La empresa de ventas y distribución de películas con sede en Nueva York y Los Ángeles, Utopia, ha adquirido los derechos mundiales de “Trilogy: New Wave”, una de las películas de surf más esperadas de la década. La película está dirigida por Andrew Mackenzie de Aether Film.

“Trilogy: New Wave” está protagonizada por Griffin Colapinto, Ethan Ewing y Seth Moniz en una búsqueda de ensueño por todo el mundo en busca de olas prístinas en Indonesia, Perú, Sudáfrica y Tahití. A medida que pesan las presiones de la competencia cara a cara por la corona del campeonato, los tres dejan de lado las feroces rivalidades y descubren cómo el poder de la amistad puede desbloquear un éxito aún mayor dentro y fuera del agua.

El tráiler de “Trilogy: New Wave” se lanzó el miércoles.

Actualmente de gira por Australia, la película se proyectará en festivales y eventos especiales durante la primavera y el verano. Se lanzará a nivel mundial en plataformas digitales en septiembre.

Las estrellas de la película son tres de los mejores surfistas del Tour y del cine. Colapinto, del sur de California, ocupa actualmente el puesto número uno en el World Surf League Championship Tour con el australiano Ewing en el número dos, después de MEO Rip Curl Portugal, donde los dos compitieron entre sí en la final y el posterior segundo puesto de Colapinto en Bells Beach. Ewing y Colapinto también aseguraron lugares para competir en los Juegos Olímpicos de Verano de 2024.

“’Trilogy: New Wave’ es realmente una historia sobre la mayoría de edad, en la que vemos a los muchachos madurar hasta convertirse en los mejores talentos del surf del mundo. Su amistad genuina ayuda a desbloquear el éxito, pero no se dejen engañar, también hay una rivalidad real entre los tres”, dijo Mackenzie. «Como dicen, ‘el hierro se afila con el hierro’, y ves a los muchachos empujarse unos a otros a nuevas alturas con cada surf más largo y progresando más rápido de lo que lo harían solos».

Mackenzie y Aether Films colocaron hasta seis cámaras con una amplia variedad de ángulos en una sola escena, incluido un ángulo de drone de carreras FPV que es nuevo en el surf. Esto le permitió a Mackenzie correr más riesgos, acercar algunos ángulos de cámara y crear una visión completamente nueva de cómo el mundo ve el surf.

«Gracias a la magistral realización cinematográfica de Mackenzie, no es necesario ser un fanático del surf para sentir la emoción del asombroso talento de Ewing, Colapinto y Moniz atrapando las olas más grandes del mundo», dijo Robert Schwartzman de Utopia. “Utopia espera causar sensación con una epopeya conmovedora sobre el corazón y la disciplina que tienen estos campeones de surf de renombre mundial”.

La primera película de surf en la lista de Utopia, “Trilogy: New Wave”, sigue los exitosos lanzamientos de historias centradas en deportes de Utopia, como “Facing Nolan”, “Rowdy” y “Day by Day”.

Ha pasado más de una década desde que se estrenó la “Trilogía” original (2007), una película clásica de surf dirigida por Taylor Steele. Desde entonces, el surf ha pasado de ser un pasatiempo contracultural a un deporte convencional. “Trilogy: New Wave” examina esta evolución con una nueva lente, ofreciendo una perspectiva inesperada del presente del surf.

La película fue producida por Aether Films de Mackenzie, una productora de televisión y comerciales de transmisión. Algunos de los clientes de Aether incluyen Toyota, Adidas, Google, Uber y Oakley.

El sello Circle Collective de Utopia ha comprado la atrevida y sugerente película de Bruce LaBruce “The Visitor” para Norteamérica y el Reino Unido. Representada en los mercados internacionales por Best Friend Forever, “The Visitor” se estrenó mundialmente en el Festival de Cine de Berlín en la sección Panorama.

Una reinvención ambientada en Londres de la película “Teorema” de Pier Paolo Pasolini de 1968, “The Visitor” está protagonizada por el conocido artista de performance Bishop Black como un refugiado que emerge desnudo de una misteriosa maleta a orillas del Támesis. Al entrar en la vida de una familia blanca privilegiada, se convierte en su empleado y conquista a cada miembro de la familia en una serie de encuentros explícitos donde se rompen los tabúes.

El reparto lo completan Macklin Kowal, Amy Kingsmill, Luca Federici, Ray Filar y Kurtis Lincoln. La película fue presentada como una instalación por A/political, un organismo artístico y activista, durante Frieze London, una feria de arte contemporáneo.

LaBruce dijo que quería que “The Visitor” “rindiera homenaje a la obra maestra de Pasolini reimaginándola a través de la lente de la estética queer y la política sexual contemporáneas. El cineasta añadió que también pretendía “arrastrarlo en un contexto sociopolítico más amplio del ascenso de la extrema derecha en el Reino Unido y Europa con sus consiguientes políticas racistas y estrategias de vilipendiar, degradar y sexualizar ‘al otro’”.

El ejecutivo de Utopia and Circle Collective, Kyle Greenberg, describió «The Visitor» como una «obra de arte brillante y radical». «Incrustado con el espíritu renegado de LaBruce, además de un excedente de sexo y subversión, ‘The Visitor’ es una pieza de cine refrescante, urgente y peligrosa que no puedes atreverte a saltarte», dijo Greenberg en un comunicado.

“El Visitante” es una Producción A/política. Los productores son Víctor Fraga y Alex Babboni. El guión fue escrito por LaBruce, Fraga y Babboni. El equipo clave está dirigido por el director de fotografía Jack Hamilton y la editora Judy Landkammer, con música de Hannah Holland.

Este acuerdo fue negociado por Candace Tan para Circle Collective con los cofundadores de Best Friend Forever, Charles Bin y Martin Gondre, en nombre de los realizadores.

Los créditos anteriores de LaBruce incluyen “Hustler White” y “Gerontophilia”, que ganó el Gran Premio en el Festival Nouveau Cinéma de Montreal.

“Pet Shop Days”, el debut como director del vástago de Hollywood Olmo Schnabel, ha sido adquirido por Utopia para su distribución en cines en Norteamérica.

Un estreno en el Festival de Cine de Venecia que acaba de iluminar SXSW, la provocativa película sobre la mayoría de edad protagonizada por Jack Irv, Dario Yazbek Bernal, Willem Dafoe, Peter Sarsgaard y Emmanuelle Seigner. Martin Scorsese, Jeremy O. Harris y Michel Franco (“New Order”) son todos productores ejecutivos.

Bernal (“La casa de las flores” de Netflix) interpreta a Alejandro, el hijo de un señor del crimen mexicano que huye de su pasado en la ciudad de Nueva York. Allí conoce a Jack (Irv), un veinteañero que vive con sus padres adinerados Francis (Dafoe) y Diana (Seigner) mientras trabaja en una tienda de mascotas. En una bruma de drogas y sexo, Alejandro seduce a Jack y lo arrastra a la zona criminal de la ciudad.

Filmada en película de 35 mm por Hunter Zimny ​​(“Funny Pages”, “The Scary of Sixty-First”, “What Doesn’t Float”), la película generó expectación en Venecia por sus atrevidas actuaciones principales. En el momento, Variedad dijo Schnabel «posee la creatividad y la sensibilidad de un cineasta que ya parece capaz de ocupar el centro de atención por sí solo».

«Estoy encantado de que mi primer largometraje haya encontrado un lugar digno en el equipo de Utopia», afirmó el director Schnabel. «La historia de Utopia de apoyar el cine independiente y a cineastas emergentes me enorgullece de ser el miembro más nuevo de su familia y estoy seguro de que ayudarán a llevar nuestro proyecto a las audiencias adecuadas».

El cofundador de Utopia, Robert Schwartzman, dijo que el “dinamismo provocativo de la película no sólo recuerda al icónico cine independiente de los años 90, sino que florece con la promesa de cómo será el futuro del cine de autor. Utopia se complace en colaborar con Schnabel, Scorsese, Franco, O. Harris y el resto del equipo para cautivar al público con una historia descaradamente original de Nueva York”.

MeMo y Storyteller Productions presentan la película con Twin Productions, en asociación con Tenderstories, 3 Marys Entertainment y ELA Films. Francesco Melzi d’Eril, Galen Core, Alex Coco, Schnabel, Gabriele Moratti y Marie Savare De Laitre son los productores. Schnabel y Twin Productions están representadas por FRANK PR.

Los productores ejecutivos son Giovanni Corrado, Raffaella Viscardi, Moreno Zani, Malcom Pagani, Renato Ragosta, Livio Strazzera, Theo Niarchos, Aimone Ripa Di Meana, PJ Van Sandwijk, Peter Brant Jr., Franco, Reka Posta, Harris y Scorsese.

Candace Tan negoció Utopia con CAA Media Finance en representación de los realizadores.

La agencia de ventas Utopia Docs ha compartido el tráiler internacional en exclusiva con Variedad por “Canuto’s Transformation”, ganadora del premio a la mejor película y contribución artística destacada en la sección Envision del Festival Internacional de Cine Documental de Ámsterdam.

Después del IDFA, la película fue seleccionada en el ​Festival de Documentales de Taiwán​, Cinelatino Toulouse, Festival de Cine Jean Rouch y Tempo Doc Fest. Descoloniza Filmes distribuirá la película en Brasil.

La película, dirigida por Ariel Kuaray Ortega y Ernesto de Carvalho, está basada en la extraña historia de Canuto, un hombre que misteriosamente se transformó en un jaguar y luego murió de forma trágica. Mezcla documental y una recreación de la historia de Canuto con todos los papeles interpretados por aldeanos de una comunidad Mbyá-Guaraní ubicada en la frontera entre Brasil y Argentina.

Esta película es la culminación de más de una década de colaboración entre Ortega y de Carvalho, que comenzó como una relación maestro-alumno, durante talleres de video en comunidades mbyá-guaraní del sur de Brasil, y se convirtió en una amistad y abarcó varios proyectos cinematográficos.

En un comunicado, los directores dijeron: “Al principio hicimos documentales, en un estilo de cine más directo, basado en la vida cotidiana, en la memoria, en el territorio, intentamos abrir un espacio a la polifonía del mundo guaraní, traducida al cine. La historia de Canuto nos ha seguido como algo que queríamos abordar desde las primeras etapas de nuestra asociación. Pero poco a poco, experimentando con la forma, encontramos nuestra propia manera de contar esta historia”.

Agregaron que elaboraron esta película con la intención de llevar al espectador a un viaje que cruce fronteras entre Brasil y Argentina, ficción y documental, humanos y animales, personas reales y personajes de ficción.

“Nuestro personaje principal, desde su infancia, mostró los signos de la temida enfermedad que es la transformación en jaguar, un animal peligroso. La historia trata sobre los riesgos de salir de la humanidad, de los lazos que unen a una comunidad y conectan a las personas.

“Encontramos, en el propio acto de hacer cine, elementos clave que nos ayudan a comprender lo que significa esa transformación. Y con eso nos acercamos al drama de contar esa historia, con la fuerte complicidad de toda la comunidad mbyá-guaraní que vivió los hechos narrados, hace décadas.

“En el camino encontramos cosas inesperadas: un niño actor que es la encarnación más cercana del personaje que podríamos esperar, una estructura de madera fantasmagórica en el centro de la comunidad que nos hace pensar en el mundo exterior y la historia colonial de violencia que atraviesa la comunidad y eventos que remodelan las vidas de todos los involucrados”.

Me fue bastante bien en la demostración del Next Fest de Thrive: Heavy Lies the Crown. Había logrado un feliz equilibrio, con todos mis aldeanos reuniéndose y produciendo los suministros necesarios para el crecimiento constante de mi aldea construida a mano. Los madereros trabajaban la madera, los canteros acarreaban rocas y los granjeros de mis huertos producían manzanas: el combustible básico de toda sociedad feudal próspera, como cualquier medievalista le dirá. La atmósfera idílica era tan pacífica que casi podía olvidarme de la maldita niebla que asolaba la tierra. Hasta que esa maldita niebla manifestara un kaiju serpiente furioso, al menos.

Thrive, que puedes ver en su demo del Next Fest hasta el 12 de febrero, te permite jugar como una de las pocas personas que entró en la niebla mortal de Waelgrim y sobrevivió, lo que aparentemente fue toda la excusa que tu rey necesitaba para pasar la corona. para ti y hacer que toda la situación del apocalipsis sea tu problema a manejar. Ahora estás liderando a los refugiados de ese reino caído con la esperanza de construir un nuevo hogar y futuro para tu gente. Sin embargo, la niebla maligna todavía existe. Desgraciado.

Thrive, que llegará en acceso anticipado a Steam en algún momento de este año, busca una combinación de construcción de ciudades, estrategia 4X y combate RTS. En la práctica, basándose en el tutorial de la demostración, puedes imaginarlo como un montón de juegos paralelos de Banished dispersos en un mapa grande, con la IA o reinos controlados por jugadores desarrollándose junto al tuyo.

Me gusta mi parte en la construcción de caminos y la gestión de recursos, y Thrive ofrece muchas de ambas cosas, especialmente en el frente de los recursos. Avanzar a través de los niveles de construcción en la demostración implica tantos recursos diferentes que no todos caben en la interfaz de usuario; en un momento, el tutorial me informó cómo intercambiar las pantallas de recursos para poder realizar un seguimiento de los que necesitaba. en realidad preocuparse por.

En mi caso, fueron manzanas. Después de quedarme sin alimentos básicos desde el principio, reestructuré un poco mi aldea, asegurándome de que todos los patios de almacenamiento, los mercados de alimentos y las casas de los agricultores estuvieran dispuestos para facilitar la máxima eficiencia de los huertos.

La optimización definitivamente parece ser el factor decisivo en Thrive, asumiendo que no estás contando todos los edificios que se rompen cuando algo que parece salido de Monster Hunter parece arruinarte el día. Mientras juegas, una barra se llena para indicar la presencia de la niebla Waelgrim. Cuando se llena, suceden cosas malas. Eso podría significar que pierda algunas de sus reservas de alimentos. O podría significar que un reptil enorme derriba algunas de sus propiedades inmobiliarias de primera calidad. Así es la vida, supongo.

Tienes otro día para probar la demo de Thrive: Heavy Lies the Crown durante el Next Fest de Steam. Con un poco de suerte, descubre las estructuras defensivas antes de que aparezca la serpiente diabólica.

“Concrete Utopia”, el thriller dramático de gran prestigio que fue el contendiente al Oscar de Corea del Sur y uno de los mayores éxitos de taquilla de 2023, obtuvo un lanzamiento en streaming en Norteamérica.

Rakuten Viki, que se especializa en contenido asiático, obtuvo los derechos exclusivos de la película en Estados Unidos y Canadá y comenzará a transmitirla al público norteamericano a partir del viernes.

La película, protagonizada por Lee Byung-hun (“Squid Game”, “I Saw the Devil”, la franquicia “GI Joe”), Park Seo-jun (“Parasite”, “What’s Wrong With Secretary Kim”) y Park Bo-young (“Strong Girl Bong-soon”, “Doom at Your Service”), se estrenó en Corea el 9 de agosto encabezando la taquilla y recaudó 28,0 millones de dólares con 3,85 millones de entradas.

Basado en la segunda parte del webtoon, “Cheerful Outcast” de Kim Soong-nyung, “Concrete Utopia” retrata Seúl devastada por un poderoso terremoto que dejó al complejo de apartamentos Hwanggoong como el único edificio que sigue en pie. El personaje de Lee, Young-Tak, dirige temporalmente a los residentes del complejo de apartamentos, pero a medida que se desarrolla la crisis, los valores morales se ponen a prueba.

VariedadLa reseña de Owen Gleiberman decía: “[‘Concrete Utopia’] coloca a sus personajes en una situación desesperada y aterradora de vida o muerte y luego se niega a decirle al público qué pensar sobre ellos. Es un drama conflictivo y empapado de sangre sobre la voluntad de sobrevivir que se siente como ‘Earthquake’ cruzado con ‘El señor de las moscas’”.

Después de su debut teatral coreano, la película se proyectó en el Festival Internacional de Cine de Toronto, el Festival Internacional de Cine de Sitges y el Fantastic Fest.

«A medida que el apetito por el entretenimiento asiático continúa creciendo entre las audiencias estadounidenses, este es un momento significativo para Rakuten Viki, ya que buscamos elevar el listón al ofrecer los títulos más recientes y más comentados a los fanáticos», dijo Jaehee Hong, vicepresidente senior de contenido de Rakuten. Viki.

Lee Kyung Joon, socio gerente de 815 Pictures, el distribuidor norteamericano de la película, dijo: «‘Concrete Utopia’ es un ejemplo perfecto del cine coreano actual que equilibra el arte cinematográfico y el entretenimiento».

Desde el lanzamiento de su servicio de alquiler de películas en 2021, Rakuten Viki ha traído más de 450 películas a la plataforma, incluidos los éxitos de taquilla “The Point Men”, “Seobok”, “Emergency Statement” y “Everything Everywhere All at Once”.

Parte del grupo Rakuten de Japón, la plataforma superior de Rakuten Viki para dramas, programas de variedades, películas y entregas de premios, traducida a más de 150 idiomas por una comunidad de fanáticos ávidos, está disponible en unos 250 países y territorios y ofrece capas de suscripción escalonadas. La aplicación Rakuten Viki tiene unos 160 millones de descargas. La compañía también invierte en la operación del portal de noticias de entretenimiento Soompi e invierte en contenido original a través de Viki Originals.

La lista de cortometrajes documentales para los Oscar de este año se compone de un grupo de 15 películas que, en general, los grandes streamers no están interesados ​​en compartir con los suscriptores.

Seis películas que llegaron a la lista de finalistas: “Apolonia, Apolonia” de Lea Glob, “Desperate Souls, Dark City and the Legend of Midnight Cowboy” de Nancy Buirski, “Four Daughters” de Kaouther Ben Hania, “In the Rearview” de Maciek Hamela, Luke “A Still Small Voice” de Lorentzen y “32 Sounds” de Sam Green tienen distribución en cines, pero no fueron recogidas por una importante empresa de streaming como Netflix, Amazon o Apple TV+.

“20 días en Mariupol” de Mstyslav Chernov, uno de varios documentales sobre temas sociales en la lista de finalistas de este año, se estrenó en cines a través de distribución de PBS y se presentó en “Frontline” a principios de este año. Roadside Atracciones eligió “Beyond Utopia” de Madeleine Gavin, sobre una familia que intenta desertar de Corea del Norte, para un lanzamiento limitado y el documental pronto se proyectará en “Independent Lens” de PBS y se transmitirá en Hulu como una presentación especial. Nisha Pahuja todavía está buscando un acuerdo de distribución para “Matar a un tigre”, un documental sobre la violación en la India rural.

Las seis películas restantes han encontrado una importante plataforma de transmisión a la que llamar hogar, pero no todas esas plataformas están desembolsando mucho dinero para una campaña para los Oscar.

Netflix aparentemente está dispuesto a gastar lo que sea necesario para asegurarse de que tanto Matthew Heineman (“American Symphony”) como Roger Ross Williams (“Stamped From the Beginning”) lleguen al Dolby Theatre el 10 de marzo. Los ejecutivos de Apple TV+ no Tampoco parecen particularmente preocupados por el costo de asegurar una nominación por “Still: A Michael J. Fox Movie” de Davis Guggenheim.

Menos claro: el tamaño de los presupuestos de campaña para “Going to Mars: The Nikki Giovanni Project” de HBO Documentaries, “Bobi Wine: The People’s President” de National Geographic y “The Eternal Memory” de MTV Documentary Films/Paramount+, un documental chileno sobre Alzheimer dirigida por la nominada al Oscar Maite Alberdi (“El agente topo”).

Con mucho dinero o no, todo cineasta quiere que los ojos se fijen en su trabajo. Y si bien el dinero ciertamente ayuda a aumentar la visibilidad, los equipos detrás de las 15 películas preseleccionadas tienen un plan para lograr que los votantes de la rama de documentales del Oscar salgan del cine desde ahora hasta que finalice la votación de nominaciones el 16 de enero.

«Es difícil porque es un período de tiempo muy corto», dice la productora ejecutiva de «Beyond Utopia», Geralyn Dreyfous. “No tenemos idea de cuántas personas han visto la película, así que vamos a hacer las proyecciones habituales. Llegamos al Aeropuerto Internacional de Palm Springs. Festival de Cine, por lo que será en Palm Springs el día de la inauguración, y vamos a hacer una proyección en San Francisco, Nueva York y un evento en Los Ángeles. La esperanza es que lleguemos a la mayor cantidad de personas que no pudieron verla en la primera ronda como sea posible”.

Además de “Beyond Utopia”, Dreyfous también fue productor ejecutivo de “32 Sounds” de Abramorama, sobre el fenómeno del sonido. Dreyfous dice que el dinero de la campaña para ambos médicos se recauda de forma privada.

El productor ejecutivo de “Frontline”, Raney Aronson-Rath, también depende de la financiación privada para difundir en el mundo “20 días en Mariupol”, sobre el asedio ruso a la ciudad ucraniana. El documental también se proyectará en el festival de cine de Palms Springs. «Es una película muy seria, por lo que solo esperamos hacer campaña y alentar a la gente a involucrarse en un tema muy serio que es difícil, pero también muy importante», dice Aronson-Rath. “En general, el objetivo es lograr que la gente sienta que quiere ver la película. Que sería algo que les ayudaría a ver el mundo de otra manera”.

“Almas desesperadas, ciudad oscura y la leyenda del vaquero de medianoche” de Buirski, que fue distribuida teatralmente por Zeitgeist Films en asociación con Kino Lorber, examina a las personas detrás del oscuro y difícil clásico del cine de 1969. “Almas desesperadas” debutó en el Festival de Cine de Venecia en 2022, y Buirski murió inesperadamente en agosto de 2023. La productora Susan Margolin dice que estar en la lista de finalistas fue eufórico y “realmente triste” porque Buirski “no está aquí con nosotros para disfrutar de este momento. «

El productor de “Desperate Souls”, Simon Kilmurry, explica que el plan de campaña para las próximas semanas se parece al plan que tenía para la película antes de la lista de finalistas. «Se trata de una cuestión de base comunitaria en la que simplemente intentamos animar a la gente a ver la película», dice Kilmurry.

Incluso los productores de “American Symphony”, la favorita de este año, están preocupados por conseguir que los miembros de la rama documental lleguen a los cines. Netflix ya ha albergado numerosas proyecciones de la película, sobre el músico Jon Batiste y su esposa atravesando una crisis de salud, en Estados Unidos y en el extranjero.

«No doy nada por sentado», dice la productora de «American Symphony», Lauren Domino. “Solo quiero que la gente lo vea. Hay una lista asombrosa de películas en la lista corta, por lo que no existe el exceso de confianza. Nuestro objetivo es conectar con la gente en persona”.

El director Luke Lorentzen también espera que los votantes de la Academia vengan a ver “A Still Small Voice”, que explora el mundo de los capellanes de los hospitales y el vital apoyo emocional y espiritual que ofrecen a los pacientes, las familias y el personal. Pero también espera que la atención de la lista de finalistas para la película, por la cual Abramorama adquirió los derechos teatrales norteamericanos en septiembre, conduzca a algo más que un simple reconocimiento al Oscar.

«Todavía no tenemos la distribución completa de la película», afirma. «Así que esperamos que medidas como ésta, que dan a la película un mayor impulso para que llegue más plenamente al mundo, ayuden a hacer posible una vida más larga para la película».

La rama documental de la Academia es quizás la más geodiversa de todas, por lo que no sorprende que sus votantes hayan reconocido proyectos de siete directores que no son estadounidenses. Entre ellos se encuentra Glob, el director danés de “Apolonia, Apolonia”, el tunecino Ben Hania (“Cuatro hijas”) y la cineasta polaca Hamela (“In the Rearview”).

Hamela considera que el impacto es más importante que los premios por “In the Rearview”, que sigue a varias generaciones de civiles ucranianos obligados a abandonar sus hogares y depender de la camioneta de ayuda voluntaria de Hamela para escapar. En lugar de gastar dinero para que la gente vea su película, que se estrenó en Cannes, está recaudando fondos para apoyar los esfuerzos de evacuación en curso en Ucrania. «¿Cuánto es bueno gastar para llegar a un millón de espectadores?» -Pregunta Hamela. “¿Es un millón de dólares o son 10 millones de dólares? Es difícil de decir. Intentamos ser razonables y por eso decidimos no realizar ningún tipo de inversión publicitaria durante la campaña”.

Williams, quien se convirtió en miembro de la Junta de Gobernador de AMPAS en 2016, se ha propuesto hacer de la rama documental de los Oscar un grupo verdaderamente internacional. «Esa no fue una tarea fácil», dice. “Fue desafiante y difícil. A la gente no le gusta el cambio. Pero el cambio se refleja en estos nominados y estoy muy orgulloso de ello”.

Su “Stamped From the Beginning” examina el racismo en Estados Unidos y, si bien cuenta con el respaldo de Netflix, en los últimos años las principales plataformas de streaming que alguna vez captaron documentales sobre temas sociales en Sundance y Toronto han evitado en gran medida abordar documentales que abordan temas pesados. tema en cuestion.

Williams cree que el éxito de su película en Netflix (“Stamped” fue una de las 10 películas principales durante su primera semana en la plataforma) demuestra que el público quiere más documentales sobre temas sociales. “Que una película sobre racismo llegue al Top 10 de Netflix envía un enorme mensaje a Netflix y al mundo de que la gente anhela profundidad”, dice Williams. «Están deseando películas como estas».

Casi la mitad de los médicos preseleccionados de este año abordan cuestiones sociales. Incluyen «To Kill a Tiger», «Four Daughters», sobre una madre tunecina cuyas dos hijas mayores se unieron a ISIS, y «Bobi Wine: The People’s President», sobre el intento del músico Wine de derrocar el régimen represivo del presidente de Uganda, Yoweri Museveni.

Pahuja pasó ocho años haciendo “To Kill a Tiger”, que narra el viaje emocional de Ranjit, un granjero de la India cuya hija de 13 años es víctima de una violación en grupo. La cineasta espera que su inclusión en la lista de finalistas, y los productores ejecutivos de alto perfil, Mindy Kaling y Dev Patel, aporten visibilidad al proyecto en las próximas semanas y la ayuden a conseguir por fin un acuerdo de distribución.

«Sentí que esta era una película que podría tener un impacto y crear un cambio tangible y mensurable en el mundo en términos de actitud y también de repercusiones legales», dice Pahuja. “Pero también sabía que era un tema difícil y estaba subtitulado, así que pensé que si no conseguía que la gente se uniera para ayudarme a amplificar esto, no haría el trabajo que podía hacer. No va a salir de la forma que necesita. Así que fue una decisión muy deliberada y delicada de mi parte conseguir apoyo”.

[Warning: The below contains MAJOR spoilers for Fargo Year 5, Episode 7, “Linda.”]

Fargo no es nuevo en abordar lo surrealista, y la última entrega del Año 5, “Linda”, hace precisamente eso cuando Dot (Juno Temple) emprende un viaje alucinante por el camino hacia Camp Utopia.

Como recordarán los fanáticos, se vio a Dot alejándose de haber dejado a su hija Scotty (Sienna King) en la casa de Indira Olmstead (Richa Moorjani) en el Episodio 5. Ella resurgió en forma de fotografías maltratadas incluidas en un archivo presentado a Lorraine (Jennifer Jason Leigh) en el episodio 6, y ahora, los espectadores se reunieron con Dot en el camino.

Somnolienta y motivada, sigue avanzando poco a poco hacia un destino que aún tenemos que entender. Al detenerse en un área de descanso para comer algo, Dot le sonríe a su pila de panqueques antes de continuar su “viaje”. Siguiéndola hasta un molino de viento, los espectadores ven a Dot desenterrar una postal de Camp Utopia con un mensaje de Linda que dice: «Lo siento». ¿Pero quién es Linda?

Dot va a buscarla al Campamento Utopía, que resulta ser un santuario en el bosque para mujeres maltratadas y abusadas. Tomando el apodo de Linda, superan sus traumas creando marionetas y reviviendo los malos recuerdos para poder seguir adelante. Su líder resulta ser la Linda que Dot estaba buscando. Pero en lugar de saludarla con amabilidad, Dot ataca a Linda (interpretada por Kari Matchett).

Linda, la primera esposa del exmarido abusivo de Dot, Roy (Jon Hamm), supuestamente desapareció del rancho Tillman, y Dot la culpa por permitir que Roy la victimizara. Dot le ruega a Linda que regrese a casa con ella para que puedan denunciar a Roy por sus crímenes y proteger a su familia, pero Linda reitera que no puede abandonar Camp Utopia más de una vez.

Linda y otras “Lindas” presionan a Dot para que cree su propia marioneta y presente su trauma en el escenario para que pueda renacer metafóricamente, y luego Linda podría considerar abandonar el santuario. Y entonces Dot crea su propia marioneta y revela la historia de su pasado, que involucró a Linda llevándola a vivir con la figura matriarcal, Roy, y su hijo Gator (Joe Keery). A medida que el espectáculo de marionetas continúa y los abusos de Roy se aclaran aún más, el medio de marionetas ofrece una versión más aceptable (pero no menos dolorosa) de los acontecimientos.

Lo que sigue es una secuencia horrible y fascinante en la que Temple asume las voces de todos los roles en este mundo de marionetas en miniatura. Una vez que ha emprendido este viaje, Dot declara su nombre una vez más, afirmando su identidad como Dot Lyon, y nunca más será conocida como Nadine Bump. Cuando Linda finalmente acepta viajar con ella, las mujeres están juntas en el auto en la carretera cuando Dot se aleja, después de haber soñado despierta con su pila de panqueques en el área de descanso.

Resulta que Camp Utopia no es real después de todo, sino simplemente una fantasía. Aún así, Dot no deja que esto la frene mientras se dirige al estacionamiento para poder reanudar un viaje que aún tenemos que entender y que tal vez nunca veamos. Cuando un camión gira en la carretera resbaladiza, choca con los autos en el estacionamiento, empujando a uno hacia Dot, quien luego se despierta en el hospital.

Confundida, pregunta por Linda, pero una enfermera sólo le informa que su marido está cerca y ha estado a su lado desde que la trajeron. Pero no es Wayne (David Rysdahl) quien ha aparecido. No, Dot finalmente se ha encontrado cara a cara con su abusador cuando Roy entra a la habitación y pronuncia la frase escalofriante: «Te tengo».

Si bien el final de suspenso dará paso a algunas revelaciones y eventos interesantes que los coguionistas de “Linda” Noah Hawley y April Shih insinúan, a continuación, también desglosan todos los huevos de Pascua que provocan la realidad de ensueño del viaje de Dot a Camp Utopia, habla sobre el uso de marionetas como dispositivo para contar historias y aborda el papel de Linda en la historia. Además, recorra esta historia para ver el detrás de escena de los muñecos y los títeres.

¿Por qué marionetas?

Abordar la violencia doméstica en el tono de Fargo es una tarea única; Como señala Hawley, «siempre trato de evitar el melodrama y trato de encontrar una manera de contar la historia sin traumatizar a la audiencia». El showrunner revela que creció aprendiendo sobre el tema de su madre, Louise Armstrong, quien, según señala, escribió bastante sobre violencia doméstica. “Crecí hablando de estos temas y conociendo a las mujeres que los sobrevivieron y a los abogados que lucharon por los derechos de las víctimas de violencia doméstica. Es un tema muy serio”.

Si alguien quiere abordar temas tan pesados ​​en un programa con FargoEn el tono oscuramente cómico, Hawley dice: “Hay que tener mucho cuidado al elegir hacer eso. Si te acercas demasiado a la farsa, no podrás ser un espectáculo serio y si te vuelves demasiado oscuro, no podrás sostener la comedia. Y para mí, se trataba de encontrar una manera de contar la historia y hacer que ella confrontara su pasado de una manera que se mantuviera dentro del tono del programa”.

Hawley dice que se inspiró en un enfoque terapéutico en el que un terapeuta le da a un paciente una muñeca y la usa para señalar las formas en que ha sido abusado. «Empecé a pensar en eso y en la idea de enfrentar el trauma de Dot mediante el uso de una muñeca, lo cual me pareció visual e interesante». En una nota menos seria, Hawley reconoce: “También pensé que era gracioso que este drama multimillonario terminara teniendo un espectáculo de marionetas de 10 minutos… eso me pareció gracioso”.

El medio también permitió a Hawley y Shih presentar a los espectadores las duras realidades de la vida pasada de Dot sin que los espectadores quisieran alejarse de sus pantallas. «Queríamos encontrar una manera de abordar este tema que es obviamente oscuro, pero hacerlo de una manera que sea accesible para que la gente pueda recibirlo sin quedar completamente traumatizada», se hace eco Shih de Hawley. “Hubo una evolución en la forma en que [ended up becoming] marionetas, pero también queríamos encontrar una manera de exteriorizar el viaje interno de Dot, el trabajo curativo que tiene que hacer para confrontar a su ex abusivo”, añade Shih. En otras palabras, Dot tuvo que emprender el viaje para prepararse para la lucha que se avecinaba.

“El desafío en [Year 5] Lo importante es que Dot no acabe en una tragedia”, dice Hawley sobre el futuro que se avecina. “La única manera que puede evitarlo es enfrentar el trauma por el que pasó. Ella sale de esa séptima hora como alguien renacido porque ya no niega lo que pasó. Ella ya no niega que fue secuestrada. Ella ya no niega que este pasado que ha regresado es real”.

«También éramos muy conscientes de no querer perpetuar la representación de la violencia contra las mujeres en la pantalla sin ningún motivo», continúa Shih. «Creo que queríamos asegurarnos de que, si íbamos a mostrar algo, había una verdadera razón por la que teníamos que hacerlo». Eso no significa que las escenas sean menos efectivas cuando se ve cómo se desarrolla el espectáculo de marionetas de Dot. Es perturbador y aleccionador a la vez.

Sobre el diseño

Por muy impactante que fuera ver las marionetas, hay una belleza innegable en su artesanía, que se muestra en las fotografías detrás de escena. Cuando llegó el momento de decidir el look, Shih dice: “Fue una colaboración total. Cuando escribimos el guión, lo imaginamos de cierta manera, y luego, a través del proceso de preparación, la búsqueda de locaciones y la observación del arte, definitivamente fue un esfuerzo de grupo”.

“El diseñador de producción [Trevor Smith] — que es tan increíble — contribuyó a todos los decorados y a la dirección de arte. Y luego trajimos a titiriteros y diseñadores de títeres reales para que vinieran y fabricaran los títeres”, explica Shih. “Así que también estuvieron muy involucrados en el diseño. Nos mostraban diferentes maquetas y terminaban teniendo el aspecto [we see onscreen]y creo que son muy lindos, que es lo que queríamos porque es casi más inquietante ver cómo suceden estos actos horribles con marionetas de aspecto tan adorable”.

Huevos de Pascua de ensueño que quizás te hayas perdido

«Linda» es un episodio que puede ser incluso mejor al volver a verlo, ya que la escena del restaurante del área de descanso está llena de huevos de Pascua que insinúan que el viaje que Dot está a punto de emprender no es más que un sueño en su mente. Al entrar al estacionamiento, suena “I’m Your Puppet” de James & Bobby Purify, insinuando lo que está por venir. Pero es en el momento en que cruza la puerta que las piezas del rompecabezas comienzan a encajar en su lugar.

Al pasar junto a un estante de postales, una de las cuales tiene un diseño de Camp Utopia, Dot se sienta en una mesa y mira la pared donde hay colgado un tablón de anuncios. “En el tablón de anuncios ves la receta de piccata de pollo. [one of the “Lindas” prepared at Camp Utopia]y ves un [flyer for a] exposición de muñecas”, señala Hawley, y agrega: “Y adónde va a desenterrar la lata que contiene la postal… en [Episode 8] ella se dará cuenta de por qué vio eso”, bromea el showrunner.

«Esos elementos están ahí… No sé si me corresponde a mí señalarlos o no», dice Hawley antes de preguntar: «¿Notaste alguno de los retratos de las mujeres que cuelgan en las paredes?» Si no, sugiere mirar más de cerca. En cuanto a encajar todas las pistas, Shih dice: “Creo que nos equivocamos al incluir demasiado y probablemente filmamos mucho más de lo necesario. Algunas cosas probablemente fueron eliminadas porque es un buen equilibrio. Queremos que la audiencia pueda, al final del episodio, decir: ‘Oh, sí, fue un sueño y eso tiene sentido’. Pero no queríamos que lo sintieran en la primera vigilia”.

En cuanto a lo que ocurre en Camp Utopia y el encuentro de los espectadores con Linda, Shih dice que es “un reflejo de lo que está pasando en la cabeza de Dot y su percepción de sus cambios a lo largo del episodio y la temporada. Creo que tuvo que crear una historia para protegerse, y la historia involucraba a Linda como una especie de villana, y al hacer el trabajo en este episodio, Dot se da cuenta de que eso no es del todo cierto”, señala Shih. “Hay zonas grises. «

Hawley señala que Temple hace todas las voces en el espectáculo de marionetas de Dot, incluso para Roy, Gator y Linda. «Juno realmente pensó que debería hacerlos todos ella misma», recuerda. “En el momento en que escuché eso, estuve de acuerdo porque es su memoria, es su historia. Todas las voces son las voces de Dot. Todas las ‘Linda’ son versiones de ella, y Camp Utopia es la habitación cerrada en su mente a la que no quiere ir”. Al final, se ve obligada a entrar en ese espacio cuando la camarera del restaurante le pregunta a Dot si está huyendo de casa o corriendo hacia casa. «Ella no lo sabe en ese momento», dice Hawley, «y creo que no tiene adónde ir hasta que enfrente la verdad».

¿Qué viene después?

Como se mencionó anteriormente, hubo un gran suspenso cuando Dot y Roy se encontraron cara a cara por primera vez en la pantalla, pero también hubo otros eventos que pusieron en marcha los siguientes grandes momentos de la entrega, incluida la decisión de Gator de apuntar a Ole. Munch (Sam Spruell). En cambio, el joven disparó a un cadáver estratégicamente ubicado, irrumpió en el auto del hombre que contenía su dinero y mató accidentalmente a la “mamá” de la antigua figura en el proceso. ¿Qué podría salir mal con tales eventos?

«Definitivamente es el colmo», se burla Shih de la paciencia de Munch con Gator y los Tillman. «Él tenía una inversión emocional en esta relación, y creo que necesita vengarse a su manera o encontrar cómo será el pago de esa deuda», bromea.

Respecto a Roy y Dot, Shih dice: “Ella ha estado corriendo durante muchos años y algo tuvo que haber cambiado para que ella realmente pudiera enfrentarlo. Ella ha hecho todo este trabajo, y luego, en ese momento exacto, tiene que enfrentar el miedo real… Creo que pasa de ser alguien que vive una fachada de una vida que realmente quiere ser la persona que realmente quiere ser».

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Al igual que los japoneses con sus películas de Godzilla, los coreanos prefieren un poco de sátira social post-apocalíptica, y el éxito de taquilla de Um Tae-Hwa Utopía concreta sigue un camino iniciado en 2013 por la ciencia ficción de culto de Bong Joon-ho Perforanieves. Adaptado del popular webtoon. Agradable paria de Kim Soong Nyung e inspirado en parte en la novela de 1975 del escritor británico JG Ballard Altose centra en un bloque de apartamentos coreano cuyos residentes se vuelven ilegales después de que un terrible terremoto arrasa el país.

Aunque la superestrella local Lee Byung-hun se roba el show como Yeong-tak, un carismático líder rebelde con un siniestro secreto, la historia se ve a través de los ojos de una pareja joven: Ming-seong (Park Seo-joon) y Myeong-hwa ( Park Bo-young), quienes se despiertan una mañana y descubren que sus vidas, y de hecho el mundo entero, han cambiado para siempre.

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Hablando sobre la presentación oficial de Corea del Sur al Oscar en el evento de la temporada de premios Contenders International de Deadline, el director Um dijo que el atractivo inicial estaba en una imagen única e impactante: «El hecho de que todo se ha derrumbado a tu alrededor y solo queda un edificio de apartamentos», dijo . «Creo que ese concepto en sí mismo fue muy intrigante para mí».

“Y luego”, continuó, “lo que también me interesó mucho es la importancia que tiene un apartamento para los ciudadanos coreanos. Es un símbolo social muy significativo, y eso es lo que realmente me atrajo. La razón por la que Corea pudo desarrollarse después de la Guerra de Corea es porque había un intenso sentido de comunidad y un intenso sentimiento de querer vivir mejor, en mejores condiciones. condiciones. Se llamó ‘El milagro del río Han’ y creo que los ciudadanos coreanos encontraron en ello una sensación de estabilidad. … Si nos fijamos en la sociedad coreana actual, muchos de nosotros vivimos en apartamentos de apariencia muy similar. Yo mismo nací en un apartamento, he vivido en un apartamento y alrededor del 60% de los ciudadanos coreanos viven en un apartamento. Es una especie de cosa extraña donde tener, o no tener, un apartamento se ha convertido en el estándar para decidir si tienes éxito económico o no”.

Cuando se le preguntó qué lo atrajo del proyecto, el actor Lee respondió que, ante todo, fue el guión. «Sentí que era uno de los guiones de género de comedia negra más emocionantes que había leído en mucho tiempo», dijo. “Y cuando lo leí, realmente me pregunté: ¿quién sería yo en esa situación y qué tipo de decisiones tomaría?”

Vuelve el lunes para ver el vídeo del panel.

Corea del Norte es un paraíso terrenal; al menos, esa es la ficción que su gobierno dictatorial alimenta a su pueblo desde que nace. La realidad es mucho, mucho más sombría, casi inimaginable.

El documental muestra cuán terribles son las condiciones en el país Más allá de la utopía, dirigida por Madeleine Gavin. La película, ganadora de premios en Sundance, el Festival de Cine de Sydney, el Festival Internacional de Cine de Hamptons y el Festival de Cine de Woodstock, entre otros, se proyectó como parte de la serie de eventos virtuales For the Love of Docs de Deadline. Incluye un vídeo grabado subrepticiamente por ciudadanos comunes: «Estos norcoreanos increíblemente valientes que arriesgaban sus vidas para disparar desde las mangas de sus abrigos, desde bolsas de papel para sacar a la luz la verdad de su país», explicó Gavin durante una sesión de preguntas y respuestas después la proyección.

Algunas de las escenas son realmente impactantes: los niños marchaban desde la escuela para presenciar las ejecuciones públicas. Adolescentes ejecutados por ver los medios de comunicación de Corea del Sur. La ciudadanía se ve obligada a recolectar sus propios excrementos, que luego se utilizan para enriquecer el suelo para los cultivos; el país es demasiado pobre para permitirse el lujo de utilizar fertilizantes convencionales.

El régimen norcoreano, por supuesto, no quiere que esta información traspase sus fronteras.

“Realmente la única manera de que todavía existan como país es porque han mantenido a su gente herméticamente aislada del resto del mundo. No hay Internet, un vasto sistema de espionaje que crea un entorno en el que maridos y esposas ni siquiera pueden confiar el uno en el otro”, señaló Gavin, añadiendo que quedó atónita por lo que aprendió mientras realizaba su película. «Los niveles de peculiaridades y cosas simplemente extrañas fueron uno tras otro».

No sorprende que, dado lo difícil que es la vida para los norcoreanos, decenas de miles, incluso cientos de miles, en los últimos años hayan intentado escapar. Llegar directamente a Corea del Sur es imposible porque Corea del Norte ha sembrado millones de minas terrestres en su lado de la DMZ. Eso deja un único medio de salida por tierra.

“La única ruta realmente es a través de China”, explicó Sue Mi Terry, ex analista de la CIA, productora de la película y que aparece en el documental. “Y lo han estado haciendo, arriesgando sus vidas, porque no hay otra opción”.

Más allá de la utopía documenta en tiempo real un intento de tres generaciones de una familia de escapar a Corea del Sur: dos niños pequeños, sus padres y una abuela octogenaria. La madre de los dos pequeños pudo vislumbrar la vida en el exterior después de que uno de sus hermanos desertara con éxito. Antes de emprender su propia carrera hacia la libertad con su familia, hablaba con su hermano por videollamadas y se maravillaba de los “lujos” que disfrutaba en Corea del Sur.

“Se están lavando la cara en el baño. Hay agua en el baño”, dijo Terry. «Ni siquiera una cosa tan simple como esa era consciente».

Un héroe de la película es Sung-eun Kim, conocido como Pastor Kim, quien ha creado un ferrocarril subterráneo moderno para ayudar a la gente a escapar de Corea del Norte. El típico viaje increíblemente arduo implica cruzar el río Yalu hacia China, de allí a Vietnam, luego a Laos y Tailandia antes de llegar al destino final de Corea del Sur.

“Él es una persona extraordinaria. Hace mucho tiempo le prometió a su Dios que no sólo dedicaría su vida a hacer este trabajo, sino que viajaría con los desertores en cada paso del camino”, dijo Gavin, añadiendo que los rescates implican que él ponga su vida en la línea. “Estaba ayudando a alguien en el [Yalu] río y resbaló en el hielo y se rompió el cuello. Tiene metal en el cuello. Se cayó de un acantilado en Laos. Ya no va a China porque literalmente no puede porque posiblemente lo hayan secuestrado. [and sent] a Corea del Norte”.

Gavin continuó: “Él va a Laos, va a Vietnam, va a Camboya. Las rutas cambian dependiendo de lo que esté sucediendo en el momento geopolítico. Y arriesga su vida cada vez que sube al barco por el Mekong. [River] a Tailandia… Le dispararon en ese barco en el pasado. Me ha dicho muchas veces lo asustado que se siente con tanta frecuencia en esto y lo doloroso que es para él tratar de atravesar estas selvas y montañas con todas sus heridas. Pero hizo esta promesa y siente que tiene que cumplirla”.

Mire la conversación completa en el vídeo de arriba.

For the Love of Docs es una serie de eventos virtuales de Deadline patrocinada por National Geographic en asociación con la Asociación Internacional de Documentales (IDA). La serie continúa con la proyección de una nueva película cada martes hasta el 12 de diciembre. La siguiente, el 5 de diciembre, es belleza invisible, dirigida por Bethann Hardison y Frédéric Tcheng.