Lo que necesitas saber

• Un artículo de investigación publicado recientemente por Microsoft detalla cómo su marco de IA está convirtiendo la ingeniería de software en una tarea totalmente automatizada, convirtiendo a los desarrolladores en «meros supervisores».
• El CEO de NVIDIA había advertido previamente que la codificación no es una opción profesional viable para la generación futura, ya que la IA eventualmente se hará cargo de la profesión.
• La mejora de habilidades parece una opción viable, especialmente si desea explorar oportunidades en codificación.
• Los reclutadores buscan activamente profesionales con habilidades en inteligencia artificial.

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Si bien la seguridad y la privacidad se encuentran entre las preocupaciones importantes entre los usuarios debido a la prevalencia y rápida adopción de la IA, la pérdida de puestos de trabajo a causa de la IA también está ascendiendo rápidamente en las filas. Bill Gates de Microsoft expresó recientemente su temor de perder su carrera a causa de la IA pero indicó que la tecnología presenta una oportunidad de una semana laboral de 3 días, ya que puede manejar tareas mundanas y recurrentes.

El director ejecutivo de NVIDIA, Jensen Huang, compartió los mismos sentimientos y afirmó que La codificación podría estar muerta como opción profesional para la próxima generación., dada la rápida adopción de la IA generativa. Resulta que Huang y Microsoft podrían estar en la misma línea de pensamiento con respecto a la codificación como una opción profesional viable para la generación futura.

Los líderes de IATSE dijeron a sus miembros el viernes que están ganando «impulso» en las negociaciones con los estudios, ya que otro sindicato local llegó a un acuerdo tentativo.

IATSE Local 871, que representa a supervisores de guiones, asistentes de guionistas, contadores y otros, llegó a un acuerdo sobre cuestiones específicas del oficio el miércoles. Eso hace que siete de los 13 locales de la costa oeste hayan llegado a acuerdos tentativos.

«El trabajo continúa para los Comités de Negociación Locales restantes, pero estos acuerdos tentativos crean un impulso significativo», dijo Mike Miller, vicepresidente internacional, en un mensaje a los miembros. “Felicito al Comité Negociador del Local 871 por su eficaz trabajo”.

IATSE y la Alianza de Productores de Cine y Televisión comenzarán a negociar el Acuerdo Básico, que cubre las cuestiones más polémicas que afectan a los 13 gremios de la Costa Oeste, el 29 de abril. El contrato del sindicato no expira hasta el 31 de julio y los negociadores han Trató de establecer un calendario inusualmente largo con la esperanza de evitar otra huelga en toda la industria.

El Motion Picture Editors Guild celebrará su quinto día de conversaciones sobre temas locales específicos el viernes. Esas conversaciones han durado más de lo esperado. La AMPTP también ha negociado con el Local 728, que representa a los técnicos de iluminación, y con el Local 892, que representa a los diseñadores de vestuario, aunque esas conversaciones aún no han producido acuerdos.

Los acuerdos locales cubren cuestiones como clasificaciones de puestos, normas de seguridad y escalas salariales específicas de cada oficio. No se espera que las cuestiones generales de las negociaciones se aborden hasta mayo, cuando las dos partes aborden temas como la financiación de las pensiones y la salud, los aumentos salariales generales y la inteligencia artificial.

Inicialmente, las dos partes habían programado conversaciones sobre el Acuerdo de Estándares de Área (un contrato paralelo que cubre 23 locales de IATSE en todo el país) antes de las conversaciones del Acuerdo Básico. Pero desde entonces han decidido invertir el orden, abordando el Acuerdo Básico ante el ASA.

Si las dos partes no pueden llegar a un acuerdo, IATSE probablemente convocaría a una votación de autorización de huelga, aunque esa no es, hasta el momento, una conclusión inevitable. Luego regresarían a la mesa para continuar las negociaciones una vez que se completara la votación.

IATSE también ha estado trabajando en coordinación con Teamsters Local 399 y los otros sindicatos de “Basic Crafts”, que se espera que celebren sus negociaciones en junio. Ese contrato también vence el 31 de julio. Todos los sindicatos han indicado que no extenderán el plazo de vencimiento.

El tuit en línea del presidente de Y Combinator, Garry Tan, puede eliminarse de X; sin embargo, los efectos persisten, especialmente para tres supervisores de San Francisco que ahora han recibido amenazas.

Aaron Peskin, Myrna Melgar y Dean Preston recibieron cartas amenazadoras en su casa esta semana, según informó por primera vez el medio Mission Local. Ellos, y ahora otros dos supervisores, han presentado informes policiales.

Peskin habló con TechCrunch sobre la carta, de la que citó: «Le deseo una muerte lenta y dolorosa a usted y a sus seres queridos». El frente de la carta tenía una foto de Tan, quien el fin de semana pasado publicó un tweet dirigido a siete supervisores de San Francisco que supervisan la prestación de servicios del gobierno local.

Decía: «Que se jodan Chan Peskin Preston Walton Melgar Ronen Safai Chan como sello y maldito equipo… Y si no están de acuerdo con Peskin Preston Walton Melgar Ronen Safai Chan como equipo, que se jodan también… Mueran lentos, hijos de puta».

Después de la publicación y algunos otros comentarios, Tan se disculpó y escribió que «pensó que todos entenderían la referencia del rap, pero no fue una buena decisión, referencia o no, ¡lo siento!». La referencia en cuestión fue la canción de Tupac Shakur de 1996 «Hit ‘Em Up».

Para ser claros, Peskin no cree que la carta amenazadora que recibió proceda de Tan. Él cree que en realidad fue de alguien que anteriormente envió cartas amenazadoras similares a los supervisores.

Peskin, junto con otros cuatro miembros judíos de la junta, recibieron postales antisemitas por correo en octubre, dijo Peskin. Compartió parte de la palabrería de esa correspondencia, que dice: “Esta carta fue enviada para educar a los servidores públicos. Fue sin intenciones maliciosas”.

La parte inferior de la carta reciente decía: “Este correo fue enviado para comunicar una opinión política. No se pretendía amenazar”.

Peskin no ha conocido a Tan personalmente. Sin embargo, dijo que fue uno de los políticos de San Francisco que Tan llamó en este video de YouTube por sus críticas a que Cruise trajera su automóvil autónomo a la ciudad. Al final, Cruise perdió su permiso para operar en California luego de un accidente en octubre que involucró a un peatón.

Mientras tanto, la publicación X de Tan, ahora eliminada, “daño al discurso democrático”, dijo Peskin.

«Estoy intentando trazar una línea muy clara y decir que es inaceptable y que es perjudicial para la democracia», dijo Peskin. “El hecho de que haya eliminado el tweet y se haya disculpado en Twitter no me deja a mí, ni a los habitantes de San Francisco, con la sensación de que este tipo ha aprendido algo, o que realmente comprende la gravedad de lo que ha hecho en el momento que estamos viviendo. en.»

Los intentos de comunicarse con Tan a través de Y Combinator no recibieron respuesta al momento de la publicación.

Desde que el primer Premio de la Academia a la Mejor Película de Animación fue otorgado en 2002 a DreamWorks shrek, la industria de la animación ha logrado avances increíbles. En esta temporada de premios, este tipo de películas están superando los límites de lo que puede ser la animación, y los efectos visuales juegan un papel muy importante al infundir nuevos estilos artísticos en cada fotograma.

Spider-Man: A través del Spider-Verse impulsó aún más el estilo de cómic animado de la película de 2018 con seis mundos nuevos y distintos y un villano visualmente complejo. nimona evita la profundidad de campo por la “profundidad de detalle” para darle una calidad de novela gráfica a su futuro medieval. Tortugas Ninjas mutantes adolescentes: Caos mutante integra elementos 2D en un espacio 3D para luchar contra la apariencia limpia de CG.

Spider-Man: A través del Spider-Verse

Spider-Man: Un nuevo universo sorprendió a todos en 2018 con una interpretación de cómics animados y estableció un estándar sobre cómo podría verse la animación. Spider-Man: A través del Spider-Verse superó las expectativas con la introducción de seis nuevos mundos, cada uno con un nuevo estilo de animación. Si bien todos estos fueron desafiantes a su manera, el supervisor de efectos visuales Mike Lasker dice que el aspecto más desafiante de la película fue el nuevo villano, Spot.

«Esta fue la culminación de cada herramienta de nuestra caja de herramientas que habíamos creado durante el transcurso de la producción», dice. «Teníamos muchas pinturas de referencia geniales de él, y había todos estos tipos diferentes, oscuros y malvados de púrpuras y tinta salpicándole mientras movía sus extremidades». Utilizando herramientas 2D integradas en el software de animación 3D, el equipo de Lasker pudo agregar líneas de tinta dibujadas a mano, trazos de pintura, distorsión y más para crear el aspecto final. «Terminamos usando el sistema de trazos, salpicaduras de tinta que se desprenden de las capas, composición pesada, iluminación, trazos de pintura: cada área del proceso estaba involucrada».

Lasker dice que el supervisor de apariencia Craig Feifarek fue una parte esencial en la creación de la apariencia final del Spot. «Craig realmente iluminó y compuso todas estas tomas», dice. “Hizo un gran trabajo, pero también el departamento de animación hizo un trabajo increíble creando prototipos de cómo actúa Spot en las últimas tomas de la película. Fueron capaces de crear todos estos fotogramas flash locos… Miro esto ahora y todavía estoy asombrado por lo que han hecho”.

Antes de crear Spot, Lasker y su equipo enfrentaron el desafío de crear cada universo, siendo el más difícil el mundo de Gwen. “Fue el primero que desarrollamos”, afirma, “y desde muy temprano nos dieron la referencia para la acuarela”. Como querían un mundo en constante cambio con una estética de acuarela, algunas escenas de ese universo serían más gráficas, algunas caerían en espacios en blanco y otras se volverían abstractas a medida que la cámara se alejara.

«Antes de cepillar, configuramos todos los colores», dice Lasker. «Tienes elementos muy gráficos, colores muy específicos, así que los bloqueamos y volvimos a utilizar nuestras herramientas de pincel». La mayoría de las herramientas utilizadas en Spider-Verso Hubo nuevas herramientas para la producción, incluido el sistema de trazos que era la principal herramienta de pincel para las acuarelas, así como los trazos de pintura atmosféricos utilizados para el Spot. «Queríamos que la acuarela pareciera natural, como si estuviera pintada a mano, así que teníamos muchas técnicas diferentes que se combinarían y sumarían al aspecto final».

nimona

Al adaptar la novela gráfica de ND Stephenson de 2015, el supervisor de efectos visuales Archie Donato dice que se dedicó mucho tiempo a encontrar el aspecto adecuado para su mundo medieval de alta tecnología. «La dificultad desde el principio fue esta mezcla de arquitectura histórica con un estilo de Tokio súper moderno», dice. «Dedicamos una enorme cantidad de tiempo a dar la sensación de una ciudad enorme, sin perder su parte medieval». Para ello, en determinados lugares se añadieron versiones medievales de rascacielos y gráficos en movimiento.

Para mantener un estilo gráfico, la profundidad de campo tradicional utilizada en la animación, donde los objetos más alejados de la cámara se vuelven más suaves y le dan al ojo la sensación de que no puedes ver los detalles, no funcionaría. “En lugar de profundidad de campo, acuñamos el término ‘profundidad de detalle’”, dice Donato. «Debido a que esta película está basada en una novela gráfica, queríamos mantener ese campo, así que comenzamos a perder detalles a medida que nos alejábamos de la cámara». Al hacerlo, la geometría y los detalles desaparecen, pero las formas en la pantalla mantienen una calidad gráfica más nítida. “En algún momento, los carteles, los edificios, las ventanas, etcétera, se convierten en cuadrados y cajas más pequeñas en la distancia”.

Hacia el final de la película, una gran criatura hecha de humo y materia oscura ataca la ciudad, lo que fue un desafío difícil de crear en CG. «El mensaje de los creativos fue que esta criatura está hecha enteramente de materia oscura parecida al humo y no tiene ningún tipo de límite físico estricto», dice Donato. Para empezar, el equipo construyó una versión geométrica simple de la criatura y añadió los efectos encima. «La dificultad es que si estás haciendo un plano como este y quieres que el misil alcance al personaje, es mucho más sencillo cuando tienes límites estrictos para el personaje». Cuando el misil golpea a la criatura, la explosión no puede caer sobre el cuerpo, ya que, narrativamente, el cuerpo no está hecho de una masa sólida.

La solución fue la composición, juntar diferentes elementos digitales para crear una única imagen. «Tuvimos que dividirlo en múltiples elementos, donde tomaríamos las cintas de humo de la criatura y comenzaríamos a mezclarlas en varias estelas de misiles o en los puntos calientes de la explosión», dice Donato. Componer la imagen de esta manera fue un proceso complejo, pero permitió que los efectos mantuvieran una apariencia estilizada que se integraba perfectamente en la criatura. «Una vez que hicimos que el sistema funcionara, se aplicó prácticamente a cada disparo».

Tortugas Ninjas mutantes adolescentes: Caos mutante

Para Tortugas Ninjas mutantes adolescentes: Caos mutante, los realizadores quisieron centrarse en el aspecto adolescente de los personajes, tanto en la historia como en el estilo artístico. Mikros Animation fue el estudio de animación principal de la película y el supervisor de efectos visuales Matthieu Rouxel comenzó a trabajar con el director Jeff Rowe para crear un estilo único. «Desde el principio, Jeff tenía grandes ambiciones para las imágenes de la película», dice Rouxel. “Una de las primeras referencias que tuvimos fue una hoja de dibujos hechos por adolescentes reales. Eran dibujos geniales, no súper artísticos, maestros, y ese era el espíritu que querían tener”. Además de esos dibujos, Rouxel dice que también tenían referencias más sofisticadas, como el enfoque de la luz y el color en las fotografías de la ciudad de Nueva York de Alex Webb. «Para mí, fue una mezcla de esas dos cosas que realmente hacen que esta película sea única».

Aunque los elementos 2D juegan un papel importante en el estilo artístico de la película, el CG seguía siendo crucial para la animación. «He estado trabajando en películas generadas por computadora durante años y siempre intenté romper con ese aspecto agradable y limpio del 3D y tratar de recuperar la vibra de algo más basado en 2D y más artístico». Rouxel dice que alrededor del 95 por ciento de la película está hecha en 3D, incluso las líneas de lápiz que crean sombras y detalles se hicieron en CG como parte del moldeo de cada personaje, aunque parecen ser 2D.

No había una solución fácil para romper con el aspecto limpio generado por computadora, ya que Rowe no quería que la estilización se hiciera a través de un filtro final en la película. «Desde el principio, hay algunas cosas que intentas hacer», dice Rouxel. «Primero, creas asimetría en los modelos: los ojos no tienen el mismo tamaño, los hombros no son iguales, las mejillas son diferentes». Además de la asimetría, crearon los modelos con una textura similar a la arcilla y crearon líneas curvas con el grosor de un lápiz real para dar la sensación de arte 2D.

Otra estrategia utilizada fue prohibir el uso de texturas reales, lo que significó que el equipo que creaba las texturas tenía que empezar desde cero para cada activo. «Entonces, la iluminación se aplicaría normalmente, pero había muchas funciones en el sombreador». El sombreador se usaría por separado en cada fuente de luz, para dar la apariencia de luces y sombras pintadas. «Los compositores también crearían sus propios materiales para poner una textura encima de la imagen, mezclándola con la textura proyectada en 3D, para que no fuera sólo suave y limpia».

Hay dos historias sobre Marlene Amstad. El primero es sobre el ambicioso economista que viaja internacionalmente, ha trabajado para bancos centrales y universidades desde Nueva York hasta Shenzhen y que también habla ese amigable dialecto bernés.

Una mujer con humor que apoya a los jóvenes colegas y deja que todos sepan cuál es su posición con su manera directa. Una personalidad altamente cualificada que alcanzó la cima de su carrera con su nombramiento como presidenta de la Autoridad de Supervisión del Mercado Financiero Suizo (Finma) en enero de 2021.

La segunda historia sobre el hombre de 55 años es menos agradable. Se trata de una supervisora ​​que ahuyentó a numerosos ejecutivos merecedores de Finma con su tono duro y su microgestión. Un jefe que trata a los miembros de la dirección como estudiantes de primaria y que, dados los enormes desafíos que enfrenta el centro financiero suizo, ahora se dice que es la elección equivocada.

La variante problemática circula en Berna y Zúrich desde el 6 de septiembre. Ese día, el Consejo Federal eligió a Amstad como presidente de Finma para otros cuatro años. El mismo día, el director de Finma, Urban Angehrn, dimitió de forma totalmente inesperada tras un breve período en el cargo. Oficialmente por motivos de salud. Dijo que la tensión causada por la crisis de la CS había alcanzado proporciones insoportables.

El propio Angehrn ya no comenta esto públicamente. Sin embargo, una investigación del NZZ muestra que numerosos ex funcionarios de alto rango de Finma que trabajaron con Amstad consideran cuestionable su estilo de liderazgo y ven la partida de Angehrn en este contexto.

Amstad como un problema para Finma

Sus estudiantes de la Universidad de Berna notaron la actitud directa, a veces dura, de la profesora de economía y su tendencia a entretejer un anglicismo con tintes suizo-alemán en cada dos frases. En lugar de desafíos habla de “Tschällänsches”, en lugar de Gran Bretaña dice “UK”. Pronto nació un apodo: Marlene “Martullo” Amstad.

La comparación está dirigida a la empresaria y Consejera Nacional Magdalena Martullo, conocida por su brutal estilo de liderazgo. En 2010, un clip de televisión de ella recorrió todo el país mostrando cómo usaba un inglés con mucho acento para regañar a uno de sus empleados frente a la cámara (“¡Sueñas, tú!”).

Pero si bien el historial de Martullo en Ems-Chemie es indiscutible, las dudas han dominado a Amstad desde la desaparición de CS.

Las personas que han trabajado con ella dicen que la relación entre la dirección de Finma y la junta directiva ha empeorado cada vez más desde que asumió la presidencia en enero de 2021. En el pasado, en caso de diferencias de opinión, había una discusión abierta. Sin embargo, bajo la presidencia de Amstad, los miembros de la dirección se enfrentaron repetidamente a un hecho consumado y desautorizaron cuestiones importantes.

Además de las diferencias de contenido, el tono de Amstad era molesto. Varios críticos dicen: Una vez que Amstad ha decidido una posición, no la abandonará, incluso si la posición resulta ser incorrecta. No puede admitir errores.

Los implicados no quieren entrar en detalles específicos de estas reuniones de Finma con Amstad debido a la alta confidencialidad del trabajo de supervisión.

Sin embargo, las salidas bajo su tutela están documentadas: la primera persona que se fue en 2021, cuando ella asumió la presidencia, fue el director Mark Branson. A esto le siguieron el jefe del departamento de resolución, que debe garantizar la resolución ordenada de los grandes bancos en caso de emergencia, y el director interino, que anteriormente había dirigido la supervisión bancaria.

En la fase caliente de la crisis de la CS, de octubre de 2022 a marzo de 2023, los conflictos pasaron temporalmente a un segundo plano. Posteriormente, en la fase de procesamiento, las tensiones se intensificaron aún más, afirma un observador.

Hace unos meses hubo una segunda ola de salidas; Además del director Angehrn, en el departamento había personas que colaboraban estrechamente con el presidente. Entre otras cosas, el secretario general y el jefe de comunicación de la autoridad desde hace mucho tiempo.

El Consejo Federal reeligió al presidente de Finma en otoño de este año. Según los implicados, no le quedó otra opción. Luego del rescate de CS y la renuncia del director, anunciar la destitución del presidente de Finma no era una opción para el gobierno estatal. La reputación del centro financiero suizo ya estaba bastante dañada.

Sin embargo, las reservas sobre Amstad no han pasado desapercibidas para el departamento financiero responsable de Finma, sobre todo porque las críticas también provienen de ex altos funcionarios de Finma.

Las salidas de los dirigentes son un grave problema para la autoridad. Debido a que Finma es tan delgada con alrededor de 500 empleados, unas pocas personas clave la moldean aún más que otros supervisores. Según quienes lo saben, si pierde a muchas de estas personas clave, la construcción comenzará a fallar.

Amstad como un golpe de suerte para Finma

Sin embargo, los partidarios de Amstad consideran que las críticas al presidente de Finma son descabelladas. Lo que se habla del “problema de Amstad” es una cortina de humo que sirve para sacar a los bancos de la línea de fuego de la supervisión. En lugar de hablar del problema de que los grandes bancos no son lo suficientemente resistentes a las crisis, ahora se está montando un drama de personal barato. A diferencia de los hombres, las mujeres con claras aspiraciones de liderazgo siguen siendo desestimadas con demasiada frecuencia por considerarlas incómodas y antipáticas.

Bajo Amstad, las fluctuaciones en Finma no aumentaron y la junta directiva no adquirió negocios más importantes bajo su liderazgo que bajo su predecesor. Actualmente hay gerentes en Finma que ven a Amstad como profesional en sus tratos y trabajan bien con ella.

Los partidarios también señalan el currículum de Amstad, que habla por sí solo y explica por qué es la presidenta ideal. Sólo unos pocos suizos conocen el funcionamiento de los bancos centrales y de las autoridades de supervisión financiera, así como de Amstad, y pueden recordar una carrera internacional igualmente impresionante.

El economista estudió en los años 90 en la Universidad de Berna, que entonces era todavía el campo de formación de la élite económicamente liberal suiza. Después de completar su tesis en la Universidad de St. Gallen, comenzó su carrera profesional en el Centro de Investigación Económica de ETH Zurich (KOF). Con el cambio de milenio, trabajó durante dos años en Credit Suisse, donde supervisó los riesgos crediticios, y luego hizo carrera en el Banco Nacional Suizo.

En 2012 se mudó a Hong Kong: como consultora en el Banco de Pagos Internacionales, el influyente club de bancos centrales, trabajó en estrecha colaboración con los bancos centrales asiáticos más importantes.

Desde 2016, Amstad trabajó como profesor en la Universidad China de Hong Kong y comenzó a enseñar como profesor invitado en la Universidad de Berna. Ese mismo año se convirtió en miembro de la junta directiva de Finma, que preside desde 2021.

El error de diseño de Finma

La biografía de Amstad es impresionante y las críticas a su estilo de liderazgo son feroces. Las reacciones negativas apuntan a un problema mayor.

Cuando los políticos diseñaron Finma en la mesa de dibujo en los años 2000, el parlamento incorporó un artículo en la Ley de Supervisión del Mercado Financiero que otorga a la junta directiva mucho poder y deja al director de la autoridad desdentado en el papel.

Si Amstad pone su sello en expedientes importantes de Finma, puede decir con razón que está implementando lo que establece la ley y su mandato.

El director es responsable de todos los asuntos de la autoridad en las actividades operativas diarias. Pero en cuanto se tome una decisión sobre “negocios de gran importancia”, deberá recibir luz verde del consejo de administración de Finma. La diferencia con el Banco Nacional es enorme: allí sólo el poderoso consejo de administración tiene voz en cuestiones cruciales. El consejo bancario no tiene nada que informar sobre la decisión sobre los tipos de interés.

El artículo de la ley se remonta al lobby de los bancos. El hecho de que se creara una Finma nueva y fuerte les inquietaba. Una mayoría en el parlamento quería crear un equilibrio: una junta directiva que vigilara al director y sus burócratas.

Durante los primeros doce años, Finma funcionó porque el Presidente del Consejo de Administración ejerció con moderación el fuerte papel previsto por la ley. El predecesor de Amstad, Thomas Bauer, dejó el escenario al director Mark Branson y suavizó las cosas entre bastidores cuando Branson, seguro de sí mismo, había ofendido a banqueros o políticos.

Amstad, sin embargo, está más involucrada en el negocio operativo cuando se trata de cuestiones importantes que sus predecesores. Esto está en el espíritu del legislador. Sin embargo, combinado con su duro estilo de liderazgo, esto condujo a una mezcla explosiva que desestabilizó la estructura general.

Basándose en sus experiencias de los últimos años, un ex alto directivo de Finma opina que debería abolirse el pasaje que otorga tanto poder a la junta directiva de Finma.

Sin embargo, el problema aún más acuciante es que, tres meses y medio después de la repentina marcha del director Angehrn, Finma todavía no ha presentado un sucesor para Angehrn. La credibilidad de Amstad está dañada: ¿Podrá esta debilitada Finma mantener bajo control a la creciente y poderosa UBS?

Si no se encuentra ningún director válido, las críticas al supervisor superior volverán con toda su fuerza. La propia Amstad se negó a hacer comentarios cuando el NZZ le preguntó.

El director Gareth Edwards ha dicho que, para que el estudio se uniera, filmó algunas imágenes y las envió a ILM, supongo que usted pudo hacer algunos efectos visuales sin que se usara ninguno de los equipos VFX tradicionales en el set. , como las bolitas plateadas y cosas así. Simplemente dijo de ILM que «de alguna manera lo lograron». Mi pregunta para ti es, ¿cómo hiciste eso?

cobre: Somos muy buenos tramposos. Llevo unos 25 años trabajando en efectos visuales. Existen mejores prácticas para asegurarse de poder emular la iluminación del set que se han desarrollado a lo largo del tiempo. Tradicionalmente, es un escaneo HDRI y LIDAR de su entorno y las pelotas que a todos les encantan. Son óptimos pero no necesariamente esenciales. Y con el tiempo, no todas las películas lo hacen con la consistencia que usted quisiera, por lo que tiene opciones alternativas.

Así que la pregunta para Gareth realmente fue: «Está bien, supongamos que no hago nada de esto. ¿Es posible? ¿Qué podemos hacer? ¿Qué puedo hacer?». Quería patear un poco los neumáticos y decir: «Sé que dices que necesitas esto, pero ¿qué pasa si realmente no lo tienes?». Así que le mostramos cómo se vería si no lo tuviéramos, y eso fue lo suficientemente bueno para él y para el estudio, y luego nos pusimos manos a la obra.

Ahora, eso no quiere decir que no obtuvimos esas cosas, pero no las obtuvimos en todas las circunstancias, y no siempre fue exactamente lo correcto. Pero esas dos cosas juntas nos dieron, primero, credibilidad y comprensión de que estaríamos bien, y luego dos, que podríamos ser mejores que nada y tal vez no todo, si eso tiene sentido. Y Andrew estaba allí día a día para tratar de exprimirlo tanto como pudiera sin frenarlo. Estoy seguro de que Andrew también puede hablar de eso.

roberts: Creo que nos beneficiamos de que Gareth tuviera comprensión, familiaridad y aprecio por los efectos visuales. Entonces, entendiendo eso, está bien, realmente necesito esto, y luego, está bien, en este caso me voy a quitar del camino. Y esto sería preferible si tuviera una pantalla azul y tuviera toda esta información, pero sabemos que al menos con esta cantidad mínima de información, podré darle a Jay y al equipo de ILM los datos que necesitan para poder para crear una toma convincente. Mucho de esto comenzó a partir de conversaciones por la mañana antes de comenzar a filmar y revisar los tableros. Teníamos algunos guiones gráficos para esos momentos clave, y para asegurarnos realmente de que el primer día él fuera consciente de que: «No, está bien. Continúe con estas tomas. Pero no, es absolutamente necesario tomar estas imágenes de alta dinámica, así que «Puedo reflejar a Alphie cuando está en el granero o cuando están en la aldea flotante y necesito asegurarme de que haya medidas para ciertos datos».

Entonces fue realmente esa colaboración. Fue ese compromiso para asegurarme de obtener lo que necesitaba y que también estaba allí como socio creativo para que Gareth pudiera responder preguntas.

Hubo momentos en los que tal vez las cosas no salieron según lo planeado. Entonces, en la escena afuera del granero, cuando están rodeados por la policía, arrojan la granada y luego un perro la saca. Se planeó que fuera un gran truco en el que tenían un poste de alambre sobre varios de los especialistas que iban a actuar como dobles para la policía. Y simplemente no podían ejercer suficiente presión cuando simplemente no volaban, o tal vez uno o dos lo harían y los otros no, o simplemente no funcionaría en absoluto.

La familiaridad de Gareth con los efectos visuales fue algo bueno porque teníamos esa taquigrafía que le permitía entender: «Está bien, Andrew, tu equipo podrá animar eso y darnos lo que necesitamos». Una vez que le di el visto bueno, se alegró de seguir adelante y no preocuparse, sabiendo que: «Está bien, esa toma se verá como necesito. No la obtuve con la cámara, pero voy a poder hacerlo». entregar.» Estaba eso, asegurarme de capturar la información, pero también darle la seguridad de que podría obtener lo que necesitaba al final del día.

EXCLUSIVO: Nick Angel, Sarah Bridge, Iain Cooke y Catherine Grieves, cuatro de los supervisores musicales de cine y televisión más estimados del Reino Unido, se han unido para lanzar 45 RPM, un colectivo de supervisión musical que será una «ventanilla única» para los creativos.

La compañía, que es la primera de su tipo en el Reino Unido, se especializará en todos los aspectos de la supervisión musical para cine y televisión, desde colaborar en la visión creativa de una banda sonora, elegir una canción perfecta, ayudar a contratar a los mejores compositores de partituras, negociar derechos musicales y gestionar presupuestos musicales, así como supervisión musical en cámara.

Los cuatro profesionales aportan más de 50 años de experiencia en una variedad de proyectos eclécticos: Angel es uno de los supervisores musicales más conocidos de Gran Bretaña y ha trabajado en proyectos que van desde la Bridget Jones trilogía a Paddington 2 y pelusa caliente; Bridge ha trabajado en La corona y película nominada al Oscar Teoría del Todo; Los créditos anteriores de Cooke incluyen el documental sobre Amy Winehouse amyRussell T. Davies’ Es un pecado y documental de Netflix ¡Zam!; y Grieves ha trabajado en series como Matar a Eva y Caballos lentos.

La idea de unirnos nació de una conversación entre Angel y Cooke. «Estábamos conversando sobre unir fuerzas y crear una nueva central de supervisión musical, una ventanilla única», dijo Angel a Deadline. “Pero, a diferencia de una pirámide con alguien en la cima y muchos empleados, queríamos hacerla mucho más cooperativa y traer sólo lo que realmente queríamos. Queríamos que Cat y Sarah se unieran a nosotros y tuvieran una línea en la que todos fueran iguales. Todos tenemos habilidades complementarias, lo que significa que entre los cuatro no estamos simplemente duplicando lo que hacemos”.

Bridge, que tiene una gran experiencia en supervisión frente a cámara, señaló que su amplia experiencia y conocimiento de contacto significa que existe una amplia gama de creativos que pueden aprovechar la empresa. «Naturalmente, la gente vendrá a nosotros individualmente para proyectos», dijo. «Pero con 45 RPM lo bueno es que estamos aquí el uno para el otro y podemos ayudarnos mutuamente en una variedad de proyectos diferentes».

Grieves añadió: “En términos de supervisores musicales experimentados, es un estanque relativamente pequeño en el Reino Unido, pero obviamente es un mercado en crecimiento. En los últimos años, la televisión ha tenido un gran auge, especialmente aquí. Cada vez más programas de televisión quieren contratar un supervisor musical y creo que el poder de una buena banda sonora es más apreciado que nunca, al igual que la necesidad de tener a alguien a bordo que pueda manejar las autorizaciones de derechos de manera experta”.

La compañía tiene un acuerdo no exclusivo con StudioCanal para trabajar en el desarrollo y producción de todos los servicios musicales en próximos proyectos. Grieves y Angel están trabajando actualmente en la tercera entrega de la Paddington franquicia, Paddington en Perúmientras Cooke trabaja actualmente en el largometraje de Amy Winehouse. Volver a negro.

El acuerdo, dijo Cooke, es para proyectos que se encuentran en “desarrollo muy temprano” en StudioCanal. «El papel del supervisor musical, especialmente en el cine, ha evolucionado mucho y involucrarse en los proyectos desde las primeras etapas es crucial», afirmó. “Nos vemos cada vez más involucrados en proyectos incluso antes de que reciban luz verde o antes de que se asigne un director, ya que los productores quieren explorar la viabilidad de que aparezca música en su película. Si el proyecto se centra en un artista o un catálogo, necesitan saber que esos derechos se pueden conseguir incluso antes de que puedan empezar a planificar una serie o película”.

Cooke, dijo Volver a negro es un «buen ejemplo de cómo el papel de un supervisor musical puede abarcar varios elementos diferentes».

“He estado trabajando en ello durante un año y medio, trabajando en muchos aspectos diferentes de la producción y tiene que haber mucha confianza cuando trabajas con diferentes raíces y el trabajo de toda la vida de un artista. ,» él dijo.

Además de los cuatro supervisores musicales, 45 RPM cuenta con cinco coordinadores de tiempo completo que trabajan en diferentes proyectos «para que todos tengan una experiencia realmente completa», dijo Grieves.

Con oficinas en el este de Londres y una base en la oficina de StudioCanal en Londres en Kings Cross, Angel dijo que la idea es «retribuir» a la próxima generación «para que haya más oportunidades de trabajar en la música y el cine».

«Queremos asegurarnos de brindarle a la próxima generación toda nuestra experiencia y asegurarnos de que inicien proyectos sabiendo lo que están haciendo», dijo.

45 RPM trabajó recientemente en la protagonista de Olivia Colman y Jesse Buckley Cartas malvadas y Una vida, en la que Anthony Hopkins interpreta al héroe de guerra Nicolas Winton, que ayudó a rescatar a niños judíos durante la Segunda Guerra Mundial. Ambos proyectos se estrenaron en Toronto este año.

Los proyectos adicionales en trámite en la compañía incluyen: Florence Pugh y Andrew Garfield protagonizados por Vivimos en el tiempo; Temporada 6 de La corona; Adaptación de Candice Carty-Williams de Disney/Channel 4 reina; y documental sobre la vida silvestre de National Geographic/Disney reinasla primera serie de historia natural dirigida por una mujer que se centra en las especies matriarcales del reino animal.

“Vamos a tener que lidiar con eso y corregirlo”, dijo hoy Brian Aungst Jr., miembro de la Junta de Supervisores del Distrito de Supervisión de Turismo de Florida Central, sobre una votación realizada por el Distrito de Mejoramiento de Reedy Creek, entonces controlado por Disney, en febrero. “Es una subversión de la voluntad de los votantes y la Legislatura y el gobernador. Elude por completo la autoridad de esta junta para gobernar”.

La decisión esencialmente le da a Disney poder sobre los 27,000 acres de Walt Disney World cerca de Orlando, una autoridad que residía en Reedy Creek, controlada por Disney, desde 1967 hasta la votación del mes pasado. Se suponía que los supervisores del Distrito de Supervisión de Turismo de Florida Central, designados por el gobernador de Florida, Ron DeSantis, asumirían ese deber en nombre del estado después de que DeSantis firmara una ley el 27 de febrero que transfirió el poder a sus designados.

DeSantis defendió la medida para despojar a Disney de su control del distrito especial luego de la oposición de la compañía al proyecto de ley de derechos de los padres, denominado ley «no digas gay», pero el gobernador y los partidarios de la legislación dicen que también pone fin al tratamiento especial. para una corporación. La votación de febrero hizo retroceder eso.

“Esencialmente, esto convierte a Disney en el gobierno”, dijo Ron Peri, miembro de la junta, según el Orlando Sentinel. “Esta junta pierde, a efectos prácticos, la mayor parte de su capacidad para hacer cualquier cosa más allá de mantener las carreteras y mantener la infraestructura básica”.

Pero en una reunión pública de hoy cubierta por medios de comunicación como Sentinel, los designados revelaron que la junta de Reedy Creek hizo un intento final por el nuevo arreglo.

Las personas designadas por DeSantis trajeron un asesor legal a su reunión de hoy para evaluar el acuerdo del mes pasado por parte del Distrito. El abogado indicó que la nueva junta descubrió recientemente los acuerdos, a pesar de que aparentemente eran públicos. El abogado los calificó de “inusuales” y “sospechosos”, según bob hasen en las noticias WESH 2 en Orlando.

La portavoz de DeSantis, Taryn Fenske, en una declaración compartida con el Sentinel, calificó la votación como uno de los “últimos esfuerzos” de Disney para transferirse “derechos y autoridades”. “Una revisión inicial sugiere que estos acuerdos pueden tener importantes deficiencias legales que harían que los contratos fueran nulos como cuestión de derecho”.

El resort Walt Disney World sostuvo en un comunicado a Deadline que «Todos los acuerdos firmados entre Disney y el Distrito fueron apropiados, y fueron discutidos y aprobados en foros públicos abiertos y notificados de conformidad con la ley Sunshine del Gobierno de Florida».

Una «declaración de convenios restrictivos» relacionada con la votación de Reedy Creek el mes pasado indica que el acuerdo es válido hasta «21 años después de la muerte del último superviviente de los descendientes del rey Carlos III, rey de Inglaterra», según el documento.

Esa declaración se conoce como una cláusula de vida real, que no es tan inusual de ver como parece. Establece que un cierto derecho debe ejercerse dentro (generalmente) de la vida más 21 años del último descendiente vivo de un monarca británico que esté vivo en el momento en que se realiza el contrato.

El acuerdo permite a Disney construir proyectos con la mayor densidad y el derecho a vender o asignar esos derechos de desarrollo a otros propietarios de terrenos del distrito sin que la junta tenga voz, según el asesor legal designado por DeSantis.

Depeche Mode, la banda pionera de technopop del Reino Unido de los años 80, ha tenido muchos seguidores en Los Ángeles durante mucho tiempo, gracias a su exposición en el incondicional local alternativo KROQ, y ahora están demostrando ser los favoritos de los ejecutivos creativos de cine y televisión.

El grupo, formado por los cofundadores Martin Gore y el vocalista Dave Gahan tras la muerte del teclista Andrew Fletcher en mayo de 2022, está en racha tras su incorporación en 2020 al Salón de la Fama del Rock and Roll, donde fueron presentados por Charlize Theron, quien los llamó “la banda sonora de mi vida”.

El nuevo álbum de Mute/Columbia Records de Depeche Mode, «Memento Mori», sale el 24 de marzo, el primero desde «Spirit» de 2017 y el 15 en general, al que seguirá una gira de un año que comienza el 23 de marzo en Sacramento e incluye un espectáculo. en el Foro Kia de Los Ángeles el 28 de marzo y cuatro espectáculos de área finales en diciembre, dos en Kia y Crypto.com Arena.

Gracias al uso actual de «Just Can’t Get Enough» durante la desenfrenada persecución de la ambulancia en «Cocaine Bear» y dos sincronizaciones, incluida una versión, de «Never Let Me Down Again» durante dos episodios cruciales del aclamado video de HBO. -basado en el juego “The Last of Us”, Depeche Mode también se ha convertido en el favorito de los supervisores musicales de Hollywood.

Julianne Jordan, cofundadora de la compañía de supervisión musical Format Entertainment, y su colega Julia Michels, quien trabajó con la directora de «Cocaine Bear» Elizabeth Banks anteriormente en «Pitch Perfect 2» y «Charlie’s Angels», admitieron el uso jovial de «Just Can’ t Get Enough” sobre la escena de una bestia rabiosa con el hocico lleno de polvo de marcha fue el plan de los cineastas desde el principio.

“Ese es un ejemplo de la actitud que queríamos adoptar”, dice Jordan. “Si hubieras puesto una partitura seria debajo de eso, sería una escena y una emoción completamente diferentes. lo mismo con marca [Mothersbaugh]puntuación de . Fue prueba y error tratar de descubrir cómo hacerles saber a las personas que deberían divertirse con esto. Definitivamente fue un acto de equilibrio entre la comedia y el terror”.

El resultado es una combinación de dibujos animados de Chuck Jones Looney Tunes y una película muda de Keystone Cops, la pieza central de una película que combina hábilmente el terror y las risas.

“Editorial puso la versión original de esa canción en escena de inmediato porque tenía que ser adaptada a la música”, explica Michels, quien encargó el remix a Math Club, el equipo de producción “indispensable” del dúo. Irónicamente, aunque la banda y la gerencia tuvieron que aprobar el uso, parece que los dos miembros del grupo afirmaron no estar al tanto de su uso hasta ahora, y Gahan le dijo recientemente a KROQ: “Esa canción se ha usado de muchas formas, para tantas personas diferentes metáforas, pero el oso con la cara en un tazón de cocaína tiene que tomar la galleta”.

El resto de la película, basada en 1985, es un popurrí de la música MTV de los años 80, de «White Lines» de Grandmaster Flash (se creó un remix de Pusha T después de que se hizo la película para promocionar su estreno), «Jane» de Jefferson Starship ( que también abre «Wet Hot American Summer», el primer papel actoral importante de Banks), «No More Words» de Berlín, «The Warrior» de Scandal f/Patty Smyth y clásicos del soul de Commodores («Too Hot Ta Trot») y Jeffrey Osborne («En las alas del amor»). Y, por supuesto, la partitura fue de otra figura de los 80 en Mothersbaugh de Devo, quien también dirigió la música de «Pitch Perfect 2» de Banks.

Jordan dice que, sin estas canciones, «Cocaine Bear» habría sido una experiencia muy diferente. “Liz quería que la gente se divirtiera en los cines viendo esta película. La música fue una gran parte de eso”.

“Queríamos mantenerlo real, porque está basado en una historia real”, agrega Michels sobre las elecciones de canciones. “Muy pronto, discutimos el uso de canciones de la época, básicamente de la era MTV. Cuando hablamos por primera vez con Liz, ella insistió en que quería que la gente apoyara al oso. Eso hizo clic para nosotros en cuanto a lo que estábamos haciendo”.

Maggie Martin, vicepresidenta de marketing creativo, cine y televisión de Sony Music Publishing, ha supervisado el catálogo de Depeche Mode desde que comenzó su carrera en EMI Music Publishing en 2005, y a través de su integración con Sony, cuando adquirió EMI en 2018 por 2300 millones de dólares.

«Es, con mucho, uno de mis favoritos para lanzar porque hay una genialidad tan icónica que viene con las canciones», dice ella. “Son oscuros, vanguardistas, sexys, pero también pueden ser divertidos, con un guiño, en el contexto adecuado, como vimos en ‘Cocaine Bear’. Es un grupo de canciones de hoja perenne, robusto. Puedo acercar estas canciones a los artistas contemporáneos porque nunca pasan de moda. Suenan completamente modernos”.

De hecho, la artista independiente de Los Ángeles, Vaja, cuya versión actual de «People Are People» de Depeche Mode ya está atrayendo la atención en Spotify (donde fue la mejor artista de marzo junto a Depeche Mode y Tiesto, Massive Attack, Metallica y Odesza), comentó: “En el momento en que escuché esta canción en los años 80, me di cuenta de la profundidad de su mensaje para terminar con el racismo y comenzar a amar a la humanidad. Es un himno a la unidad”.

Otras ubicaciones recientes de Depeche Mode incluyen «Shake the Disease» («Bienvenido a Chippendale’s» de Fox), «Disfruta del silencio» («Freeridge» de Netflix), «Personal Jesus» («Muñeca rusa» de Netflix) y «Never Let Me Down Again». ” (“Euphoria” de HBO).

Las dos sincronizaciones de «Never Let Me Down Again» en «The Last of Us» ilustran la versatilidad del amplio catálogo de la banda. El uso inicial, que cierra el episodio uno, lo establece la joven heroína del programa Elle (Bella Ramsey) al descubrir un libro irregular de «Éxitos número uno» que usa un código diferente cuando aparece una canción de los años 60, 70 u 80. en la radio. Rápidamente se da cuenta de que una canción de los 80 significa peligro por delante, mientras suena siniestramente «Never Let Me Down», presagiando problemas mientras ella y Joel (Pedro Pascal) se preparan para dejar la Zona de Cuarentena de Boston en su odisea a través del país.

La segunda versión, que Martin llama «una portada inquietante y despojada», cierra el episodio seis, mientras Elle atiende a un Joel herido al borde de la muerte. Sin embargo, no intentes usar Shazam; es una versión original cantada por Jessica, la hija del co-showrunner Craig Mazin.

“Pensé que el uso era hermoso y muy creativo”, dice el ejecutivo de Sony. “Dos vibraciones totalmente diferentes. No podrías pedir mejores ubicaciones”.

Dado que ambos son conjuntamente responsables de la mayoría de los elementos oceánicos de esta película, ¿fue desalentador tener que trabajar para un hombre que es literalmente un buceador de aguas profundas, que ha estado allí varias veces?

Bodapatti: Sí, sí. Tenías que asegurarte de que lo que le mostraste que eran gráficos generados por computadora fuera perfecto, tenía que ser muy convincente, dice: «Está bien, lo compro», o necesitabas mostrar una referencia que lo convenciera. No había forma de inventar algo sobre la marcha. Tenías que estar muy, muy seguro, y esto va más allá incluso del agua. Cualquier cosa que le muestres, es un cineasta muy involucrado. Él sabe lo que quiere. Entonces, para todo, tomamos una referencia y nos aseguramos de que se alineara perfectamente con algo que normalmente vemos afuera.

¿Tomaste referencia?

Bodapatti: ¡Toneladas!

¿Qué fue eso?

Bodapatti: Todo. De cosas súper baratas. Como yo y Alex, otro supervisor de efectos, bajamos a la playa y disparamos… ¿Conoces la toma en la que Neytiri saca a Tuk del Ikran y ella la baja? Esos fueron mis pies para las simulaciones de la arena porque yo era la persona más pequeña que pudimos encontrar para obtener las huellas. De algo tan barato [as that]. Simplemente bajábamos a la playa todo el tiempo. Pero también estamos muy cerca de Stone Street Studios, donde Jim está estacionado y tenemos la capacidad de filmar algunas cosas. Disparamos elementos de lluvia. Hemos filmado referencias para la lluvia, hemos filmado referencias para el fuego, como lanzallamas grandes y elaborados, y en la oficina de Manhattan Beach Lightstorm, hay toneladas de referencias que hemos filmado.

nixon: si Y mira, eso es, al menos para el departamento de efectos, eso es lo que hace que Weta sea especial, independientemente de la película que estés haciendo, lo importante que es basarla en la realidad porque eso es lo que la gente ve. Ves una película y puedes reconocer, «Oye, así es como se ve el agua, lo he visto antes». Y la única forma en que ves eso es siendo capaz de crear lo que ves. Así que les decimos a nuestros artistas todo el tiempo, específicamente viviendo en un lugar como Nueva Zelanda donde no puedes conducir a ningún lado sin ver un cuerpo de agua o el océano o una bahía, que salgan y hagan referencia cinematográfica. ¿Qué sucede realmente cuando un barco planea sobre el agua? ¿Qué sucede realmente cuando tus pies están en la arena y es un día tranquilo? ¿Qué sucede cuando hay tormenta y hay una tormenta a 10 kilómetros de distancia, y cómo se ven esas olas? recrearlo Ahí es donde empiezas. Y si puedes empezar en esa realidad, entonces puedes empezar a cambiar lo que Jim necesite que luzca.

Entonces, para nosotros, fue muy inspirador tener a alguien que realmente entiende lo que hacemos. No se obtiene tan a menudo, cuando alguien realmente entiende los efectos visuales y entiende cómo usarlos correctamente. Entonces, cuando estás teniendo esas discusiones y le estás mostrando el trabajo y él dice: «Esto no es así, hablemos de lo que realmente está sucediendo en esta toma», los artistas se dan cuenta de eso de inmediato. Creo que se convierte en el lenguaje en el que no se trata de adivinar. Los artistas no están haciendo conjeturas. No están diciendo creativamente: «Bueno, necesito modificar esto». Dicen: «No, aquí está mi referencia. Así es como se ve esto. Oye, Jim me dio una nota. No sé exactamente cómo se ve. ¿Tenemos una referencia para esto o debo salir y disparar?» ¿eso?»

Quiero decir, teníamos un artista en [Bodapatti’s] equipo que… específicamente estábamos haciendo burbujas llorando debajo del agua. Y salió con su cámara, se sentó allí, hizo el movimiento, hizo las burbujas de llanto y dijo: «Pavani, ¿así es como se ve esto?» Se lo mostramos a Jim. Jim dice: «Eso es perfecto». Y es su referencia. Lo filmó y luego fue allí y lo recreó en CG. Dentro de nuestro departamento de efectos en Weta, eso es lo que hace que nuestro trabajo se vea tan bien, porque siempre basamos las cosas en la realidad. Entonces eso nos permite doblar la necesidad de la realidad porque estás haciendo una película y tienes que hacer que se vea de la manera que el director quiere.

Bodapatti: Ese suele ser un paso crítico en nuestro proceso con Jim, es cuando se entrega una toma, preguntamos: «Bueno, ¿cómo se supone que debe verse? ¿Tienes una imagen en mente? ¿Un lugar en mente?» Y nos dará una de dos líneas. Saldremos y nos aseguraremos, podría ser alguna referencia de código abierto o algo que filmamos, y se lo mostraremos para decirle: «¿Es esto lo que quisiste decir?» «Oh sí.»

Una vez que lo aprueba, la mayoría de nuestras presentaciones en los primeros días es una imagen y una imagen. [presentation]. Mostraremos la referencia junto con nuestra simulación, o incluso podrían ser texturas en un personaje, filmamos algo para ver cómo se ve el detalle del poro. Pero basarnos en la realidad física es una gran parte de nuestro proceso de efectos visuales en Weta FX.

Una de mis tomas favoritas es este simple momento de Kiri mirando este agujero en la arena debajo del agua. ¿Algo de eso fue real o…?

Bodapatti: Nunca vamos a romper los tiros. Dígame usted.

Bueno, solo diré que me golpeó en el estómago como una vista extraña, como: «¡Eso es real!» Me trajo de vuelta a mi infancia de estar de vacaciones. Esto es lo que haría de niño, mirar la arena debajo del agua.

Nixon: Lo mismo también es tratar de obtener cáusticos. Eso es algo que tal vez des por sentado que trabajamos mucho en cómo exactamente vamos a hacer que los cáusticos se rendericen en arena y [stuff] así, para que parezca que estás en una isla o en un lugar tropical. Todo eso es parte de cómo armar la toma, ya sea de acción en vivo o no, eso es algo que existe en la realidad que podemos crear completamente en CG si es necesario. Si Jim tiene fotografía en vivo que realmente ama, nunca le quitaremos eso a un director. [If he] dice: «Eso es lo que quiero. Ya lo filmé. Dame eso». Perfecto. Pero si él dice: «Necesito que recrees eso porque me permite empujar y tirar según los personajes, o quiero hacerlo desde un ángulo un poco diferente», también podemos hacerlo.

Bodapatti: Y podemos combinarlo a la perfección. Podemos recrearlo si es necesario.