Entonces, ¿por qué Disney decide hacer esto ahora? Hay un par de razones clave. En primer lugar, la primera mitad del calendario de estrenos de 2024 está bastante vacía como resultado de las huelgas del Writers Guild of America y del Screen Actors Guild, que se prolongaron durante meses. Como resultado, las producciones de Hollywood se cerraron durante meses y eso retrasó muchos estrenos en la primera mitad de 2024. A Disney le vendrían bien algunas películas importantes en la primera mitad del año y esta es una forma de poner algo de carne en las butacas. y ayudar a los cines a capear la tormenta. Tiene mucho sentido comercial práctico.

Más allá de eso, Disney terminó creando un problema bastante grande con Pixar durante la pandemia. Al lanzar esas tres películas en streaming, devaluaron lo que alguna vez fue uno de los creadores de éxitos más confiables de Hollywood. El director ejecutivo de Disney, Bob Iger, incluso lo ha dicho. Me dolió aún más que estas tres películas fueran originales y no secuelas de franquicias preexistentes. Como resultado, le enseñó al público que los originales de Pixar ahora serán esencialmente gratuitos, siempre que te suscribas a Disney+. Sí, «Elemental» tuvo un cambio francamente milagroso en la taquilla este año, pero Disney necesita volver a encarrilar a Pixar como marca teatral. Sin duda, este es un comienzo.

Las entradas para «Soul», «Luca» y «Turning Red» saldrán a la venta el 2 de enero de 2024.

Por fin, Alma, Lucasy Volviendose rojo llegará a los cines.

Estas tres películas de Pixar se estrenaron en 2020, 2021 y 2022 respectivamente, lo que significó que Disney las puso directamente en Disney Plus sin un lanzamiento en cines. Pero finalmente, la preciosa costa italiana de Lucasel extenso mundo fantástico del Gran Antes en Almay el épico enfrentamiento del panda gigante de una banda de chicos en Volviendose rojoTendrá la oportunidad de brillar en la pantalla grande. Reivindicación para los fans de Pixar que estaban esperando ver estas películas en cines, pero se tuvieron que conformar con Lightyear en su lugar!

Alma llegará a los cines el 12 de enero, acompañado de “Burrow”, una de las películas de los programas SparkShorts de Pixar. Volviendose rojo abre el 9 de febrero con el SparkShort “Kitbull”. Y Lucas se estrenará el 22 de marzo con el clásico corto de Pixar “For the Birds”.

Estas tres reediciones precederán De adentro hacia afuera 2que llegará a los cines en junio de 2024. La nueva película original del estudio, elioestaba previamente programado para marzo de 2024, pero se retrasó hasta 2025 debido a la huelga de SAG-AFTRA.

Justo cuando crees que estás fuera, los Oscar inevitablemente te atraen de nuevo.

La noche cinematográfica más importante de este año está programada para el 12 de marzo a las 8 p. Los más altos elogios del cine se han transmitido para los espectadores en casa desde 1953, cuando «El espectáculo más grande del mundo» de Cecil B. DeMille se llevó a casa el premio a la Mejor Película.

La ceremonia de los 95 Premios de la Academia tiene tantos analistas centrados en el éxito del programa en sí como los ganadores en cada categoría. Con Hollywood compitiendo por la atención de la audiencia, exactamente qué personas sintonizan con los Oscar, y la pregunta más opaca de por qué, arrojará una sombra no solo sobre el futuro de cómo honramos el arte cinematográfico, sino también sobre el impuesto al latón de los negocios en la taquilla. .

“Top Gun: Maverick” y “Avatar: The Way of Water” se destacan como éxitos de taquilla que complacen a la multitud y grandes homenajeados. A ellos se unen en la carrera por la Mejor Película “All Quiet on the Western Front”, “The Banshees of Inisherin”, “Elvis”, “The Fabelmans”, “TÁR”, “Triangle of Sadness”, “Women Talking, ” y “Everything Everywhere All at Once”, que lidera la carrera con la asombrosa cifra de 11 nominaciones.

¿Adónde deberías dirigirte una vez que hayas terminado de disfrutar de esas obras maestras de 2023? Podrías comenzar marcando otras actuaciones en las categorías de Mejor actor y actriz (Paul Mescal está devastador en «Aftersun»), hojeando los hermosos nominados a Mejor película animada (te estoy mirando a ti, Marcel) o buscando un lugar para ver los 15 deslumbrantes cortometrajes nominados.

En orden alfabético, con la carrera de cortometrajes hasta el final, aquí están las 51 películas que debe conocer para los Premios de la Academia de este año. Además, consulte la guía de transmisión de los Oscar 2023 de IndieWire y una lista de los desaires más sorprendentes de la competencia.

Samantha Bergeson, Ryan Lattanzio y Christian Zilko contribuyeron a esta historia.

Cortesía de la colección Everett

«Despues del sol»

Por qué está nominado: Mejor actor (Paul Mescal)

“Un debut deslumbrante que se desarrolla con el patetismo gradual de una Polaroid, ‘Aftersun’ de Charlotte Wells no es solo una película honesta sobre la forma en que recordamos a las personas que hemos perdido: fragmentada, escurridiza, en ninguna parte y en todas partes, todo a la vez. — también es un acto de infarto de recordarse a sí mismo. Aquí, en el lapso de una historia oblicua pero tierna que se siente lo suficientemente pequeña como para caber en una foto instantánea (o en la pantalla LCD de una vieja videocámara), Wells crea una película que gradualmente resuena mucho más allá de sus marcos. En el momento en que alcanza el punto álgido con la mayor caída de la aguja de Freddie Mercury de este lado de ‘Wayne’s World’, ‘Aftersun’ ha comenzado a estremecerse con el peso aplastante de todo lo que no podemos dejar atrás, y todo lo que quizás no tengamos. conocido por llevar con nosotros en primer lugar. —David Ehrlich

Lea la reseña de IndieWire de «Aftersun» (Grado A)

«Todo calmado en el frente oeste»

©Netflix/Cortesía Colección Everett

«Todo calmado en el frente oeste»

Por qué está nominado: Mejor Película, Mejor Largometraje Internacional, Mejor Fotografía, Mejor Guión Adaptado (Edward Berger, Ian Stokell y Lesley Paterson), Mejores Efectos Visuales, Mejor Diseño de Producción, Mejor Maquillaje y Peluquería, Mejor Sonido, Mejor Música Original

“Podría haber una nueva perspectiva que se pueda obtener de una nueva adaptación de ‘All Quiet’, a pesar de los efectos dominó de su influencia: la guerra, lamentablemente, no ha terminado debido a las películas sobre lo horrible que es. Y su futilidad y absurdo permanecen constantes, incluso cuando su rostro evoluciona con el tiempo. Lamentablemente, la hermosa pero esperada versión de la historia de Edward Berger no agrega mucho al canon, excepto por algunas imágenes absolutamente hermosas”. —Katie Rife

Lea la reseña de IndieWire de «Todo tranquilo en el frente occidental» (Grado B)

“Todo lo que respira”

Cortesía de la IDA

“Todo lo que respira”

Por qué está nominado: Mejor Largometraje Documental

“Si es inevitable que un retrato tan obsesionado con los detalles ocasionalmente parezca abrumado por sus opciones, la muerte tiene una forma desafortunada de reenfocar nuestra atención, y lo mismo sucede con la mirada no jerárquica de Sen sobre la vida en Delhi. ‘All That Breathes’ no analiza directamente el horror que brota del fervor antimusulmán de la ciudad: observa cómo se fomenta la violencia en la televisión y luego nos confronta con inquietantes imágenes fijas de la destrucción que dejó atrás, pero es un testamento. al efecto de construcción lenta de la película, este clímax trágico se siente como un testimonio de la urgencia de Wildlife Rescue, y no solo como una amenaza para las personas que lo dirigen”. -DELAWARE

Lea la reseña de IndieWire de «All That Breathes» (Calificación: B+)

“Toda la belleza y el derramamiento de sangre”

Cortesía de la colección Everett

“Toda la belleza y el derramamiento de sangre”

Por qué está nominado: Mejor Largometraje Documental

«Eso título. Incluso antes de su proyección, ‘All the Beauty and the Bloodshed’ provocó un escalofrío en la competencia del Festival de Cine de Venecia, sonando más como una línea de un poema de Yeats que como el último documental del director de ‘CITIZENFOUR’. La gran noticia: la película está a la altura. Ya como una directora robusta, Laura Poitras ha subido de nivel con un trabajo imponente y devastador de inteligencia impactante y un poder emocional aún mayor”. —Sophie Monks Kaufman

Lea la reseña de IndieWire de «Toda la belleza y el derramamiento de sangre» (Calificación: A+)

“Argentina, 1985”

©Amazon/Cortesía de la colección Everett

“Argentina, 1985”

Por qué está nominado: Mejor Largometraje Internacional

“El amor de la máquina de hacer mitos estadounidense por sacar héroes, como tantas salchichas con capa, encuentra su antítesis en ‘Argentina, 1985’, una entretenida película biográfica sobre la historia argentina reciente que toma la batuta de la idea de Shakespeare de que ‘algunos hombres tienen grandeza impuesta sobre ellos.’ Este es en gran medida el caso de Julio Strassera (Ricardo Darín), un hombre de familia que está horrorizado por su nombramiento como fiscal principal en lo que se conoció como ‘El Juicio de las Juntas’”. —SMK

Lea la reseña de IndieWire de “Argentina, 1985” (Calificación: B+)

“Avatar: El camino del agua”

©Walt Disney Co./Cortesía Colección Everett

“Avatar: El camino del agua”

Por qué está nominado: Mejor película, mejores efectos visuales, mejor diseño de producción, mejor sonido

“Cameron siempre ha tratado la historia como una extensión directa del espectáculo requerido para darle vida, pero la relación antropocónica entre la narrativa y la tecnología fue un poco desigual en la primera “Avatar”, que oscureció lo viejo detrás del velo de lo nuevo donde sus películas anteriores habrían permitido que se entrelazaran. Una experiencia teatral extracorpórea que hace que su predecesor se sienta como una prueba de concepto glorificada, «Avatar: The Way of Water» es una mejora asombrosa con respecto al original porque su espectáculo no tiene que compensar su historia. ; al estilo clásico de Cameron, el espectáculo de la película es lo que permite que su historia se cuente tan bien”. -DELAWARE

Lea la reseña de IndieWire de “Avatar: The Way of Water” (Grado A-)

«Babilonia»

©Paramount/Cortesía Colección Everett

«Babilonia»

Por qué está nominado: Mejor Diseño de Producción, Mejor Diseño de Vestuario, Mejor Banda Sonora Original

“Una oda tonta de Calígula a los primeros días de Hollywood, la extensa ‘Babylon’ de Damien Chazelle puede comenzar en 1926, pero la película pronto se carga con una clarividencia que le permite despegarse en el tiempo. Varios de los personajes de la epopeya están obsesionados por vislumbres de un futuro que no pueden evitar, una maldición que su director provoca inspirándose en todo el espectro de la historia del cine.

Con la carga de saber que este proyecto de estudio de 80 millones de dólares podría ser el último de su tipo, ‘Babylon’ refracta la primera gran crisis de identidad de Hollywood a través del prisma de la más reciente. Nos recuerda que las películas han estado muriendo durante más de 100 años, y luego, a través de su oración final conmovedora y entrañablemente galáctica, interpreta eso como una prueba edificante de que en realidad vivirán para siempre. Simplemente no tiene idea de cómo lo harán las películas, o adónde diablos podrían ir desde aquí”. -DELAWARE

Lea la reseña de IndieWire de “Babylon” (Grado B)

“Bardo, falsa crónica de un puñado de verdades”

©Netflix/Cortesía Colección Everett

“Bardo, falsa crónica de un puñado de verdades”

Por qué está nominado: Mejor Fotografía

“’Bardo’ se sale con la suya toma tu pastel y cómelo también acércate a la ambivalencia porque Iñárritu hace un espectáculo tan ridículo de tratar de resolverlo. Una vez que fue un joven cineasta luchador, desde entonces se ha convertido en un autor ganador de un Oscar con varias casas bonitas, pero nada que realmente se sienta como un hogar. Ahora, parece como si los esfuerzos cada vez más exagerados de Iñárritu por afirmar su propio significado —hacer arte de una gravedad tan innegable que ya no necesita raíces— lo hubieran dejado varado en el Bardo y acosado por las mismas voces que lo inspiraron a escribe la amarga crítica que interpretó Lindsay Duncan en ‘Birdman’”. -DELAWARE

Lee la reseña de IndieWire de “Bardo, falsa crónica de un puñado de verdades” (Calificación: C+)

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Todo cambió para la directora Domee Shi en Pixar en 2022. Lanzó su primer largometraje, «Turning Red», la comedia semiautobiográfica sobre la mayoría de edad que es candidata al Oscar a la Mejor Película Animada. También fue ascendida a vicepresidenta creativa en el estudio, convirtiéndose en la primera mujer directora en unirse al aclamado Braintrust de Pixar.

Todo es parte de la nueva cultura de empoderamiento femenino, diversidad y narración personal en el estudio, dirigida por el director creativo Pete Docter. Docter fue mentora de Shi como artista de historias en «Inside Out» y luego en su apetitoso cortometraje ganador de un Oscar «Bao». Eso pagó dividendos cuando dio luz verde a “Turning Red” y confió a Shi como director único. Su peculiar historia sobre la tonta Mei (Rosalie Chiang), de 13 años, que se transforma en un panda rojo gigante cuando llega a la pubertad, contiene una visión artística y un caos controlado poco característico de una directora primeriza.

«Lo que aprendí de Pete al trabajar con él en ‘Inside Out’ y verlo dirigir ‘Soul'», dijo Shi a IndieWire, «fue que hay una razón por la que todo está diseñado en un estilo particular, pero que siempre se reduce a carácter y un lugar emocional. Y eso fue lo mismo para nuestra película, también. Realmente queríamos esta calidad fornida, linda y hecha a mano para este mundo de Toronto porque queríamos que se sintiera real. Y para hacer eso tuvimos que incluir todas las imperfecciones que vemos en la realidad. Si observa detenidamente nuestros conjuntos, no hay una sola pared o viga que tenga una línea perfectamente recta. Tenemos artistas agregando muescas en las esquinas. Es un mundo táctil en el que viven estos personajes”.

El desafío consistía en contar la historia de ser un preadolescente chino canadiense a principios de la década del 2000 con un estilo visual cohesivo que representaba el amor de Shi por el dibujo, el anime, las bandas de chicos, Disney, los cómics franceses y las películas de Edgar Wright. “Creo que muchas de las grandes películas deberían provenir de un lugar personal para el cineasta: una experiencia, un recuerdo y una emoción”, dijo. “Y solo quería aprovechar lo que fue para mí y para muchas personas cuando se despertaron un día y no reconocieron su cuerpo o sus emociones o por qué pasaron de odiar a su madre en un segundo y luego adorarlas. el siguiente. El cine, el arte y el dibujo siempre han sido una forma de procesar y elaborar mis propios sentimientos. Y esta película también fue una forma de ayudar a otras personas que tienen problemas con sus padres o sus hijos”.

«Volviendose rojo»

Walt Disney Studio Motion Pictures / Cortesía de la colección Everett

Sin embargo, idear el lenguaje de formas, la paleta de colores y la iluminación para “Turning Red” fue un nuevo camino estilístico para Pixar. Shi y su equipo de supervisión compuesto exclusivamente por mujeres prácticamente revolucionaron el estudio con su ambiente de anime en 2D para ayudar al espectador a convertirse en uno con Mei en cada escena. “Pete seguía diciendo que es genial que estés presionando el color”, dijo. “Es increíble que estés impulsando la expresión. Pero, ¿cómo te ayuda eso a contar la historia de Mei? Y entonces teníamos eso en el fondo de nuestras mentes, incluso cuando estábamos encendiendo un tiro. ¿Qué pasa si está realmente aterrorizada y avergonzada? Empujemos totalmente el fondo para que sea completamente negro, encendamos un foco sobre ella, encendamos una espeluznante luz verde desde abajo y pongamos a la audiencia en su lugar”.

Una de las mejores escenas, en la que Mei, en forma de panda rojo gigante, huye de su madre por las calles de Toronto, también fue la más autobiográfica. “Esa escena en la que Mei ve a su madre mirándola desde detrás de un árbol se inspiró en la vida real en mi primer día de clases”, dijo Shi. “Había salido de la escuela, había hecho nuevos amigos, y luego uno de ellos me toca el hombro y dice: ‘¿Quién es esa señora que se esconde detrás de un árbol?’ Y es mi madre, que tiene gafas de sol. Como si no la reconociera. Dijo que estaba preocupada por mí. No exploté en un panda rojo gigante, pero quería hacerlo en ese momento”.

Hasta ese momento de la película, Mei es capaz de mantener la compostura y controlar su arrebato emocional. Pero este es el punto de inflexión caótico que permitió a Shi demostrar cuán destructiva es Mei mientras mostraba la belleza del barrio chino de Toronto. “Ella es grande y peluda y tiene que abrirse camino a través de los callejones”, dijo Shi. “Fue un momento divertido, intenso y exagerado cuando te viene la regla y te estás volviendo loca. Se siente como un extraterrestre en su cuerpo.

“Y también quería mostrar cuán protector es Ming. Me encanta esa escena en la que Ming ve a Mei corriendo por la azotea y, sin perder el ritmo, se quita los tacones y se desliza por el coche porque su bebé está en problemas y tiene que ayudarla pase lo que pase».

«Volviendose rojo»

Disney/Pixar

Sin embargo, encontrar un cierre entre madre e hija resultó ser un desafío. Al final, Shi y su equipo crearon una escena bellamente mágica e íntima en el plano astral, donde Mei se reconcilia con la versión de Ming de 13 años. “Realmente, solo vino de preguntarnos: ‘¿De dónde vino el panda rojo?’ ‘¿A dónde van cuando fallecen o realizan su ritual para deshacerse de su panda?’”, dijo Shi. “Creamos este bosque de bambú, que tenía sentido ya que los pandas comen bambú. Fue un exuberante lugar de meditación para que Mei y su madre finalmente expresaran sus sentimientos el uno por el otro”.

Curiosamente, la metáfora del panda rojo gigante cambió al final de la producción de cuatro años. No se trataba solo de la pubertad, sino también de la herencia cultural china de Shi. “Se trata de esta familia y el regalo que las mujeres han heredado a través de muchas generaciones”, dijo. “Se consideraba empoderamiento, pero, una vez que te mudabas a un nuevo país en el mundo moderno, este regalo ahora se consideraba extraño, extraño y destructivo. Era un monstruo y tienes que deshacerte de él. Y era importante mostrar que Mei fue la primera en su familia en abrazar al panda y que no la estamos juzgando”.

Shi actualmente está escribiendo su próximo largometraje animado; como “Turning Red”, es una historia personal inspirada en su herencia china, incluida la estética, que también será una nueva aventura estilística. “Es temprano”, dijo Shi. “Principalmente solo sigo lo que es una historia interesante. Me inclino hacia cualquier emoción que esté resonando conmigo en este momento. Y quiero hacer algo que explore la creatividad. No estoy seguro de dónde está ambientado el mundo o qué período de tiempo es. Solo sigo lo que me emociona y lo que aún no he visto en los largometrajes de animación en Occidente”.

«Volviendose rojo»

PIXAR

Mientras tanto, trabajar en el equipo de desarrollo creativo ampliado (también conocido como Braintrust) le ha permitido a Shi ayudar a guiar a una generación más diversa e inclusiva de cineastas de Pixar. Este círculo íntimo, encabezado por Docter, también incluye al presidente de Pixar, Jim Morris, a la productora y vicepresidenta sénior de desarrollo de «Turning Red», Lindsey Collins, y a los directores Peter Sohn («Elemental» de este año) y Dan Scanlon («Onward»).

“Siento que mi deber y responsabilidad es retribuir la ayuda y la confianza que he recibido a lo largo de mi carrera en Pixar”, dijo, “y ayudar a la próxima generación a recorrer su camino a través de Pixar para contar sus historias y preservar todas las la autenticidad, singularidad y rareza de sus ideas”.

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Albert Brenner, diseñador de producción y/o director de arte en películas como Bullitt, El punto de inflexión, Pretty Woman y contracorriente quien acumuló cinco nominaciones al Oscar en su carrera, ha muerto. Tenía 96 años. La Agencia Mirisch le dijo a Deadline que murió el 8 de diciembre mientras dormía.

Recibió en 2003 el Premio a la Trayectoria del Sindicato de Directores de Arte, Brenner obtuvo nominaciones al Premio de la Academia a la Mejor Dirección de Arte/Decoración de Escenarios por Playas (1988), 2010: El año en que hacemos contacto (1984), suite californiana (1978), El punto de inflexión (1977) y los chicos del sol (1975).

Nacido el 17 de febrero de 1926 en la ciudad de Nueva York, Brenner sirvió en la Fuerza Aérea durante la Segunda Guerra Mundial. Su formación posterior en la Escuela de Arte Dramático de Yale resultó invaluable cuando comenzó a trabajar como diseñador de producción y/o director de arte, primero en comerciales y luego en televisión en vivo. Se mudó con su familia a Los Ángeles durante la década de 1960 y comenzó a trabajar en largometrajes, con créditos tempranos que incluyen la de 1969. donde esta y Una especie de nuez.

Se desempeñó como director de arte en el clásico de persecución de autos de Steve McQueen de 1968. Bullitt y luego sirvió en ese concierto para películas que incluyen El Otro, Problemático, El tiro al banco y John Frankenheimer Camino la lineaprotagonizada por Gregory Peck y Tuesday Weld.

Brenner manejó los deberes de PD para fotos que incluyen Verano del ’42 (1971) y El maestro pistolero (1975) antes de ser contratado para los chicos del sol, la comedia de 1975 protagonizada por Walter Matthau, George Burns y Richard Benjamin. Eso marcó la primera de varias películas basadas en obras de Neil Simon en las que Brenner fue diseñador de producción, una lista que luego incluyó la niña de adiós (1977), Solo cuando me rio (1981), Debería estar en imágenes (mil novecientos ochenta y dos), El regreso de Max Dugan (1983) y suite californiana.

También se desempeñó como PD en películas tan populares como las rupturas de misuri, la pareja solitaria de Marlon Brando y Jack Nicholson; Película muda, escrita y dirigida por su protagonista, Mel Brooks; Nominada al Oscar a la mejor película El punto de inflexión, protagonizada por Anne Bancroft y Shirley MacLaine; capricornio uno con Elliott Gould, James Brolin y otros; de Michael Crichton Coma, protagonizada por Michael Douglas; La foto del bombero de Ron Howard contracorriente, con Kurt Russell, Robert De Niro y otros; la foto de Bill Crystal Sr. sábado por la noche; y docenas más.

Una de las favoritas del difunto Garry Marshall, Brenner trabajó en su protagonista de Al Pacino-Michelle Pfeiffer. frankie y johnnyjunto con Playas, Mujer Bonita, Querido Dios, El diario de la princesa 2: compromiso real y Día de San Valentín, que sería el último crédito de pantalla del PD en 2010.

Brenner también sirvió en la Junta de Gobernadores de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas y fue presidente de la Sociedad de Directores de Arte.

Le sobreviven su esposa, Susan; hijos David (Kathryn) Faye, Rachel y Mara; y seis nietos. La familia sugiere que se hagan donaciones en su nombre al Motion Picture and Television Fund.

“Una preadolescente chino-canadiense experimenta una pubertad mágica y se convierte en un panda rojo gigante”.

En lo que respecta a los discursos de ascensor, no se trata exactamente de «‘Tiburón’ en el espacio» o «serpientes en un avión». Pero ese lema muy específico es el que Domee Shi usó para persuadir a Pixar de que diera luz verde a su debut como directora de largometrajes, hace aproximadamente media década, cuando la entonces veinteañera era una incipiente artista de guiones gráficos en el campus del estudio en Emeryville.

La película de Shi, «Turning Red», cumple cada parte de esa premisa, centrándose en una chica de Toronto confiadamente nerd llamada Mei y su amorosa pero estricta madre, Ming, cuyas vidas perfectamente ordenadas se ven sumidas en el caos por la repentina transformación de Mei. La película se estrenó la primavera pasada e inmediatamente marcó una serie de hitos para el estudio: la primera película de Pixar dirigida únicamente por una mujer, la primera película de Pixar con protagonistas creativas exclusivamente femeninas y solo la segunda película de Pixar dirigida por una persona de ascendencia asiática. Pero aparte de los detalles de la identidad de Shi, también representó el surgimiento de una nueva voz singular dentro del célebre estudio, y todo, desde su especificidad cultural, hasta su estilo de animación (impresionista, de ritmo frenético, influenciado por el anime) hasta su apertura para abordar el tema. El desorden de la adolescencia temprana (desde la menstruación y los problemas de la madre hasta la sugerencia de que el amor de una chica preadolescente por una banda de chicos en particular podría tener algunas motivaciones extramusicales) se sentía a la vez como parte de la tradición de Pixar y como algo estimulantemente nuevo.

“Desde el principio, íbamos a tocar todos los momentos incómodos, vergonzosos y vergonzosos de la adolescencia en esta película”, dice Shi, de 33 años, quien recibirá el premio Creative Impact in Animation de Variety el 6 de octubre. “Ese fue el lanzamiento inicial, para eso nos inscribimos todos, y creo que simplemente nos comprometimos con eso. Lo que me encanta de Pixar es que asumimos muchos riesgos creativos. A veces funcionan, a veces no, pero eso es lo que hace que nuestras películas sean tan únicas”.

De hecho, tan descabellada como se lee en el papel, la metamorfosis del panda de Mei sirve como una metáfora perfecta de los estragos hormonales de la pubertad, en la que una niña se despierta de repente para encontrar una versión de sí misma más grande, más maloliente, más peluda y más emocionalmente volátil que ella apenas reconoce en el espejo. Shi se sintió particularmente alentado por las respuestas que la película obtuvo de las mujeres y las comunidades asiáticas, en particular, aunque hubo algunas voces fuertes en Internet que encontraron algunos de sus temas demasiado maduros para una audiencia de Pixar.

“Me sorprendió lo sorprendidos que estaban todos de que íbamos a hablar sobre períodos y toallitas”, recuerda. “Nos dimos cuenta de que tal vez estábamos en nuestra propia burbuja protegida aquí en Pixar, donde todos hablamos el mismo idioma y todos aceptamos las partes extrañas e incómodas de la vida. Pero luego, cuando se lo muestras al mundo, te das cuenta, ‘oh sí, el resto del mundo no está aquí’. Y eso está bien. Por eso hacemos películas como esta. Tocar estos temas y normalizarlos un poco más”.

Nacido en Chongquing, China, y criado principalmente en Toronto, Shi creció «viendo tanto anime y Miyazaki como yo vi Disney y Pixar», dibujando y escribiendo historias desde una edad temprana. Primero exhibió sus dibujos como fan art en las comunidades de fanáticos de Harry Potter en línea y luego se expandió a la animación casera. Después de estudiar en Sheridan College, aterrizó en el programa de pasantías de Pixar y pronto se encontró trabajando como artista de historias en «Intensamente», luego como artista de guiones gráficos para «The Good Dinosaur» e «Incredibles 2». Mientras tanto, estaba desarrollando su propio cortometraje sin diálogos, “Bao”, que rastrea la complicada relación de una mujer mayor con una bola de masa hervida antropomórfica de maneras que presagiaban una serie de temas maternos clave de “Turning Red”. El cortometraje, el primero de Shi, le valió un Oscar, y para entonces “Turning Red” ya estaba en marcha.

Al igual que «Soul» y «Luca» de Pixar antes, «Turning Red» estaba inicialmente programado para un estreno en cines, pero terminó yendo directamente a Disney + a medida que el negocio volvía a la normalidad después de los bloqueos de COVID. Shi admite algunos sentimientos complicados sobre el lanzamiento.

“Como nerd del cine, definitivamente me decepcionó al principio. Yo estaba como, ‘hombre, ¡nadie va a ver la textura de alta resolución en el suéter de Mei!’”, Dice riendo. “Pero luego me detuve y pensé, ‘sabes, la textura del suéter no es realmente la razón por la que la gente quiere ver películas’.

“Pero con la forma en que la pandemia redefinió todo, nuestras prioridades cambiaron a cómo podemos hacer que esta película sea vista por la mayor cantidad de personas posible, de la manera más segura posible. Y después de que salió la película, conociendo a los fanáticos en los eventos, muchos fanáticos nos agradecieron por lanzarla en Disney+, porque esa era la única forma en que habrían podido verla. Y eso me llevó a pensar en cómo desarrollé mi propia relación con la animación y cómo no fue a través del teatro. Fue a través de cintas VHS. La primera película que tuvo mi familia fue ‘Aladdin’; mi papá me lo compró en VHS y lo vi una y otra vez. Podría pausarlo, rebobinarlo, ver mis partes favoritas una y otra vez. Es casi una relación más íntima con el espectador”.

Shi se apresura a agregar que, a pesar de la primera serie episódica del estudio, «Gana o pierde», que se estrenará el próximo año, Pixar todavía está muy en el negocio de los largometrajes teatrales. Y ella lo sabría, ya que fue ascendida a vicepresidenta creativa del estudio la primavera pasada, donde ahora trabaja junto a su mentor Pete Docter, Peter Sohn y Dan Scanlon en el diseño de la pizarra del estudio.

“Todavía estoy descifrando mi nuevo papel; creo que le dije ‘sí’ sin saber completamente lo que implicaba”, dice. Pero un elemento del trabajo que se toma muy en serio es su papel como mentora de los futuros y aspirantes a directores del estudio: “No hace mucho estuve en una posición similar, y es importante para mí ayudarlos a navegar este loco proceso. Porque es algo exclusivo del estudio, y puede ser muy nebuloso. Algunas personas navegan a través del desarrollo y otras toman más tiempo. Y en cada paso del camino estás siendo bombardeado con notas y opiniones, y tu juicio y tu gusto están siendo cuestionados en todo momento. Así que solo trato de ayudar a guiar a estos novatos para que escudriñen el ruido y los ayuden a recordar cuál fue esa estrella polar, esa chispa inicial que los entusiasmó con esta idea, porque es fácil perderse en la maleza de este proceso. ”

Entonces, ¿cómo navegó Shi el famoso e intenso proceso creativo de Pixar, que produjo no menos de ocho versiones provisionales diferentes de “Turning Red”, como primerizo? Ella le da crédito a un equipo creativo muy unido, especialmente a la diseñadora de producción Rona Liu (quien también trabajó con Shi en «Bao»), por ayudarla a sintetizar influencias que van desde «Sailor Moon» y «Ranma ½» hasta películas de Edgar Wright para forjar «Turning Red’s». estética y ambiente distintivos. También le da crédito a Docter, quien ayudó a moldear el núcleo emocional de la película («mi propia personalidad es un poco más reservada… y Pete es tan bueno en esos momentos en sus propias películas»).

Y luego, por supuesto, estaba el hecho de que la película era tan personal. El primer boceto de Shi para «Turning Red», en el que una niña sudorosa y sobrecargada «se marcha a la escuela» mientras su madre, perfectamente equilibrada, observa desde el fondo, se basó en los recuerdos de Shi de su propia adolescencia, y reconoce la sensación de que “en lugar de ir a terapia, hice un largometraje”. Ciertamente no sería la primera guionista y directora en hacer eso, y agrega que la experiencia de hacer la película y mostrársela a su madre ayudó a impulsar muchas conversaciones pendientes.

“No fue toda la escena al estilo de Hollywood en la que, después del estreno, ella se vuelve hacia mí con lágrimas en los ojos, nos abrazamos y me dice: ‘Te amo y estoy orgullosa de ti’”, dice Shi sobre la experiencia de su madre. respuesta. “Pero sentí eso, seguro. Porque ni siquiera hablamos sobre este tipo de cosas, así que siento que hacer la película tal vez inició ese pequeño paso de una conversación en la que desempacamos nuestra propia relación. Desearía que no tuviera que tomar una película animada completa y $ 200 millones de dólares, pero creo que definitivamente estamos más cerca”.

Por muy rápido que haya cambiado su papel en el estudio, Shi sigue siendo ante todo una animadora, y ya ha vuelto al desarrollo de su seguimiento como directora. Como uno podría imaginar, todavía no puede revelar demasiados detalles al respecto, excepto para decir que está «investigando… en YouTube… viendo varios clips… de cosas interesantes…». Sin embargo, lo único que divulgará es que su próximo largometraje no será otra exploración purgante de las tensiones madre-adolescente dentro de las comunidades de inmigrantes.

«Definitivamente siento que lo saqué de mi sistema», dice con una pequeña risa. “Un corto y un largometraje: estoy bien. He cerrado el libro sobre ese aspecto de mi psique”.

Desde 1995, pixar ha estado en el negocio de hacer películas increíbles que aprovechan la experiencia humana de maneras inesperadas y hermosas. Los cineastas de Pixar han explorado nuestras luchas con la tragedia, la pérdida y el dolor (incluso el significado de la vida), así como la importancia del amor, la familia y la amistad.

Cada uno de los 26 largometrajes de Pixar toca temas de amor y pérdida de diferentes maneras, lo que hace que clasificarlos no sea una tarea fácil. Es inevitable que esta lista altere algunas plumas, lo cual es un testimonio de cuánto significan estas películas para el público. Pero al determinar las clasificaciones, se examinaron cinco atributos clave de cada película: trama, personajes, profundidad, impacto cultural y capacidad de volver a ver. Esto ayudó con la tarea increíblemente difícil de averiguar qué películas deberían encabezar la lista.

Entonces, sin más preámbulos, aquí está nuestro ranking de las mejores películas de Pixar de los últimos 27 años.

Disney/Pixar

Mejor conocido por su animación estelar, The Good Dinosaur es una película increíblemente conmovedora que dejará a cualquiera que alguna vez se haya sentido marginado empatizando con el personaje principal Arlo, la oveja negra de la familia. Es una película sólida, pero debido a que las otras películas de Pixar han puesto el listón De Verdad alto en términos de creatividad y narración, colocamos este en el número 24, ya que algunas de las escenas son un poco más lentas y redundantes. (¿Qué es esto? ¿Otro ataque animal más?)

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De alguna manera, Pixar no se dejó intimidar por la tibia recepción que recibió Cars 2. Afortunadamente, la tercera entrega de la franquicia Cars presenta una historia más agradable (y bromas más sólidas), mientras vemos a Lightning McQueen luchar por mantenerse relevante en el mundo de las carreras que cambia rápidamente. Todavía no se compara con las otras ofertas de Pixar (de todos modos, es difícil con las secuelas), pero es una película bastante buena, considerando todas las cosas.

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Ver esta secuela de Buscando a Nemo fue como experimentar un deja vu. (¿Un pez perdido en busca de sus padres? Eso suena terriblemente familiar…) La película se basó demasiado en la historia ganadora de su predecesora, y sin la misma profundidad emocional. Aún así, es un viaje divertido a lo que hizo a Dory, un pez azul con pérdida de memoria, quien es.

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Lightyear es, sin lugar a dudas, la película de Pixar más impresionante visualmente hasta la fecha. Las animaciones épicas de la inmensidad y la belleza del espacio crean una atractiva película de ciencia ficción que lleva a Pixar en una dirección en la que nunca antes había estado. Es cierto que no soy un gran fanático de los spin-offs, y es difícil sentir que esto no fue solo una oportunidad para que Disney / Pixar explotara la exageración en torno a la franquicia Toy Story. Sin embargo, fue agradable ver al estudio aventurarse en un nuevo territorio y superar los límites de la animación. Además, embarcarse en una nueva dirección temática significa que tenemos menos momentos tiernos que caracterizan a otras películas de Pixar como Inside Out, Up o incluso Toy Story. Pero eso no es necesariamente algo malo, si prefieres una historia más centrada en la acción.

Estudios de animación de Pixar

El antropomorfismo es el poder mágico de Pixar, que ejecuta bien en Cars. Hay algunas risas en medio de lecciones sobre los peligros de la superficialidad, así como un comentario subyacente sobre nuestra obsesión con la cultura de las celebridades. Es una de esas películas que parece atraer más a las audiencias más jóvenes, con sus escenas llamativas y una historia más delgada, pero sigue siendo la mejor elección de la franquicia Cars.

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Si bien es una historia divertida sobre la mayoría de edad sobre un monstruo marino que anhela vivir en la tierra, Luca no ofrece el mismo nivel de creatividad argumental o profundidad emocional que muchas de las otras películas de Pixar (es decir, no rompí mientras miraba este, que siempre es una pena). Pero sigue siendo una película animada llena de aventuras y suspenso y bellas animaciones de la ciudad costera italiana donde se desarrolla.

Captura de pantalla de Abrar Al-Heeti/CNET

Esta precuela presenta una historia divertida y bien estructurada que le permite operar como un juego independiente decente. Hace un buen trabajo al no sentirse forzado, y obtenemos una mirada intrigante a la historia de fondo de los amados monstruos Sulley y Mike Wazowski, al mismo tiempo que se nos presentan nuevos personajes memorables como Terri & Terry Perry y Scott «Squishy» Squibbles.

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Un vistazo creativo a lo que sucede en el mundo de los insectos, A Bug’s Life encuentra fuerza en su ingenio y originalidad. Es una verdadera aventura y un testimonio temprano de la notable narración de historias de Pixar.

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La tan esperada secuela está repleta de la misma acción y adorables personajes que hicieron de la primera entrega un éxito tan grande, aunque no está a la altura del original. La trama a veces puede parecer predecible cuando la familia de superhéroes lucha contra un villano, aunque hay suficientes momentos alegres y saludables para que esta continuación se destaque.

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Esto se sintió como la secuela que no necesitaba suceder, especialmente después de que Toy Story 3 terminó con una nota tan fuerte (y desgarradora). Todavía hay algunas secuencias divertidas, pero esta cuarta entrega carece de la comedia sólida y la trama apasionante que hizo resonar a las tres primeras películas de Toy Story. Sin embargo, nos presentan nuevos personajes adorables como Forky, que proporciona una buena dosis de risas.

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Wall-E es una representación inquietante de cómo sería nuestro mundo si continuamos ignorando el medio ambiente y nos consumimos aún más por la tecnología, una historia pertinente y convincente sobre el último robot de la Tierra, que se embarca en un viaje al espacio con la brillante sonda Eve. A pesar del monólogo mínimo, la película cuenta una historia cautivadora sobre las consecuencias de nuestras acciones y nuestro deseo innato de conexión.

Imágenes de Walt Disney

Hay muchas historias centradas en un niño testarudo que anhela labrarse su propio camino, pero Brave sube de nivel esa narrativa tan repetida con una poderosa protagonista femenina, personajes hilarantes y toques de magia. Es un tributo conmovedor a las relaciones madre-hija y una aventura apasionante en todo momento.

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Un tributo conmovedor a los lazos entre hermanos, esta es una de esas películas que te tomarán con la guardia baja y te harán alcanzar una caja de pañuelos. Adelante sirve como un comentario oportuno sobre cómo las comodidades y la tecnología modernas parecen haber despojado al mundo del encanto y la maravilla, sin embargo, hay formas de reconectarse con el pasado mientras apreciamos el presente y a quienes nos rodean.

Imágenes de Walt Disney

Aquí hay una película que me hubiera encantado escuchar que la lanzaran. Esta historia, sobre una rata que sueña con convertirse en chef y solicita la ayuda de un basurero para intentar hacer eso realidad, da vida a la belleza de París y su escena gastronómica. Juega bien con la ironía de una rata que anhela estar en la cocina, el lugar que menos desea, y transmite un mensaje conmovedor: «No todos pueden convertirse en grandes artistas, pero un gran artista puede provenir de cualquier lugar».

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Una de las películas más vibrantes de Pixar, Coco toca temas que resuenan en una variedad de audiencias: familia, cultura y perseguir un sueño contra viento y marea. La animación es impresionante, con representaciones vívidas de las celebraciones que acompañan al Día de los Muertos (Día de los Muertos) en México. También presenta un giro de trama épico que hace que la historia sea aún más intrigante.

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Pixar realmente ha definido su capacidad para aprovechar las preguntas y luchas más profundas de la vida, y Soul es un excelente ejemplo. La película infunde una sensación de asombro a través de su concepto de ensueño del más allá, cubriendo delicadamente la pesadez de la muerte e ilustrando la belleza de la vida y nuestro impacto duradero. Es una de las pocas películas en esta lista que te hará reflexionar sobre el propósito de tu vida, que es una conclusión mucho más profunda que la que obtendrás de la mayoría de las películas animadas.

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¿Una película sobre una adorable familia de superhéroes? No hay nada más divertido que eso. Los Increíbles ofrece un equilibrio perfecto entre risas y aventuras, así como algunos de los personajes más memorables de Pixar (Edna Mode es nada menos que una leyenda). Hay suficiente acción para no dominar la sólida trama que hace de esta película una obra maestra cinematográfica.

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Convertir un miedo infantil común a los monstruos en una película sorprendentemente conmovedora es nada menos que un genio narrativo. Monsters, Inc., sobre una fábrica de miedo impulsada por los gritos de niños humanos, sigue el vínculo improbable formado entre dos monstruos y una niña llamada Boo, preparando el escenario para otra historia intrigante y conmovedora.

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No recuerdo haberme reído tanto durante una película de Pixar como cuando vi Turning Red. La película sigue la historia de Meilin Lee, una niña de 13 años que de repente comienza a convertirse en un panda rojo gigante cuando está estresada o emocionada (una metáfora de los extraños cambios corporales durante la pubertad). Debido a que esta película está ambientada en 2002, aprovecha la nostalgia a través de detalles como el Tamagotchi de Meilin y 4*Town, el más caliente banda de chicos. También es increíblemente saludable y destaca la importancia de la cultura, la familia y los modelos femeninos fuertes. La historia fue apasionante, los chistes fueron divertidos y las conclusiones fueron conmovedoras. ¿Qué más se puede pedir?

Turning Red debuta el 11 de marzo en Disney Plus.

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Esta segunda entrega de la franquicia Toy Story mantiene la maravilla y la comedia que hicieron que la original sobresaliera. También se basa de manera efectiva en la trama, evitando las trampas de muchas secuelas que simplemente regurgitan los eventos y temas de sus predecesores.

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Esta película equilibra lecciones significativas sobre las complejidades de las relaciones entre padres e hijos con personajes divertidos y animados y eslóganes memorables («Sigue nadando…»). Los muchos giros de la trama mantendrán a los espectadores interesados ​​en el viaje de Nemo y papá Marlin a través de un fascinante mundo submarino animado.

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La imaginación de Pixar se pone en marcha en Inside Out, una de las películas más profundas y estimulantes que existen. La película caracteriza conmovedoramente una gama de emociones humanas e ilustra el impacto y la importancia de cada una, tanto las buenas como las «malas». Esta es una de esas raras películas que es tan divertida y estimulante para el público más joven como para los espectadores mayores, y te dejará reflexionando sobre su significado mucho después de que aparezcan los créditos.

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Si bien las secuelas a menudo palidecen en comparación con la película original, Toy Story 3 es una excepción muy fuerte. La película explora las realidades agridulces del cambio y el crecimiento, mientras aprovecha los lazos inquebrantables que tenemos con las personas, los lugares y los momentos que nos moldearon al crecer. Mantenga una caja de pañuelos cerca para este.

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Nada se compara con ese montaje desgarrador cerca del inicio de la película (si lo sabes, lo sabes). A lo largo de la película, Up aprovecha los sentimientos de amor, pérdida y cierre, creando una historia conmovedora sobre el poder de abrirse, dejarse llevar y liberar las emociones. Además de algunas escenas desgarradoras, Up también ofrece una buena cantidad de risas al emparejar a Russell, un niño jubiloso y curioso, con Carl Fredricksen, un anciano malhumorado, lo que también conduce a algunos momentos sorprendentemente tiernos.

Con un elenco de personajes memorables, una historia conmovedora, buenos remates y una animación que ha envejecido notablemente bien, Toy Story es tan atemporal como parece. La película, sobre juguetes que cobran vida cuando los humanos no están mirando, aprovecha de manera convincente el asombro y la imaginación de la infancia. Como el primer largometraje de Pixar y la primera película completamente animada por computadora, Toy Story también ha tenido un impacto innegable en la industria cinematográfica, sentando las bases para las innumerables películas animadas por computadora que le siguieron. Se destaca como una película que nunca pasa de moda sin importar cuántas veces la veas o la edad que tengas.