ACTUALIZADO, 4:49 p.m.: Después de obtener una brillante puntuación de 82% en Rotten Tomatoes con críticos saliendo de su estreno en el Festival de Cine de Telluride, quemadura salada de la cineasta ganadora del Oscar Emerald Fennell se estrenará una semana antes, el 17 de noviembre, de forma limitada. Luego, MGM ampliará la película el 22 de noviembre para aprovechar las vacaciones de los cinéfilos.

La película de viaje salvaje es una deconstrucción de la sociedad de clase alta británica en la que Barry Keoghan interpreta a un joven estudiante nerd de la Universidad de Oxford que se hace amigo de un colega mucho más popular y rico, interpretado por Jacob Elordi. El personaje de Keoghan está obsesionado con él y finalmente pasa un verano con la excéntrica familia de su amigo en su finca rural.

Lea la conversación de Baz con Fennell en Telluride, donde calificó la película de “personal” y que trata “sobre la necesidad, el deseo, el deseo y el sexo”.

ANTERIORMENTE, 25 de julio: En medio de todo el ruido sobre los estudios que desmantelan el calendario de estrenos de otoño y el cuarto trimestre debido a la huelga SAG-AFTRA, aquí hay una buena noticia: Amazon está tomando su película dirigida por Emerald Fennell. quemadura salada saldrá el Black Friday, 24 de noviembre, en Nueva York y Los Ángeles. La imagen se ampliará el 1 de diciembre.

A raíz del lanzamiento de Ben Affleck Aire En los cines durante Semana Santa (se estrenó con $ 20,2 millones en cinco días en Estados Unidos y recaudó cerca de $ 90 millones en todo el mundo), el transmisor volverá a estar en cines, y eso es algo muy digno de aplaudir.

Amazon está entusiasmado con la próxima gran característica de Fennell, que tiene una trama que está en secreto (la lógica es que se trata de una familia aristocrática). El reparto incluye a Barry Keoghan, Jacob Elordi, Rosamund Pike, Richard E. Grant, Alison Oliver, Archie Madekwe y Carey Mulligan.

Se especula que por ahí quemadura salada se dirige al Festival de Cine de Telluride.

La anterior película de Fennell protagonizada por Mulligan, Mujer joven prometedora, El cineasta ganó el Oscar al guión original en 2021 entre cinco nominaciones en total, incluida la de Mejor Película.

ACTUALIZADO con lo último: El Festival de Cine de Telliride comenzó el 31 de agosto con un cartel para la 50ª edición del evento de las Montañas Rocosas que incluye estrenos mundiales de la película de Alexander Payne. Los restos (Funciones de enfoque), Emerald Fennell’s quemadura salada (Amazonas) y Gratis en solitario Largometraje narrativo de los cineastas Elizabeth Chai Vasarhelyi y Jimmy Chin nyad (Netflix).

Ya se acerca la fecha límite para ver todas las películas clave. A continuación se muestra una recopilación de nuestras reseñas del festival, que también incluyen Rustin, Todos nosotros extraños, Los ciclistas y más.

RELACIONADO: Calendario de festivales de cine para 2023

Director: andres haigh
Distribuidor: Imágenes del reflector
Elenco: Andrew Scott, Paul Mescal, Jamie Bell, Claire Foy
Conclusión de la fecha límite: La película plantea muchas preguntas, pero las respuestas no se dan fácilmente. Es un trabajo desafiante, ya que gran parte de la filmografía basada en personajes de Andrew Haigh suele ser, pero uno que ofrece grandes recompensas si te registras.

Director: Jeff Nichols
Distribuidor: Películas del siglo XX
Elenco: Jodie Comer, Austin Butler, Tom Hardy, Michael Shannon, Mike Faist, Boyd Holbrook, Damon Herrman, Beau Knapp, Emory Cohen, Toby Wallace, Norman Reedus, Karl Glusman
Conclusión de la fecha límite: Aunque hay muchas escenas vívidas y gráficamente sangrientas a lo largo del camino, en última instancia, este es un retrato de los tiempos cambiantes, nuestra necesidad colectiva de conexión y las complicaciones que conlleva. Es el código del Viejo Oeste en su encuentro con lo nuevo.

Director: cristina sala
Elenco: Sean Penn y Dakota Johnson
Conclusión de la fecha límite: la escritora y directora debutante Christy Hall ha creado un maravilloso dúo entre un taxista veterano de Nueva York que lo ha visto todo y una joven que intenta resolver las cosas.

Director: Alejandro Payne
Distribuidor: Funciones de enfoque
Elenco: Paul Giamatti, Da’Vine Joy Randolph, Dominic Sessa, Carrie Preston, Tate Donovan, Gillian Vigman, Andrew Garman, Naheem García
Conclusión de la fecha límite: Gracias a Dios por Alexander Payne. Aquí no hay giros sorprendentes en la historia, solo cosas de la vida cotidiana con personas unidas por circunstancias de las que tienen que sacar lo mejor. Y un casting perfecto.

Directores: Elizabeth Chai Vasarhelyi, Jimmy Chin
Distribuidor: netflix
Elenco: Annette Bening, Jodie Foster, Rhys Ifans, Ethan Jones Romero, Luke Cosgrove, Jeena Yi, Eric T. Miller
Conclusión de la fecha límite: nyad tiene algo en común con el de Bradley Cooper Maestro, que se estrenó en Venecia. Ninguna de las películas es una película biográfica tradicional sobre el tema del título, sino más bien una película con un enfoque singular que profundiza mucho más en la maleza para descubrir qué los impulsó y los convirtió en quienes eran.

Director: George C. Wolfe
Distribuidor: netflix
Elenco: Colman Domingo, Chris Rock, Glynn Turman, Aml Ameen, Gus Halper, CCH Pounder, Da’Vine Joy Randolph, Johnny Ramey, Michael Potts, Jeffrey Wright, Audra McDonald
Conclusión de la fecha límite: Este emocionante drama biográfico es una película para cualquier persona remotamente interesada en los problemas de la época, y Colman Domingo debería emerger como una estrella sobre la base de su actuación mientras desempeña el papel principal como una fuerza de la naturaleza.

Director: Fennell Esmeralda
Distribuidor: MGM
Elenco: Barry Keoghan, Jacob Elordi, Rosamund Pike, Richard E. Grant, Alison Oliver, Archie Madekwe y Carey Mulligan
Conclusión de la fecha límite: Lo que es notable aquí es el deseo innegable, tal vez incluso insaciable, de Emerald Fennell de incluir en la película todo lo que se le ocurra, de impulsar la urgencia, el determinismo y la innegable fuerza vital que es evidente en todo momento.

Director: Daina O. Pusic
Distribuidor: A24
Elenco: Julia Louis-Dreyfus, Lola Petticrew, Leah Harvey, Arinze Kene
Conclusión de la fecha límite: Martesque presenta un fuerte giro dramático de Julia Louis-Dreyfus y un impresionante debut cinematográfico de Pusic, se convierte en una desgarradora historia de madre e hija, una desgarradora historia de abandono, espiritualidad, fe y reconciliación consigo mismo.

Director: Ethan Hawke
Elenco: Maya Hawke, Laura Linney, Philip Ettinger, Rafael Casal, Steve Zahn, Cooper Hoffman, Willa Fitzgerald, Alessandro Nivola, Vincent D’Onofrio
Conclusión de la fecha límite: No hay duda de que Gato montés Es un trabajo pequeño y de enfoque limitado que será de interés principalmente para estudiantes universitarios de literatura, académicos del Sur y escritoras en particular. Pero felicitaciones a Hawke por poner aunque sea un poco de luz sobre este singular escritor estadounidense.

Sin una industria cinematográfica de la que hablar y con fondos limitados para hacer una película en uno de los lugares más remotos del mundo, el joven director y escritor butanés Pawo Choyning Dorji logró un milagro con su primer largometraje, Lunana: un yak en el aula que surgió de la nada para conseguir una nominación al Oscar a la Mejor Película Internacional (anteriormente Mejor Película en Lengua Extranjera) en 2019. Era una película encantadora ambientada en un pueblo de Bután sin conexión con el mundo exterior y donde un joven profesor debe decidir si quiere quedarse y enseñar a los niños o seguir sus sueños en Australia.

Si yo fuera un apostador –que lo soy– me atrevería a decirlo con su segunda película. El monje y la pistola , que acaba de tener su estreno mundial en el Festival de Cine de Telluride este fin de semana y se trasladará a Toronto la próxima semana, verá al director regresar al Dolby Theatre el próximo mes de marzo. Aquí no hay maleficio de segundo año, este es incluso mejor que el primero, y eso es decir algo.

Ambientada en 2006, la modernización finalmente llegó al Reino de Bután justo cuando el Rey abdicó durante mucho tiempo para llevar la democracia al quizás último lugar del planeta que ni siquiera tiene televisión o Internet. Ahora lo hacen, y se está planeando un simulacro de elección para capacitar a los residentes inocentes de una aldea donde la religión sigue siendo más popular que la política sobre cómo votar. Sin embargo, al mismo tiempo que se simula el día de las elecciones, un monje local está planeando una ceremonia secreta que podría cambiar las cosas. Ahí es donde entra en juego la “pistola” del título de la película, ya que el Lama le ha pedido a un monje que le traiga dos armas. Al mismo tiempo, sin embargo, un entusiasta estadounidense de las armas (Harry Einhorn) llega a la aldea rural para encontrar y comprar un rifle ultra raro de la Guerra Civil que ha sido rastreado hasta tierras remotas. Un residente local actúa como su guía y lo lleva hasta el Monje, quien se niega a aceptar la generosa cantidad que ofrece el estadounidense, pero acepta vender el rifle por un precio menor, para sorpresa del comprador.

Sin embargo, las complicaciones surgen cuando ese acuerdo explota antes de que el estadounidense y su guía puedan recuperar el dinero en efectivo, y el arma en cuestión está ahora en viaje hacia el Alto Lama. Mientras tanto, los supervisores electorales han establecido una opción entre el Rojo, el Azul y el Amarillo para los lugareños despistados cuyo mayor problema anterior parece ser la adhesión a la Felicidad Nacional Bruta. El rojo (léase Partido Republicano) representa el progreso industrial, el azul (léase Demócratas) representa la Igualdad y la Justicia, y el Amarillo representa Preservar el pasado. Incluso intentar “registrar” a los ciudadanos se convierte en un problema, ya que nadie parece saber siquiera su fecha de nacimiento oficial. Sin embargo, la campaña está en marcha y, astuta e irónicamente, resulta que Bután interviene también como una mirada satírica a la democracia estadounidense actual, la división del electorado y la obsesión con la Segunda Enmienda.

Dorji presenta todo esto con un suave golpe satírico a la democracia estadounidense, pero muestra las dificultades de cambiar una sociedad cuya pura y encantadora inocencia se interpone en el camino de una revolución política, incluso cuando recién están descubriendo a James Bond y las Spice Girls.

Los productores de la película que busca distribución en Estados Unidos y que, en mi opinión, es una de las dos o tres mejores películas de Telluride de este año, son Stephanie Lai, Jean-Christophe Simon y Hsu Feng.

Aquí hay una entrevista que hice ayer aquí en Telluride con su escritor y director Pawo Choyning Dorji.

FECHA LÍMITE: ¿Qué te inspiró a hacer El monje y la pistola?

PAWO CHOYNING DORJI: Siempre me ha intrigado mucho cómo Bután se convirtió en una nación moderna. Yo era un adolescente que vivía en el extranjero y regresaba a Bután y podía ver cómo era el mundo exterior y lo diferente que era Bután. Mi padre era diplomático. Yo miraba MTV, bebía Coca-Cola y salía a McDonald’s. Pero cada vez que tenía que ir a Bután tenía que saber que durante esos meses no tendría McDonalds ni dibujos animados. Yo era como un forastero que entraba y se daba cuenta de lo que era, pero muchos adolescentes de la ciudad no sabían lo que se estaban perdiendo. De hecho, nunca fui a la escuela de cine. Estudié ciencias políticas y por eso estaba muy intrigado por cómo Bután se volvió demócrata. Ese simulacro de elección en la película es una historia real. Tuvimos una elección simulada y el Partido Amarillo (para preservar la autoridad del Rey) ganó. Me pareció muy extraño que aquí la gente recibiera este regalo de la democracia y no lo quisiera. Todavía querían que él gobernara y pensé que era una historia única para contar al resto del mundo. Lo que realmente me convenció de hacer la película fue que después Lunana, Estuve atrapado en Bután durante la pandemia participando en un proyecto que trabajaba con los monjes y los lamas y estaban enterrando armas en la fundación. Y les pregunté por qué y me dijeron que en Bután todo tiene que ver con el simbolismo.

FECHA LÍMITE: ¿Qué lo preparó para los aspectos políticos de esta historia, especialmente para mirar a Estados Unidos sin decirlo específicamente?

DORJI: Estudié Ciencias Políticas en Estados Unidos. Esa fue mi carrera universitaria. Nunca fui a la escuela de cine. Así que fui testigo de muchas cosas sobre la democracia en Estados Unidos, ya sabes, los Estados Azules y Rojos, la segunda enmienda… Espero que la mayor cantidad de estadounidenses puedan ver esto como sea posible.

FECHA LÍMITE: ¿Cómo conseguiste reunir a este maravilloso elenco? ¿Son actores profesionales?

DORJI: Principalmente trabajando con no profesionales. Ni siquiera tuve un Lama hasta una semana antes del rodaje. El Lama que quería era un Lama real y él iba a su monasterio, así que no pude conseguirlo. Fui al lugar real porque necesitaba obtener permiso del Lama del pueblo para filmar, así que fui a verlo y allí estaba sentado en su habitación con su barba blanca, su voz profunda y esos ojos ahumados. Pensé ‘vaya, sería perfecto para la película’. Le pregunté, pero me dijo ‘bueno, tengo que ir a mi cueva’, pero le pregunté si podía esperar un mes más y ayudarme a hacer esta película, y estuvo de acuerdo. Simplemente estaba siendo él mismo.

FECHA LÍMITE: En términos de logística para hacer películas en estas regiones bastante remotas, ¿fue más fácil esta vez?

DORJI: Creo que, según los estándares estadounidenses, todavía está muy lejos de eso. Si alguna vez visitas Bután te darás cuenta de que no tenemos ningún equipo cinematográfico. Sin cámaras, sin iluminación. Para Lunana No tuve otra opción porque era una caminata muy larga, así que solo llevamos una cámara y baterías, ni siquiera luces. Pero para esto estábamos a dos días en auto desde la ciudad principal, así que pudimos traer cámaras y luces, pero como no tenemos ninguna industria cinematográfica, todas las cámaras, las luces, tuvieron que ser traídas desde la India y en el carretera durante una semana para llegar al lugar. De hecho, cuando llegué a Telluride sentí que todo el diseño reflejaba esa ubicación. Qué eficientes hacemos nuestra película en las montañas y luego llegamos a Telluride donde todo se parece a eso. Quizás este pueblo sea Telluride hace 200 años.

FECHA LÍMITE: Increíblemente, obtuviste una nominación al Oscar por primera vez, y también fue la primera para Bután. ¿Cómo fue esa experiencia?

DORJI: Lunana El viaje no se parece a ningún otro como puedas imaginar. Fue mi primera película. No tenía agente internacional, ni distribuidor, ni productores, solo yo. Y yo y un par de amigos llevamos nuestras cámaras allá arriba y hacemos una película usando actores que no sólo nunca habían actuado, nunca habían visto una película, nunca habían experimentado lo que es una bombilla, así que hacer una película como eso y tener ese viaje desde ser un absoluto desconocido hasta dispararse en los premios del festival y ser preseleccionado para un Oscar cuando no teníamos relaciones públicas. fue diferente. No teníamos distribución americana. No teníamos publicista y fuimos preseleccionados. Fue sólo entonces cuando la gente dijo: ‘Oh, tienes que tomarte esto más en serio’. Dije: ‘Está bien, ¿qué se supone que debo hacer?’ Dijeron que es necesario contratar gente, conseguir distribución. Fue una experiencia increíble, y cuando asistí a los Oscar, hubo una sesión de preguntas y respuestas de directores internacionales con los miembros, y les dije que hay miles de cineastas en todo el mundo y que están luchando. Y una pregunta que siempre nos hacemos es ¿merece la pena? ¿Vale la pena hacer esto? ¿Estamos haciendo lo correcto, ya sabes, flagelándonos para hacer esta película? ¿Alguien la verá? Eso me lo cuestionaba cada vez que estaba en la montaña cargando pilas mi cámara, decía ‘¿vale la pena? Y el hecho de que esta película desconocida que ustedes, los miembros de la Academia nos hayan dado esta oportunidad, es una declaración para todos los cineastas como yo que están luchando y haciéndose la pregunta. Les estás diciendo ‘sí, haz la película’. Tienes una oportunidad.Lunana tiene una oportunidad. Es una historia inspiradora.

Título: El monje y la pistola

Festival: Festival de cine de Telluride

Agente de ventas: UTA (América), Films Boutique (Internacional)

Director/Guión: Pawo Choyning Dorji

Elenco: Tandin Wangchuk, Pema Zangpo Sherpa, Tandin Sonam, Kelsang Choejey, Deki Lhamo, Harry Einhorn, Choeying Jatsho, Tandin Phubz, Ugyen Dorji

Tiempo de ejecución: 1 hora y 47 minutos

A Hollywood le encantan las secuelas, pero en el ámbito de la no ficción es raro que un documental tenga una continuación. Sin embargo, 15 años después Alimentos, Inc. aterrizó con gran impacto, la secuela Alimentos, Inc. 2 se estrenó en el Festival de Cine de Telluride y aporta una nueva perspectiva sobre el sistema alimentario deteriorado de Estados Unidos.

«Todos nosotros juramos que nunca volveríamos a ir a esta zona», dijo Robert Kenner, director de la película original. Alimentos, Inc. Codirigió Participant’s Alimentos, Inc. 2 con Melissa Robledo, coproductora de la primera película. “Pero creo que en algunos niveles esto se convirtió en una historia tan importante que contar que todos sentimos que necesitábamos regresar y que podíamos hablar de ello en términos más contundentes que antes. [before].”

El catalizador de la secuela fue la pandemia, que expuso las vulnerabilidades de un sistema alimentario dominado por un puñado de grandes empresas agroindustriales, entre ellas Cargill, ADM y Tyson Foods.

«Cuando se obtiene un sistema que es tan hipereficiente, también se vuelve muy frágil y no puede soportar los impactos», dijo el autor Michael Pollan, productor de Alimentos, Inc. 2 y un consultor especial del original, dijo a Deadline en Telluride. “Veíamos a los granjeros tirar enormes cantidades de comida, sacrificar a los cerdos y derramar leche en el suelo al mismo tiempo que los estantes de los supermercados estaban vacíos. ¿Y cómo podrían ir juntas esas dos cosas?

Los gigantes del negocio agrícola fueron demasiado torpes para adaptarse, dicen los realizadores. Lo que esas empresas sí tenían a su favor era un inmenso poder en Washington. Esto se hizo evidente después de que las plantas empacadoras de carne se convirtieran en súper esparcidores de Covid. Cuando las autoridades locales de Waterloo, Iowa, intentaron pausar la producción en una planta de Tyson Foods en respuesta a un brote de Covid, el presidente de la empresa, John Tyson, tuvo otras ideas. Escribió una carta al entonces presidente Trump instándolo a mantener abiertas las líneas de producción a pesar del riesgo para los trabajadores. Dos días después, Trump cumplió con una orden ejecutiva (redactada con la ayuda de Tyson), citando su autoridad bajo la Ley de Producción de Defensa.

“Un completo abuso de esa ley, por cierto”, sostuvo Pollan. “Si alguna vez se necesitó un mejor ejemplo del poder corporativo enloquecido, fue esa carta de John Tyson a Trump”.

Una de las nuevas áreas de exploración en la secuela es el crecimiento de los alimentos ultraprocesados, que ahora representan alrededor del 58 por ciento de la ingesta diaria de calorías entre los estadounidenses. La película analiza estudios que muestran que los alimentos ultraprocesados ​​(cereales para el desayuno, bebidas carbonatadas, pizzas congeladas, dulces, etc.) engañan al cerebro para que coma más. Esto, a su vez, conduce a tasas más altas de obesidad y diabetes.

Las empresas alimentarias invierten millones de dólares en investigaciones para mejorar artificialmente el perfil de sabor y la apariencia de los productos, lo que hace que los estadounidenses “pierdan el gusto por la comida real”, como dice Pollan en la película. Las grandes empresas agrícolas reciben miles de millones de dólares en subsidios para cultivar productos básicos como el maíz. No es sorprendente que el maíz y los edulcorantes derivados del maíz terminen en más alimentos, lo que nuevamente tiene efectos nocivos para la salud.

“Dietas ricas en [high fructose corn syrup]”, según un artículo publicado en Healthline.com, “se han relacionado con problemas de salud como hígado graso, triglicéridos altos, resistencia a la insulina, niveles altos de azúcar en sangre y un mayor riesgo de diabetes tipo 2”.

“Este es el último movimiento capitalista”, observó Kenner. «Podría matar a sus clientes, pero se está aprovechando de los precios baratos de las materias primas».

Alimentos, Inc. 2Sin embargo, no todo es pesimismo. De hecho, ni mucho menos. El movimiento Fair Food ha ido creciendo en Florida, por ejemplo, donde los recolectores de tomates han persuadido a algunos productores para que les ofrezcan mejores salarios y condiciones laborales. El movimiento ha tenido cierto éxito al reclutar a los consumidores para presionar a las empresas para que comercialicen productos que no impliquen explotación laboral.

“El talón de Aquiles del capitalismo, al menos del capitalismo de consumo, es la marca. Las empresas tienen más miedo de que su marca sea mancillada que de cualquier regulación”, dijo Pollan. El [Fair Food] «La coalición se dio cuenta de eso: si atacamos estas marcas, si tratamos de llamar la atención públicamente sobre el presidente de Burger King, avergonzar a la gente, todo este tipo de cosas, fue efectivo».

Wendy’s fue objeto de cierta vergüenza pública después de que «dejó de comprar tomates de invierno de Florida y optó por comprarlos en México, donde el trabajo forzoso y las condiciones agrícolas abusivas son más comunes», según un informe de FastCompany. Según se informa, Wendy’s dijo que su medida «no estaba relacionada con el Programa de Alimentos Justos».

Los cultivos básicos como el maíz y la soja han estado agotando la valiosa capa superior del suelo en estados como Iowa. Pero la película muestra cómo el agricultor y empresario Zack Smith ha creado una solución innovadora a ese problema. Co-diseñó un ingenioso “granero móvil” al que llama Cluster Cluck 5000 que se mueve por los campos. Delante hay cabras y ovejas que mastican felices las cosechas. Detrás de una unidad central, los cerdos hurgan en la tierra, airean el suelo y depositan estiércol. Cada pocas horas, el establo móvil se traslada a un nuevo lugar y los animales renuevan sus esfuerzos.

«Siempre están felices», dijo Smith a Deadline sobre los animales. “Nunca parecen estresados. Siempre llega pasto fresco y están entusiasmados. Cada vez que el granero se mueve, literalmente se puede ver la emoción de los animales. Es increíble. Es una delicia”.

El Cluster Cluck mantiene el suelo en su lugar y mejora los cultivos. Smith dijo que escalar su proyecto «no es algo difícil… Sé cómo hacer que esto funcione en el lado de la producción y lo hemos demostrado».

La parte de procesamiento –donde los cerdos y otros animales van al matadero– es otra cuestión. Eso está controlado por las grandes empresas agrícolas.

“Existe el brillo de personas como Zack que hacen grandes cosas. Sólo necesitamos ser capaces de crear un sistema donde personas como Zack puedan prosperar”, dijo Kenner. «Y no es un campo de juego justo y equitativo en este momento».

Si me perdonan la metáfora, hay un gran apetito por las historias que se cuentan y los temas tratados en Alimentos, Inc. 2.

«Definitivamente el interés sigue ahí entre los consumidores», dijo Robledo, el codirector. “Creo que no falta interés en estos temas y en lo que está pasando. La gente ha estado continuamente interesada desde el momento en que salió la primera película”.

Comida, nos atrevemos a decir, para pensar.

El cineasta ganador del Oscar Errol Morris presentó su nuevo documental El túnel de las palomas – sobre el espía convertido en novelista David Cornwell, también conocido como John le Carré – en el Festival de Cine de Telluride el viernes. Posteriormente, el público lo clasificó entre los mejores trabajos de Morris, un canon que incluye los clásicos. La delgada línea azul y Puertas del cielo.

Morris dijo que se necesitaron años para completar el túnel Pigeon. Pero durante una sesión de preguntas y respuestas, hizo referencia a un esfuerzo diferente que aparentemente no está destinado a concretarse: un incipiente proyecto documental sobre el ex Secretario de Estado Henry Kissinger. La controvertida figura que guió la política exterior estadounidense durante las administraciones de Nixon y Ford alcanzó recientemente la marca del siglo.

«Alguien quería que entrevistara recientemente, con motivo de su centésimo cumpleaños, a Henry Kissinger», dijo Morris a la audiencia en el Teatro Chuck Jones en Mountain Village. “Y como señaló mi esposa, hablamos por teléfono durante más de una hora. Se arrepintió”.

Morris añadió: “Pensé que estaba siendo perfectamente amable. No quería ser entrevistado por mí”.

Esa revelación será una gran decepción para los fanáticos de Morris, quienes saben lo que el cineasta puede lograr con un tema tan maduro para la exploración como Kissinger. El documental ganador del Oscar de Morris La niebla de la guerra narra los arrepentimientos del exsecretario de Defensa Robert McNamara, arquitecto de la guerra de Vietnam durante la administración Johnson. Morris también se enfrentó de manera memorable con el ex secretario de Defensa Donald Rumsfeld, quien presidió la invasión de Irak durante la administración de George W. Bush, en Lo desconocido conocido.

Morris mencionó a Kissinger en el contexto de figuras influyentes que defienden una visión cíclica de la historia, lo que significa que creen que ciertas fuerzas externas guían los acontecimientos humanos hacia fines ineluctables. Esto, dijo el director con evidente desdén, absuelve claramente a alguien como Kissinger de cualquier responsabilidad por sus acciones.

Se trataba de contrastar a Kissinger –o Stephen K. Bannon, el asesor de Trump y tema del documental de Morris–. Dharma americano – con David Cornwell. Antes de convertirse en un autor de novelas de espionaje de gran éxito, Cornwell sirvió en el servicio de inteligencia nacional de Gran Bretaña, el MI5, y luego en el servicio de inteligencia exterior, el MI6.

“Va a Alemania a principios de los años 60, es un espía, un diplomático. Y corríjanme si me equivoco”, añadió Morris con su característico humor irónico, “luchamos esta guerra, ¿cómo se llamó? Segunda Guerra Mundial, para derrotar a la Alemania nazi. Llega a Alemania y a la Bundesrepublik y, de repente, se da cuenta de que está llena de nazis”.

(Eso desencadenó un divertido intercambio con el moderador Michael Barker, codirector de Sony Pictures Classics, quien señaló que los alemanes de la posguerra en cuestión eran “ex nazis”, como de hecho los describió Cornwell. Morris respondió irónicamente: “Tal vez. Una vez Nazi, siempre nazi. ¡Estás hablando con un judío! Ex nazi, mi trasero”).

Cornwell, en la película, dice que en el período de posguerra había nazis (“ex” o no) caminando libremente tanto por Alemania Occidental como por Alemania Oriental. Esto lo dejó con una sensación de desilusión moral respecto del floreciente conflicto de la Guerra Fría: “Oriente y Occidente”, dice, “estaban inventando el enemigo que necesitaban”.

El túnel de las palomas, basada en las memorias de Cornwell de 2016, se estrena en Apple TV+ el 20 de octubre. En algunas de las escenas más sorprendentes de la película, Cornwell expresa un odio casi visceral hacia Kim Philby, el alto oficial de inteligencia británico que fue desenmascarado como un agente soviético en 1963, durante el momento en que Cornwell fue enviado a Alemania. Philby fue parte de los Cinco de Cambridge que se convirtieron en espías después de estar expuestos a la ideología marxista en su juventud y sirvieron a los intereses de la Unión Soviética durante el reinado de Stalin y más allá. Pero en la película, Cornwell dice que la ideología se volvió completamente secundaria para Philby en algún momento; Lo más importante era el atractivo del engaño y el doble juego, y de sentir que ocupaba un lugar en el punto de apoyo de la historia mundial.

Cornwell condena a Philby por seguir sirviendo a sus amos soviéticos mucho después de que Stalin fuera revelado como un loco y un asesino en masa.

“Lo sentí muy fuertemente en el trabajo de David. Es realmente angustioso”, dijo Morris, desplegando nuevamente ese irónico sentido del humor, “es mucho menos cínico que yo en su cosmología. Claramente hay bien y mal, bien y mal, bien y mal… Comunismo, Stalin… malo”.

En las preguntas y respuestas, Morris intentó discernir la fuente de la perspectiva de Cornwell. “¿Es amor por Inglaterra, amor por el Reino Unido? No exactamente, pero es una especie de, me atrevo a decir, patriotismo. Una creencia real en la reina y el país y eso lo envidio”, dijo Morris, bromeando: “¿En qué creo hoy? Creo en meterme debajo de la cama, chuparme el dedo y esperar que todo termine rápidamente”.

(Creo que no es tanto el amor a la reina y a la patria lo que guió a Cornwell, sino más bien un sentido básico de lealtad: que se había comprometido a actuar en interés de ciertos ideales, una decisión que le presentaba claras obligaciones morales).

Simon Cornwell y Stephen Cornwell, dos de los hijos de David, son productores de la película y participaron en el panel de preguntas y respuestas. El mayor de los Cornwell no pudo ver la película antes de su muerte en 2020 a la edad de 89 años. Pero los hijos dijeron que pensaban que le hubiera gustado.

«Nuestro padre estuvo fascinado por Errol durante mucho tiempo antes de conocerse», dijo Simon Cornwell. “Él siempre hablaba de La niebla de la guerra como una de las películas que moldearon su percepción de la verdad, la historia y la reflexión”.

Dominic Crossley-Holland, otro productor de la película, dijo que aunque Cornwell admiraba el trabajo de Morris, “David llegó a esto increíblemente cauteloso. Cuando lo conocí por primera vez, me interrogó sobre los motivos de Errol. Observó cada píxel que Errol había generado y me espió al inicio del proceso. Cuando empezamos a hacerlo, nos envió a conocer a algunos antiguos colegas de Ronnie. [David’s father]. Y descubrí que la próxima vez que lo vi, había llamado a sus antiguos colegas. Él dijo [to me], ‘He oído que estás preguntando esto sobre mí. ¿Por qué? ¿Errol está interesado en esto?’”

Crossley-Holland recordó los preparativos para las sesiones de entrevistas entre Cornwell y Morris que formarían el centro de la película. Las conversaciones fueron filmadas en una gran finca en las afueras de Londres.

“Estuvimos allí durante cuatro días, y Errol estaba en el ala este y David en el oeste”, relató Crossley-Holland. «Y justo antes de que comenzaran las entrevistas, Errol y David convergieron en el vestíbulo entre las alas este y oeste para evaluarse mutuamente por un momento, como un intercambio de la Guerra Fría, una tierra de nadie». Y añadió: “David [had] ideó una estrategia como interrogador él mismo, [inquiring at the outset] ‘Errol, ¿quién eres?’ Comenzó a tratar de poner a Errol a la defensiva… Creo que Errol y David habían encontrado su rival”.

Colman Domingo supera el papel principal como una fuerza de la naturaleza en Rustinun emocionante drama biográfico sobre el muy significativo pero no muy conocido líder de los derechos civiles Bayard Rustin, cuya carrera y reputación en la década de 1960 fueron minimizadas, al menos en parte, por su homosexualidad apenas disimulada.

El director George C. Wolfe es mejor conocido por su extenso trabajo en el teatro, y lo que ha entregado aquí es emocionante en varios sentidos, ya que ruge desde el principio, mantiene un impulso incansable en todo momento y dejará a la mayoría de los espectadores sabiendo una buena tratan más sobre el movimiento de derechos civiles que el día anterior.

Esta es una película para cualquiera remotamente interesado en los temas de la época y, especialmente en algunos de sus aspectos menos conocidos y desacuerdos con el movimiento que a menudo han sido silenciosamente dejados de lado.

Muchos políticos y activistas de este período crucial siguen siendo nombres conocidos hasta el punto de convertirse en íconos importantes. Pero en menos de dos horas, probablemente aprenderá mucho más al contemplar las muchas corrientes cruzadas, posiciones fuertemente mantenidas, reveses, batallas ideológicas y momentos de valentía, tanto familiares como desconocidos, que atraviesan este tempestuoso drama. También cabe preguntarse cómo un actor tan crucial como Rustin ha sido ignorado en gran medida en las últimas décadas, al menos por los principales creadores de la historia.

Rustin despega como un cohete y te lleva consigo mientras deja de lado algunas de las piedades y versiones aceptadas de las cosas y toca muchas de las disputas y desacuerdos dentro del naciente movimiento de derechos civiles. Luego está la cuestión de la homosexualidad de Rustin, que inicialmente se retrata por sugerencia pero pronto entra inevitablemente en la ecuación.

Hay tanto terreno que cubrir aquí que se necesitaría una miniserie de seis capítulos sobre el tema para hacerle justicia aunque sea parcialmente. Pero los coguionistas Julian Breece y Dustin Lance Black han hecho un trabajo excepcional al reunir una enorme cantidad de temas y puntos de vista en menos de dos horas, y el célebre director de teatro Wolfe evidentemente ordenó a sus actores que intentaran superar la máquina de James Cagney. entrega de diálogos a la velocidad de una pistola para acumular la máxima cantidad de información en un largometraje.

Las reuniones y discusiones entre los participantes giran sin cesar y te llevan a través de temas acordados y divisiones difíciles por igual. El espectador se siente invadido por una inmediatez y una naturalidad que le hacen sentir, más de lo habitual, que cada día se hace una historia importante, tanto porque se ha prescindido en gran medida de las devociones habituales como porque, por una vez, deberían .

El guión ofrece muchos antecedentes sobre los derechos civiles sin ser en absoluto didáctico o libresco. Los debates internos sobre políticas, quién debería hacer qué y cuándo, y cómo proceder con las manifestaciones que exigen justicia para las minorías, son sumamente interesantes.

Rustin, cuyo nombre y perfil disminuyeron sorprendentemente y finalmente desaparecieron en lo que respecta al público en general, sin duda será mucho más conocido una vez que la película aparezca en Netflix. El hombre era un orador maravilloso y estaba lleno de sorpresas. Ser un homosexual “claro” en ese momento representaba una barrera que ponía fin a su carrera, y la película muestra cómo la figura central ajustó su manera de hablar dependiendo de con qué personas y grupos estaba en ese momento. La religión también jugó un papel importante en el movimiento, particularmente en lo que respecta a la Iglesia católica.

Pero pase lo que pase, el hombre era un torbellino, el máximo responsable de concebir la Marcha sobre Washington de 1963, que confirmó a Martin Luther King Jr como la figura más importante del movimiento. Ciertamente hay muchos aspectos del evento que faltan, pero la película traza una línea recta desde las primeras actividades de Rustin hasta lo que se logró en ese momento crucial.

Domingo debería emerger como una estrella en base a su desempeño aquí.

Título: Rustin
Festival: Festival de cine de Telluride
Distribuidor: netflix
Fechas de lanzamiento: 3 de noviembre de 2023 (cines), 17 de noviembre (streaming)
Director: George C. Wolfe
Guionistas: Julian Breece, Dustin Lance Negro
Elenco: Colman Domingo, Chris Rock, Glynn Turman, Aml Ameen, Gus Halper, CCH Pounder, Da’Vine Joy Randolph, Johnny Ramey, Michael Potts, Jeffrey Wright, Audra McDonald
Clasificación: PG-13
Tiempo de ejecución: 1 hora 46 minutos

Las películas de motociclistas son casi un subgénero del cine en sí mismas, comenzando con Marlon Brando. El salvaje a principios de los años 50 y luego a través de todos esos títulos de explotación AIP de los años 60, incluidos Los ángeles salvajes, los ángeles del infierno sobre ruedas y muchos más, en particular el predecesor de Tom Laughlin en Billy Jack llamado Perdedores natos, todo culminando con Jinete facil con Peter Fonda, Dennis Hopper y Jack Nicholson, que se convirtió en el Ciudadano Kane del cine motero.

Ha pasado un tiempo desde que vimos un regreso importante en la pantalla grande al mundo de la cultura motera, pero con Jeff Nichols Los ciclistas, que tuvo su estreno mundial el jueves en el Festival de Cine de Telluride, esta era perdida hace mucho tiempo ha regresado. Pero su cineasta tiene ideas y motivos claramente diferentes para revivirlo. Básicamente, Nichols cuenta una historia de época ambientada en el mundo de los años 60 y 70 de los esfuerzos anteriores, pero aplica temas contemporáneos de identidad y lealtad y la necesidad de pertenecer a un mundo que nos aísla cada vez más como individuos. Además de eso, El ciclistas está más en la línea de películas que ha hecho Martin Scorsese como Buenos amigos y Calles malas, Películas que vibran con personajes vívidos, música y violencia gráfica. También se podría decir que está en la línea de un western clásico, en el que los forajidos van en bicicleta en lugar de a caballo hacia los inevitables enfrentamientos.

Nichols se inspiró para la historia en un libro de fotografías de Danny Lyon. Publicado por primera vez en 1967, narra la vida real del Chicago Outlaws Motorcycle Club durante un período de cuatro años. Nichols ha creado una versión ficticia llamada Los Vándalos, pero muchos de los personajes se basan en fotografías de esas páginas del libro de Lyon, que se ha reeditado varias veces a lo largo de las décadas.

El ancla de la película es su narradora, la narradora Kathy (Jodie Comer), quien describe su relación con Benny (Austin Butler), un enigma candente alejado de su familia que a menudo es el primero en pelear y no tiene miedo de elegir bando. Se casan cinco semanas después de conocerse, pero él es esquivo y de mal humor, y ella se encuentra constantemente luchando por llamar su atención debido a su relación de estilo padre/hijo con su mentor, Johnny (Tom Hardy), el anciano motociclista que lidera. los Vándalos, donde Benny ha encontrado un nuevo hogar, por así decirlo. Tiene predilección por luchar hasta el final, al igual que Johnny, que ve un heredero potencial en Benny, que no quiere formar parte de convertirse en el líder de la manada.

Kathy reúne anécdotas del ascenso y caída del club mientras le cuenta su historia a Danny (Mike Faist), quien está grabando conversaciones para un posible libro. Esto es lo que realmente hizo Lyon, y Nichols usa el dispositivo para abarcar varios años de la vida de los Vandals, desde mediados de los 60 hasta los 70, hasta una coda que cuenta lo que finalmente les sucedió a todos los ciclistas. Hay otros personajes coloridos, incluido el peculiar Zipco (Michael Shannon, habitual de Nichols); Cal (Boyd Holbrook), que es el jefe de mecánicos y está más interesado en las bicicletas que en las personas; Brucie (Damon Herrman); Peto (Beau Knapp); la cucaracha libre (Emory Cohen); Sonny divertido (Los muertos caminantes Norman Reedus); y Corky (Karl Glusman). Cada uno de ellos tiene una personalidad distinta que se combina bien para hacer que esta pandilla ficticia sea memorable, pero son Butler y Hardy quienes obtienen la mayor parte de nuestra atención, y ambos actores son sensacionales aquí.

Después de su nominación al Oscar elvis, Butler encaja cómodamente en un rebelde al estilo James Dean cuya causa parece sobrevivir a un encuentro violento tras otro. Hardy es el veterano canoso, el tipo mayor que se inspiró para formar a los Vandals después de ver a Brando hacerlo en Salvaje pero quien percibe claramente su propia época pronto será cosa del pasado, ya que una nueva generación con sensibilidades diferentes llama a esta puerta. El jefe de esa generación es The Kid (el actor británico Toby Wallace), un adolescente engreído con su propia pandilla que busca unirse a los Vándalos, pero Johnny, con razón, siente problemas. En una de las mejores escenas de la película, Johnny se enfrenta a The Kid, quien básicamente está tratando de demostrar que él y sus amigos tienen lo correcto para firmar.

Aunque hay muchas escenas vívidas y gráficamente sangrientas a lo largo del camino, en última instancia, este es un retrato de los tiempos cambiantes, nuestra necesidad colectiva de conexión y las complicaciones que conlleva. Es el código del Viejo Oeste cuando se encuentra con lo nuevo: la masculinidad desenredada, algunos lo logran y otros no. Nichols ha abordado las complejidades de lo que motiva a los hombres en películas variadas y brillantes, entre ellas Lodo y Cariñoso, entre otros, y aquí presenta una imagen, sí, violenta, pero extrañamente conmovedora que encaja perfectamente con lo que lo motiva como un agudo cronista de quiénes éramos y en qué nos convertimos.

Comer está sensacional con una voz femenina clave en una película dominada por los chicos. Felicitaciones a la veterana directora de casting Francine Maisler, quien ayudó a Nichols a darle vida cinematográfica a esos rostros que vio en el libro de Lyon. Este elenco es magnífico en todos los sentidos. También hay unas bonitas y breves puntas de los sombreros para El salvaje y Jinete facil ellos mismos.

Los productores de la producción de 20th Century Films y New Regency son Sarah Green, Brian Kavanaugh-Jones y Arnon Milchan.

Título: Los ciclistas
Distribuidor: Películas del siglo XX
Festival: Festival de cine de Telluride
Fecha de lanzamiento: 1 de diciembre de 2023
Director-guionista: Jeff Nichols
Elenco: Jodie Comer, Austin Butler, Tom Hardy, Michael Shannon, Mike Faist, Boyd Holbrook, Damon Herrman, Beau Knapp, Emory Cohen, Toby Wallace, Norman Reedus, Karl Glusman
Clasificación: R
Tiempo de ejecución: 1 hora 56 minutos

Gracias a Dios por Alexander Payne. El cineasta es, y siempre ha sido, un auténtico humanista. Un guionista/director más interesado en el ser humano, algo que siempre ha sido la especial efecto de sus películas. Un escritor dos veces ganador del Oscar, su última película, Los remanentes, que tuvo su estreno mundial el jueves en el Festival de Cine de Telluride, es una de sus pocas películas en las que no tiene crédito como escritor. David Hemingson hizo el guión, pero la idea, inspirada, vino de Payne, un auténtico cinéfilo que siempre estuvo intrigado por la película francesa de Marcel Pagnol de 1935. merluza sobre un grupo de estudiantes de un internado atrapados durante las vacaciones con un maestro muy despreciado. El director pensó que tenía la base para una nueva historia y la desarrolló con Hemingson.

Ambientada en 1970, es la primera película de época de Payne después de una célebre carrera por películas como De lado, Los Descendientes, y muchos otros. Sin duda, ha hecho algunos clásicos contemporáneos, pero la cálida humanidad de un trío de personas que se quedan solas en Navidad en un internado nevado está a la altura de lo mejor. Es divertido, triste, ingenioso, conmovedor, lleno de sarcasmo y corazón y con una gran actuación. También consigue ser una película ambientada en las vacaciones que ofrece algo realmente nuevo para el género, y además evoca deliciosamente no sólo la época en la que se desarrolla, sino también intencionadamente. aspecto como una película hecha entonces.

Desde el antiguo logotipo de clasificación de la MPAA hasta los créditos iniciales y la música que parecen sacadas de una película estrenada hace medio siglo, me sentí como si estuviera felizmente en una especie de máquina del tiempo que me llevaba a los días en que mis amigos y yo estábamos de pie. en largas colas en Westwood para ver gente como El cuco estéril, La caza del papel, Luna de papel, y Harold y Maude. Incluso la maravillosa partitura musical de Mark Orton marca el tono con una vibra estilo Fred Karlin que parece perfecta para la historia nevada ambientada en Barton Academy, un internado del este donde la mayoría de los estudiantes se van de vacaciones para estar con la familia. Un puñado se queda atrás y tiene que ser supervisado en el campus por el profesor adjunto de Historia Antigua Paul Hunham (Paul Giamatti), un profesor cascarrabias que básicamente reproba a sus alumnos por no cumplir con sus propios estándares imposibles, y ahora está pagando el precio por ello. Reprobar al hijo de uno de los mayores benefactores de la escuela. Sin esposa, hijos ni familia propia, le dicen que se quede y sea el acompañante de estos “restos”.

A solas con cinco estudiantes varones y la cocinera de la escuela Mary Lamb (la divina Da’Vine Joy Randolph), cuyo hijo de 20 años murió recientemente mientras estaba en servicio militar, Hunham convierte todo en una pesadilla para ellos mientras insiste en que los estudiantes sigan estudiando. incluso durante este descanso. Los estudiantes no lo soportan.

Quiso la suerte que uno de los padres ricos del niño cambie de opinión, llega en helicóptero e incluso se ofrece como voluntario para llevar a todos los demás niños con ellos a un viaje de esquí. Desafortunadamente, Hunham no puede localizar a la madre y al nuevo padrastro de Angus Tully (el recién llegado Dominic Sessa), por lo que, sin permiso, Tully es el único que queda atrás. A su manera solitaria, cada uno de los tres ahora no tiene familia: Hunham nunca se casó, Mary está de luto por su hijo y Angus fue abandonado durante las vacaciones por su madre y su padrastro en luna de miel. Hunham y el Sr. Tully (como el maestro llama a Angus) se pelean constantemente.

Hay poco que hacer en la escuela vacía. Hunham incluso termina mirando El juego de los recién casados se repite con Mary para tener alguna interacción humana. Poco a poco vimos a este improbable trío convertirse en su propio tipo de familia por defecto, pero las cosas se complican más adelante cuando Hunham acepta a regañadientes llevar a Angus a un viaje de estudios a Boston, algo que sus padres le habían prometido a Angus antes de abandonarlo, y que se vuelve un poco desastroso por todos lados.

No hay giros sorprendentes en la historia. Los remanentes. Son cosas de la vida cotidiana de personas unidas por circunstancias de las que tienen que sacar lo mejor. Giamatti, quien tan memorablemente protagonizó 2004, de Payne. Oblicuo, Nunca ha estado mejor en el papel de un veterano de la Academia Barton (fue estudiante allí a los 15 años) que nunca ha tenido mucho más y está muy atascado en sus costumbres, un intelecto brillante sobre la historia antigua sin mucha historia propia para hablar. acerca de. Es un reparto perfecto y Giamatti interpreta los diálogos brillantemente escritos como un Stradivarius.

Randolph es simplemente maravilloso y dice más con una mirada de lo que cualquier palabra podría decir. Ella es enormemente conmovedora y se gana nuestras lágrimas en el camino. Sessa, que fue descubierta en una búsqueda de casting en el departamento de teatro de una escuela como la de la película, nunca antes había actuado delante de una cámara y resulta ser una persona completamente natural. Esta es una de esas actuaciones de debut que simplemente resaltan. El niño tendrá una gran carrera después de esto.

Entre el elenco secundario, Carrie Preston es cálida y muy elegante como una administradora de la escuela que trabaja durante las vacaciones como una camarera que invita al trío a una fiesta de Navidad. Michael Provost, Brady Hefner, Jim Kaplan e Ian Dollen son los Holdovers que tienen suerte. Cada uno tiene su momento antes de que el grupo salga. Tate Donovan, Gillian Vigman, Andrew Garman y especialmente Naheem García como un conserje solitario que tiene un ojo puesto en Mary, obtienen brevemente sus propios focos.

Los productores de la producción de Focus Features y Miramax Films son Mark Johnson, Bill Block y Hemingson. Será un gran regalo para los cinéfilos en estas fiestas.

Título: Los restos

Distribuidor: Funciones de enfoque

Festival: Festival de cine de Telluride

Fecha de lanzamiento: 27 de octubre de 2023

Director: Alejandro Payne

Guión: David Hemingson

Elenco: Paul Giamatti, Da’Vine Joy Randolph, Dominic Sessa, Carrie Preston, Tate Donovan, Gillian Vigman, Andrew Garman, Naheem García

Tiempo de ejecución: 2 Horas y 13 minutos

Clasificación: R

En la novela de Taichi Yamada de 1987, Todos nosotros extraños era una historia de fantasmas sobre un hijo que se reconecta con sus padres fallecidos hace mucho tiempo mientras navega por el romance en la era actual. Al adaptar esta extraña historia a la pantalla, el guionista y director Andrew Haigh hizo algunos cambios, haciendo en gran medida que el personaje principal fuera gay, no heterosexual, y dejando que los elementos fantasmales desaparecieran dando la sensación de que todo esto está sucediendo en el presente, incluso si es hijo. y los padres tienen esencialmente la misma edad.

La película atraviesa dos épocas a través de los ojos de un hombre, Adam (Adam Scott), un guionista solitario de unos 40 años que se enfrenta a problemas de la mediana edad cuando un día un hombre del mismo complejo de apartamentos llama a la puerta. Harry (Paul Mescal) es un alma más libre y sexualmente cómoda que busca una relación gay más convencional cuando se ve arrojado al complicado mundo de Adam. Y para Adam, eso significa una extraña reintroducción a sus padres fallecidos hace mucho tiempo cuando regresa a la casa de su infancia solo para encontrar a papá (Jamie Bell) y mamá (Claire Foy) místicamente todavía allí, ahora de la misma edad que su hijo. viviendo la vida como si fuera ayer.

Y lo más interesante es que su padre lo acepta como gay mucho más que su madre, quien tiene problemas con quién se ha convertido Adam. Verá, Adam, cuando era muy pequeño, se vio envuelto en una situación verdaderamente de pesadilla cuando quedó huérfano cuando sus padres murieron en un accidente automovilístico. Era algo con lo que nunca pudo lidiar, pero ahora ha llegado a su vida una nueva persona que podría marcar la diferencia.

Para comprender la verdadera naturaleza de Adam, Haigh creó una escena brillante en la que lleva a su nuevo amigo desprevenido a la casa de su infancia, donde Adam revela que básicamente vive en un mundo al revés en el que sus padres existen a la misma edad que él. su hijo ahora adulto, uno donde cada uno se enfrenta al otro. Es espeluznante, sin duda, y esa es ciertamente la vibra que siente Harry cuando siente un poco de locura. Haigh eliminó muchos de los elementos fantasmales más abiertos de la novela, cambió la sexualidad para llevarla a una era completamente diferente de aceptación o no y nos hizo cuestionar nuestras relaciones más íntimas en todos los niveles.

No estoy del todo seguro de que esta historia surrealista funcionara sin actores del calibre de Scott, mejor conocido como el sacerdote sexy en bolsa de pulgas, y Mescal, que logra proyectar una sexualidad sana hasta caer en una zona de penumbra. Ambos son magníficos, pero particularmente Scott, que recorre toda la gama de emociones, así como Foy, que simplemente habita una madre ingenua que no puede aceptar el camino que ha elegido su hijo. Esa es sólo una de las razones por las que la adopción por parte de Haigh del material original, con cambios significativos, funciona tan bien.

Todos nosotros extraños Hace muchas preguntas, pero las respuestas no se dan fácilmente. Es un trabajo desafiante ya que gran parte de la filmografía basada en personajes de Haigh, incluida Fin de semana y 45 años a menudo es, pero uno que ofrece grandes recompensas si te registras. No es una película para un gran público, pero el público aventurero la aceptará con los brazos abiertos.

Los productores son Graham Broadbent, Sarah Harvey y Peter Czernin. Searchlight Pictures es el distribuidor de Disney de la película, que tuvo su estreno mundial esta noche en el Festival de Cine de Telluride.

Título: Todos nosotros extraños
Festival: Festival de cine de Telluride
Fecha de lanzamiento: 22 de diciembre de 2023
Distribuidor: Imágenes del reflector
Director-guionista: andres haigh
Elenco: Andrew Scott, Paul Mescal, Jamie Bell, Claire Foy
Clasificación: R
Tiempo de ejecución: 1 hora 45 minutos

Los ricos y los pobres de Gran Bretaña siempre han sido temas maduros para escritores de todo tipo y la tradición continúa en quemadura saladauna versión vibrante aunque bastante familiar del sistema de clases de alrededor de 2006. Emerald Fennell, siguiendo su guión ganador del Oscar por Mujer joven prometedora, revela una mano fuerte detrás de la cámara, incluso si la trayectoria de la historia parece bastante sobrecargada y familiar. No obstante, la escritura es viva y, a menudo, divertida, lo que le da al excelente elenco mucho con qué jugar.

En el centro de todo está Oliver Quick, un nombre que Dickens ciertamente habría aprobado. Muy interesante interpretado por Barry Keoghan, quien se abrió paso el año pasado en Las banshees de InisherinOliver es un adolescente sin padres cuya apariencia es extraña y atractiva y que está decidido a romper la barrera de la clase y las expectativas para hacer algo por sí mismo. Obviamente es un chico astuto y astuto que, sin ninguna ventaja social, logra entrar en Oxford.

Fennell dedica mucho tiempo a exponer el carácter animado y a veces atrevido de Oliver y llena sus decorados y localizaciones con una cantidad inusual de personajes bulliciosos; Uno podría imaginar fácilmente al director asumiendo una novela de Dickens y llenando su película con tantos personajes coloridos como sea posible. Pinta con una confianza audaz y un entusiasmo que se da cuenta de todo lo que sucede en la pantalla y al mismo tiempo logra no desplazar a Oliver por mucho tiempo.

Lo que Oliver no sabe es qué podría hacer durante el próximo verano. Pero el chico rico Felix Catton (el notablemente guapo Jacob Elordi) se fija en él y en poco tiempo lo invita a quedarse en la estupendamente grande mansión de campo de su familia durante el verano. ¿Qué pobre chico rechaza semejante oferta?

Hasta ahora, todo bien. Oliver es recibido con los brazos abiertos por el padre de Felix, Sir James Catton (Richard E. Grant), y con algo menos de entusiasmo por su madre Elspeth (Rosamund Pike). La película cambia de tono bastante abruptamente aquí; da la sensación de que Elsepeth ha visto ir y venir a innumerables invitados de este tipo a lo largo de los años y, por lo tanto, apenas arma un escándalo. Luego está la extraña elección de que Grant actúe excesivamente, algo que este maravilloso actor nunca ha hecho. La película luego avanza hacia áreas más cuestionables, alcanzando un registro que parece cómico y excéntrico pero que, al final, altera el tono que la película ha mantenido hasta este momento.

Este cambio de estilo de actuación altera significativamente la personalidad de la película y es como si los otros actores parecieran haber seguido su ejemplo por ósmosis, moviéndose a un registro que pretendía ser divertidamente extraño pero que resulta algo falso, en un tono completamente diferente.

El gran escenario de la película es una fiesta nocturna de ensueño de una noche de verano de asombrosa magnitud, que es parte del punto pero que también altera un poco el delicado equilibrio que ha logrado la primera mitad. No es que la película pierda el rumbo, exactamente, pero no involucra ni lleva completamente a Oliver con él. En lugar de ganar mayor impulso hacia el final, se extiende un poco más allá de su bienvenida y no mantiene la participación total que logró anteriormente.

En el papel principal, Keoghan muestra una amplia gama, desde un niño desconectado y sin suficientes cuidados hasta un ingenioso cerebro que, con un poco de suerte, podría llegar muy lejos en la vida. Aparte de la concepción equivocada del personaje de Grant, las actuaciones están bien juzgadas.

Lo que es notable aquí es un deseo innegable, tal vez incluso insaciable, de incluir en la película todo lo que se le ocurra, de impulsar la urgencia, el determinismo y la innegable fuerza vital que es evidente en todo momento. Si Fennell puede mantener este nivel de entusiasmo e inteligencia creativa, evitar la tentación de ir a Hollywood, tomar el dinero y dirigir la última producción de Marvel, parece estar en una trayectoria excelente.

Título: quemadura salada
Festival: Festival de cine de Telluride
Distribuidor: MGM
Director-guionista: Fennell Esmeralda
Elenco: Barry Keoghan, Jacob Elordi, Rosamund Pike, Richard E. Grant, Alison Oliver, Archie Madekwe y Carey Mulligan
Tiempo de ejecución: 2 horas 7 minutos