ALERTA DE SPOILER: Este artículo contiene detalles de la trama de “Challengers”, que ahora se proyecta en los cines.

Josh O’Connor nunca probó un churro hasta que rodó “Challengers”.

El actor británico y su compañero de reparto Mike Faist disfrutan de la masa frita en una de las escenas más sugerentes de la película. En resumen, Patrick (O’Connor) está visitando a su novia Tashi (Zendaya) y a su mejor amigo Art (Faist) en Stanford cuando los dos jóvenes se encuentran en una cafetería. Están sentados frente a frente mientras devoran los churros.

«En realidad sólo hicimos dos tomas de esa escena», dice O’Connor en el estreno del drama en Los Ángeles. «Estaban deliciosos. Mi primer churro fue ese día”.

Entonces ¿por qué churros? Como si fuera necesario preguntar eso. «Porque son un bocadillo delicioso», dice el guionista Justin Kuritzkes, mientras sonríe. «Son muy populares en California, por eso».

Kuritzkes dice que O’Connor y Faist mejoraron la escena cargada de sexualidad con sus propios giros.

«Siempre estaban encontrando nuevos aspectos físicos, cosas nuevas, cosas no dichas», dice, y agrega: «Siempre encuentran grandes momentos, así que no puedo atribuirme el mérito de todo».

El drama del tenis sobre un triángulo amoroso sigue a Tashi, un ex prodigio del tenis que sale con Patrick durante la universidad pero luego se casa y entrena a Art. La relación de pareja se pone a prueba cuando Patrick regresa a la vida de la pareja.

Al principio de la película, poco después de que los tres se conocieran cuando eran adolescentes, Patrick y Art se besan después de besarse con Tashi. ¿Son los dos hombres raros? No está claro.

«Lo que es cierto acerca de un triángulo amoroso es que cada triángulo amoroso es, por naturaleza, extraño», dice Kuritzkes, y agrega: «Ya sea que tengas la intención de serlo o no, estás en una relación íntima con otras dos personas».

O’Connor opina: “Todos son fluidos. Todos se aman y se están dando cuenta de eso. Están tratando de entender dónde se desarrolla eso y cómo se desarrolla, por lo que no sé si hay una respuesta clara a eso, pero creo que todos están completamente empatados. Están todos dentro”.

Durante la entrevista, a Duvall se le mostraron escenas de «El resplandor», incluida una en la que su esposo Jack (Nicholson) la sigue escaleras arriba mientras ella se aferra a un bate de béisbol por seguridad y trata de golpearlo. Nicholson está absolutamente trastornado en la escena, y no hay duda de que Jack tiene la intención de hacerle un daño grave a su esposa Wendy (Duvall). Terminaron filmando la escena 127 veces, lo cual es mucho para cualquier escena, y mucho menos una en la que Duvall tuvo que actuar como si temiera por su vida. Ella tuvo sentimientos complicados en la escena, explicando sus lágrimas diciendo:

«Porque filmamos eso durante unas tres semanas. Todos los días. Fue muy difícil. Jack era tan bueno, tan aterrador. Sólo puedo imaginar cuántas mujeres pasan por este tipo de cosas. Fue una escena difícil, pero resultó «Resulta ser uno de los mejores de la película».

Tres semanas de fingir estar absolutamente aterrorizado le pasarán factura a una persona, por mucho que Duvall intente convertirlo en algo positivo diciendo que la escena resultó ser una de las mejores de la película. Actuar es fingir, por supuesto, pero incluso imitar las reacciones que atraviesa nuestro cuerpo en momentos de trauma puede dejar su huella, como Daniel Day-Lewis luchando con su salud mental debido a «El último mohicano» o Florence Pugh pasando por situaciones reales. trauma en «Midsommar». Así que es difícil siquiera imaginar cómo se sentirán tres semanas con ese nivel de intensidad.

Incluso antes de ser Olivia Benson, Mariska Hargitay ya formaba parte del mundo del espectáculo.

La historia de Hargitay en Hollywood incluye a su famosa y bella madre, Jayne Mansfield, que murió trágicamente en un accidente automovilístico que el Ley y Orden: UVE La estrella sobrevivió, y su padre, el actor Mickey Hargitay, quien murió en 2006 a los 80 años. El último papel actoral de Mickey fue tres años antes de su muerte, y fue un papel coprotagonista en UVE con su hija.

En su propia vida amorosa, Hargitay encontró un amor duradero con su compañero actor y frecuente UVE coprotagonista Peter Hermann. La pareja comenzó a salir en 2002, se casó en agosto de 2004 y todavía se mantiene fuerte. Su esposo y sus tres hijos han estado con ella en cada paso de su carrera.

Aquí, repasamos los años de la vida familiar de Hargitay en fotografías.

Este es un extracto de la revista TV Guide. Ley y orden: SVU 25º aniversario asunto. Para obtener más información detallada sobre la franquicia de NBC de larga duración, obtenga una copia del número disponible en los quioscos y pídalo en línea en LawAndOrderMagazine.com.

El cinismo es una cualidad que se da casi por sentado en el periodismo tecnológico y, ciertamente, somos tan culpables como cualquier otra publicación. Pero tanto el riesgo como la promesa de la tecnología son reales, y una nueva serie documental intenta enfatizar lo último sin descartar lo primero. “Una breve historia del futuro”, presentada por Ari Wallach, también tiene la convincente cualidad de, como producción de PBS, ser completamente gratuita.

La tesis del programa es simplemente que, si bien vale la pena considerar y documentar los peligros y decepciones de la tecnología (a menudo debido a su subversión por parte de intereses comerciales), también se debe resaltar la otra cara de la moneda, no por ingenuidad sino porque es realmente importante y convincente.

Hablé con Wallach, quien adopta sin reservas el apodo de “futurista” desde el principio, sugiriendo que corremos el riesgo de cegarnos ante el potencial transformador de la tecnología, las nuevas empresas y la innovación. (Revelación completa: conocí a Ari hace muchos, muchos años cuando iba a Berkeley con mi hermano, aunque esto es una coincidencia).

“La teoría del caso es que cuando le preguntas a 10 estadounidenses ‘¿qué piensas sobre el futuro?’ Nueve de cada 10 dirán: «Le tengo miedo», o dirán que se trata de tecnología. Esas son dos cosas para las que este programa es de alguna manera una intervención”, explicó Wallach.

El futuro, dijo, no es sólo lo que te dice un publicista de Silicon Valley, o lo que te advierte la “Gran Distopía”, o incluso lo que predice un escritor de TechCrunch.

En la serie de seis episodios, habla con docenas de personas, empresas y comunidades sobre cómo están trabajando para mejorar y asegurar un futuro que tal vez nunca vean. Desde cuero de hongos hasta limpieza de océanos y doulas de la muerte, Wallach encuentra personas que ven el mismo futuro aterrador que nosotros pero que eligen hacer algo al respecto, incluso si eso parece irremediablemente pequeño o ingenuo.

«Queríamos llevar el futuro a las salas de estar de las personas que normalmente no piensan en él de manera crítica y con la mente abierta, en términos de los futuros que se crean», dijo. “La gente simplemente no se expone a ello. Porque en el momento actual hay toda una serie de razones por las que, culturalmente, ser crítico y cínico equivale a dar la impresión de ser inteligente y consciente. Pero ahora estamos en un punto en el que si hacemos eso continuamente, vamos a perder el hilo. Vamos a perder la narrativa de todo el proyecto humano más amplio”.

En otras palabras, la cuestión no es fingir que los problemas no existen, sino más bien que ya hay suficientes personas hablando de ellos. ¿No debería alguien centrarse en lo que la gente está haciendo realmente para resolverlos?

Por supuesto, los temas esperados de la IA, la automatización y el clima están ahí, pero también la comida, el arte y la arquitectura, y preocupaciones más filosóficas como la gobernanza y el valor.

La objeción más común que planteó mi mente cínica mientras miraba fue el clásico «¿cómo se escala esto?» Y Wallach se apresuró a admitir que gran parte de eso no es así.

“¿Cómo se escala y cómo se monetiza? Esto es una especie de Silicon Valley-ización, el Sand Hill Road de mirar al futuro. ¡Y hay un momento y un lugar para eso! Puede que siga adelante, puede que no. Ese no es el punto. Intentamos informar y educar sobre cómo pensar de manera diferente sobre el mañana, y aquí hay ejemplos de personas que lo hacen. Es un comportamiento y una acción modelo para dar a las personas un sentido de agencia. ¿Vamos a vivir todos en casas impresas en 3D? Tal vez no. Pero si pensamos en los 2.000 o 3.000 millones de personas que no tienen vivienda en el planeta y en cómo vamos a alojarlas, esto potencialmente será parte de ello”, continuó.

“Se trata de centrarse en la solución, algo que no es puramente centrarse en la solución de capital de riesgo. Se trata de cómo resolver los problemas que tenemos hoy a través de una lente de oportunidad, en lugar de una lente de ‘todos vamos a morir’, que suele ser lo que suelen ser los titulares, ¿verdad?

La tesis de Wallach le valió a su equipo un billete de oro para viajar por el mundo y hablar con numerosas personas y empresas interesantes. Granjas verticales, cuero de hongos, propagación de corales. Pete Buttigieg, Emmanuel Macron, Reid Hoffman, Grimes, el futbolista Kylian Mbappé. Y todo el mundo parece sentirse aliviado de poder hablar de la promesa del futuro en lugar de su amenaza.

Cuando le pregunté a Wallach dónde o con quién le hubiera gustado pasar un poco más de tiempo, dio tres respuestas. Uno, un profesor del norte de Japón que tiene una forma teatral, pero aparentemente bastante efectiva, de pedir a los mayores que consideren el futuro, haciéndoles fingir que vienen de allí. Dos, el Laboratorio Nacional Lawrence Livermore, donde el nivel de innovación y ambición era, dijo, demasiado alto para expresarlo. Y tres, la “doula de la muerte” que ayuda a las personas a superar la ansiedad del fin de su propia existencia. (Aunque a menudo se habla de tecnología, está lejos de ser el único tema).

En caso de que se pregunte qué interés especial adinerado está tratando de aplacarlo con esta benéfica presentación de un futuro más bondadoso y sabio… no se preocupe, le pregunté. Y la oscura corporación detrás de este documental notablemente bien producido no es otra que el nefasto Servicio Público de Radiodifusión. Lo que significa, como se señaló anteriormente, que no solo se puede transmitir gratis en PBS.org y en YouTube (agregaré el primer episodio a continuación tan pronto como esté en vivo), sino que también aparecerá en la televisión lineal normal todos los días. Miércoles a las 9 pm – “justo después de Nova”.

La audiencia general a la que está dirigido un programa como este, me recordó Wallach, no participa en TikTok ni, a menudo, ni siquiera en los servicios de transmisión. Millones, especialmente las personas mayores que aún no están amargadas por la promesa del futuro, encienden la televisión después de cenar para ver las noticias locales, un programa de la cadena y tal vez un documental como este.

Wallach y su equipo también han elaborado una versión del programa específica para el aula que incluye materiales educativos para dar seguimiento a los estudiantes sobre los temas tratados.

“Este será el primer plan de estudios futuro a nivel nacional que se implementará y estará disponible para más de 1,5 millones de maestros en la plataforma educativa de PBS. Eso es como 20 millones de niños. Es genial. Y es gratis”.

Como pensamiento de despedida, Wallach destacó los programas con los que creció y cómo es un “trabajo culminante” poder hacer algo que emule (aunque tuvo cuidado de no comparar el suyo con ellos) programas clásicos como Cosmos, The Power of Mito y conexiones.

“El cosmos cambió mi forma de pensar sobre el universo; El poder del mito, cómo pienso sobre la fe, el significado, la psicología; Con suerte, Una breve historia del futuro cambia la forma en que la gente piensa sobre el futuro y el mañana. Esa es la empresa en la que queríamos estar”.

Una de las mejores partes de cualquier entrega de premios es ver las reacciones del público. Cortar a la audiencia es un arte, y las personas que dirigieron la transmisión de los Oscar 2024 sabían a quién cortar en cada momento.

Paul Giamatti llorando por la victoria de Da’Vine Joy Randolph como Mejor Actriz de Reparto fue una de las primeras incorporaciones a la lista de las mejores tomas de reacción de los Oscar. Cortando al perro Messi, hecho famoso por Anatomía de una caídatambién fue un deleite para los espectadores.

También hay grandes reacciones a las victorias, presentaciones y actuaciones durante el espectáculo, tanto en el escenario como entre el público. El emocionado abrazo de Billie Eilish y su hermano Finneas después de su “¿Para qué fue hecho?” La actuación fue un momento dulce. Y ver a los nominados Jeffrey Wright y Sterling K. Brown abrazar a Cord Jefferson después de ganar su premio al Mejor Guión Original por Ficción americana Fue un momento conmovedor.

Aquí, desplácese por las memorables tomas de reacción de los Oscar 2024, ¡y habrá más a medida que avance la noche!

EXCLUSIVO: El cineasta sueco Tomas Alfredson, ahora mejor conocido como el director detrás de películas hermosas y tensas como Deje que entre el correcto y Tinker Sastre Soldado Espía, le escribió a la leyenda del cine sueco Ingmar Bergman a principios de la década de 2000 con una idea. La respuesta de Bergman fue característicamente colorida.

«¿Qué demonios es esto? ¿Qué quieres decir?» Bergman le dijo a Alfredson.

Alfredson le había dicho al Persona cineasta que quería rehacer Desleal, el largometraje de 2000 que Bergman había escrito sobre una mujer imaginaria que recuerda su dolorosa experiencia de adulterio con un cineasta anciano. La película se presentó en competición ese año en Cannes y fue dirigida por la ex esposa de Bergman, la actriz Liv Ullmann.

«Esto fue mucho antes de que todos produjeran remakes, por lo que era una pregunta muy inusual, especialmente para Bergman», dijo Alfredson.

Avance rápido hasta febrero de 2024 y Alfredson está inmerso en la edición de una adaptación televisiva contemporánea de Desleal ha dirigido a partir de guiones escritos por la escritora noruega Sara Johnsen (22 de Julio).

La serie dramática de seis episodios se desarrolla en dos períodos de tiempo. En la historia actual, el reconocido director David Howard, de 73 años, se reencuentra con su antiguo gran amor, la actriz Marianne Vogler, de 75 años. Cuarenta años antes, en la historia principal, un joven David y Marianne se enamoran y se embarcan en una Una apasionada historia de amor que deben mantener en secreto, ya que Marianne está casada con el mejor amigo de David, Markus Vogler.

La serie está liderada por Jesper Christensen (En la oscuridad) y Lena Endre, quienes interpretan a la pareja mayor, mientras que Gustav Lindh (reina de corazones) y Frida Gustavsson (Vikingos, El Brujo) animan sus versiones más jóvenes. Endre regresa al Desleal historia después de protagonizar la edición original de Bergman. También protagoniza el actor alemán-sueco August Wittgenstein. (La Corona, Das Boot, Ku’damm).

La serie está producida por Miso Film Suecia de Fremantle, en coproducción con SVT y ARTE, con el apoyo de DR, NRK, YLE, RUV y Nordisk Film & TV Fond. Fremantle se encarga de las ventas globales en Desleal y presentará la serie como uno de sus títulos con guión durante los London TV Screenings el viernes.

A continuación, Alfredson y Johnsen analizan su colaboración y la presión única de adaptar a Bergman como cineastas escandinavos. La pareja también se burla de la forma de su serie, que nos dijeron es una «interpretación libre» del guión original de Bergman.

FECHA LÍMITE: Tomás, ¿dónde estás con el proyecto ahora mismo?

TOMÁS ALFREDSON: Hemos trabajado juntos en esto durante dos años. Filmamos durante casi 100 días. Rodamos las partes finales hace dos o tres semanas. Entonces, estamos al comienzo de la edición.

FECHA LÍMITE: 100 días es mucho tiempo. ¿Es una duración inusual para una serie limitada?

Alfredson: Es normal pero exigente para un director casi viejo. Dirigir televisión es un maratón. Es físicamente exigente hacer esta cantidad de material, pero creo que son bastantes días de rodaje. La carga de trabajo normalmente se reparte entre varios directores, pero este proyecto ha sido mi sueño desde hace más de 20 años. Entonces es un proyecto apasionante.

FECHA LÍMITE: Leí que esta producción comenzó cuando usted contactó a Bergman y compartió su visión. ¿Puedes contarme cómo fue esa conversación y cuál fue tu inspiración inicial?

Alfredson: En ese momento, mi vida privada estaba patas arriba, así que realmente conecté con los temas de la historia. Entonces pensé: me encantaría intentar la historia con mi visión. Entonces le escribí [Ingmar Bergman] una carta. Nunca respondió, pero después de seis meses me llamó y me dijo: ‘¿Qué diablos es esto? ¿Qué quieres decir?’. Esto fue mucho antes de que todo el mundo produjera remakes, por lo que era una pregunta muy inusual, especialmente para Bergman. Le gustó la idea inicial y tuvimos conversaciones al respecto. Después de un tiempo, cambió de opinión y empezó a crear problemas. Entonces se evaporó. Luego, hace unos años, Anna Croneman de la Televisión Sueca me llamó y me preguntó si estaría interesada en trabajar en una nueva versión. Me presentaron a Sara, nos conocimos y ella escribió un primer borrador que fue alucinante. Para ser claros, es una interpretación muy libre del antiguo guión. Tiene todos los ritmos y personajes principales, pero esto es nuevo. Sara ha hecho una interpretación fantástica sin perder el ADN inicial.

FECHA LÍMITE: Sara, ¿cómo abordaste la adaptación del texto de Bergman?

SARA JOHNSEN: Acordamos desde el principio que queríamos mantener todos los puntos de la trama en el texto. Estaba leyendo el texto de Bergman y lo usé como inspiración. Queríamos mantener los personajes, pero queríamos hacerlo mucho más grande. Pero la pieza es perfecta para adaptar porque hay mucho debajo del texto de Bergman que te permite abordar muchos temas interesantes.

Alfredson: Además, la película original dura alrededor de dos horas y 40 minutos, lo cual es largo, pero tampoco parecía que tratara toda la historia. Entonces, en cierto modo, la historia encaja muy bien en la televisión. La televisión es una forma de arte autónoma que puede proporcionar profundidad de una manera que un largometraje no puede debido al formato. Eso es lo bueno de la televisión. Los largometrajes son mucho más duros. La televisión es una forma de arte más libre.

FECHA LÍMITE: ¿Alguno de ustedes ha hablado con Liv Ullmann durante todo el proceso?

Alfredson: No, no lo he hecho. Espero que le guste la idea de que estemos haciendo una reinterpretación. Ella ha hecho su versión. Y este es otro, pero nunca me acerqué. Quizás la televisión sueca haya hablado con ella, pero espero que se sienta halagada.

FECHA LÍMITE: Lena Endre regresa después de protagonizar la película original de Bergman. ¿Por qué decidiste traerla de regreso?

Alfredson: Para aclarar, en la versión original, el personaje que interpreta Lena es un fantasma. Ella ha muerto y se materializa frente a este señor mayor, David. Empiezan a hablar entre ellos, por lo que se basa en la conversación entre este hombre mayor y este joven fantasma. En la versión de Sara, ella no ha muerto. Ahora tiene 74 años y está viva, lo que hace que el personaje sea más autónomo. Lena es una de las mejores actrices escandinavas de su generación. Ella es absolutamente fantástica. Así que me pareció fantástico poder volver a interpretar el mismo personaje, pero con una visión totalmente nueva. Estaba muy feliz de poder acompañarnos.

FECHA LÍMITE: Ingmar Bergman sigue teniendo una presencia masiva en el cine mundial, particularmente en Suecia y Escandinavia. ¿Alguno de ustedes estaba preocupado por adaptar su trabajo?

Alfredson: Da miedo, pero no se puede crear una gran narración estando asustado. Debes llegar a un punto en el que te digas a ti mismo: ‘Esto ahora es mío’. Voy a asumir toda la responsabilidad aquí.’ Bergman dominó el cine y la televisión en Suecia durante 40 años, por lo que fue audaz incluso sugerir esta adaptación desde el principio. Pero ahora parece como si lo hubiésemos hecho nuestro.

JOHNSEN: También sentí que el proyecto me permitió explorar a Bergman porque su texto estaba abierto a la interpretación. También fuimos a Fårö, donde vivía y tenía una estrecha relación con el centro Bergman. Tomas también tiene una muy buena relación con su hijo, Ingmar Bergman Jr. Así que mantuvimos un enfoque muy respetuoso con el material.

FECHA LÍMITE: ¿Cuándo podemos esperar ver Faithless en las pantallas de televisión?

Alfredson: El plan es principios del próximo año. No he oído hablar de fechas firmes, pero esa es la ambición.

La marca Eufy de Anker ha comenzado a distribuir una nueva cámara de seguridad 4K que debería ofrecer vistas de 360 ​​grados, una panorámica de 344 grados y una inclinación de hasta 70 grados. También podría funcionar indefinidamente sin conexión a Internet ni electricidad.

Esto se debe a que, además de Wi-Fi, el $249.99 Cámara Eufy 4G LTE S330 En su lugar, puede conectarse a torres LTE cercanas y viene con un panel solar desmontable que supuestamente necesita solo dos horas bajo el sol para mantener cargada la batería de 36,2 Wh. Dado que la batería también dura hasta un mes con una carga completa, según Anker, podría seguir funcionando incluso durante la temporada de lluvias.

Sobre el papel, el S330 parece abordar muchos de los puntos débiles que encontramos anteriormente. Cámaras compatibles con LTE de Eufy y Arlo por aproximadamente el mismo costo inicial. Si bien puede montarlo completamente dentro o fuera de su residencia principal para obtener seguridad sin cables, el diseño y la funcionalidad podrían hacerlo aún más ideal para áreas remotas de su propiedad, tal vez en el rincón más alejado de un jardín, un cobertizo de almacenamiento cercano o otras áreas a las que el Wi-Fi no llegará. Para ayudar en esa empresa, Eufy sugiere que puede soportar temperaturas extremas y elementos fríos o calientes (-4 a 122 grados Fahrenheit).

Se basa en el Eufy Luz De Las Estrellas al incluir un Tarjeta SIM EIOTClub eso debería saltar automáticamente entre Verizon, AT&T y T-Mobile, dependiendo de cuál ofrezca la señal LTE más potente. Esa funcionalidad conlleva una tarifa continua de $19,90 por 2 GB o $139,99 por 24 GB después de haber utilizado 100 MB de datos de prueba, pero también puedes usar tu propia tarjeta SIM. Eufy estima que consumirá alrededor de 700 MB de datos por mes, suponiendo que no tenga un aluvión extraordinario de tráfico que active grabaciones constantemente.

La cámara 4K ofrece un zoom de 8x y utiliza zonas de actividad con detección humana y de vehículos impulsada por IA para reducir las falsas alarmas de bichos y otras actividades incidentales. También hay un foco integrado de 100 lúmenes que rodea el sensor y que puede iluminar áreas de hasta 26 pies de distancia. Completan sus características de seguridad el audio bidireccional y la capacidad de hacer sonar una alarma, todo controlable a través de la aplicación móvil y con el control de voz del Asistente de Google y Amazon Alexa.

Puede guardar hasta ocho meses de grabaciones localmente en la tarjeta microSD de 32 GB incluida (la cámara admite tarjetas de hasta 128 GB), pero lamentablemente el S330 no coopera con dispositivos NAS de terceros. Es utilizable con HomeBase 3 S380 de $ 149,99 de Eufy, sin embargo, que admite hasta 16 TB de almacenamiento y permite el reconocimiento facial. El único inconveniente de este privilegio es que requiere que permanezcas en modo Wi-Fi. También vale la pena señalar que solo puedes cambiar entre LTE y Wi-Fi manualmente usando la aplicación, por lo que no puedes confiar en ella como un mecanismo de seguridad automático.

El equipo de efectos especiales detrás de la asombrosa batalla final de “Godzilla Minus One” quería que el espectáculo fuera una experiencia “religiosa”. El clímax de esa secuencia de vital importancia en la película de monstruos nominada al Oscar implica la destrucción total del titán titular.

«Ese momento fue probablemente el que más discutimos y nos costó mucho concretarlo», explicó el director, escritor y supervisor de efectos visuales Takashi Yamazaki. El equipo de 35 artistas consideró 100 formas diferentes de obtener el resultado deseado, un ejercicio que consideró el más difícil de lograr.

“Queríamos convertirlo en un momento sagrado, casi religioso, donde ves los rayos de luz e imaginas cómo sería ese momento. Estaba sucediendo este fotorrealismo pero también esta ceremonia, y los necesitábamos para integrar esos sentimientos”, recordó el cineasta, relatando la secuencia en la que Godzilla se desmorona en el océano.

El resultado es una de las razones por las que “Godzilla Minus One” obtuvo una nominación al Oscar a los mejores efectos visuales. Si bien muchas películas basadas en VFX se jactan de utilizar miles de tomas VFX, la película de kaiju de 15 millones de dólares, la primera película de Godzilla en recibir una nominación al Oscar, utilizó sólo 610 tomas VFX. La mayor parte estuvo en el enfrentamiento final de más de diez minutos.

Otro punto crítico creativo para el equipo que tuvo ocho meses para entregar su trabajo fue durante el final.

En la escena, la cabeza de Godzilla explota después de que el héroe de la película, Shikishima, lanza un avión hacia la boca de la bestia. Lograr eso fue una batalla hasta el final en sí misma.

«No teníamos el ancho de banda ni el lujo de tiempo y recursos, pero nos dirigíamos hacia el punto en el que sabíamos que teníamos que volarle la cabeza», dijo el director de CG 3D y líder del equipo de CG, Masaki Takahashi. Añadió que tenían una visión clara pero «no tenían mucho tiempo para probar las cosas».

“Después de simularlo, tuvimos quizás dos pruebas, y de ellas, una funcionó y terminó en la película”, confirmó.

De las 600 tomas de efectos visuales, más de 100 eran efectos de agua, algo que es “casi inaudito” en Japón, según el director de efectos visuales Kiyoko Shibuya. “No es que intentáramos intencionalmente llegar a un gran número, sino que la gente decía: ‘No sabemos lo que ustedes están pensando o haciendo’. Debes estar loco para hacer tantos’”, se rió.

Un momento decisivo para el equipo llegó cuando estaban haciendo pruebas para detectar el momento en que Godzilla estalló en una furia violenta mientras estaba en el agua, y parecía creíble.

“Estábamos realizando todos los movimientos para ver cómo se vería y se sentiría, y pensamos: ‘Oh, realmente funciona’. Godzilla y el agua juntos es factible». Eso permitió que todas las demás partes encajaran”, dijo entusiasmado el artista de efectos y compositor Tatsuji Nojima.

Hubo un momento en el final en el que la creatividad y la necesidad triunfaron sobre la autenticidad: usar gas presurizado para sumergir a Godzilla a gran velocidad.

«Al final, en esa escena en particular, todo se trataba de imágenes», cedió Takahashi. “En realidad, si hiciéramos los cálculos y la ciencia, Godzilla no apestaría con la cantidad de burbujas que hay en la película, por lo que no es una imagen calculada; se trataba más de hacerlo funcionar”.

Sin embargo, cuando se le preguntó de qué elemento del caos estaba más orgulloso el equipo, el claro ganador fueron unos segundos de majestuosidad impresionante mientras el gigantesco antagonista surgía de las profundidades.

“Cuando Godzilla emerge del agua, está en su posición postural y la cámara gira en círculos. Para mí, hay una gran tensión en torno a eso”, recordó Yamazaki. «Escuché voces desde la barrera que decían que la velocidad y el movimiento podrían ser demasiado rápidos, pero el trabajo de cámara y todo lo demás en esa toma son brillantes».

Stephen A. Smith es uno de los mejores expertos en deportes de Internet y siempre tiene algo que decir. Tanto es así que en los últimos años ha pasado de comentar estrictamente sobre el drama que rodea a jugadores como Zion Williamson a preguntas aleatorias sobre la cultura pop que le hacen los fanáticos. Recientemente, alguien le preguntó cuál sería su elección definitiva para el mejor Pokémon inicial original y, una vez más, Smith ha demostrado que es la CABRA indiscutible cuando se trata de grandes tomas.

El Primer toma El presentador puede tener algún paso en falso ocasional, como cuando tuvo que disculparse con Rihanna después de su crítica de su actuación en el Super Bowl, pero está bateando al 1000% cuando se trata de Pokémon parlantes. En El show de Stephen A. Smith, un fan tuiteó al experto y le preguntó cuál era su elección definitiva para el mejor Pokémon inicial en la región de Kanto. Mire el breve video del momento a continuación y vea a quién eligió entre Charmander, Bulbasaur y Squirtle:

Grandes, grandes spoilers de Ava DuVernay Origen están por delante. Si no has visto este proyecto en el programación de películas 2024puedes verlo en los cines ahora.

En La película profundamente emotiva de Ava DuVernay Origenvemos Isabel, el personaje de Aunjanue Ellis-Taylor, lamenta pérdidas personales mientras lleva a cabo una investigación innovadora sobre el sistema de castas. En lugar de dejar que el dolor la consuma, Isabel lo aprovecha y lo utiliza para impulsar su trabajo. Esto finalmente conduce al descubrimiento de muchas historias vitales sobre cómo las castas han afectado negativamente a la sociedad y a la publicación de la novela más vendida. Casta: los orígenes de nuestros descontentos. Una forma en que vemos a este autor emerger de este arduo viaje es a través de dos escenas paralelas al principio y al final de la película, y DuVernay analizó su conexión e importancia.