El servicio líder de transmisión en español, ViX, firmó un pacto de primera vista con el actor y productor mexicano nominado al Emmy Juanpa Zurita y ARCO Entertainment Media, la empresa que cofundó en 2022 con Brenda Tubilla.

El acuerdo de dos años, anunciado el 14 de mayo en la presentación Upfront 2024-25 de TelevisaUnivision, otorga a ViX derechos de primera vista sobre los próximos proyectos de Zurita, que incluirían series y largometrajes en español.

El meteórico ascenso de Zurita como creador de contenido digital le ha valido cerca de 90 millones de seguidores en todas las plataformas de redes sociales. Según ViX, su participación como actor en la película ViX Original de 2023 “¿Quieres ser mi hijo?” contribuyó a su éxito.

Zurita desarrollará una variedad de contenido premium en español y también curará historias para ViX, mientras que Tubilla actuará como productor ejecutivo de estos proyectos.

“Estoy encantado de que ViX se una a nosotros en nuestra misión de empoderar a un grupo diverso de artistas digitales, desde camarógrafos hasta músicos, que están superando los límites de la narración. Juntos, estamos comprometidos a producir contenido que no sólo capture sino que también amplifique las voces de la nueva generación, resonando profundamente e inspirando acciones en todo el mundo”, dijo Zurita.

“Juanpa es un creador multifacético cuyo talento prolífico, narración original e inmensa creatividad lo establecen como una de las voces latinoamericanas más influyentes en la industria del entretenimiento actual”, dijo Augusto Rovegno, vicepresidente senior de contenido de ViX.

“Este acuerdo subraya nuestro compromiso de ofrecer contenido premium en español culturalmente relevante y solidifica nuestra posición como el servicio de streaming en español más grande, hogar de talentos creativos de primer nivel”, agregó.

“Hace once años, una sola chispa de un simple video que subí cambió mi vida para siempre, encendiendo una pasión por la creación que arde con más fuerza cada día”, dijo Zurita, quien saltó a la fama por primera vez en el ahora desaparecido Vine de X (también conocido como Twitter) y Ahora es considerada la personalidad latinoamericana más grande en Facebook, YouTube y Snapchat.

ViX cuenta con una extensa biblioteca de más de 80.000 horas de contenido bajo demanda y un promedio de 80 canales de streaming, todos seleccionados en español. Es accesible a través de todas las principales plataformas móviles, dispositivos de TV conectados y en línea en vix.com, y está dirigido a audiencias en los EE. UU., México y la mayoría de los países de habla hispana en América Latina.

En su informe del primer trimestre de abril pasado, el gigante de los medios de comunicación en español reveló un aumento del 16% en los gastos operativos durante el primer trimestre, alcanzando los 821 millones de dólares. Esto fue impulsado principalmente por las inversiones en curso en ViX y el crecimiento de un negocio de ventas de publicidad de terceros en México. La compañía espera que sus operaciones de streaming sean rentables para la segunda mitad del año, muy probablemente después de que lance una nueva versión con publicidad del nivel premium de ViX.

Un tribunal francés absolvió al cineasta Roman Polanski de los cargos de difamación presentados por la actriz británica Charlotte Lewis, quien afirmó que la violó cuando era niña, informó el New York Times.

Lewis, que ahora tiene 56 años, había acusado al cineasta, que ahora tiene 90 años, de agredirla sexualmente cuando tenía 16 años, durante una sesión de casting en su casa de París. El tribunal francés no se pronunció sobre esa acusación. En cambio, se trataba de una entrevista de 2019 con la revista francesa Paris Match en la que Polanski había desestimado la acusación de Lewis de ser una “mentira atroz”. El tribunal dictaminó si Polanski había sobrepasado los límites de la libertad de expresión al desestimar su relato de los presuntos hechos.

El juicio comenzó en marzo, cuando la cineasta franco-polaca fue demandada por Lewis, quien afirmó haberla difamado en la entrevista. Lewis presentó por primera vez sus acusaciones contra Polanski en 2010.

Durante su testimonio en el caso de difamación, Lewis, quien fue elegida por Polanski para la película «Piratas» de 1986, dijo que no había presentado una denuncia por violación contra Polanski porque el plazo de prescripción había expirado.

Polanski no estuvo presente en la audiencia judicial del martes.

Polanski ha sido acusado de agresión sexual por varias mujeres, desde 1977, cuando fue arrestado por presuntamente agredir a Samantha Gailey, de 13 años. Llegó a un acuerdo de culpabilidad y se declaró culpable de un cargo de relaciones sexuales ilegales con un menor, para luego huir de Estados Unidos y continuar su carrera en Europa. Sigue siendo un fugitivo del sistema legal estadounidense. En 2018, Polanski fue retirado de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas. Sin embargo, en marzo de 2023, Gailey afirmó en una entrevista con Polanski y su esposa, Emmanuelle Seigner, que ella lo ha perdonado y “cualquiera que piense que merece estar en prisión está equivocado”. En 2019, Polanski también fue acusado de violación por la ex actriz Valentine Monnier. La presunta violación ocurrió en 1975, cuando ella tenía 18 años. Polanski ha negado todas las acusaciones en su contra, incluidas las de Monnier y Lewis.

Anteriormente, un juez de Santa Mónica fijó como fecha del juicio para agosto de 2025 una demanda por violación contra Polanski. La demandante alegó que Polanski la violó en 1973, cuando era menor de edad, en su casa de Benedict Canyon. Según su demanda, lo había conocido en una fiesta meses antes. Polanski la invitó a cenar en Le Restaurant en la avenida La Brea, le dio tragos de tequila y luego la llevó a su casa, donde se desmayó en su cama, afirma la demanda.

Según la demanda, Polanski ignoró sus súplicas y procedió a violarla. Luego la llevó a casa. Esa fue la última vez que vio al director, afirma la demanda. Polanski no tendría que asistir al juicio civil en persona, pero podría comparecer a través de video en vivo si fuera necesario para testificar.

El director saudí Shahad Ameen, cuya fábula feminista “Scales” causó sensación tras su estreno en Venecia en 2019, vuelve a estar detrás de la cámara en “Hijra”, un ambicioso drama centrado en el vínculo formado entre diferentes generaciones de mujeres saudíes durante un viaje a través de el desierto.

CAA se encarga de las ventas norteamericanas de “Hijra”, que se filma en una vasta franja de desierto y en varias ciudades y áreas urbanas saudíes, incluidas Jeddah, Medina, AlUla y Neom.

“Scales”, que fue la primera película de Ameen, fue una parábola sobre la posición de las mujeres en la sociedad patriarcal saudita. Su seguimiento más sofisticado “destaca el papel de las mujeres de diferentes generaciones en la construcción de la sociedad saudita”, según la sinopsis proporcionada por la película.

“Hijra” (ver imágenes del primer vistazo, arriba y abajo) es la historia del viaje de una abuela con sus dos nietas desde la ciudad de Taif, en las montañas Hijaz, hasta La Meca, la ciudad saudita que es la cuna del Islam. Cuando la nieta mayor desaparece, la abuela y su nieta pequeña viajan al norte en busca de la adolescente desaparecida.

“La diversidad cultural y estética del Reino de Arabia Saudita ocupa un lugar destacado en la película a través de una historia íntima que reúne a una abuela y su nieta en un viaje poético”, señala la sinopsis.

En un comunicado, Ameen calificó a “Hijra” como “una de las películas más difíciles en las que he trabajado” y describió su narrativa como la historia de mujeres sauditas de diferentes generaciones y sus conflictos dentro de “una película de carretera que resalta la diversidad cultural e histórica”. del reino”.

Ameen desarrolló “Hijra” durante tres años mientras trabajaba con el cineasta iraquí Mohamed Al-Daradji como productor, según un comunicado. Las principales productoras de la película son Biet Ameen Production, el Centro de Cine Independiente Iraquí y el Ideation Studio del pionero de la industria cinematográfica saudita Faisal Baltyuor. La distribuidora Cinewaves de Baltyour distribuirá “Hijra” en Arabia Saudita. La película también está coproducida por Abboud Ayyash, el productor en línea Sayed Abou Haidar y su compañía Three Arts, y por el destacado productor egipcio Mohamed Hefzy, cuya Film Clinic Indie Distribution también se encargará de las ventas y distribución en el mundo árabe. El Red Sea Film Festival Fund y Film AlUla también son coproductores. “Hijra” cuenta con el apoyo de la Iniciativa Daw de la Saudi Film Commission y Neom, que proporcionaron incentivos y apoyo sobre el terreno.

El elenco de “Hijra” está compuesto por el actor saudita Khairia Nazmi (“Barakah Meets Barakah”), quien interpreta el papel de la abuela llamada Sitti; Nawaf Al-Dhufairi (“The Fates Hotel”), que interpreta a un hombre llamado Ahmed; y el recién llegado Lamar Feddan en el papel de Janna. Baraa Alam (“Hwjn”) aparece como estrella invitada.

“Hijra” será editada en París por el nominado al Oscar Hervé de Luze (“El pianista”). El equipo también está compuesto por el director de fotografía chileno Miguel Littin Menz (“The Vast of Night”, “Hands of Stone”) y el diseñador de producción británico Chris Richmond, entre un equipo mayoritariamente saudí y árabe.

Herflix, el streamer centrado en la mujer, el Female Film Club, la comunidad de empoderamiento femenino Yes She Cannes y la empresa de gestión y producción francesa Sisterland se han unido para lanzar el colectivo femenino Her Club Cannes.

El evento, al que asistieron unos 250 profesionales del cine invitados, tiene como objetivo resaltar el poder y la importancia de las mujeres en el cine. El evento se convertirá en un programa de televisión, que consistirá en entrevistas en la alfombra roja y charlas durante la noche, además de clips detrás de escena del evento. Este programa se transmitirá en Herflix.

Los socios y patrocinadores incluyen BondIt, Buffalo 8, Imgn.Ai, Design Essentials, United Voices 4 Peace, AK Production Pro, Winston Baker, TVE Global, Sustainability Awards y African American Women in Cinema.

Adriana Shaw, fundadora y presidenta de Herflix, dijo: “Llegaremos a más de 152 países mientras trabajamos juntos para amplificar Su Historia. Desde Cannes, 2023, hemos experimentado SheEconomy (“Barbie”, Taylor Swift, “Anatomy of a Fall”, “Past Lives”), lo que nos ha dado optimismo, pero con este alcance de Live Stream, esperamos inspirar a las mujeres a nivel mundial. – tanto delante como detrás de la cámara – para superar las barreras y crear películas diversas e inspiradoras. Recuerdo una época en Cannes en la que era difícil vender una película con una mujer a la cabeza y por eso agradezco que las mujeres estén avanzando poco a poco hacia la paridad con los hombres en el negocio cinematográfico. Está sucediendo, pero aún así Her Club Cannes es esencial para que hombres y mujeres creen conciencia”.

Liza van der Smissen y Nicole Lieberman, cofundadoras del Female Film Club, agregaron: “Con Her Club Cannes mostramos al mundo: mira lo que sucede cuando todas las mujeres trabajan juntas hacia un objetivo común, cuando los hombres se reúnen alrededor de nosotras y nos apoyan. . Hay mucha brillantez en la industria y a través del Female Film Club hemos visto los cambios que ocurren cuando se comparten conocimientos y recursos. Al reunir a socios y colaboradores de todo el mundo, en vivo, en Cannes, esperamos con ansias el impacto que esta noche tendrá en la industria”.

Faith Elizabeth, cineasta británica y fundadora de Yes She Cannes, dijo: “En un mundo donde las mujeres a menudo se enfrentan entre sí, estamos transmitiendo el mensaje de que la unidad fortalece el éxito”.

Sandra Rudich, directora ejecutiva de Sisterland, añadió: “Sólo el 1% de los fondos de financiación anuales del mundo se destinan a empresas emergentes lideradas por mujeres. Todos debemos ser un acelerador del cambio, financiando a las mujeres y remodelando las representaciones del mundo”.

Her Club Cannes se lanzará en Villa Forbes el 20 de mayo durante el Festival de Cine de Cannes.

Estos autores están listos para su primer plano.

Cuando la comedia de Quentin Dupieux sobre un escenario desafortunado, “El segundo acto”, inauguró el Festival de Cine de Cannes el 14 de mayo, será sólo una de varias películas sobre cine y cineastas que aterrizarán en la Croisette. Después de todo, los directores Christophe Honoré, Paul Schrader y Josh Mond se encuentran entre otros cineastas destacados que están listos para estrenar historias semiautobiográficas.

La comedia en competencia de Honoré, “Marcello Mio”, presenta a Chiara Mastroianni como una versión de sí misma que, después de que un director la compara con su difunto padre, Marcello Mastroianni, se viste travesti y asume su identidad. El drama en competencia de Schrader, “Oh, Canada”, se centra en un realizador de documentales (Richard Gere) que cuenta la historia de su vida en un documental. El drama de Mond “It Doesn’t Matter” sigue a dos amigos que narran sus vidas en video. “C’est pas moi” de Leos Carax, de 40 minutos de duración, es en parte un autorretrato, con imágenes de sus películas y de su vida. Y el drama de proyecciones especiales de Lou Ye, “An Unfinished Film”, examina a un grupo de cineastas chinos que se reúnen para completar una producción.

Si bien hay más películas sobre películas de lo habitual, siguen un dicho bien establecido en Cannes: filma lo que sabes. Después de todo, “8 1/2” de Federico Fellini, esencialmente la historia de un artista con un caso grave de bloqueo de escritor, fue una selección oficial en 1963, “Día por la noche” de François Truffaut, una oda a una vida pasada en los sets, abrió el festival una década después y “The Artist” de Michel Hazanavicius, un gran beso húmedo a la era del cine mudo, arrasó en Cannes en 2011. Pero no todas estas miradas al negocio del cine condujeron a una taquilla espectacular. Por cada “Sunset Boulevard” o “Érase una vez… en Hollywood”, hay un “Ed Wood” o un “Barton Fink” cuyas ventas de entradas no están a la altura de sus elogios.

«Hay grandes películas sobre realización cinematográfica», dijo Schrader. “[But they’re] generalmente demasiado cerca de casa, demasiado ‘dentro del béisbol’”. Para “Oh, Canadá”, su principal interés era adaptar una novela de Russell Banks, autor del libro que convirtió en su película de 1998, “Affliction”. El documental dentro de un documental muestra a un cineasta moribundo con un dispositivo que le permite a él y a su entrevistador verse en un marco. «Eso no está en el libro; Errol Morris fue pionero en esa técnica», dice. “Entonces, cuando me enfrenté a filmar una entrevista, pensé: ‘¿Cómo puedes hacerla interesante?’”

“It Doesn’t Matter” de Mond también utiliza un dispositivo de película dentro de película. «Un amigo (Jay Will) ha estado pasando por una situación difícil, deambulando por Estados Unidos tratando de resolverla», dijo Mond. El otro (Christopher Abbott) «alienta al personaje de Jay a filmar historias de su vida para mostrarle todas las cosas con las que está lidiando». Cada uno filma su vida con un teléfono, “y es una terapia para ambos. Quería que pareciera lo más real posible y mostrara las perspectivas de ambos personajes”.

“C’est pas moi (No soy yo)” de Carax cobró vida después de que el Centro Pompidou de París le pidiera que hiciera un corto autobiográfico. «No teníamos tiempo, pero mantuvimos la idea y la hicimos de una manera mucho más ambiciosa», dijo el productor Charles Gillibert. Aquí, Carax mezcla escenas de sus películas con imágenes de su vida, y el resultado “es una especie de retrato del siglo XX y de nuestro tiempo. [yet] más personal.»

“Marcello Mio” de Honoré surgió de su idea de hacer una película sobre “una actriz que atraviesa una crisis de identidad”. Eso lo llevó a pedir permiso a su colaboradora de toda la vida, Chiara Mastroianni, para desarrollar mi película sobre ella y su famoso padre. Honoré pronto descubrió que, maquillada de cierta manera y vestida con uno de esos elegantes trajes italianos, Chiara se parecía notablemente a Marcello. Le pidió que recreara varias escenas y momentos de sus películas clásicas. Para aumentar el surrealismo, su madre Catherine Deneuve y famosos compañeros de reparto de Marcello como Melvil Poupaud interpretan a sí mismos.

“Todo cineasta se siente tentado a hacer una película sobre cine y siempre supe que la mía se centraría en los actores, especialmente en esos momentos en que no están trabajando”, dijo Honoré. «Es un momento bastante extraño y misterioso para nosotros los cineastas, porque cuando llegan al set, no sabes de dónde vienen ni a dónde regresan cuando terminamos».

«Nuestra nueva película ‘Megalopolis’ es el mejor trabajo que he tenido el privilegio de presidir», se lee en una cita atribuida al icónico director Francis Ford Coppola adjunta al tráiler oficial de su nueva película épica.

La película, que se estrenará en competición el jueves en el Festival de Cine de Cannes, ha sido un proyecto de muchos años para el director, que comenzó a trabajar en el guión en los años 80.

El legendario cineasta detrás de “El Padrino” y “Apocalypse Now” ha invertido 120 millones de dólares de su propio dinero en la película.

El tráiler comienza con una voz en off que reflexiona sobre el declive de los imperios: “¿Cuándo muere un imperio? ¿Se derrumba en un momento terrible? No no. Pero llega un momento en que la gente ya no cree en ello, antes de pasar a una carrera de carros romanos, un paisaje metropolitano y escenas de protesta.

Según la sinopsis oficial, “’Megalópolis’ es una fábula épica romana ambientada en una América moderna imaginada. La ciudad de Nueva Roma debe cambiar, lo que provoca un conflicto entre César Catilina (Adam Driver), un genio artista que busca saltar hacia un futuro utópico e idealista, y su oposición, el alcalde Franklyn Cicero (Giancarlo Esposito), que sigue comprometido con un futuro regresivo. statu quo, perpetuando la codicia, los intereses especiales y la guerra partidista. Dividida entre ellos está la socialité Julia Cicero (Nathalie Emmanuel), la hija del alcalde, cuyo amor por César ha dividido sus lealtades, obligándola a descubrir lo que realmente cree que la humanidad merece.

“Megalopolis” cuenta con un elenco estelar, con Driver liderando el grupo junto a Adam Driver, Giancarlo Esposito, Nathalie Emmanuel, Aubrey Plaza, Shia LaBeouf, Jon Voight, Laurence Fishburne, Talia Shire, Jason Schwartzman, Kathryn Hunter, Grace VanderWaal, Chloe. Fineman, James Remar, DB Sweeney y Dustin Hoffman.

Coppola escribió y dirigió, con Fred Roos, Barry Hirsch y Michael Bederman como productores. Los productores ejecutivos son: Anahid Nazarian, Barrie Osborne, Darren Demetre.

Mira el tráiler aquí.

El cartel de la inocuamente llamada “The Coffee Table” señala que se trata de “Una película cruel de Caye Casas”. La designación única es ciertamente apropiada, dada la tormenta de controversia que está provocando entre los fanáticos del terror. El lema cómicamente vago de la película española: Los nuevos padres compran una mesa de café que cambiará sus vidas para siempre. — esconde una impactante incidente eso sucede desde el principio. Dicho incidente no es para los débiles de corazón, y el director y coguionista Casas está ansioso no sólo por involucrarse en la controversia sino también por llevar al público dispuesto a un emocional viaje de horror sin monstruos ni lo sobrenatural.

Sin desvelar el incidente central, Casas explicó su película a Variedadincluyendo cuánto quería motivar al público, el título único y cómo reaccionó cuando Stephen King recomendó su trabajo.

(Nota: esta entrevista se realizó por correo electrónico para mayor precisión entre Casas, de habla española y catalana, y el autor de habla inglesa).

¿Cómo surgió la idea de esta película?

Teníamos la idea muy clara desde hacía años. Me encantan las películas de género, pero pocas películas me asustan realmente. Entonces me pregunté: ‘¿Qué es lo que más me asusta en la vida?’ Y la respuesta no fueron fantasmas, monstruos o zombis. Lo que más me asusta es la vida real, un destino cruel, la mala suerte que cualquiera de nosotros puede tener y las cosas terribles que nos pueden pasar en la vida. Creo que el infierno existe y no es un lugar con fuego y diablo. El infierno es lo que podemos vivir si el destino es cruel. Entonces la idea era clara, el problema era que no teníamos dinero, solo teníamos una casa que nos dejó un amigo y 10 días para rodarla. Pero sabíamos que el guión era muy poderoso, todos los que lo leyeron quedaron impactados, por lo que a pesar de no tener recursos, ni tiempo, ni dinero, decidimos filmar.

¿Quién crees que es el público de esta película? ¿Hay algunas personas que no serían capaces de soportarlo?

Siempre he pensado que la película está dirigida a un público que quiere emociones fuertes, extremas e inolvidables. La audiencia de terror es así. Soy miembro del público de terror y mi gran esperanza es hacerlos sufrir, pasarlo fatal, odiarme, pero sobre todo hacerlos sentir emociones fuertes. Ahora se hacen muchas producciones con mucho dinero que no te hacen sentir nada, que siempre es lo mismo, que te olvidas de ellas a los dos días de verlas. Creo que “The Coffee Table” hace que cualquiera que la vea sienta una experiencia inolvidable, le guste o no. De hecho, no es para todos, hay gente que no lo tolerará, y lo entiendo.

¿Cómo han sido las reacciones de la audiencia hasta ahora? ¿Has visto huelgas?

La respuesta de la gente ha sido jodidamente increíble. He ido a muchos festivales con la película, a muchos países, y la gente siempre reacciona con sorpresa, no pueden creer lo que ven. Algunos salen de la habitación, no lo soportan, pero también hay risas al respecto. Humor negro, la risa más macabra, otros se sienten culpables por reírse, pero la mayoría lo pasa muy mal, tensión, ansiedad. Es muy divertido ver las caras del público. En México me insultaron mientras veía la película. Era una broma, pero me insultaron por torturarlos, aunque, después, ese mismo público me dio el premio del público en el Festival Macabro.

Somos la película de terror con más premios a nivel mundial en 2023 (más de 40 premios), y eso es increíble, ser recompensado por generar esas emociones. Pero les explicaré lo más fuerte que me pasó con el público, algo muy fuerte en el maravilloso Festival TIFF en Rumania. Había alrededor de mil personas en la sala, un cine enorme y lleno. Cuando terminó la película, hicimos la sesión de preguntas y respuestas, y una espectadora dijo que estaba en shock, porque a ella le había pasado casi lo mismo que le pasó a la protagonista de la película. Después me agradeció por ser tan valiente para explicar tragedias como esa, porque suceden, y le pasó a ella, y finalmente dijo que le había servido de catarsis y se fue a casa más en paz consigo misma. Dejó a mil personas sin palabras.

Como cineasta, ¿intentabas mostrar empatía por alguno de los personajes o simplemente retratar los acontecimientos de forma neutral?

Todos los personajes tienen algo personal, tienen algo mío, todos. Con estos personajes quería transmitir cómo cualquiera de nuestras vidas puede cambiar en un segundo, podemos experimentar un verdadero infierno y no necesitamos monstruos ni zombies ni nada para vivir en el infierno. Que cada uno juzgue a los personajes como quiera, yo no, salieron de mi cabeza y no hay ninguno que sea mi favorito. Lo importante es que sólo el protagonista y el público saben lo que ha pasado, y eso hace que la tensión sea insoportable, hace que el público sufra tanto como el protagonista, y eso es lo que funciona como una bomba de tiempo.

¿Cómo decidiste qué parte del incidente clave de la película querías mostrar en pantalla?

Tenía claro que no quería hacer una película gore y tenía claro que la imaginación es un arma importante que tiene el público. ¿Por qué mostrar ciertas cosas cuando en tu pensamiento podrían ser peores? Hay que hacer funcionar la mente del espectador, a veces menos es más, e imaginar lo que está pasando a veces es más fuerte que verlo. Estaba muy claro que algunas escenas iban a ser rodadas fuera de cuadro, para que se vieran lo menos posible, el público ya sabe que lo que pasó es horrible.

Se reproduce música alegre durante algunos momentos oscuros. ¿Cuál fue la inspiración detrás de esa yuxtaposición?

Ser contradictorio. Cuando ocurre una gran tragedia, a veces es mejor no poner la típica música de miedo y en su lugar poner una canción infantil, como en este caso. Es más inquietante, y con la compositora de la OST, Bambikina, teníamos claro que no queríamos hacer la típica banda sonora de una película de terror, porque esta no es la típica película de terror. Es diferente a todo y la banda sonora también tenía que serlo.

¿Siempre tuviste el final en mente mientras escribías la película?

Sí, siempre. Pero sucedió algo curioso. Durante el rodaje inventé un final diferente, más macabro, más retorcido, más espectacular… único, que dejara al público completamente muerto en sus asientos. Pero no pude filmarla porque no tenía dinero ni tiempo. Espero que si se hace una nueva versión de la película pueda rodarla. Un remake con más recursos sería la bomba, y con ese final se convertiría en uno de los finales más oscuros de la historia del cine, ¡seguro!

¿Cuál fue la inspiración para nombrar la película simplemente “La mesa de café”?

Todas las películas de terror tienen nombres poderosos, oscuros y aterradores. Quería hacer una película aterradora pero con un nombre inofensivo, ridículo y cotidiano… “The Coffee Table” y en español, “La Mesita Del Comedor”. En serio, ¿una película como esa es tan inquietante? La respuesta es sí. También quería engañar al espectador, voy a ver esta película con este nombre tan tonto, y ¡zas! Se quedan sin palabras. Además, está claro que la mesa de centro es la gran protagonista de la película… ¿no crees?

¿Quieres centrarte en más películas de terror y dramas oscuros en el futuro?

Tengo varios proyectos para los que busco dinero. Tengo uno muy aterrador, insoportable, brutal pero también filosófico que haría explotar la cabeza del público de terror. Se titula “Sueños” y es brutal. Tengo otras que son comedias negras increíbles, para que la gente se divierta riéndose de la muerte, como una película que se llama “La mala muerte”. Otro horror cruel y macabro titulado “Bienvenidos”, otro sobre un programa de televisión realmente inquietante titulado “Luciferio”. Pero también tengo películas que no son 100% género, como “Nothing Co” (que es una de mis historias favoritas) o “Mom’s Wish”, que es una comedia original y diferente. Me gustan casi todos los géneros, pero me lo paso muy bien escribiendo terror. Ahora lo importante es buscar financiación para que existan y el público se divierta… ¿Hay alguien interesado?

Stephen King tuiteó que le encantó la película. ¿Qué significa que un maestro del terror elogie tu trabajo?

Sólo hay un Rey del Terror y ese es Stephen King. ¿Que mas puedo decir? Que el Rey recomiende tu película a su público, que diga que es lo más oscuro que ha visto jamás… Es tan emocionante, es una de esas cosas que les explicaré a mis nietos (aunque no tengo hijos). Es una de esas cosas que crees que nunca sucederá y sucede. El Rey ha recomendado una película independiente española rodada en 10 días en casa de un amigo y con un presupuesto irrisorio. Y no sólo lo ha hecho el Rey, también profesores como [director] Mick Garris, que fue quien le envió la película a Stephen King porque le encantó. Es un orgasmo. No os diré que me masturbé viendo el tweet del Rey hablando de mi película (¿verdad?), pero moriré con una sonrisa en la cara sólo de pensarlo.

“The Coffee Table” ya está disponible en VOD. Mira el avance a continuación.

Chris Hemsworth expresó su frustración en una entrevista con The Times de Londres por las críticas a Marvel hechas por algunos directores que considera héroes personales como Martin Scorsese y Francis Ford Coppola. Hemsworth es uno de los Vengadores originales en el MCU como Thor, debutando en una película independiente de 2011 antes de encabezar tres secuelas y protagonizar varias películas de “Avengers” hasta 2022.

“Se sintió duro y me molesta, especialmente por parte de los héroes. Fue una sorpresa para mí, gente criticando el espacio de los superhéroes”, dijo Hemsworth a The Times. “Esos tipos tenían películas que tampoco funcionaban; todos las tenemos. Cuando hablaron de lo que les pasaba a los superhéroes, pensé, genial, díselo a los miles de millones que los miran. ¿Estaban todos equivocados?

Scorsese hizo sus críticas iniciales a Marvel en el otoño de 2019, llamando infamemente a estas películas un “parque temático” y no un cine real. El ganador del Oscar aclaró más tarde que su frustración no se debía a la calidad de las películas de Marvel sino a su dominio en el mercado. Argumentó que las películas de superhéroes estaban expulsando de la exhibición a las películas independientes y de presupuesto medio.

Coppola estuvo de acuerdo con su viejo amigo y explicó en una entrevista de 2022 con la revista GQ que “solía haber películas de estudio. Ahora hay imágenes de Marvel. ¿Y qué es una película de Marvel? Una película de Marvel es un prototipo de película que se hace una y otra vez para que luzca diferente”.

En su entrevista con The Times de Londres, Hemsworth reprendió las críticas de Scorsese y Coppola y dijo que “ir al cine no cambió gracias a los superhéroes, sino gracias a los teléfonos inteligentes y las redes sociales. Las películas de superhéroes en realidad mantuvieron a la gente en los cines durante esa transición y ahora la gente está regresando. Por eso merecen un poco más de reconocimiento”.

Hemsworth también se mostró en desacuerdo con las críticas de Marvel por parte de los actores que aparecieron en el MCU. No mencionó ningún nombre, pero The Times mencionó a Idris Elba (una vez dijo que era una “tortura” hacer una película de Marvel) y Christian Bale (criticó la “monotonía” de trabajar en el set de “Thor: Love and Thunder”). como ejemplos.

“Es como, ‘Son películas que tienen éxito, ponme en una’. Ah, ¿el mío no funcionó? Los golpearé’”, dijo Hemsworth. “Mira, yo crecí viendo una telenovela. Y solía molestarme cuando los actores luego hablaban del programa con culpa o vergüenza. La humildad ayuda mucho. Uno de los actores mayores de ‘Home and Away’ dijo: «No nos pagan por hacer que las buenas líneas suenen bien, sino por hacer que las malas funcionen». Eso se me quedó grabado.

“Pero bueno, todo es una lección”, continuó. “Y si alguna vez volviera a [Thor] Me preguntaría cómo podríamos cambiarlo de nuevo. Pero hay una maldición de superhéroe en el sentido de que te encasillan, y me sentí un poco paralizado con lo que podía hacer, así que [I] Quería desesperadamente algo que me asustara. Y ‘Furiosa’ lo hizo”.

Hemsworth ha estado haciendo rondas de prensa en apoyo de “Furiosa”, la precuela de “Mad Max: Fury Road” de George Miller que se estrenará mundialmente en el Festival de Cine de Cannes antes de su estreno en cines este mes. El actor interpreta a un señor de la guerra demente y villano, lo que está muy lejos de su papel característico de Thor. Admitió en Vanity Fair el mes pasado que se sintió frustrado con Thor durante su mandato en Marvel.

«A veces me sentí como un guardia de seguridad del equipo», dijo Hemsworth. “Leía las líneas de todos los demás y decía: ‘Oh, tienen cosas mucho más interesantes’. Se están divirtiendo más. ¿Qué está haciendo mi personaje? Siempre se trataba de: ‘Tienes la peluca puesta’. Tienes los músculos. Tienes el disfraz. ¿Dónde está la iluminación? Sí, soy parte de esta gran cosa, pero probablemente soy bastante reemplazable”.

Hemsworth añadió que «ha sido una larga espera» para poder tener la oportunidad de mostrar algo más que sus dotes de «tipo musculoso de acción», pero eso es lo que es «Furiosa» a sus ojos. La película se estrena en todo el país el 24 de mayo por parte de Warner Bros.

Pathe se ha embarcado en “The Unknown”, la próxima película muy esperada del coguionista de “Anatomy of a Fall”, Arthur Harari, protagonizada por Léa Seydoux. “Anatomy of a Fall”, que Harari coescribió con la directora Justine Triet, ganó un Oscar, dos Globos de Oro, un BAFTA y la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes del año pasado.

A partir de “Dune: Part Two”, Seydoux encabezará la película de fantasía. El actor, cuya carrera abarca producciones de Hollywood y europeas, recientemente protagonizó el romance de ciencia ficción de Bertrand Bonello, “La Bestia”.

“The Unknown” es una producción de Bathysphere, con sede en París, y su finalización está prevista para el primer semestre de 2026. Pathé es coproductor y presentará el paquete a los compradores en el mercado de Cannes. La marca también distribuirá la película en Francia.

Si bien la trama permanece en secreto, Harari se burló de que el proyecto es «una mezcla de crónica urbana realista, película de fantasía, investigación, melodrama y ensoñación».

“[It] Se metamorfoseará continuamente ante nuestros ojos, mientras que su horizonte será la transformación profunda e irreversible del personaje”, continuó Harari.

“The Unknown” marca el tercer trabajo como director de Harari y el más ambicioso hasta la fecha. Su película anterior, “Onoda: 10,000 Nights in the Jungle”, inauguró la edición de 2021 de Una Cierta Mirada en Cannes y ganó varios premios, incluido el Premio César al mejor guión original.

Nicolas Anthomé, quien produjo la película en Bathysphere, dijo que “The Unknown” será “una película de fantasía realista, en la que la fantasía se entiende, ante todo, como una espectacular promesa de vértigo, evocación y poesía”. Pathé se encargará de las ventas internacionales y del estreno de la película en Francia y Suiza.