El editor Electronic Arts ha cambiado el nombre de su motor Frostbite, con el objetivo de reflejar mejor la tecnología como una «plataforma para la innovación colaborativa».

En un anuncio en el sitio web del editor, EA presentó una nueva dirección de marca para el motor, diciendo que «señala no sólo un cambio visual para Frostbite, sino también filosófico, con un enfoque renovado en la asociación con nuestros equipos y colaboradores». Como parte de esto, ha creado un nuevo logotipo para Frostbite, que sigue siendo una huella de una mano, pero es más suave y contiguo que las iteraciones anteriores.

Querido Jassi llega con ecos del éxito de Madonna de 1989, “Dear Jessie”, y su dulce promesa de elefantes rosas y limonada, pero nada de eso resulta evidente en el hermoso y brutal sexto largometraje de Tarsem Singh Dhandwar. En cambio, tenemos quizás el cebo y cambio más inquietante desde la versión original de George Sluizer de La desapariciónuna historia punjabi de Julieta y Romeo que es mucho más dura que cualquier versión filmada hasta ahora de West Side Story y mucho más divertido. Esta disonancia tarda un tiempo en revelarse, pero cuando lo hace, el impacto es visceral. El hecho de que casi todo sea verdad es el golpe mortal, y la onda expansiva de eso resuena a través de los conmovedores créditos finales, una toma estática que obliga a la audiencia, o tal vez simplemente los desafía, a pensar en lo que acaban de ver.

Las historias de inmigrantes han sido importantes en 2023, pero el núcleo preocupante de Querido Jassi es en realidad una historia de emigrantes, que trata directamente de las desventajas socioeconómicas de la migración, menos publicitadas. Este no es un ejercicio académico altisonante, sino un reflejo refrescante de algunas de las realidades, como la forma en que las personas pueden abandonar sus países de origen y luego, cuando se encuentran a salvo en pastos más verdes, comienzan a menospreciar el mundo que dejaron atrás. Fotografiada por el colaborador habitual Brendan Galvin, Querido Jassi es esa rara película de choque cultural que enfatiza las similitudes más que las diferencias, hasta el punto de que la presencia de una vaca es la mejor manera de comprobar si estás definitivamente En India.

El comienzo es extrañamente discreto para Singh, quien causó sensación con su debut en 2000. La célula, una película sobre un asesino en serie protagonizada por Jennifer López como una psiquiatra que puede entrar en la mente de los pacientes en coma y que… ¿puedes creerlo? – fue acusado de ser un poco exagerado. En un campo anónimo, un cantante-músico utiliza las palabras de 18^thdel siglo XIX, Bulleh Shah, para preparar el escenario. “Dicen que el amor vuelve loca a la gente”, dice, antes de que la cámara se deslice inesperadamente hacia una granja aparentemente inofensiva. El amor, por supuesto, hace esto, pero las personas enloquecidas en esta historia no son los amantes sino quienes los rodean, y lo que sucede durante las siguientes dos horas es a la vez una elaboración sutil y efectiva del cuento de Shakespeare sobre dos hogares y algo que Más tarde nos llevará de regreso a esa granja y la revelará bajo una nueva luz macabra.

En este caso, los dos hogares abarcan dos continentes. En algún momento a mediados de los años 90, la niña india canadiense Jassi (Pavia Sidhu) está visitando a su prima Charni en la India rural cuando ve a Mithu (Yugam Sood), un chico de pueblo que sobresale en kabaddi, un ruidoso deporte de contacto local. Por razones que nunca son bastante Claro, Jassi se obsesiona con Mithu, una obsesión que levanta señales de alerta desde el principio. Tampoco está clara la cronología; Inicialmente, Singh juega de un lado a otro con el tiempo, mostrando a Jassi en su casa en Canadá, donde llamaron a la policía para escoltarla desde la casa familiar. Las tensiones están aumentando. Una voz de mujer grita: «¡Perra, estás muerta!»

¿Cómo llegamos aquí? La película de Singh llena esa historia de fondo con calidez y humor mientras Jassi y Mithu mantienen un noviazgo muy casto; Jassi regresa a casa y hace todo lo posible para llevar a Mithu a Canadá. Mithu, por supuesto, no tiene idea de cómo llegar allí. No tiene pasaporte, e incluso cuando lo consigue, su intento de reservar un vuelo se ve frustrado cuando un agente de viajes estafador le roba sus honorarios (siempre que estamos en la India, las alusiones a la corrupción y el soborno nunca están lejos). Sin embargo, Jassi persiste, para consternación de su esnob madre expatriada, cuyo marido está gravemente enfermo y cuya determinación de aferrarse a su sentido de familia, clase y reputación resulta mucho más aterradora que cualquier de la violencia física, en su mayor parte fuera de la pantalla, la mayor parte de la cual se produce cuando Jassi demuestra su amor por Mithu («Si hubiera sabido que ibas a hacer esto», dice su madre más tarde, «te habría matado al nacer»). .

Es una mezcla audaz, y si esta película hubiera surgido en los años 70, es probable que Querido Jassi Se habría proyectado una o dos veces y luego se habría editado apresuradamente hasta reducirlo a unos extraños 80 minutos basados ​​en temas de humor, como la controvertida curiosidad de 1978 del director italiano Fernando Di Leo. tener veinte años. Afortunadamente, es poco probable que eso suceda aquí, especialmente con un director al que le gusta apropiarse literalmente de sus películas. Pero a pesar de que figuras como Michael Haneke y Gaspar Noé han hecho parte del trabajo preliminar en esta área, la película de Singh sigue siendo un desafío, ya que llega con una ligereza que no es muy conocida en el cine de transgresión: hay muchas risas hasta que, Cuando todavía quedan casi 45 minutos, la película cambia radicalmente de marcha y luego, lo más inquietante de todo, vuelve sobre sí misma con una revelación seriamente perturbadora.

Admiradores del delirante clásico de culto de Singh de 2006 La caída podría verse, al menos inicialmente, desconcertado por la relativa normalidad de Querido Jassi (y, en comparación con La caída, casi todo parece normal). Pero como esa película, Querido Jassi está trabajando en un metanivel, subvirtiendo una historia clásica; en ese caso, fue el viaje de un héroe; en este caso, se trata de la huida de dos amantes ilícitos, para crear una película poderosa y provocativa sobre la familia, el orgullo y el tribalismo. Puedes bostezar y señalar que Shakespeare dijo prácticamente todo eso en el siglo XVI.^th siglo, pero el hecho de que los eventos a los que se hace referencia aquí sucedieron hace menos de 30 años es un recordatorio aleccionador de cómo Romeo y JulietaLa pérdida de vidas sin sentido se ha convertido en un fetichismo romántico, y cualquier relación de amor llamada “trágica” conlleva muchos más daños colaterales de los que jamás imaginamos.

El regreso de Ava DuVernay al cine también funciona como un regreso a casa temático. Origen, Adaptado libremente del tomo de Isabel Wilkerson. Casta: los orígenes de nuestros descontentoses, en esencia, una historia profundamente sincera de amor y dolor.

El interés de DuVernay por animar la vida interior de las mujeres negras se remonta a su primer largometraje, Seguiré, en el que explora los contornos del dolor de una joven después de la muerte de su tía. Ella construyó sobre ello con En medio de la nada, un segundo largometraje notable sobre una enfermera que confronta su relación con su marido encarcelado. Y aunque selma trata sobre el Dr. Martin Luther King Jr., la película complica a Coretta (Carmen Ejogo), posicionándola como la cómplice estratégica de King en lugar de simplemente una esposa obediente. En todas estas películas, DuVernay centra el paisaje emocional de las mujeres negras, reflexionando sobre cómo las restricciones interpersonales y estructurales dan forma a sus comportamientos.

Casta No es un texto obvio para su adaptación. Es un libro sustancioso y académico, en el que Wilkerson utiliza la noción de casta (el sistema de dividir la sociedad en grupos sociales fijos) como marco para comprender la persistencia del racismo estadounidense. El periodista ganador del Premio Pulitzer estudia la segregación en los Estados Unidos, el sistema de castas de la India y el plan de la Alemania nazi para erradicar al pueblo judío para explicar cómo las jerarquías rígidas son herramientas tanto para la subyugación como para el exterminio.

Para resumir las ideas de Wilkerson, DuVernay analiza los acontecimientos personales que impulsaron al autor a escribir Castaformación Origen como película de proceso. Este íntimo punto de vista también ofrece una tierna historia de amor, que cobra vida gracias a las actuaciones apasionadas y comprometidas de Aunjanue Ellis-Taylor y Jon Bernthal.

La película comienza con Trayvon Martin (Myles Frost) caminando hacia la tienda mientras habla por teléfono con un amigo. Sus bromas sobre el desayuno son ligeras y juveniles, lo que refuerza la juventud de Martin antes de su asesinato en 2012. DuVernay nunca muestra a George Zimmerman, pero cuando Trayvon nota que un auto lo sigue a su casa, se siente la presencia del vigilante del vecindario y una sensación de temor cubre la interacción.

DuVernay tiene una manera de construir momentos trágicos familiares. Casi siempre elige representar el horror de la violencia racista, comunicando esa crueldad con escenas de ternura juguetona. Aquí, aumenta la tensión y luego pasa a una escena en la que Isabel (Ellis-Taylor) cuida a su madre, Ruby (Emily Yancy), con la ayuda de su marido, Brett (Bernthal). Estas transiciones abruptas (la edición es de Spencer Averick), utilizadas con moderación a lo largo de la película, subrayan la brutalidad de la vida cotidiana y resaltan la delgada línea entre la rutina y la tragedia.

Origen se organiza en hilos discretos: la relación entre Isabel y su familia; el de la escritora y su obra; y representaciones de Casta’s tesis para una audiencia general. Para cumplir con ese último mandato, DuVernay hace que Ellis-Taylor lea pasajes extractos del libro de Wilkerson sobre breves dramatizaciones. Está la historia de August Landmesser (Finn Wittrock), un alemán solitario que se negó a saludar a Hitler porque se enamoró de Irma Eckler (Victoria Pedretti), una mujer judía. Está la investigación realizada por las antropólogas negras Allison y Elizabeth Davis (Isha Blaaker y Jasmine Cephas-Jones) y sus colegas blancos Burleigh y Mary Gardner (Matthew Zuk y Hannah Pniewski) para investigar el sistema de castas raciales en el sur de la era de Jim Crow. Y luego está el presente de Isabel, que culmina en un viaje a la India, donde se reúne con académicos para comprender mejor el sistema de castas de ese país.

La película se tambalea mientras intenta equilibrar estas narrativas, que luchan por complementarse entre sí de una manera totalmente satisfactoria. Y el guión de DuVernay aborda vagamente críticas clave al libro de Wilkerson, a saber, cómo se pierden matices al comparar el exterminio judío, la esclavitud de los negros y la subordinación de los dalit a grandes rasgos. Un momento convincente en el que un personaje cuestiona ese marco se extingue por una transición demasiado rápida en la que Isabel cuenta sus frustraciones sobre el encuentro.

También surgen otras preguntas: la más difícil de ignorar es cómo las lealtades de clase podrían alterar las castas en Estados Unidos. Las conversaciones de Isabel sobre sus ideas tienen lugar en manifestaciones de la torre de marfil: cócteles elegantes, ceremonias de premios y oficinas editoriales decoradas con buen gusto. Ver a su personaje moverse en estos entornos e interactuar con aduladores editores blancos introduce una tensión tan antigua como las conversaciones sobre el racismo en los Estados Unidos: el tira y afloja entre el estatus socioeconómico y el color de la piel como factor dominante en la configuración de la identidad.

Las relaciones de Isabel con su familia y su trabajo forman la capa más fuerte y segura de su Origen. Estas escenas mezclan el suspenso de películas de periodismo como Destacar y Ella dijo con el corazón emocional de un drama familiar. Trabajando con el director de fotografía Matthew Lloyd, DuVernay utiliza primeros planos y tomas de ángulo bajo para representar a Isabel una figura compuesta de fuerza y ​​vulnerabilidad a partes iguales. Ellis-Taylor, una actriz verdaderamente extraordinaria, trabaja con una intensidad tranquila, dando cuerpo a un retrato de una mujer negra que intenta encontrar salidas a su dolor. Los flashbacks del noviazgo de Brett e Isabel humanizan su relación, dando vida a un amor y una relación prematuramente interrumpidos.

Después de la muerte de Brett y su madre, Isabel encuentra consuelo en su prima Marion (Niecy Nash-Betts) y se lanza a escribir. Su relación con Marion proporciona un espacio en el que la afligida escritora puede superar los nudos de su dolor y los desafíos de su trabajo. Hay una ternura allí, que DuVernay captura en llamadas telefónicas de larga distancia entre los dos y en una conversación sincera en una comida familiar.

A través de los viajes de Isabel por el mundo, durante los cuales entrevista a personas sobre el impacto de las castas en sus vidas, y de las conversaciones con su editor, llegamos a comprender cómo el dolor da forma al libro. El proceso, como ocurre con cualquier empresa artística, es al mismo tiempo aislante y gratificante. Hemos visto muchas veces la historia de una mujer que se busca a sí misma después de una tragedia, pero en OrigenDuVernay lo hace suyo con cariño.

Ya está aquí el primer tráiler de War Pony, el debut como directoras de Riley Keough y Gina Gammell, y promete ser una tierna e inquebrantable historia sobre la mayoría de edad.

La película sigue las historias interrelacionadas de dos personas Oglala Lakota en la Reserva Pine Ridge en Dakota del Sur: Bill (Jojo Bapteise Whiting), de 23 años, y Matho (LaDainian Crazy Thunder), de 12 años. Vemos a Bill y Matho en el tráiler, con Bill haciendo todo lo posible por hacer algo por sí mismo, mientras que Matho está desesperado por crecer. Con los protagonistas lidiando con todo, desde relaciones familiares tensas hasta elecciones de vida destructivas, esto parece un drama realista y descarnado que arroja luz sobre esta comunidad estadounidense en particular.

The Deadline Studio en el Festival de Cine de Sundance se llevará a cabo del 20 al 23 de enero en el Hotel Park City, donde el elenco y los creativos detrás de los mejores y más animados títulos de la programación de este año se sientan con el equipo del festival de Deadline para hablar sobre sus películas y los caminos que tomaron para llegar a Ciudad Parque.

EL CONDUCTOR DE ESCAPADA ACCIDENTAL
Sección: Competencia dramática de EE. UU.
Director: Canta J. Lee
guionistas: Sing J. Lee, Christopher Chen

línea de registro: Durante una recogida de rutina, un anciano taxista vietnamita es tomado como rehén a punta de pistola por tres convictos del Condado de Orange que escaparon recientemente. Basado en una historia real.

Panelistas: Sing J. Lee (guionista y director), Dustin Nguyễn (actor), Gabrielle Chan (actor), Phi Vu (actor), Dali Benssalah (actor)

Agente de ventas: 2AM, imágenes del protagonista

Primera proyección: 23 de enero, 11:40 a. m. MST, Teatro Eccles

Citas clave: “[The film] contiene tantos temas que significan mucho para mí, en mi propia vida y en mi propia educación. Es lo que busco en la mayoría de las historias, y lo que fue cautivador fue que tienes en la superficie lo que podrías pensar que es cierto tipo de historia emocionante, pero el impulso fue subvertir suavemente la apariencia de eso, la intención de eso. Y debajo de eso, había una historia tan tierna y frágil sobre cuatro hombres que no vemos a menudo en el cine en general, particularmente dentro de la experiencia de inmigrantes y refugiados. Fue algo más conmovedor acerca de cómo nos presentamos”. — Canta J. Lee

“Siendo un estadounidense vietnamita que trabaja en Hollywood todos estos años, este es el primer guión que leo con personajes vietnamitas donde cualquiera podría interpretarlo. Pero, sin embargo, hay un alma y una cultura vietnamitas muy fuertes y matices dentro de la comunidad, particularmente la comunidad de Little Saigon en el condado de Orange, relativamente desconocida para los forasteros. Esta es la primera vez que realmente he visto y [been] involucrado en un proyecto sobre Vietnam que no tiene nada que ver con la guerra, lo cual es refrescante”. — Dustin Nguyễn

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