Devo se dirige a Sundance, no sólo para el estreno en el festival del documental dirigido por Chris Smith que comparte el nombre de la banda, sino también para una actuación del grupo el 21 de enero en el recién inaugurado Marquis en Main Street. Y tal vez eso no sea todo por parte de los vanguardistas del rock convertidos en creadores de éxitos de “Whip It”.

“La pólvora va a volar”, promete el miembro original Gerald Casale.

«Estaremos esquiando», coincide el cofundador Mark Mothersbaugh. «Haremos esquí acrobático».

Bueno, dejémoslo en el estreno y la actuación, entonces; Lo más probable es que Mothersbaugh y Casale no tengan la intención de volver a poner al «deportista» en «Jocko Homo». Pero hace 45 o 50 años, estaban destruyendo todo lo que se pareciera a las normas o costumbres del rock ‘n’ roll, como se refleja en “Devo” de Smith, que narra medio siglo en el que el grupo hizo todo lo posible para introducir ideas filosóficas y musicales subversivas. a la corriente principal, especialmente en sus años de formación más revolucionarios.

Cuando se convirtieron en elementos básicos de MTV a principios de los 80, había algo un poco más fácil de usar, si no realmente tierno, en Devo, mientras cabalgaban sobre una ola de synth-pop, en su rizo más atrevido. Pero desde sus orígenes como estudiantes de Kent State en Akron en 1973 hasta sus primeras grabaciones, había algo un poco más aterrador en Devo, con su uso de máscaras y riffs descentrados y su evangelización de la teoría de la “devolución”. Esos fueron elementos que nunca desaparecieron por completo, incluso cuando pasaron de una teatralidad extraña a competir por un lugar entre los 40 primeros.

Es difícil pensar en algo más en la cultura pop que comenzó como puro arte escénico y terminó siendo tan aceptado como pop. “Tangencialmente, tal vez hubo elementos en Velvet Underground, ciertamente, que presagiaban eso”, dice Casale. “Y si nos remontamos a los años 20 y al dadaísmo, hay elementos de eso, aunque no se desarrolla de la misma manera. Pero sí, lo que Chris captó fue la singularidad de la visión de Devo, lo que estábamos haciendo. Como dice la gente, «estaban en su propio carril», y eso es absolutamente cierto en nuestro caso. Fue genial para los forasteros y los grupos privados de derechos, porque Devo estaba haciendo algo un poco transgresor, un poco travieso, un poco intelectualmente desafiante, y eso era lo que nos sacaba del apuro. Y se ha sostenido y resistido la prueba del tiempo en algún nivel”.

La película captura los extraños giros del destino y el arribismo que hicieron que una banda que estaba siendo abucheada fuera del escenario en los clubes de Akron de repente, en un período de años, fuera bienvenida en los programas de televisión más populares de Estados Unidos. Como deja claro la película, eso representó, para ellos, el colmo de la subversión, en lugar de venderse.

“Tal vez deberíamos haber vendido todas las entradas”, dice Casale. “Pero cuando miras eso, una vez más, no nos estamos vendiendo, es simplemente esta yuxtaposición incongruente de una realidad devorándose a otra frente a una cámara de televisión. [Going on] Mike Douglas, Merv Griffin, Dick Clark, Wolfman Jack…. Quiero decir, es muy divertido de ver”.

El documental captura la época de finales de los años 70 y 80 cuando la banda encontró una especie de socio filosófico en Neil Young, quien utilizó a Devo extensamente como actor y músico en su propia película experimental, «Human Highway» (y fue obviamente influenciado por ellos al hacer su álbum “Trans” lleno de sintetizadores). Pero incluso Young tenía algo sobre el grupo que no entendía del todo.

«Neil era un artista increíble», dice Mothersbaugh, «y cuando miras atrás y miras ‘Human Highway’ y sus otras películas, las hizo de la misma manera que Robert Downey Sr. solía hacer películas, lo cual era muy vanguardista». jardín, en las calles e ideando ideas a medida que avanzaban. Así que definitivamente teníamos cosas que ambos aceptamos, mientras que también había cosas que eran abstractas y ajenas entre sí. Recuerdo que cuando Neil vio nuestro primer álbum, me regañó por poner productos (mercancías) en la portada interior. Estábamos muy entusiasmados con eso, porque era como la última página de un cómic, ¿sabes? Ese era el tipo de cosas que hacían volar nuestra imaginación. Pero tampoco eran camisetas de rock ‘n’ roll. Era tan original como la música. Y nos costó mucho dinero tener que fabricar esas cosas, porque lo único que (los comerciantes) querían hacer eran camisetas y gorras”.

¿De qué están más orgullosos de haberlo convertido en producto?

“Bueno, el más exitoso, por supuesto, son los sombreros rojos de plástico con forma de cúpula energética”, dice Casale. “Todos querían uno después de que terminaron de reírse de nosotros. Y sé con certeza que hay más personas que tienen esa cúpula de energía que las que alguna vez compraron discos Devo”.

Mothersbaugh recuerda con orgullo cómo se actualizó el concepto durante la pandemia para ampliar las posibilidades de comercialización satírica. “El tipo que moldeó los sombreros para nosotros ideó una máscara, como una protección contra estornudos, un protector facial que podíamos colocar en los sombreros de cúpula de energía. Y por eso sigue siendo relevante. “

“Habrían estado bien en la época del punk, cuando nos estaban devorando”, señala Casale.

«Sí, teníamos el amarillo [industrial] trajes, por lo que el 95% de nuestro cuerpo estaba protegido, pero las caras no”, añade Mothersbaugh.

En un nivel mucho más serio, Devo quiso decir lo que dijo sobre la desavolución, un área de investigación que comenzaron a desarrollar cuando se vieron profundamente afectados por los asesinatos en el campus de Kent State en los que la Guardia Nacional acribilló a manifestantes no violentos de Vietnam. . Por mucho que la visión del grupo sobre los hombres que se convierten nuevamente en monos pudiera adquirir un tono cómico, su cinismo sobre el arco del universo alejándose de la justicia fue informado por el cinismo que surgió de esa tragedia en el campus, como relata la película.

“Fue una bifurcación definida en el camino”, dice Casale, “y resulta ser muy relevante para lo que estamos viviendo ahora. Todo lo que pasaba entonces ahora pasa con esteroides, como dicen. Y todavía no has visto nada. Espere hasta que se realicen las elecciones en el 24”.

Smith es un veterano de Sundance; su “American Movie” ganó el gran premio del jurado al mejor documental en el festival en 1999. Desde entonces, ha dirigido películas o series docuentarias como “Fyre”, la serie de Netflix “Tiger King” y una película sobre el mencionado Robert Downey Sr. ., “Señor.” Lo más reciente en su currículum fue una incursión poco común (para él) en el campo de los documentales musicales, “Wham!” ¿Alguna similitud entre documentar a George Michael y el personaje Booji Boy de Devo? «Sólo que ambos tardaron más de cuatro años», dice el cineasta.

Smith fue influenciado para que su estilo de edición rápida se pareciera al menos a uno de los videos clásicos característicos de la banda. “Creo que el editor y yo nos sentimos realmente inspirados por el lenguaje visual de Devo. Hubo muchas encarnaciones diferentes de cosas que hicieron en relación con el video, pero realmente nos gustó especialmente ‘Beautiful World’ y la forma en que usaron imágenes de archivo, e intentamos usar eso como inspiración para esta película, porque se sentía como si intentara permanecer dentro del lenguaje que ellos crearon”.

En cuanto al tema, “personalmente estaba más interesado en el panorama más amplio de lo que estaban tratando de hacer y decir, y cómo eso se manifestó durante el tiempo que estuvieron juntos, en lugar de entrar en las minucias de las vidas personales de cada uno. . Estaba interesado en el concepto de Devo, en lo que respecta a la banda y lo que estaban tratando de comunicar.

«Crecí en el Medio Oeste y Devo fue una gran influencia para mí», añade Smith, «y una de las cosas que me atrajo a intentar trabajar en esto fue si podía haber más jóvenes sometidos a Devo e inspirados por eso, pensé que sería positivo. Esa fue la cuestión: la banda cambió quién era yo como persona, en un nivel profundo”.

Bob Mothersbaugh, el hermano de Mark, también ha estado presente en esta entrevista, pero es del tipo fuerte y silencioso, aunque no tan silencioso como guitarrista principal y ocasional cantante principal en los aún emocionantes shows en vivo de la banda. Le preguntamos: ¿Hubo algo para él que fue divertido de ver recapturado en esta película, que simplemente le hace cosquillas de alguna manera?

«Absolutamente nada», dice Bob.

Casale intentó incitarlo. “Ni siquiera cuando hicimos nuestro tipo de formato largo anterior a Devo [show] en Akron, donde fue un ensayo en la Universidad de Akron, ¿y estás con tu camisa blanca y corbata? Me gusta eso.»

«Sí. Está bien”, reconoce Bob Mothersbaugh, de mala gana. «Una cosa me hizo cosquillas». Y retoma su silencio.

Los otros son más detallados, y Casale dice: “Dado que tanto se concentra en los primeros días, en una especie de historia de origen, es agradable ver la crudeza de todas las cosas que nos inspiraron, incluidas todas las imágenes que imaginamos. Me apropiaría de anuncios terribles, cómics y revistas masculinas de mala calidad, sólo para verlo todo junto en un collage. Nos estábamos divirtiendo con estas cosas. Si nos reíamos de algo, eso era lo importante para nosotros”.

Cuando se les pregunta sobre los planes de gira, luego de una exitosa salida en 2023 que se promocionó como una gira de “despedida”, que insisten que no lo fue en absoluto, se vuelven más filosóficos que inmediatamente logísticos.

«Lo estamos averiguando ahora mismo», dice Mothersbaugh. “Creo que vamos a hacer más giras. Pero en cierto modo, Devo está a mitad del camino. Hemos pasado los primeros 50 años advirtiendo a la gente que los humanos éramos la especie tóxica del planeta y que éramos nosotros los que estábamos fuera de contacto con la naturaleza. Y creo que en los próximos 50 años se hablará con los niños, y con todos, sobre las mutaciones positivas en sus vidas… sobre ‘mutar, no estancarse’. Así que aquí estamos, estamos en este lugar donde todos nuestros icebergs se están derritiendo y tenemos que encontrar una manera de resolver estos problemas. Y creo que Devo emitirá un mensaje positivo en lo que a eso respecta”.

Casale añade: “Bueno, los humanos tendrán que transformarse. Es decir, habrá que redefinir ‘lo que es humano’”.

«Puede que ya ni siquiera sea de carne y hueso», dice Mothersbaugh. «Si la IA se perfecciona lo suficiente, es posible que todos podamos simplemente migrar a la web» o «descargar nuestra conciencia en avatares en el metaverso», como sugiere Casale. Mientras tanto, mientras esa tecnología se soluciona: los documentales también son para siempre, ¿verdad?

“Devo” se estrena el domingo 21 de enero a las 10 pm en el Library Center Theatre de Park City. Las entradas para el concierto del grupo en Park City la noche siguiente (que no forma parte del programa oficial de Sundance) están disponibles en tixr.com.

El dúo de directores Kit & Arran, cuya sátira de comedia oscura “King Baby” se estrena en el Festival Internacional de Cine de Rotterdam, están preparando dos proyectos cinematográficos más, “How Dare You” y “Jericho”, los directores, cuyos nombres completos son Kit Redstone y Arran. Esquilar, decir Variedad.

Seleccionada para la sección Bright Future y desarrollada inicialmente como una obra de teatro, “King Baby” muestra a un rey y un sirviente (Graham Dickson y Neil Chinneck) viviendo solos en las ruinas de un castillo. Cuando una Reina altera su rutina diaria, empiezan a sucumbir a sus peores instintos. Aunque sea un maniquí de madera. The Right Ones se encarga de las ventas.

Variedad estrena el trailer aquí:

La película fue producida por Franck Priot, Ye Shu, los directores y Marc Petey para Ghosts City y Chimples Pictures.

«Sentimos que había algo deliciosamente prometedor en este mundo minimalista», dice Kit. Pero a pesar de su tono cómico, “King Baby” rápidamente se vuelve más inquietante y explora “diferentes matices de brutalidad patriarcal”.

“Al principio queríamos desarmar a nuestra audiencia. Hazles sentir que se trata de una comedia británica excéntrica y absurda y juega con este grupo de adorables bufones. Más tarde, te das cuenta de que de alguna manera eres cómplice al permitir que se porten mal”, señala.

“En el Rey vemos algo familiar: este bruto todopoderoso que siempre consigue lo que quiere. El Siervo es una oferta de esperanza de que algo hermoso pueda suceder. Pero cuando miramos la política mundial, vemos ‘monstruos fascistas’ en la derecha y luego gente en la izquierda que presenta una alternativa más aceptable, pero que en el fondo son exactamente iguales”.

“En términos tonales, la película no parece cambiar. Los chistes son los mismos, los hombres son los mismos. Es la comprensión de las implicaciones de su comportamiento lo que cambia y lo vuelve tan oscuro”, añade Arran.

Pronto, no habrá escapatoria del juego al que están jugando.

“Estamos ante dos presentaciones diferentes de la masculinidad que conducen al mismo resultado al participar en la misma estructura. Lo que es desolador es que la única persona con la que podemos identificarnos, la Reina, no tiene capacidad de escapar”.

Combinar temas dolorosos con alegría es algo natural para los cineastas, inspirados en personajes como Yorgos Lanthimos o Lars von Trier.

“Es la firma de nuestra identidad como cineastas. Todo, desde esta película hasta otros proyectos en los que estamos trabajando, tiene el mismo tipo de equilibrio entre humor oscuro, travieso y a veces ligeramente surrealista, que raya en algo serio”, dice Kit, mientras Arran observa: “El humor resalta la tristeza de por qué somos Socialmente indiferente a las cosas que son importantes. Dicho esto, siempre seguimos una brújula moral y una visión del mundo claramente alineadas. Podemos recurrir a nuestro sentido de humanidad para saber por qué contamos un chiste”.

Kit & Arran ya están preparando sus próximas funciones. El terror satírico «How Dare You», sobre un grupo queer de amigos que son poseídos por una familia ultraconservadora -que comienza a rodarse en agosto- y «Jericho»: western revisionista sobre un vaquero trans y su hija en un peligroso viaje para rescatarlos. su hijo pequeño.

“El género es realmente emocionante para nosotros. Viene con un marco determinado y puedes celebrarlo o rechazarlo. Podemos modificarlo para contar nuestra historia de la mejor manera”, dice Kit.

“Hay cosas que aceptamos en un western o en un horror, cosas que la sociedad ha dejado atrás. Hay áreas que olvidamos cuestionar y a nosotros nos parece una oportunidad. Queremos reconocer estas expectativas y luego subvertirlas”, añade Arran.

Los directores, que colaboran desde hace cinco años, no tienen prisa por separarse.

“Parece que trabajaremos juntos durante muchos años más. Es como un matrimonio platónico”, se ríe Kit.

“Tenemos conjuntos de habilidades diferentes pero complementarias. Arran mencionó, y estoy de acuerdo, que llenamos estos ‘déficits’ entre nosotros y luego nos sorprendemos al tener una gran idea en el ámbito en el que no somos los más fuertes. Lo que tenemos juntos es oro”.

“Nos sentimos tan cómodos el uno con el otro que la escritura se vuelve más personal y lo mismo ocurre con la dirección”, coincide Arran.

«Simplemente funciona».

El Papá Noel Las películas han sido elementos cinematográficos básicos de la temporada festiva desde hace mucho tiempo, y algunos incluso pueden considerar la primera película en particular como una de las mejores películas navideñas de todos los tiempos. Si bien esa serie de películas concluyó en 2006, la saga de Scott Calvin de Tim Allen y su familia ha continuado en la pantalla chica con Las cláusulas de Papá Noel, la serie de televisión que se lanza exclusivamente para los suscriptores de Disney+. Sin embargo, uno de los coprotagonistas de Allen en el programa lo criticó por ser más travieso que amable en el set, e incluso dijo que fue «muy grosero».

Sábado noche en directo El alumno Casey Wilson actuó como estrella invitada en Las cláusulas de Papá Noel Temporada 1 como Sara, quien, como se muestra en La Papá Noel, conoció a Scott Calvin como Santa cuando era niña (interpretada entonces por Melissa King), y los espectadores pudieron verla reencontrarse con él cuando era adulta, aunque inicialmente pensaron que era un intruso en el hogar. Durante un episodio de su podcast Sesh de perra (a través de Variety), Wilson recordó su experiencia insatisfactoria trabajando con Allen, comenzando llamando y diciendo que era «la peor experiencia que he tenido con un coprotagonista». Ella continuó:

Entonces estoy en una escena. Solo somos Tim Allen y yo y se supone que debo tirarle cosas. Creo que es un ladrón. Entonces él baja por la chimenea, obviamente como Santa, y me despierta pensando que hay un intruso, básicamente como una escena de allanamiento de morada. Así que le estoy tirando cosas. [He] Se acerca al productor que está parado a cuatro pies de mí y dice, y lo escucho, y dice: ‘Tienes que decirle que deje de pisar mis líneas’. El productor se vuelve hacia mí con horror en su rostro y tiene que caminar un pie hacia mí y dice: ‘Umm, Tim te pediría que dejaras de pisar sus líneas’.

Un artista conocido por representar a la realeza con alces como una forma de «travesura afectuosa» recordó la respuesta de «risitas» que recibió del rey cuando le entregó una postal de la reina Isabel II montando uno de los mamíferos de cuernos largos.

El canadiense Charles Pachter, de 80 años, que vive en Toronto, ha producido una colección completa con alces junto a la realeza en el transcurso de cinco décadas e incluso presentó sus creaciones a la Reina y al Rey Carlos.

Su creación más famosa, que representa a Isabel montando un alce, fue calurosamente recibida por Carlos, cuya coronación tendrá lugar el 6 de mayo, cuando la pareja se conoció en 1999.

Pachter le dijo a la agencia de noticias PA: “Él [Charles] estaba en una gira por Canadá y estaba en Toronto porque tenía intereses particulares en la arquitectura histórica que creía que debían mantenerse.

“A principios de los 90 se restauró una gran destilería de whisky y el príncipe Carlos estuvo allí para verla.

“Por alguna razón me invitaron y tenía un par de postales en el bolsillo. Me acerqué a él, era muy accesible y bastante encantador, le di una postal de su mamá en un alce y se rió.

“Fue muy agradable al respecto”.

El amor del Sr. Pachter por los animales comenzó a los cuatro años, cuando acarició a un alce en la Exposición Nacional Canadiense.

“En la escuela, nos enseñaron que el alce era el ‘monarca del norte’”, dijo.

“Es incómodo y majestuoso, y cuando lo ves en el bosque sientes que has tenido un momento muy privilegiado.

“Hice por el alce lo que Andy Warhol hizo por Marilyn Monroe: hice que el alce fuera glamoroso”.

El Sr. Pachter comenzó a producir las piezas en 1973, algunas de las cuales involucran la impresión de inyección de tinta, después de enterarse de que la Reina Isabel II vendría a Niagara-on-the-Lake, Ontario, para abrir el Shaw Festival Theatre.

“Había comenzado estas imágenes de la Reina sentada sobre un alce porque no podía entender por qué nuestro jefe de Estado no vivía aquí”, dijo.

«Lo convertí en un juego de palabras visual: al poner a la Reina sobre un alce, la senté en un entorno canadiense».

La historia continúa

Agregó que en ese momento, la reacción de la crítica y el público fue “bastante lúgubre y negativa”.

Sin embargo, desde entonces la obra de arte ha crecido en popularidad y reconocimiento y Pachter dijo que la difunta Reina “rió” cuando se la mostró en 2015, y agregó: “Ella no se ofendió, pensó que era lindo”.

“Me he divertido con la imagen y realmente se ha convertido en una especie de marca de agua en mi carrera, y ahora con la nueva realeza, voy a empezar a divertirme un poco.

“Mi trabajo tiene una cualidad de travesura afectuosa, pero no es malévolo ni mezquino”.

“Creo en muchos sentidos que ellos [the royal family] son nuestra versión de Hollywood, que simplemente disfrutamos viéndolos y siguiendo sus debilidades y altibajos”.

Pachter dijo que pensaba que la coronación del rey “saldrá magníficamente”, y habló sobre la perspectiva de una reunión con Charles y la reina consorte mientras trabaja en más obras de arte de alces reales.

“Cuando regresen a Canadá, me encantaría volver a verlos”, dijo.

«¡Soy Prints Charles!»

No se sentó más bofetadas. Todo fue civilizado en la 95 edición de los Oscar. Después de que Will Smith atacara al comediante Chris Rock el año pasado, los abrazos habituales se dieron nuevamente el domingo por la noche en el Teatro Dolby en la esquina de Hollywood Boulevard y Highland Avenue.

Uno ha aprendido, aseguró el moderador Jimmy Kimmel en la introducción, que ahora hay un equipo de crisis en el lugar. Y si sucede algo inesperado y violento, por favor haz lo que hiciste la última vez en el pasillo: nada. Había un poco de burla en todo cariño, eran los Oscar, como son los Oscar: las estrellas de cine se aseguraban mutuamente su amor y su grandeza.

Ganó «Todo en todas partes, todo a la vez». Prácticamente todo, en todas partes y en todo: Mejor Película, Mejor Director, Guión, Edición, Ke Huy Quan también recibió el premio a Mejor Actor de Reparto, Jamie Lee Curtis fue premiado como Mejor Actriz de Reparto. Finalmente, Michelle Yeoh también se impuso en la categoría de mejor actriz principal frente a Cate Blanchett («Tár»).

Premios de guión

Mejor actor: Brendan Fraser por su interpretación de un hombre obeso en The Whale. Mejor Película Internacional: Como era de esperar, «Nothing New in the West». También se reconoció el trabajo de cámara de James Friend en la producción alemana de Netflix, así como la música de Volker Bertelmann. Todo más o menos como lo pronosticaron los augures de Hollywood, una entrega de premios con guión.

El dúo de directores Daniel Kwan y Daniel Scheinert ya había ganado muchos premios por «Everything Everywhere All at Once», supuestamente más premios que cualquier película en la historia del cine: la Asociación de Guionistas había premiado el trabajo, al igual que la Unión de Actores, la Unión de Productores, muchos más.

Pero, ¿qué piensa todo el mundo de la película? «Todo en todas partes. . .» es una farsa de fantasía hipernerviosa y completamente libre de mentes en la que un inmigrante chino que dirige una lavandería en California es lanzado a través de universos paralelos para luchar contra un mal cósmico en forma de bagel. O algo así. Una tontería mayor en cualquier caso, una acción como si hubiera pasado por una lavadora, al final estás realmente arrugado y te sientes como si te hubieran agotado intelectualmente. Pero no es sin razón que las tonterías ostentosas están en la cima del favor de la Academia. La película es moderna, diversa y traviesa. Se puede gestionar en las redes sociales, que ahora es determinante para el partido.

En partes es bastante duro, hay esgrima con juguetes sexuales, por ejemplo, las inserciones de payasadas llegan al final del recto. Pero al mismo tiempo también se presta atención a la “sensibilidad”, la película es todo menos: demasiado blanca, demasiado masculina o demasiado heterosexual. «Everything Everywhere All at Once» es correcto-incorrecto, ofensivo y brillante, todo en uno. Se centra en los estadounidenses de origen asiático, cambia con fluidez del inglés al mandarín y al cantonés, la heroína es una mujer y su hija es lesbiana (y su novia es mitad mexicana). Así que es una broma decididamente progresista, y cualquiera que no la encuentre divertida debe ser de ayer.

¿Quién recuerda «Coda»?

Los Oscar obtuvieron lo que querían. ¿Pero ayuda? Ya no eres lo que eras. Las calificaciones están en el sótano. El hecho de que el último episodio de la popular serie «The Last of Us» se transmitiera el domingo a la misma hora que los premios cinematográficos lo dice todo sobre su declive en importancia. Los Premios de la Academia ya no son el evento televisivo indiscutible. La quisquillosa 95ª edición, que tuvo lugar sin ningún punto culminante digno de mención, no cambiará eso.

Además, las películas ganadoras no tienen el tipo de difusión que solían tener. ¿O quién aún recuerda el del año pasado? «Coda» era el nombre de la película, un bien intencionado drama gourmet para sordos. Antes de la ceremonia de premiación, muy pocas personas estaban entusiasmadas con ella, y no muchas más después.

«Coda» es una película que quiere ser decente, «Everything Everywhere. . .» quiere ser travieso. Eso es ciertamente más interesante, pero ¿es menos calculado? El ganador de este año tampoco será recordado por mucho tiempo. ¿Podría haber mejores alternativas? En realidad casi solo: «Tár» le hace cosquillas al nervio de la época con temas como cancelar la cultura y la usurpación del arte. «The Fabelmans» de Spielberg es un cine narrativo magistral, «The Banshees of Inisherin» es una lección de amistad y enemistad, presentada con amarga lacónica. Incluso «Top Gun: Maverick» (con una recaudación de 1500 millones de dólares estadounidenses) o «Avatar: The Way of Water» (2300 millones de dólares estadounidenses) podrían haber sido premiadas. Por la hazaña de traer de vuelta a las masas a los cines.

La Academia quería volverse más diversa

Pero al parecer los Oscar ya no quieren premiar al gran cine. En cambio, uno trata desesperadamente de mantenerse al día. Cuando solo los actores blancos fueron nominados en 2016, el hashtag #OscarsSoWhite hizo las rondas. Como resultado, la Academia hizo todo lo posible por volverse más diversa. Rápidamente se aceptaron miles de nuevos miembros, muchas mujeres y negros. Casi 10.000 miembros están ahora votando en los Oscar, de los cuales alrededor de un tercio son mujeres y alrededor del veinte por ciento pertenecen a una minoría étnica. Hace casi diez años, la Academia estaba compuesta por un 94 por ciento de blancos y un 76 por ciento de hombres.

Algo ha pasado, pero ¿ha traído algo? Aunque «Everything Everywhere All at Once» ganó una película que deja poco que desear en términos de diversidad, la Academia todavía es acusada de atraso. Porque, por ejemplo, ninguna mujer fue nominada a mejor director. O porque a pesar de todos los esfuerzos, como ocurre casi siempre, ninguna actriz negra se planteó como mejor actriz.

Entonces, ¿los Oscar todavía no son lo suficientemente diversos? Más bien resulta que uno está un poco mareado en el tiovivo identitario-político. No va a ninguna parte, alguien siempre se sentirá en desventaja. Y si quieres complacer a todos, normalmente no lo haces mejor.

No se sentó más bofetadas. Todo fue civilizado en la 95 edición de los Oscar. Después de que Will Smith atacara al comediante Chris Rock el año pasado, los abrazos habituales se dieron nuevamente el domingo por la noche en el Teatro Dolby en la esquina de Hollywood Boulevard y Highland Avenue.

Uno ha aprendido, aseguró el moderador Jimmy Kimmel en la introducción, que ahora hay un equipo de crisis en el lugar. Y si sucede algo inesperado y violento, por favor haz lo que hiciste la última vez en el pasillo: nada. Había un poco de burla en todo cariño, eran los Oscar, como son los Oscar: las estrellas de cine se aseguraban mutuamente su amor y su grandeza.

Ganó «Todo en todas partes, todo a la vez». Prácticamente todo, en todas partes y en todo: Mejor Película, Mejor Director, Guión, Edición, Ke Huy Quan también recibió el premio a Mejor Actor de Reparto, Jamie Lee Curtis fue premiado como Mejor Actriz de Reparto. Finalmente, Michelle Yeoh se impuso a Cate Blanchett («Tár») en la categoría de mejor actriz.

Premios de guión

Mejor actor: Brendan Fraser por su interpretación de un hombre obeso en The Whale. Mejor Película Internacional: Como era de esperar, «Nothing New in the West». También se reconoció el trabajo de cámara de James Friend en la producción alemana de Netflix, así como la música de Volker Bertelmann. Todo más o menos como lo pronosticaron los augures de Hollywood, una entrega de premios con guión.

El dúo de directores Daniel Kwan y Daniel Scheinert ya había ganado muchos premios por «Everything Everywhere All at Once», supuestamente más premios que cualquier película en la historia del cine: la Asociación de Guionistas había premiado el trabajo, al igual que la Unión de Actores, la Unión de Productores, muchos más.

Pero, ¿qué piensa todo el mundo de la película? «Todo en todas partes. . .» es una farsa de fantasía hipernerviosa y completamente libre de mentes en la que un inmigrante chino que dirige una lavandería en California es lanzado a través de universos paralelos para luchar contra un mal cósmico en forma de bagel. O algo así. Una tontería mayor en cualquier caso, una acción como si hubiera pasado por una lavadora, al final estás realmente arrugado y te sientes como si te hubieran agotado intelectualmente. Pero no es sin razón que las tonterías ostentosas están en la cima del favor de la Academia. La película es moderna, diversa y traviesa. Se puede gestionar en las redes sociales, que ahora es determinante para el partido.

En partes es bastante duro, hay esgrima con juguetes sexuales, por ejemplo, las inserciones de payasadas llegan al final del recto. Pero al mismo tiempo también en el sensibilidad respetada, la película es todo menos: demasiado blanca, demasiado masculina o demasiado heterosexual. «Everything Everywhere All at Once» es correcto-incorrecto, ofensivo y brillante, todo en uno. Se centra en los estadounidenses de origen asiático, cambia con fluidez del inglés al mandarín y al cantonés, la heroína es una mujer y su hija es lesbiana (y su novia es mitad mexicana). Así que es una broma decididamente progresista, y cualquiera que no la encuentre divertida debe ser de ayer.

¿Quién recuerda «Coda»?

Los Oscar obtuvieron lo que querían. ¿Pero ayuda? Ya no eres lo que eras. Las calificaciones están en el sótano. El hecho de que el último episodio de la popular serie «The Last of Us» se transmitiera el domingo a la misma hora que los premios cinematográficos lo dice todo sobre su declive en importancia. Los Premios de la Academia ya no son el evento televisivo indiscutible. La quisquillosa 95ª edición, que tuvo lugar sin ningún punto culminante digno de mención, no cambiará eso.

Además, las películas ganadoras no tienen el tipo de difusión que solían tener. ¿O quién aún recuerda el del año pasado? «Coda» era el nombre de la película, un bien intencionado drama gourmet para sordos. Antes de la ceremonia de premiación, muy pocas personas estaban entusiasmadas con ella, y no muchas más después.

«Coda» es una película que quiere ser decente, «Everything Everywhere. . .» quiere ser travieso. Eso es ciertamente más interesante, pero ¿es menos calculado? La película ganadora de este año tampoco será recordada por mucho tiempo. ¿Podría haber mejores alternativas? En realidad casi solo: «Tár» le hace cosquillas al nervio de la época con temas como cancelar la cultura y la usurpación del arte. «The Fabelmans» de Spielberg es un cine narrativo magistral, «The Banshees of Inisherin» es una lección de amistad y enemistad, presentada con amarga lacónica. Incluso «Top Gun: Maverick» (con una recaudación de 1500 millones de dólares estadounidenses) o «Avatar: The Way of Water» (2300 millones de dólares estadounidenses) podrían haber sido premiadas. Por la hazaña de traer de vuelta a las masas a los cines.

La Academia quería volverse más diversa

Pero al parecer los Oscar ya no quieren premiar al gran cine. En cambio, uno trata desesperadamente de mantenerse al día. Cuando solo los actores blancos fueron nominados en 2016, el hashtag #OscarsSoWhite hizo las rondas. Como resultado, la Academia hizo todo lo posible por volverse más diversa. Rápidamente se aceptaron miles de nuevos miembros, muchas mujeres y negros. Casi 10.000 miembros están ahora votando en los Oscar, de los cuales alrededor de un tercio son mujeres y alrededor del veinte por ciento pertenecen a una minoría étnica. Hace casi diez años, la Academia estaba compuesta por un 94 por ciento de blancos y un 76 por ciento de hombres.

Algo ha pasado, pero ¿ha traído algo? Aunque «Everything Everywhere All at Once» ganó una película que deja poco que desear en términos de diversidad, la Academia todavía es acusada de atraso. Porque, por ejemplo, ninguna mujer fue nominada a mejor director. O porque a pesar de todos los esfuerzos, como ocurre casi siempre, ninguna actriz negra se planteó como mejor actriz. Cómo lo haces, está mal.

Esa creencia será útil después de que un maestro ladrón extraordinario que simplemente se hace llamar «Scrooge» (John Leguizamo) se estrelle en esta fiesta navideña con un pequeño ejército de matones. Están aquí para retener a la familia de Gertrude como rehén hasta que entregue su bóveda secreta repleta de $ 350 millones (a la Muere duro). Claramente, Scrooge ha anticipado cada detalle de esta noche… bueno, todo excepto el hecho de que llegan exactamente al mismo tiempo que un Papá Noel cansado del mundo (David Harbour) está entregando regalos en el pasillo. Y cuando los hombres de Scrooge intenten apuntar con un arma a Père Noël, descubrirán una nueva definición para Santa dando sus bultos a los traviesos.

noche violenta es rápido y está ansioso por pintar con los trazos más amplios y los arquetipos más delgados en su narración. Esta es una elección inteligente ya que el primer acto de la película es particularmente chirriante a medida que avanza hacia la primera muerte de Santa. Si bien la película en realidad comienza presentando al deprimido St. Nick de Harbour en el fondo de una botella, aquí menos desesperado por su vida que por el triste comercialismo de la Navidad, la caracterización es tan raída que deja poca impresión.

De hecho, la película obtiene mucho más kilometraje en su primer acto al elegir a D’Angelo, un incondicional de los clásicos navideños después de soportar las payasadas de Chevy Chase en Vacaciones de Navidad (1988), contra Leguízamo. D’Angelo no es ajeno a interpretar a reinas de hielo despiadadas y alegra el ánimo cuando entrena con Leguizamo, quien parece estar disfrutando la oportunidad de darle su propio giro a un tipo Hans Gruber.

Pero en realidad todo esto es una mesa puesta hasta el momento en que Harbour’s Santa entra en acción y se ve obligado a meter un árbol de Navidad eléctrico en la garganta de un malo. Luego lo enchufa.

Aquí es donde los instintos maximalistas del director Tommy Wirkola para la comedia de terror cobran vida en un ambiente más vigoroso. Un favorito del género después de dirigir un par de películas noruegas de zombis en su tierra natal, Nieve muerta y Dead Snow 2: Red vs Dead, Wirkola tiene una habilidad especial para visualizar carnicerías innovadoras en paisajes nevados vírgenes. La forma en que mezcla el rojo y el blanco en la pantalla no difiere del entusiasmo de Clark Grizwold por la iluminación exterior. Y en Harbour’s Santa, podría haber encontrado una musa perfecta. noche violenta es (ligeramente) menos espantoso que las imágenes que provocan una mueca de dolor Nieve muertapero ahora que trabaja con un presupuesto de Hollywood, hay una alegría más alegre en la forma en que Wirkola escenifica piezas gonzo, como cuando Santa toma un mazo y literalmente comienza a repartir grumos por docenas en las frentes de traviesos ladrones de bancos.

Sin embargo, la película intenta ser más que la suma de su espectáculo violento, especialmente apoyándose en una relación bastante saludable entre Harbour’s Santa y Brady’s young Trudy, quienes se comunican a través de walkie talkies de Toys ‘R Us como si fueran Bruce Willis y Reginald VelJohnson. . Wirkola incluso intenta incluir algunas otras influencias clásicas navideñas con una secuencia que podría describirse mejor como clasificación R Solo en casa.

Esa creencia será útil después de que un maestro ladrón extraordinario que simplemente se hace llamar «Scrooge» (John Leguizamo) se estrelle en esta fiesta navideña con un pequeño ejército de matones. Están aquí para retener a la familia de Gertrude como rehén hasta que entregue su bóveda secreta repleta de $ 350 millones (a la Muere duro). Claramente, Scrooge ha anticipado cada detalle de esta noche… bueno, todo excepto el hecho de que llegan exactamente al mismo tiempo que un Papá Noel cansado del mundo (David Harbour) está entregando regalos en el pasillo. Y cuando los hombres de Scrooge intenten apuntar con un arma a Père Noël, descubrirán una nueva definición para Santa dando sus bultos a los traviesos.

noche violenta es rápido y está ansioso por pintar con los trazos más amplios y los arquetipos más delgados en su narración. Esta es una elección inteligente ya que el primer acto de la película es particularmente chirriante a medida que avanza hacia la primera muerte de Santa. Si bien la película en realidad comienza presentando al deprimido St. Nick de Harbour en el fondo de una botella, aquí menos desesperado por su vida que por el triste comercialismo de la Navidad, la caracterización es tan raída que deja poca impresión.

De hecho, la película obtiene mucho más kilometraje en su primer acto al elegir a D’Angelo, un incondicional de los clásicos navideños después de soportar las payasadas de Chevy Chase en Vacaciones de Navidad (1988), contra Leguízamo. D’Angelo no es ajeno a interpretar a reinas de hielo despiadadas y alegra el ánimo cuando entrena con Leguizamo, quien parece estar disfrutando la oportunidad de darle su propio giro a un tipo Hans Gruber.

Pero en realidad todo esto es una mesa puesta hasta el momento en que Harbour’s Santa entra en acción y se ve obligado a meter un árbol de Navidad eléctrico en la garganta de un malo. Luego lo enchufa.

Aquí es donde los instintos maximalistas del director Tommy Wirkola para la comedia de terror cobran vida en un ambiente más vigoroso. Un favorito del género después de dirigir un par de películas noruegas de zombis en su tierra natal, Nieve muerta y Dead Snow 2: Red vs Dead, Wirkola tiene una habilidad especial para visualizar carnicerías innovadoras en paisajes nevados vírgenes. La forma en que mezcla el rojo y el blanco en la pantalla no difiere del entusiasmo de Clark Grizwold por la iluminación exterior. Y en Harbour’s Santa, podría haber encontrado una musa perfecta. noche violenta es (ligeramente) menos espantoso que las imágenes que provocan una mueca de dolor Nieve muertapero ahora que trabaja con un presupuesto de Hollywood, hay una alegría más alegre en la forma en que Wirkola escenifica piezas gonzo, como cuando Santa toma un mazo y literalmente comienza a repartir grumos por docenas en las frentes de traviesos ladrones de bancos.

Sin embargo, la película intenta ser más que la suma de su espectáculo violento, especialmente apoyándose en una relación bastante saludable entre Harbour’s Santa y Brady’s young Trudy, quienes se comunican a través de walkie talkies de Toys ‘R Us como si fueran Bruce Willis y Reginald VelJohnson. . Wirkola incluso intenta incluir algunas otras influencias clásicas navideñas con una secuencia que podría describirse mejor como clasificación R Solo en casa.

si pensaste No estamos solos Iba a ser el tipo de comedia reconfortante que obtienes de fantasmas (está escrito por dos de fantasmas‘, Ben Willbond y Laurence Rickard) pronto descubrirás que estás equivocado. La escena inicial, en la que el personaje principal Stewart (Declan Baxter, compañeros de piso) termina repentinamente cubierto por las entrañas de su mejor amigo después de que un dispositivo de mensajería alienígena lo aplasta, es una pista bastante grande de que se trata de una partida hacia un territorio un poco más adulto.

Este nuevo largometraje de comedia de Dave no pierde el tiempo: entramos directamente en la acción y descubrimos que la Tierra ha sido invadida y conquistada por los Gu’un, una raza alienígena azul de frente grande con armas muy grandes. Los Gu’un no se andan con rodeos: su adquisición incluyó volar Nueva Zelanda, cortar la señal de teléfono móvil de todos y enviar al canciller de Inglaterra al espacio (así que no todo son malas noticias), y en una breve aparición del comediante Miles Jupp como primer ministro elegante y familiarmente torpe, nos enteramos de que Gran Bretaña ahora se llama Territorio 78.

Luego nos encontramos con los extraterrestres y descubrimos que son, por supuesto, hilarantemente humanos. El dúo se puso a cargo de Inglaterra: un doble acto perversamente divertido de Subiendo‘s Vicki Pepperdine como ‘buen policía’ Trater y Hombre caído‘s Mike Wozniak como el ‘policía malo’ Gordan, son líderes típicamente incompetentes, asistidos por Greggs, maravillosamente amable pero tonto, casi salvaje, una actuación gloriosa que roba el espectáculo de los intermedios‘Joe Thomas. Willbond y Rickard también desempeñan excelentes papeles secundarios como guardias desafortunados. Los Gu’un solicitan la ayuda de Stewart para ayudar a que los humanos se pongan de su lado, para disgusto instantáneo de los humanos, colocándolo justo en el medio de la acción.

Willbond y Rickard parecían haberse acercado a escribir No estamos solos con una pregunta crucial al frente de sus mentes: ¿cómo reaccionaría un extraño ante todas las cosas completamente locas que los humanos hemos llegado a aceptar como normales? El problema de los Gu’un, como pronto descubrimos, es que simplemente no aprecian la capacidad de la humanidad para ser monumentalmente estúpidos. Han pasado décadas buscando un planeta con una atmósfera respirable después de que el sol se tragó el suyo, por lo que se quedan desconcertados cuando descubren automóviles: «tu medio de transporte favorito literalmente bombea veneno». Nuestra obsesión los divierte con alegría. con ‘papel de colores’ (dinero), y cuando Trater descubre de dónde es la leche, cortésmente pide un café ‘sin nada salido de la teta de un mamífero vivo’.