Es un día soleado y Kril, el cangrejo ermitaño, se está relajando en un charco de marea cuando, literalmente, un usurero sale del agua. Le informa a Kril que esta playa acaba de ser tomada por una duquesa que ahora impone un impuesto a sus residentes. Incapaz de pagar, el usurero toma el caparazón de Kril como garantía y envía este crustáceo, que de otro modo sería reacio al conflicto, al océano abierto para recuperarlo.

Así comienza la historia de El tesoro de otro cangrejo, lanzado el 25 de abril por el desarrollador Aggro Crab. La aventura submarina que sigue es uno de los mejores juegos de almas de los últimos tiempos. Un soulslike, para los no iniciados, es un juego que se inspira en gran medida en Almas oscurasla franquicia de juegos brutalmente brutal que define el género del desarrollador japonés FromSoftware.

A primera vista, la comparación parece confusa. Mientras que los mundos de los juegos de FromSoftware han sido descritos como, bueno, oscuros, El tesoro de otro cangrejo está lleno de criaturas acuáticas de dibujos animados que se parecen más a los personajes de Buscando a Nemo que las monstruosidades lovecraftianas que encontrarás en Almas oscuras‘Lordran o Anillo EldenSon las tierras intermedias.

Pero si algo han aprendido los críticos de videojuegos en los últimos años es que los soullike más exitosos no tienen por qué copiar Almas oscuras al pie de la letra para crear una experiencia que resuene con su devota base de fans. un juego como señores de los Caídos puede mirar como lo haría un juego de FromSoftware, con sus corpulentos caballeros y sus castillos en ruinas, pero no jugar como uno. Donde muchas almas son todo espectáculo y ninguna sustancia, la belleza de El tesoro de otro cangrejo como Almas oscuras delante de él, yace escondido debajo de la superficie.

El tesoro de otro cangrejo incorpora todos los elementos fundamentales de un soulslike, incluido un juego basado en la exploración, elementos de curación limitados, moneda para subir de nivel que desaparece al morir y puntos de guardado («hogueras») donde los jugadores reaparecen y reabastecen su equipamiento. En realidad, sin embargo, todo esto es sólo una fachada para dos ingredientes secretos que ayudaron a hacer Almas oscuras el fenómeno cultural que conocemos y amamos hoy: narración ambiental y combates apasionantes y apasionantes.

El tesoro de otro cangrejo sirve ambas cosas. El combate, aunque no es tan desafiante como en los títulos de FromSoft, gira en torno a la mecánica de cambiar de caparazón (¡algo que hacen los cangrejos ermitaños en la vida real!). Cada caparazón tiene una habilidad diferente: las botellas de coca cola pueden producir burbujas de carbón dirigidas, mientras que los rollos de sushi pueden Se pueden comer para recuperar la salud, y cada uno tiene una durabilidad limitada, lo que significa que tendrás que cambiar y probar diferentes estilos de juego constantemente.

Donde gran parte del combate en los videojuegos puede convertirse en una combinación de botones sin sentido, El tesoro de otro cangrejo y Almas oscuras Brinda a los jugadores una sensación de agencia, con la durabilidad limitada de cada caparazón animándolos a participar en peleas con diferentes equipos, habilidades y estrategias. Los resultados no están determinados tanto por las estadísticas como por la habilidad, por lo que, cuando finalmente superas un desafío de tirar de los pelos, te sientes aún más eufórico como resultado.

La narración ambiental es quizás el aspecto más importante, pero frecuentemente pasado por alto, del Almas oscuras franquicia y, de hecho, la producción de FromSoftware en su conjunto. Como el La leyenda de Zelda juegos anteriores, Almas oscuras no guía a los jugadores a través de niveles con minimapas o senderos de objetos brillantes. La historia, aunque rica en historia e intriga, no se explica detalladamente a través de escenas, sino que debe reconstruirse leyendo atentamente las descripciones de los elementos y las pistas ambientales, como el diseño del enemigo y del área. (Los jugadores que avanzan rápidamente por los niveles sin darse cuenta de su entorno terminarán el juego sin saber nada sobre la historia, que es exactamente la razón por la que este aspecto de los soulslikes puede pasar desapercibido).

El tesoro de otro cangrejo Utiliza algunas escenas y diálogos, pero su enfoque conceptual para la construcción del mundo y la narración se mantiene cerca de su inspiración. Es un juego principalmente sobre contaminación: la moneda se llama microplásticos, y gran parte del océano está infectado por una plaga aceitosa (otro elemento narrativo parecido a las almas) que convierte a los animales en monstruos sedientos de sangre. El tema de la contaminación no sólo se explora en la historia del juego (Kril finalmente decide luchar contra la economía basura en sí, en lugar de contra los usureros que se benefician de ella), sino también en el diseño de su mundo submarino que, a partir de las estructuras en las que viven sus habitantes. hasta las armas con las que te atacan e incluso los caparazones en la espalda de Kril, está hecho casi en su totalidad de basura desechada por los humanos. Además de las latas de refresco y los rollos de sushi antes mencionados, tú y tus oponentes luchan con tenedores y palillos oxidados.

Pistas como estas hacen que la ambientación del juego parezca real y vivida, a diferencia de la ropa elegante colgada de una línea de código informático frío y estático. Y cuando entras en la recta final de la campaña, El tesoro de otro cangrejo evoluciona hacia algo más oscuro y profundo que la inocente caricatura del sábado por la mañana como se presenta originalmente, entregando un mensaje sobre el costo de la contaminación ambiental que no solo contrasta con la estética alegre del juego, sino que también es genuinamente inquietante y conmovedor. Así como resultó que había más en el original. Almas oscuras Además de su memorable dificultad, también hay mucho, mucho más en este pequeño cangrejo ermitaño sin hogar.

Cuando Bob Saget falleció repentinamente en 2022, personas de todo el mundo quedaron igualmente tristes y conmocionadas. Esto fue más cierto que nunca para sus más cercanos, quienes lamentaron la pérdida de un gran amigo y comediante. Y ahora estamos aprendiendo que John Stamos tuvo una experiencia especialmente tierna y poderosa la noche en que su Casa llena colega falleció. En ese momento, Stamos buscó una señal de que estaba bien y finalmente vio algo que lo reconfortó.

La estrella apareció recientemente en un episodio de El show de Jennifer Hudson y, durante el espectáculo, el destacado ganador de EGOT y el reinas del grito El alumno se unió por un sorprendente punto en común. Hudson le dijo a su invitada que cuando ve colibríes, le hace sentir como si los miembros de su familia que ya fallecieron estuvieran con ella. El Casa más completa Luego, la estrella compartió una historia sobre por qué siente lo mismo:

Recuerdo haber visto uno en el jardín de mi papá, y él amaba mucho su jardín. Y mi mamá dijo: ‘Oye, ese es tu papá, oye, papá’. Hola papá.’ Y ahora, ella se ha ido, y mi hijo Billy decía: ‘Está la abuela Retta, está el papá Bill’. Es tan hermoso.

A pesar de algunos temas poco elaborados y la extraña explicación excesiva, «Chuck Chuck Baby» explora maravillosamente lo que significa ser queer en un pueblo pequeño. «No puedo respirar aquí», le dice Joanne a Helen en un momento revelador. Es una línea bellamente escrita que habla profundamente de los problemas que enfrentan las personas queer al crecer, y cómo la homofobia persiste y se acumula en la mente durante días, meses e incluso años después de que se han dicho las palabras. Regresar a su ciudad natal es increíblemente difícil para Joanne, cuya educación nunca le permitió abrazar quién era, ocultando sus verdaderos sentimientos por Helen. Solo 20 años después, Joanne finalmente puede contarle a Helen sus sentimientos, después de haber podido hablar sobre su sexualidad lejos de los adornos de su ciudad natal. El impacto de la homofobia pueblerina claramente también ha impactado a Helen, quien ha vivido una vida que no es gran cosa, ya que se siente más cómoda en las sombras; no puedes lastimar lo que no puedes ver, que parece ser el mantra con el que, sin saberlo, se ha cargado a sí misma.

Ver a Helen abrazar sus verdaderos sentimientos y abrirse paso lenta pero seguramente hacia sí misma es donde «Chuck Chuck Baby» es mejor. Louise Brealey ofrece una actuación fabulosa, negándose a sucumbir a las exhibiciones llamativas, prefiriendo en cambio una revolución gradual que se siente sólida y creíble. Su química con Annabel Scholey es potente, y su floreciente relación es encantadora: estos personajes han esperado décadas para que esta relación se haga realidad, y puedes sentir la emoción y la inquietud en cada momento.

Esta es, en última instancia, una película sobre la calidez y el poder de las relaciones femeninas. Ya sea entre Gwen y Helen, Helen y sus compañeros de trabajo, o el romance de Helen y Joanne, estas conexiones son cálidas y tiernas, particularmente en contraste con la gélida relación entre Helen y su ex Gary. La forma en que estas mujeres se apoyan y animan mutuamente, ya sea a través de una mirada tierna y cómplice o de un estallido de gritos, se captura hábilmente.

Aunque «Chuck Chuck Baby» sigue ritmos de trama familiares y ofrece poca sorpresa, es una hazaña convertir un territorio cinematográfico británico tan familiar en algo prominentemente LGBT+. Su comprensión innata de lo queer y los lazos femeninos permite que la relación lésbica nunca se sienta como un escaparate. Es una película sobre cómo no tenemos que aceptar las cartas que nos reparten; nunca es demasiado tarde para querer más de la vida y de vivir.

/Calificación de la película: 6 sobre 10

Una de las cosas hermosas de Ted Lasso es que siempre les ha dado a sus personajes secundarios espacio para respirar y espacio para desarrollarse. Desde Dani Rojas volviendo a enamorarse del fútbol después de matar accidentalmente a Earl, la mascota del galgo del AFC Richmond, hasta Sam hablando en contra del patrocinador del equipo, Dubai Air, el programa siempre ha sido excelente para darles a estos personajes un momento para brillar. No se ha tratado solo de Ted, Rebecca, Beard y el grupo principal por un tiempo.

Este sigue siendo el caso con la tercera temporada, que pone el foco en el joven futbolista Colin (Billy Harris) y el periodista Trent Crimm (James Lance). Uno de los mejores momentos de la temporada se produjo en el tierno episodio ambientado en Ámsterdam, titulado Sunflowers, cuando Colin se escabulló para visitar un bar gay de la ciudad. En un episodio anterior, descubrimos que Colin era gay, y el astuto reportero Trent lo descubrió por sí mismo cuando vio al futbolista besando a su novio Michael.

Es difícil argumentar que Bub y Bob no son los dinosaurios de videojuegos más adorables de todos los tiempos (lo siento, Yoshi), así que nos encantó cuando el dúo dinámico regresó con la exclusiva de Switch. Bubble Bobble 4 Amigos en 2019. Era exactamente como recordábamos sus píxeles en los pasillos polvorientos de la sala de juegos mientras crecían, solo que un poco más tiernos.

Pero nos recordó otro brazo de la serie de trampas de burbujas de Taito que echamos mucho de menos: Rompecabezas Bobbletambién conocido como busto-a-movimiento. Esta serie derivada cambió las trampas de burbujas por el estallido de burbujas y convirtió al dúo de plataformas en maestros de los rompecabezas. Despejar burbujas era el nombre del juego, y esta serie derivada es posiblemente tan conocida como el clásico arcade de dino original de Taito.

Así que tiene sentido que ININ Games y Taito sigan a Bubble Bobble 4 Friends con Rompecabezas Bobble Everybubble!, que cuenta con modo cooperativo para cuatro jugadores, multijugador y un modo de historia nuevo y extenso. Recibimos un tráiler exclusivo del juego y más tiempo práctico con esta linda y colorida aventura, el primer juego de consola de la serie (sin contar el juego VR 2020 o el Burbuja de hechizos de Touhou título cruzado) desde 2011 Bust-A-Move Universo en 3DS. Y, hasta ahora, ¡Everybubble! nos ha dado la cálida pelusa de uno de nuestros spin-offs favoritos mientras crecíamos.

Si ya has jugado a Puzzle Bobble, ¡Everybubble! no te va a sorprender desde el punto de vista del juego. Tu objetivo es limpiar la pantalla de todas las burbujas haciendo coincidir los colores antes de que crucen la línea en la parte inferior de la pantalla. Lo haces disparando burbujas con una máquina, que puedes apuntar a cualquier lugar y disparar directamente a la masa de orbes coloridos o rebotarlos inteligentemente en las paredes para llegar a esos lugares más difíciles. Se introducen tipos especiales de burbujas en la mezcla, y todo es muy agradable, lindo y, a veces, feroz.

Algunos de los NPC del juego original en el modo historia a menudo eran una pesadilla para vencer y requerían un poco de habilidad para explotar burbujas, ¡pero Everybubble! se siente un poco más suave y, hasta ahora, no hemos tenido duelos uno contra uno durante el juego principal. La presentación y la música animada sin duda se suman a esa sensación, con melodías tarareables y una paleta de colores pastel para que todo se sienta más relajado de lo que recordamos. Las encantadoras imágenes de estilo de dibujos animados están sobrecargadas de encanto que nos hizo (y todavía nos hace) sonreír. Es una cálida dosis de nostalgia con, ocasionalmente, una pizca de desafío, especialmente si estás tratando de obtener la mejor estrella y lograr tres estrellas en todo.

Cada capítulo del modo historia tiene diferentes condiciones que cumplir. Una ubicación puede requerir que salves a tus amigos, mientras que en otras puede que tengas que reventar todas las burbujas. Significa que es posible que tengas que cambiar tus tácticas, y para aquellos que son expertos en reventar burbujas, existe el modo EX, que se desbloquea después de obtener una calificación de tres estrellas en cada etapa de un capítulo en particular en el modo historia. Estos son niveles un poco más difíciles con restricciones de tiempo más estrictas, y tienen como objetivo poner a prueba tus habilidades para disparar burbujas.

A juzgar por el tiempo que hemos pasado con él, el núcleo de Puzzle Bobble puede ser el mismo, ¡pero es la gran característica de Everybubble! se insinúa en el título: cooperativo. Cadaburbujauno puede involucrarse. No importa si es estándar Vs. modo o modo historia, hasta cuatro jugadores pueden jugar juntos y ayudar (o dificultar) su progreso. Para el modo historia, esto significa que el escenario se extiende y hay más burbujas para que tú y tus amigos (PNJ o humanos) exploten.

El modo cooperativo para cuatro jugadores no revienta la burbuja en absoluto. El modo cooperativo puede hacer que los niveles sean más fáciles, especialmente si no estás acostumbrado a la fórmula Puzzle Bobble, pero también puede hacerlos más difíciles según el nivel de habilidad de tus compañeros burbujeadores. Los NPC nos hacían fallar regularmente, y eso significaba que teníamos que vigilar un escenario mucho más grande en lugar de simplemente evitar que nuestra propia sección cayera por debajo de la línea. Sin embargo, jugar con amigos es mucho más agradable siguiendo lo que hemos probado en el modo cooperativo local. Todavía no hemos probado el modo multijugador en línea, pero si te sientes menos caritativo, también puedes organizar partidas uno contra uno con amigos en línea.

También pudimos pasar un poco de tiempo jugando Puzzle Bobble vs. Space Invaders, un nuevo modo creado para celebrar Invasores espaciales45 (!!) aniversario. Es exactamente lo que crees que es: apuntas y disparas tus burbujas hacia los invasores para reventar las burbujas del mismo color y destruir a los robots. Para hacer eso, debe asegurarse de que se hayan reventado todas las burbujas adjuntas al dispositivo de disparo láser. Los bordes dentados de los invasores definitivamente desagradables están todos contenidos en burbujas de acuerdo con la estética de Everybubble, por lo que no es exactamente el estallido de Taito teñido de píxeles que podrías estar esperando (al menos de lo que hemos jugado hasta ahora).

El modo Space Invaders es en realidad un lote más difícil de lo que parece, y quizás esto se deba a que, mentalmente, no podíamos alejarnos de la idea de que estábamos jugando a Puzzle Bobble. Hacer caminar a Bob, Bub, Peb y/o Pab por la parte inferior de la pantalla, en lugar de apuntar a disparar las burbujas desde un eje de 180 grados, toma un tiempo para adaptarse. Sinceramente, es bastante divertido ver a los pequeños dinosaurios caminar por el fondo de un planeta y lanzar sus burbujas directamente sobre ellos, pero al principio se siente un poco raro.

Cada burbuja, y todos, importan aquí, entonces, y según nuestras primeras impresiones de este regreso tan esperado, creemos que se perfila como un abrazo arcade cálido y tierno. Si Bubble Bobble puede hacer un regreso exitoso y agradable para la franquicia, ¡estamos razonablemente seguros de que Puzzle Bobble Everybubble! puede hacer lo mismo y hacer que los fanáticos recuerden por qué el spin-off se hizo tan popular como lo hizo en las salas de juegos, particularmente en Japón.

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Rompecabezas Bobble Everybubble! está programado para lanzarse exclusivamente en Switch el 23 de mayo de 2023, y volveremos por más en esta bonanza de explosión de burbujas cuando se acerque el momento.

Para la mayor parte del videojuego de El último de nosotros, los jugadores juegan como Joel. Pero hay una parte del juego en la que la acción cambia al punto de vista de Ellie, y ahí es donde aterrizamos al comienzo del episodio de esta semana.

Mientras Joel está fuera de juego, cortesía de la herida que sufrió al final del Episodio 6, la serie emplea un flashback que resultará familiar para aquellos que jugaron Left Behind, el contenido descargable (también conocido como juego de mejora) que sirve como corolario del videojuego en el que el espectáculo se basa. Echamos un vistazo al tiempo de Ellie en la escuela FEDRA. Conocemos a su mejor amiga, Riley, a quien se hace referencia al comienzo de la serie. Vemos una tierna historia sobre el amor y la pérdida en el contexto de un sueño adolescente post-apocalíptico. Y si estás entre los espectadores que tuvieron dificultades con el Episodio 3 porque Bill y Frank eran homosexuales: Ellie es queer. Superalo.

Siga leyendo para conocer los aspectos más destacados de «Left Behind», luego vea lo que la directora Liza Johnson dijo sobre la elaboración de la hora dulce y triste.

‘IR A TOMMY’ | Ellie arrastra a Joel a una casa abandonada y lo coloca sobre un colchón en el piso del sótano. Está despierto pero le va muy mal, ardiendo de fiebre y retorciéndose de dolor mientras ella presiona su herida para detener el sangrado. Él le ruega que vaya al norte, «Ve con Tommy», y la agarra bruscamente por el abrigo para recalcar su punto. Ella usa un lenguaje colorido para decirle que no está de acuerdo con su plan. Pero luego la empuja con lo que queda de su fuerza, lo que la hace caer hacia atrás, y ella no dice nada más mientras lo cubre con su abrigo y luego sube las escaleras. Joel llora un poco mientras se va, lo que al principio interpreté como: «Maldita sea, esto duele y todo es horrible y tal vez me estoy muriendo». pero he llegado a ver como, «Ella me escuchó y se va y la amo y ahora estoy realmente solo (y probablemente muriendo)».

CONOCE A RILEY | Luego, la acción cambia rápidamente a un flashback del tiempo de Ellie en la escuela FEDRA. Después de que El golpea a una chica que le roba su Walkman y se burla de ella porque «tu amiga» ya no está, ella termina en la oficina del capitán Kwong. Señala que la han puesto en confinamiento solitario tres veces, pero no parece haber cambiado su perspectiva sobre el cumplimiento de las reglas. Entonces, con calma, describe dos futuros para ella después de la escuela: la vida como oficial de FEDRA y la vida como no oficial. El primero es más brillante. “Hay un líder en ti, y un día, podría ser tu turno”, dice. Parece sorprendida por el voto de confianza.

Justo antes de las 2 de la mañana siguiente, alguien se cuela en la habitación de Ellie a través de la ventana y le pone una mano sobre la boca: es Riley, la mejor amiga de Ellie (interpretada por Euforiade Storm Reid). Riley se escapó tres semanas antes sin decir una palabra. “Me uní a las luciérnagas”, anuncia, demostrándolo mostrándole a Ellie su arma. Ella invita a El a que la acompañe por unas horas “y pase la mejor noche de su vida”. Ellie protesta… pero luego se viste y sigue a Riley por la ventana.

VAMOS AL CENTRO COMERCIAL | Su velada los lleva al séptimo piso de un edificio donde Riley se sorprende al encontrar el cadáver de un hombre que tomó una sobredosis de pastillas y alcohol; “Este tipo no estuvo aquí ayer”, dice con bastante indiferencia, dada la situación. El piso debajo de él cede, dejándolo caer varios pisos y sacándome del susto. Cuando las chicas se recuperan de la sorpresa, agarran la botella y se dirigen al techo para beber la bebida del muerto.

Mientras beben y charlan, nos enteramos de que: los padres de Riley están muertos, las luciérnagas la reclutaron una noche cuando se escapó del dormitorio y sucedió mientras Ellie estaba en «el agujero» (también conocido como solitario). Con los comentarios de Kwong en mente, Ellie defiende a FEDRA y dice que la agencia «mantiene todo unido». Pero Riley no quiere discutir, así que salta al siguiente edificio y anuncia que tienen una misión. Riley sigue.

Llegan a un centro comercial, pero Ellie se resiste y dice que está cerrado porque está lleno de infectados. Pero Riley explica que no lo es, y ahora tiene electricidad nuevamente, porque FEDRA conectó una cuadra cercana y el centro comercial se benefició. “¡Esta noche les voy a mostrar las cuatro maravillas del centro comercial!” Riley anuncia con orgullo mientras Ellie está deslumbrada por los escaparates iluminados y las escaleras mecánicas que se mueven repentinamente. (Oh, ¿viste el cartel de El amanecer del lobo: Parte II en la marquesina del cine?)

Algunas tiendas son saqueadas, otras no. El Victoria’s Secret, por ejemplo, todavía está bien surtido. Riley habla de lo incómodos que se ven los sujetadores y se ríe mientras se imagina a Ellie usándolos. Pero después de que Riley camina, Ellie mira su reflejo en el escaparate de la tienda de lencería y se arregla un poco el cabello. Oh, dulce niña, tu vida ha sido tan difícil, y está a punto de volverse más difícil, y es tan fácil olvidar que todavía eres una niña. Escenas como este pequeño interludio son buenos recordatorios.

EL HONGO EN LA FANTASIA | Riley hace que Ellie cierre los ojos para poder llevarla, de la mano, a la próxima sorpresa: el carrusel del centro comercial, que aún funciona. Ellie está fuera de sí, y sus ojos se agrandan aún más cuando Riley enciende la cosa. Se suben a los caballos uno al lado del otro y cabalgan, pasándose la botella de un lado a otro, hasta que el carrusel se detiene. Riley está a punto de desmontar y arreglarlo cuando Ellie la detiene con una súplica: Vuelve a la escuela FEDRA y ayuda a Ellie a mejorar las cosas desde adentro.

Riley no lo hará. Ella cumple 17 años el próximo mes, que es cuando recibes tu tarea posterior a la escuela; ella ya sabe que la pusieron en el detalle de alcantarillado. “Hacer guardia mientras la gente palea mierda. Eso es lo que piensan de mí”, dice con pesar, explicando que entró en pánico y salió corriendo. Ellie es comprensiva, pero se asegura de agregar: «Yo también lo habría recibido en ese entonces, ¿sabes?». Riley dice sinceramente que Ellie es lo único que extraña, luego pregunta si Ellie está lista para las próximas tres maravillas. “Estoy en un caballo mágico con un millón de luces”, responde ella. “No sé cómo se supone que mejorará”.

Se toman fotos en un fotomatón y Riley le da a Ellie la tira después. Riley vuelve a sorprender a Ellie con la sala de juegos, que está en pleno funcionamiento, y juegan Mortal Kombat II… sin darse cuenta de que a unas pocas tiendas de distancia, una persona con hongos se despierta después de sentir las vibraciones de sus movimientos a través de un zarcillo. Y finalmente, en una cocina detrás del patio de comidas, Riley le da un regalo a Ellie: Sin juego de palabras: volumen también. Se ríen de algunas de las entradas, y escribo «ESTO ES TAN PURO» en mis notas, pero todo se detiene abruptamente cuando Ellie ve una pila de bombas caseras en la esquina y rápidamente se da cuenta de que Riley las hizo «para matar». soldados”, pero Riley jura que nunca dejaría que las luciérnagas usaran los explosivos en Ellie. “¿Y crees que te van a escuchar?” Ellie responde con incredulidad.

El dolor de corazón continúa. Cuando Ellie se prepara para irse, Riley corre tras ella y le dice que la enviarán a un puesto en la Zona de Cuarentena de Atlanta al día siguiente. “Le pregunté si podía unirse para que pudiéramos ir juntos”, agrega, pero Marlene dijo que no. Riley planeó toda la noche «porque quería verte… y quería despedirme», dice entre lágrimas. En este punto, Ellie también está llorosa. Eventualmente, terminan en una tienda de Halloween, que Riley suavemente señala como la última maravilla en su lista.

Riley intenta explicar por qué quiere ser una luciérnaga: “Me eligieron a mí. Yo les importo. Ellie parece herida. “Tú me importas primero”, dice, pero agrega que perdona a Riley y que la extrañará. Con las cosas un poco más tranquilas, ambos se ponen máscaras gigantes y bailan una versión de «I Got You Babe», pero es demasiado para Ellie. “No te vayas”, susurra mientras se quita la máscara. «Está bien», responde Riley. Entonces Ellie la besa (¡mi corazón!) e inmediatamente se disculpa. «¿Para qué?» Riley se pregunta, y ambos se ríen nerviosamente. Ellie se pregunta qué harán a continuación. “Vamos a resolverlo”, susurra Riley. Y um, es posible que deseen seguir con eso, señoritas, porque hay un clicker que viene directamente hacia ustedes, y lo tiene claro. su plan.

‘NO RENUNCIAMOS’ | Riley dispara a los infectados, lo que les da un segundo para correr. Dios, esa cosa es RÁPIDA, y salta sobre Riley por detrás. Luego atrapa a Ellie, quien lo apuñala repetidamente, pero los cortes no parecen frenarlo en absoluto. Está encima de ella cuando Riley, que ha vuelto en sí misma después de ese primer ataque, lo golpea con un bate de béisbol, aturdiéndolo durante el nanosegundo que le toma a Ellie rajarlo en la cabeza con su cuchillo. «¡Mierda santa!» ella llora de triunfo, pero Riley solo mira el brazo de su amiga, ceniciento: Ellie ha sido mordida. Mientras Ellie grita de horror, Riley llora en silencio y levanta la mano: ella también ha sido mordida.

Ellie rompe muchas cosas con enojo mientras Riley se sienta en el piso de la tienda de Halloween con la espalda contra el mostrador de ventas. Deciden que hay dos formas posibles de hacerlo: suicidarse con el arma o simplemente esperar hasta que los Cordyceps tomen el control. “No nos damos por vencidos”, decide Riley. “Ya sean dos minutos o dos días, no nos damos por vencidos. No quiero renunciar a eso”. Toma la mano de Ellie y ambas lloran cuando Ellie apoya la cabeza en el hombro de su amiga y Riley la acerca para abrazarla con fuerza.

COSER QUÉ?! | No somos testigos de cómo termina realmente el tiempo de las chicas juntas. Sabemos, por supuesto, que Ellie sobrevive; la mordedura en su brazo es la que hemos visto, curada, varias veces desde que comenzó el espectáculo. Pero lo siguiente que vemos es a Ellie en el presente, saqueando la cocina de la casa en busca de algo que pueda ayudar a Joel… y milagrosamente encuentra algo.

Ella regresa abajo, se arrodilla cerca de él y le toma la mano; él la mira fijamente y luego aprieta la espalda de ella. (CHICOS. Este episodio ha sido MUCHO, y el sangriento abrazo de Angry Dad y Wonder Kid aparentemente es mi punto de inflexión: soy un desastre). Resulta que Ellie encontró una aguja e hilo en un cajón. Entonces, mientras Joel gime de dolor, ella le levanta la camisa y se pone a coser la herida.

Ahora es tu turno. ¿Qué opinas del episodio? ¡Suena en los comentarios!

En el primer tercio de “The Accidental Getaway Driver” podrías pensar que te espera la película del festival en Sundance 2023. El escenario es simple y lleno de suspenso: Long (Hiệp Trần Nghĩa), un anciano inmigrante vietnamita que trabaja como Al conductor se le paga el doble por una tarea nocturna que resulta ser mantener a tres prisioneros fugados por delante de la ley. Cuando Tây (Dustin Nguyen), uno de los convictos, le apunta con un arma para evitar que se escape cuando quiere salir, la tensión aumenta hasta el punto de ruptura.

Pero “The Accidental Getaway Driver” no es la película del festival. Y aunque la tensión aumenta cerca del comienzo, eso es lo más alto que dura toda la película. En cambio, es simplemente una primera película muy prometedora de Sing J. Lee, quien está lleno de ideas pero podría haber trabajado un poco más cuidadosamente para enfocarlas. Cuando comienza, crees que te espera la segunda venida de «Collateral» de Michael Mann, el subidón de ansiedad y la fotografía nocturna ágil y sinuosa del director de fotografía Michael Cambio Fernandez. Es impresionante la gran cantidad de ángulos que él y Lee encuentran para filmar a Hiệp y el Toyota de finales de los 90 que conduce por el sur de California, tratando de no enojar a los hombres que lo tienen como rehén.

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Lo que Lee pretende es en realidad un propósito más alto que «Colateral». Tây, el convicto que apunta con el arma a Long y lo contrató inicialmente, es un compañero inmigrante vietnamita. Se sienta en el asiento delantero, tanto mejor para mantener a Long bajo estrecha vigilancia, para que no se escape ni le haga una señal a la policía. Tây se siente genuinamente amenazante al principio. Nguyen no es llamado «el Clint Eastwood de Vietnam» por nada, y los productores de esta película, los cuidadores de Bond Michael G. Wilson y Barbara Broccoli, harían bien en considerarlo para una futura película de 007. Pero su superficie dura se derrite en el transcurso de los 116 minutos de duración de la película hasta que se convierte en algo mucho más complejo, como un antihéroe de John Ford que ha hecho cosas terribles pero está buscando un camino hacia la redención.

Tây es, en última instancia, el corazón de «The Accidental Getaway Driver», que se siente como un cebo y un cambio dado que él no es el personaje principal. Long está tan protegido durante tanto tiempo que es un poco más difícil conectarse con él hasta el final de la película. Está tan aterrorizado por su situación, sin mencionar que aún procesa décadas de angustia (ha estado separado de su familia durante años después de objetar al prometido de su hija), que es, con razón, difícil de conocer. Es una opacidad que se refleja abiertamente en la elección de Lee como director a veces para colocar a Hiệp en un primer plano tan extremo que el borde inferior del cuadro corta la mitad inferior de su rostro. Es como si estuviera mirando por encima del marco, deseando poder esconderse debajo y escapar del terror de su situación.

Los otros dos convictos están mucho más dibujados en el guión de Lee y Christopher Chen. Aden (Dali Benssalah) es el más violento y volátil, con Benssalah dando un monólogo tipo Joker que, a pesar de toda su valentía, en realidad muestra un dolor real debajo. Y Eddie (Phi Vũ) tiene poco más de 20 años y sigue tan a la deriva e inseguro como un niño. Son de todos los tipos y, curiosamente, los tres convictos se alinean bastante cerca de los tres prisioneros fugados en las versiones de Richard Boleslawski y Ford de «Tres padrinos».

Eso lleva a cierta preocupación al verlo de que Long finalmente podría lijar sus bordes y revelarse como un viejo tierno y adorable, que siempre es la tentación cuando se tiene a un hombre de 80 años como el personaje principal. Pero aunque Lee cuestiona el dolor y la fuerza interior de Long a través de intrigantes escenas retrospectivas de su infancia en Vietnam y visiones de la familia de la que ahora se ha distanciado, evita la catarsis más empalagosa que podría haber parecido obvia. Lee es un cineasta con instintos claramente fuertes, y nada acerca de dónde termina «The Accidental Getaway Driver» es trillado. Está profundamente sintonizado con los matices de lo que significa ser un inmigrante, y algunas escenas cerca del final hablan de una comprensión del poder de la comunidad que otro director no habría podido ofrecer.

El problema es que, tras ese pico temprano de un primer acto, “The Accidental Getaway Driver” no tiene mucha tensión. Realmente no crees que Long está en peligro profundo después de un punto, incluso cuando Aden le apunta con un arma a la cabeza. Debe haber una manera de hacer la película sobre el creciente vínculo entre Long y Tây mientras se mantiene el suspenso a un alto nivel. Eso no sucede, y hace que la película se sienta poco cocinada incluso cuando ofrece momentos genuinos de conexión e incluso poesía.

Pero cualquier conductor sabe que el destino es la cosa. Y “The Accidental Getaway Driver” es lo suficientemente prometedor como para entusiasmarse con el próximo destino de Lee.

Grado B-

“The Accidental Getaway Driver” se estrenó en el Festival de Cine de Sundance de 2023. Actualmente está buscando distribución en los Estados Unidos.

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No hay otro cineasta vivo que esté haciendo mejores dramas familiares que Hirokazu Kore-eda. El escritor y director ha creado dramas más impecablemente escritos y capturados con ternura que casi cualquier otro cineasta japonés desde Yasujiro Ozu. En 2018, finalmente obtuvo el reconocimiento que merecía por mucho tiempo cuando su inquietante retrato de una familia encontrada, ladrones, recibió la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes de ese año. Tras el estreno de esa película, Kore-eda se aventuró fuera de su Japón natal para trabajar con la legendaria estrella de cine francesa Catherine Deneuve en el drama multinacional La verdad.

Ahora, con su última película, Corredor, Kore-eda ha vuelto a viajar fuera de Japón. La película es la primera producción en coreano del autor japonés y ha sido descrita por el propio Kore-eda como una pieza complementaria de ladrones. Tiempo Corredor nunca alcanza los niveles devastadores de esa película de 2018, las dos películas exploran temas similares con la misma mano ligera y gentil que ha llegado a definir el trabajo de Kore-eda. La nueva película brilla con una especie de sensibilidad e intimidad radical, mostrando que su director ni siquiera tiene que superarse a sí mismo para producir una de las mejores películas del año.

en el centro de Corredor es Ha Sang-hyeon (Parásito Song Kang-ho), un tintorero que ha comenzado a trabajar lentamente para saldar su deuda con un mafioso robando bebés que quedan en las cajas de bebés de Corea del Sur y luego negociando sus adopciones no oficiales. Dong-soo (Gang Dong-won), un huérfano que trabaja en la misma iglesia donde se encuentra la caja para bebés de Sang-hyeon, lo ayuda en su esfuerzo oculto. Juntos, los dos hombres han hecho un lucrativo negocio seleccionando nuevas familias para los niños abandonados que encuentran.

Sin embargo, su actividad paralela ilegal se ve amenazada cuando Moon So-young (Lee Ji-eun), la madre de un bebé que Sang-hyeon y Dong-soo secuestraron en medio de la noche, viene a buscar a su hijo al día siguiente. . Sin embargo, en lugar de notificar a la policía sobre la intermediación de Sang-hyeon y Dong-soo, So-young decide viajar por Corea del Sur y ayudarlos a encontrar un nuevo hogar para su hijo. El viaje que sigue es uno que, al estilo típico de Kore-eda, obliga a So-young, Sang-hyeon y Dong-soo a reexaminar sus puntos de vista sobre la familia, el amor y los lazos que los unen.

Si hay una denuncia que hacer contra Corredor, es que Kore-eda no maneja todas las subtramas y motivaciones de la película tan bien como lo ha hecho en algunas de sus películas anteriores. Similar a ladrones, la trama de la nueva película es tan compleja que a menudo raya en ser francamente enrevesada. Varias revelaciones sobre, por ejemplo, el pasado de So-young también amenazan con romperse. CorredorLa suave lógica dramática. El acto final de la película se compromete de manera similar con un puñado de giros sorprendentemente oscuros que, según el espectador, pueden presionar demasiado contra CorredorPor lo demás, el tono tierno y el estilo de narración.

Los que pueden comprar CorredorSin embargo, el mundo cuidadosamente compuesto de crímenes brutales y ternura desgarradora probablemente se verá envuelto en otro retrato profundamente conmovedor de una familia encontrada de Kore-eda. A lo largo de Corredorel cineasta lucha en silencio con temas de abandono, culpa y conexión sin nunca inclinarse demasiado hacia el melodrama o confiar demasiado en los elementos de género ligero de la película.

No hay peleas o discusiones exageradas en Corredor. En cambio, las revelaciones de la película llegan a sus personajes de manera gradual y silenciosa, obligándolos a lidiar con sus propios errores y fallas sin castigarlos demasiado severamente por ellos. Como es el caso en muchas de las películas de Kore-eda, en última instancia son las profundas conexiones que se forman entre CorredorLos personajes centrales que proporcionan la iluminación que necesitan. Eso es particularmente cierto en la relación que se forma entre Dong-soo, un huérfano adulto que todavía lucha con sus propios problemas de abandono, y Moon So-young, una joven madre que cree que ya no es capaz de criar a su hijo.

Tanto Lee como Gang brillan en sus papeles de So-young y Dong-soo. La pareja retrata la agitación interna y los conflictos de sus respectivos personajes sin exagerar ni sacarlos demasiado de la superficie, lo que les permite Corredor para resaltar aún más las pequeñas formas en que nuestras emociones pueden cambiar y evolucionar con el tiempo. Lee, en particular, impresiona como So-young, un personaje cuyo exterior intencionalmente frío tiene la oportunidad de desmoronarse lenta, casi imperceptiblemente, en el transcurso de Corredor. Su arco culmina en una escena de rueda de la fortuna con Dong-soo que se encuentra entre las más emocionalmente convincentes que encontrarás en una película estrenada este año.

Song Kang-ho, mientras tanto, se convierte en otra actuación silenciosamente reveladora como Sang-hyeon, un hombre cuya personalidad excesivamente práctica enmascara perfectamente la bondad áspera que se agita dentro de él. Kang-ho, quien durante mucho tiempo ha sido considerado como uno de los mejores actores del mundo, demuestra ser un protagonista perfecto para Kore-eda, un director cuyo estilo narrativo sutil e íntimo parece especialmente adecuado para los artistas que aparecen en Corredor. Los tres miembros del trío central de la película coinciden por turnos. CorredorLa energía tranquila y contemplativa de ‘s hace lo suficiente para elevar las emociones de la película sin llegar a ser tan grande como para romper su frágil tensión dramática.

Tiempo Corredor no es tan interminable y perfectamente compuesto como algunos de los esfuerzos anteriores de Kore-eda, a saber, 2008 Todavía caminando No obstante, la sensibilidad visual del director está a la vista desde el primer fotograma de la película hasta el último. Aquí, Kore-eda lleva su agudo ojo visual a algunas de las principales ciudades metropolitanas y costeras de Corea del Sur, creando un retrato de la vida nocturna urbana y la calma junto al mar que asegura que Corredor encaja bien con las películas pasadas de su director. Kore-eda, en concreto, sigue teniendo un ojo brillante para combinar múltiples texturas dentro de las mismas composiciones.

Esa habilidad es particularmente evidente durante una escena notable en Corredor en el que Soo-jin (Bae Doona), una detective de la policía que está investigando el servicio de adopción ilegal de Sang-hyeon y Dong-soo, se toma el tiempo para tener una llamada telefónica tranquila con su pareja. La escena coloca a Soo-jin firmemente en el lado derecho del encuadre y detrás de varias capas visuales, incluido el capó de su automóvil, su parabrisas rayado por la lluvia y sus limpiaparabrisas. El uso de la lluvia en la imagen, el parabrisas del auto de Soo-jin y las luces de la ciudad que brillan fuera de la pantalla se unen para crear una imagen que parece a la vez simple y multifacética.

Lo mismo es cierto para Corredorque está tan bien calibrada e inocuamente presentada que no te das cuenta de las capas que tiene hasta que ya estás tan sumergido en su mundo e historia que cualquier pregunta sobre la lógica de la película pierde sentido por el peso emocional de la misma.

Corredor llega a los cines el lunes 26 de diciembre.

Recomendaciones de los editores

Cada vez que Annie Ernaux mira a la cámara en «The Super 8 Years», su rostro muestra una seductora combinación de calma, decepción, impaciencia y aquiescencia. Está mirando a su exmarido (y padre de sus dos hijos) Philippe, con quien estuvo durante 17 años. Fue su idea conseguir una cámara Bell & Howell Super 8 justo antes de que la familia se mudara a Annecy cuando tenían 30 años con sus hijos, que entonces tenían 7 y 10 años. Philippe era el «cineasta principal» autodeterminado, pero Annie es la última encargada. y se le confió dar sentido a este metraje décadas más tarde, y de encontrar significado y fe en el mundo que desaparece que inmortalizó.

Las imágenes de Philippe no son necesariamente la clave de una nueva forma de filmar o de un director de fotografía trágicamente desconocido. Fuera de contexto, estos videos familiares son tan interesantes para los extraños como escuchar la llamada telefónica de alguien en el autobús o en el tren. De vez en cuando pueden salir a la luz destellos de chismes, pero la intimidad y el interés fundamental están reservados para aquellos que orbitan alrededor de la persona que filma o habla, y solo ellos.

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Pero algo sucede cuando Annie resucita estas imágenes. Ella y Philippe se divorciaron no solo por esto, sino después de darse cuenta de que las imágenes estaban cambiando drásticamente. Ya no se trataba solo de capturar civilizaciones que se desvanecían, a través de los viajes de la familia a Marruecos, Albania, Moscú, Londres y más, sino que el tejido de la familia en sí comenzaba a deshilacharse. Mucho estaba desapareciendo del marco: la apariencia literal de Annie y los niños, la atadura emocional que hizo que las primeras imágenes se sintieran mucho más tiernas, una rara constante en un mundo cambiante.

Esta comprensión crece lentamente en la película, como lo haría si pasaras casi dos décadas pensando que estabas construyendo algo con una mano mientras te acercabas a tus seres queridos con la otra, solo para luego descubrir que estabas tratando y fallando en atrapar el aire. durante años. Esa triste conclusión solo puede surgir en retrospectiva, y gran parte de «The Super 8 Years» puede sentirse como una cápsula del tiempo sencilla y quizás no excepcional hasta que abre el cuestionamiento universal sobre qué memoria, y película, puede salvar de los escombros.



Ernaux recibió el Premio de Novela de Literatura 2022 “por el coraje y la agudeza clínica con la que descubre las raíces, los extrañamientos y las restricciones colectivas de la memoria personal”. Es emocionante reconocer que estás viendo poesía en movimiento en “Los Súper 8 Años”. La película recuerda vagamente al reciente retrato de Laura Poitras de la fotógrafa Nan Goldin en «All The Beauty And The Bloodshed», específicamente en la forma en que ambas películas se apoyan en la naturaleza animada del cine para obligar a los espectadores a considerar los pensamientos, las palabras, y el arte de estas mujeres como imposiblemente vivas, por fin.

Goldin habla de tomar fotografías de personas para que no las olvidemos, para mantener vivos a los muertos. Ernaux señala que las mujeres a menudo están «en la primera línea del tiempo» mientras observa a su hijo soplar las velas de su décimo cumpleaños con una melancolía agridulce de que esta misma celebración no volverá a suceder. Se trata de filmar «lo que nunca verás dos veces», que mientras lo vives se siente poco excepcional hasta que solo puedes aferrarte a eso como una reliquia.

La película también se apoya en una tendencia reciente convincente de mujeres insatisfechas de 30 años que se preguntan cuándo comenzará realmente su vida. Ernaux, narrando, comenta sobre su propia expresión a medida que cambia a lo largo de los años, mirando hacia atrás a Philippe. “La mujer de la imagen siempre parece preguntarse por qué está allí”, señala la narradora sobre sí misma, sin saber qué conclusión tomar más allá de aceptar finalmente el hecho de que no está convencida de que su destino como cuidadora de esta familia sea suficiente. Es lo que hace avanzar a Julie en “La peor persona del mundo” de Joachim Trier, tal vez ese reconocimiento de la incertidumbre sea suficiente para finalmente atreverse a considerar el disfrute como un deber y decir en voz alta que uno se siente espectador de su propia vida.

Ernaux no tiene nada que enseñarnos, per se, sobre qué hacer con las piezas rotas o cómo arreglarlas. Es un alivio compartirlos. Es un privilegio ser invitada al mundo de esta escritora incomparable con una inteligencia emocional incomparable que es lo suficientemente valiente como para señalar cada parte de su vida que, en cierta medida, fracasó. Es una enorme responsabilidad recibir el título de “guardián” de toda una vida pasada, como designó Philippe a Annie cuando se fue con la cámara, dejando los carretes y el proyector para que Annie determinara si alguna parte de todos esos años valió la pena. recordando en absoluto. Al final, se convierte en una lección de observación, paciencia y gracia al aceptar cuánto ha cambiado. Las palabras de Ernaux han cambiado el mundo antes; aquí cobran vida cuidadosamente.

Grado B

Kino Lorber estrenará “The Super 8 Years” en cines selectos el viernes 16 de diciembre.

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Este artículo contiene spoilers de principios a mediados del juego para penitencia en su discusión del tiempo como dispositivo narrativo.

En penitencia, la insensibilidad del tiempo, su desprecio por las necesidades y caprichos de la humanidad, me golpeó por primera vez al final del primer acto. Acababa de desempeñar un papel clave en la condena a muerte de un hombre por un crimen del que nunca estuve convencido de que fuera culpable, todo en nombre de salvar a otro hombre del hacha del verdugo. El juego me obligó, pero al menos el hermano Piero se salvó…

En muchas otras historias, ese sería el final. Seguiría un breve desenlace; la precisión de mi dedo señalador quedaría al descubierto, y las comunidades gemelas de Tassing y Kiersau encontrarían una nueva normalidad después del caos. no tan en penitencia.

En cambio, para nosotros como jugadores, pasan siete años en un abrir y cerrar de ojos. Es un ejemplo clásico de yuxtaposición. En un segundo, nuestro héroe Andreas habla con el hermano Piero sobre la promesa que depara el futuro. Al siguiente, se para junto a una lápida, claramente más antigua, lamentando una amistad que se marchitó como una planta en la oscuridad. El cambio repentino es un puñetazo en el estómago. En un momento, vemos la crueldad del tiempo al descubierto: Andreas como un joven esperanzado (aunque inseguro), Andreas como un adulto amargado.

Sabía que vendría. La historia que abarca décadas fue un elemento fijo de penitenciaEl marketing previo al lanzamiento de , pero eso no hizo que esa yuxtaposición fuera menos un golpe emocional. El enfoque en una amistad incumplida en ese momento trae consigo una cantidad considerable de equipaje, ninguno de los cuales inspira felicidad.

Sin embargo, la transición entre períodos de tiempo no se trata solo de hacernos sentir mal. También se trata de inspirar a la reflexión. Enfatiza cómo el propio concepto de tiempo es uno de los temas principales de penitencia.

La primera impresión es que el tiempo es tiránico.

No solo le robó a Andreas su la alegría de vivir, pero también le ha robado al jugador la verdad. Puede encontrar lo que puede ser evidencia incriminatoria mientras trabaja para resolver el primer asesinato, pero las potencialidades lo empujan en diferentes direcciones. Fácilmente podría ser un monje, un campesino o la viuda que vive en las afueras de la ciudad. Tienes el desafío de seguir varios hilos, pero hablar con la gente lleva tiempo. Todo es un intercambio: tu esfuerzo por su información. Hay un número limitado de tareas que puedes realizar en un día, y la llegada inminente del archidiácono hace que sea imposible descubrir todas las pistas.

E incluso si pudieras, hay una sensación de desorientación. Al estilo clásico de una historia de misterio, penitencia se complace en engañar al jugador. Las migas de pan están salpicadas, pero no hay una pistola humeante, y en un nivel superior, está la figura misteriosa a la que Andreas llega a llamar Thread-Puller. Con todos aullando por lo que pasa por justicia en este mundo injusto, simplemente no tienes tiempo para explorar el misterio más grande.

En el momento del juicio, este diseño narrativo genera tensión. ¿Cuánto dices de cada sospechoso? ¿Mencionas tu creencia en una conspiración mayor? Pero sobre todo, ¿a qué residente vas a condenar a muerte?

Reconocemos esa manipulación mientras jugamos, pero solo después del salto de tiempo, solo después de que vemos cómo Andreas ha sido empujado por los rigores del tiempo, nos damos cuenta de que todo fue una trampa. ¿Por qué tomamos la decisión? ¿Por qué luchamos para condenar a otro que (hasta donde sabemos) era inocente si la muerte y el dolor era todo lo que esperaba?

Sí, el tiempo es un tirano. Y todavía…

La segunda impresión es que el tiempo es tierno.

Con sus saltos de tiempo que abarcan décadas, penitencia aprovecha la tradición de historias como la de Ken Follett Los pilares de la tierra y de Víctor Hugo Los Miserables. Como en esos libros, el paso del tiempo resulta esclarecedor. Explora cómo cambian las fortunas y las actitudes a lo largo de las generaciones. Muestra el efecto mariposa de cómo las pequeñas decisiones pueden dar forma y remodelar la vida misma.

Es una herramienta narrativa que puede mostrar la vida a escala macro, y les miserables lo hace maravillosamente en la forma en que sigue a Jean Valjean de ladrón desesperado a ciudadano íntegro, de padre adoptivo a héroe. Aún más potente es su capacidad para concentrarse en las pequeñas cosas, que es el enfoque penitencia toma.

El primer residente de Tassing que conoces en el juego es Ursula, que comienza como una adorable bola de masa hervida. Ella es una niña pequeña en el momento de la primera visita de Andreas, por lo que sus interacciones con ella son apenas interacciones. No puede hablar, por lo que sus globos de diálogo están llenos de cadenas de letras que se asemejan vagamente a sus intenciones. Siete años después, es una niña, curiosa por el mundo, y tienes la oportunidad de moldear un poco su forma de ver las cosas. Muchos años después, es una mujer joven que se embarca en la siguiente fase de su vida.

En eso, penitencia me recuerda a mirar desde lejos mientras mi sobrina y mi sobrino crecían. Los veo rara vez, a veces con años entre nuestros encuentros, y nunca deja de sorprenderme cuánto cambian con el tiempo. Los recuerdo en instantáneas: como niños pequeños, como niños, como adolescentes rebeldes. Veo sus vidas como presentaciones de diapositivas.

Los huecos en penitencia son mucho más grandes, por supuesto, y la compresión del tiempo es mucho más intensa. Eso lo convierte en un placer. Hay mucho más que ver crecer a los niños. Un joven de mala reputación se reforma y se convierte en un miembro sensato de la comunidad. Un campesino asciende para tener una voz central en el consejo local. La tecnología avanza y surge el laicismo como contrapunto a la religión. Ves cómo los cambios afectan la vida de las personas en esta comunidad pequeña y unida, para peor, sí, pero también para mejor.

La impresión final es que el tiempo es total.

Gracias a su alcance único, un mundo pequeño con un gran lapso de tiempo, penitencia te hace sentir menos como Andreas y más como un miembro invisible de la comunidad de Tassing. Simpatizas con los que sufren bajo el yugo de los pesados ​​impuestos. Sientes por los jóvenes con sus enamoramientos y el peso que cargan con las elecciones de sus padres. Ves alegría y dolor, amor y tristeza, miedo y furia. Ves la vida.

Mientras escribo eso, recuerdo inexorablemente el 2018 Dios de la guerra, que también tenía como objetivo mostrar una amplia gama de emociones. Estoy pensando particularmente en el arco de Atreus, en el que su divinidad inspiró arrogancia antes de que finalmente aceptara lo que Kratos estaba tratando de enseñarle. Se siente coherente hasta que te das cuenta de que la ausencia de cortes significa que todo sucede en tiempo real. Todo lo que sucede sucede en meras horas, lo que socava la resonancia emocional que conlleva.

Eso no se entiende como una queja. En cambio, es una declaración sobre cómo los textos pueden comunicarse. Tal como Almas oscuras y Anillo de Elden han mostrado el potencial de un camino diferente en la narración de videojuegos, también lo hace penitencia. No es necesariamente tan audaz, pero cualquier voluntad de hacer las cosas de manera diferente ofrece nuevas formas de pensar.

En penitencia, que toma la forma de ver el tiempo como un personaje. Al influir en cómo se sienten los jugadores, ser un objeto de curiosidad para los personajes y permitir cambios en el escenario, el tiempo tiene una profunda influencia en el juego. No es una gran revelación, pero ciertamente es más refrescante que tener el tiempo como nada más que una métrica.