máquinas, este último obtuvo una nominación al Oscar a la mejor película animada el año pasado. Koo obtuvo el crédito de productor ejecutivo en las dos películas y dice que está buscando más oportunidades de inversión, pero su objetivo principal es trabajar en proyectos que contribuyan a mejorar la base de habilidades y la experiencia en nuevas tecnologías de la industria cinematográfica de Hong Kong.

guerreros del futuro, sobre la lucha de la humanidad contra una planta letal que se estrella contra la tierra en un meteorito, involucró más de 1,900 tomas CGI, incluidos robots de lucha, criaturas parecidas a insectos de tamaño humano y una persecución de autos de alto octanaje creada al unir dos autopistas separadas de Hong Kong. . Llevó a la industria cinematográfica de Hong Kong al límite, pero la calidad del trabajo de VFX de la película ha sido elogiada por los críticos. «Todo fue un desafío, pero los robots fueron los más difíciles porque tenían que luchar e interactuar entre sí, por lo que tomó mucho tiempo hacerlo bien», dice Koo.

Agrega que si bien One Cool ya está activo en CGI y animación 3D, la compañía está trabajando actualmente en una precuela animada de guerreros del futuro – también está interesado en la producción virtual y las técnicas de inteligencia artificial (IA). “Si bien no tenemos ninguna etapa de producción virtual [a.k.a. volumes] aún en la región, la tecnología podría abrir nuevas y emocionantes posibilidades para las películas de ciencia ficción”, dice Koo, un fan confeso de la ciencia ficción y coleccionista de recuerdos de robots. “Queremos explorar, no solo el género de ciencia ficción, sino también la tecnología. Si no tiene sentido desde el punto de vista del presupuesto tener volúmenes aquí, volaríamos a EE. UU. o Australia para filmar”.

Más cerca de casa y reconociendo las limitaciones del mercado relativamente pequeño de Hong Kong, Koo tiene como objetivo comenzar a producir películas y series en idiomas locales en toda Asia, con un enfoque inicial en Malasia, Tailandia, Taiwán y Corea del Sur. One Cool ya tiene oficinas en China continental, Tailandia y Corea y está trabajando con productores locales en varios territorios.

Es un acierto ya que la región de Asia Pacífico está produciendo más contenido en más idiomas que nunca, con un cambio hacia el contenido episódico y los servicios de transmisión, similar a cualquier otro lugar del mundo. One Cool tiene un brazo de ventas internacional para su contenido en chino, pero en lugar de esperar a ver si los cines de todo el mundo comenzarían a recuperarse y cuándo, optó por vender los derechos mundiales de guerreros del futuro a Netflix en los primeros días de la pandemia.

Netflix anunció recientemente que la película encabeza una nueva lista de contenido en chino, que también incluye varias series dramáticas producidas en Taiwán. Irónicamente, sin embargo, guerreros del futuro es una de varias películas de Hong Kong de una variedad de compañías que se han convertido en éxitos de taquilla en la taquilla local durante el verano, que también incluye Mesa para seis, asunto de mamá, Historia de risa de chile y más recientemente drama judicial el compañero de combate. ¿Significa esto que la industria cinematográfica de Hong Kong ya se está recuperando?

Koo observa que la industria cinematográfica de todos los países pasa por altibajos, incluso fuera de los eventos del cisne negro como la pandemia: “Es solo que la industria cinematográfica de Hong Kong alcanzó su punto más bajo y ahora está comenzando a recuperarse nuevamente. Por eso, este es el momento perfecto para probar cosas nuevas y experimentar. No podemos seguir repitiendo las mismas viejas fórmulas”.

El nuevo programa animado producido por Netflix de Casa Tonko, ONI: El Cuento del Dios del Trueno, es una maravillosa historia de cuatro episodios sobre la familia encontrada, la comunidad, la identidad y los extraños. En 18 de octubre, Sara Sampson, Robert Kondo y Daisuke «Dados» Tsutsumi se sentó con io9 para hablar sobre su proceso de animación y cómo abordaron la narración teniendo en cuenta tanto a niños como a adultos.

“Esta es una historia muy japonesa”, explicó Tsutsumi, “así que era importante para nosotros trabajar con estudios de animación japoneses”. Se inspiraron en los primeros animes japoneses, con sus velocidades de fotogramas limitadas y animaciones más entrecortadas, e intentaron traducir eso en una especie de stop-motion animación gráfica por computadora. “De hecho, comenzamos como una serie de stop motion”, dijo Sampson, “y luego, tan pronto como comenzamos a profundizar más y más en la historia, el alcance comenzó a expandirse y tomar forma en formas que nunca imaginamos. Con eso, sentimos que necesitábamos buscar CG para contar la historia completa que ONI se perfilaba para ser.”

El espectáculo aún conserva la estética del stop motion, con personajes de Kami de muñecos de fieltro texturizados que contrastan con el aspecto ceroso de los humanos con los que Onari finalmente se encuentra. Cuando se le preguntó sobre el giro del episodio dos, cuando Onari se da cuenta de que el mundo más allá de su hogar en el Monte Kamigami es mucho más grande de lo que podría haber imaginado, Tsutsumi dijo que esta era una parte central del desarrollo de su narración. Es, de hecho, el punto central de la historia.

“Como saben, en el folclore japonés, Oni [are] siempre el villano.” Tsutsumi dijo, refiriéndose a la japonés folclórico demonios «Y leí esta teoría histórica realmente interesante de que el oni podría haber sido originalmente una descripción de extranjeros, o personas que no se parecían a los japoneses locales… Pensé que era realmente interesante porque eso no es tan diferente del mundo». vivimos hoy”.

Cuando usamos el folclore en las historias contemporáneas, debes hacer que se conecte con el mundo en el que vivimos hoy, dijo Tsutsumi. Era importante que el punto medio fuera el conector entre los dos mundos. Le da crédito al equipo de historia y al escritor principal Mari Okada por hacer que el giro fuera tan inesperado.

Sampson habló sobre cómo la estrella del norte de la serie, la moraleja de la superación y la comprensión miedo— los ayudó a crear un programa que atrajera tanto a niños como a adultos, no solo a los padres. “Solo nos enfocamos en el concepto de lo que es el miedo, cuando tanto se desconoce,dijo Sansón. “Puedes acercarte al miedo con curiosidad, y te da el coraje para explorar un nuevo camino y superarlo”.

Kondo estuvo de acuerdo y dijo que, para él, siempre quiso centrarse en la relación padre-hija entre Onari y Naridon, y especialmente desafiar la forma en que los niños ven sus sueños y a sí mismos. “Para mí, al final del día, taquí está esta niña que tiene este sueño”, dijo Kondo. “Ella quiere ser algo más grande de lo que es actualmente. Y creo que muchos niños pero también muchos adultos pueden relacionarse con eso—wTodos tenemos sueños. Y se enfrenta a la realidad de lo que es capaz de hacer y de quién es. Y creo que al final del día, el corazón de la historia es la historia de un padre y una hija”.

Mientras puedas ver ONI: El Cuento del Dios del Trueno en Netflix en este momento, haga clic para ver en exclusiva algunos de los i de la películaIncreíble arte conceptual de Tonko House.