Daisy Ridley protagoniza mujer joven y el marla película biográfica sobre Gertrude Ederle, la primera mujer que cruzó a nado el Canal de la Mancha.

La película, dirigida por Joachim Rønning y producida por Walt Disney Pictures y Jerry Bruckheimer Films, tuvo su estreno mundial esta semana, donde Ridley habló sobre su intenso entrenamiento y rodaje en el Mar Negro.

«Estaba realmente sola en el Mar Negro y realmente intentaba seguir el ritmo de la cámara», dijo. Fecha límite durante el estreno. “Y luego estaba tratando de seguir el ritmo del barco y del barco con cámara. Entrené durante tres meses y luego estuvimos entrenando durante el rodaje”.

Ella continuó: “Y luego hicimos el gran nado al final. Así que estuvieron nueve días en el Mar Negro. Fue abrumador. Hacía frío. Cada vez, fue aterrador”.

Ridley dijo que todo el esfuerzo valió la pena, ya que al ver la película terminada, “puedes ver que son aguas abiertas. Puedes ver que estoy allí y eso aumenta la majestuosidad de la historia. Y además, es sólo una pequeña parte de lo que hizo Trudy, lo cual es una locura”.

«Qué verde era mi valle» sigue siendo una muy buena película, aunque no tan buena como «Ciudadano Kane». Ambas películas son ambiciosas y tienen un alcance épico, pero «Kane» fue más experimental. Fue la primera película de Welles (el director de fotografía Gregg Toland le enseñó el arte del trabajo con la cámara en el trabajo). Su inexperiencia terminó siendo un beneficio sorprendente: «No sabía que había cosas que no se podían hacer, así que intenté fotografiar cualquier cosa que se me ocurriera en mis sueños», recordó Welles.

«Ciudadano Kane» es una película que siempre se mueve, ya sea que la cámara se incline, se mueva o haga zoom dentro de un cuadro o en la edición de división rápida. (Tomemos la escena de la mesa del desayuno, donde Welles utiliza un montaje para transmitir el paso del tiempo y narra en unos minutos el colapso de un matrimonio que duró años).

Las composiciones de Welles y Toland esconden fotogramas dentro de fotogramas (tome la última vez que el público ve a Kane, caminando a través de un espejo reflejándose a sí mismo multiplicado por el infinito). «How Green Was My Valley» está rodada de forma más conservadora.

«Citizen Kane» también es simplemente más divertido, gracias al ritmo rápido antes mencionado y al abundante humor lúdico. «How Green Was My Valley» tiene sus momentos de ligereza (cuando dos mineros le dan al abusivo maestro de Hew una «lección de boxeo»), pero es principalmente una película lacrimógena solemne, y por eso es más difícil de ver. Dado que «Citizen Kane» cae más fácilmente, más personas lo ven, creando un crecimiento exponencial en su posición mientras cantan sus alabanzas y convencen a otros para que lo vean.

La última película de terror con temática de arañas ha llegado y está recibiendo excelentes críticas, y los fanáticos la consideran una visita obligada para los amantes de las características de las criaturas.

Sting, que se estrenó en los cines de EE. UU. el 12 de abril, debutó con un impresionante 70% en Tomates podridos. Aunque algunos críticos lo llaman un slasher de arañas común y corriente, otros dicen que se ha ganado su lugar en el querido subgénero de terror, como dice Meagan Navarro de sangriento repugnante escribe: «Gracias a [Alyla] Con la actuación audaz de Browne y el énfasis en los efectos prácticos de las criaturas, Sting funciona como una característica entretenida de criaturas retrospectivas».

Cuando se trata de las ambiciones de Apple en Hollywood, se trata de gastar mucho para ganar en grande.

El 10 de marzo, el gigante tecnológico tiene 13 oportunidades de llevarse a casa un Oscar a través de dos películas épicas históricas, “Killers of the Flower Moon” y “Napoleon”, que obtuvieron 10 y tres nominaciones, respectivamente. Esto le ha dado a Apple el segundo mayor botín entre los principales estudios y transmisores, justo detrás de las 18 nominaciones de Netflix y empatado con Universal y Searchlight.

¿Pero a qué precio? Las fuentes dicen que “Killers” dirigida por Martin Scorsese costó la sorprendente cifra de 215 millones de dólares (que incluye alrededor de 40 millones de dólares en costos relacionados con Covid). De hecho, Apple gastó al menos 700 millones de dólares para producir y comercializar sólo tres películas: “Killers”, “Napoleon” de Ridley Scott y “Argylle” de Matthew Vaughn. El trío ha ganado un total combinado de 466 millones de dólares en taquilla a nivel mundial, con “Napoleon” liderando el grupo con 221 millones de dólares, seguida por “Killers” (157 millones de dólares) y “Argylle” (88 millones de dólares).

Apple no se queja, al menos no de “Killers” o “Napoleon”. Una fuente del estudio dice que ambas películas son rentables, impulsadas por fuentes de ingresos auxiliares. Ambas se ubicaron entre las 10 películas más taquilleras del año pasado en la tienda de aplicaciones de Apple, y “Killers” ocupó el primer lugar durante cuatro semanas. Es demasiado pronto para saber cómo le está yendo a “Napoleon” en Apple+ TV (se estrenó el 1 de marzo), pero “Killers” ha tenido un buen comienzo como la película más vista en la plataforma durante sus primeros 45 días de estreno, lo que generó nuevas suscripciones. en el proceso.

A diferencia de Netflix, su rival del streaming, Apple ve el valor de estrenar películas en cines para elevar su perfil. “Killers” y “Napoleon” disfrutaron de una puntuación máxima de concienciación en Estados Unidos del 58%, según análisis de NRG, mientras que “Argylle” obtuvo una puntuación del 45%. El grupo de expertos de la compañía cree que hacer de Apple TV+ el hogar exclusivo de películas de gran notoriedad aporta un valor agregado para los suscriptores.

Sin embargo, ni “Killers” ni “Napoleon” movieron la aguja tanto como esperaban muchos observadores de la industria. “Argylle”, con su precio de 200 millones de dólares, es un desastre absoluto. Ningún estudio está mejor preparado para absorber presupuestos colosales que Apple. Pero incluso Wall Street se pregunta si el gasto anual en películas de 1.000 millones de dólares reportado por el estudio habría sido mejor servido aumentando el volumen de producto en lugar de dar algunos cambios de nueve cifras.

«La calidad de las películas ha sido extremadamente impresionante y ha atraído una demanda significativa del servicio Apple TV+», dice Dan Ives de Wedbush Securities. “Pero el talón de Aquiles no es la calidad. Simplemente no tienen suficiente [product]. Creo que ese ha sido el tira y afloja con Apple: lograron una alta calidad y ganaron premios Oscar, pero carecen de la biblioteca en esta carrera armamentista de contenidos”.

Desde que fueron contratados para lanzar las operaciones de cine y televisión de Apple en 2017, Jamie Erlicht y Zack Van Amburg han empleado un enfoque ladrillo por ladrillo para construir la biblioteca del estudio desde cero.

«Hay claramente un reconocimiento de lo importante que es el teatro, no sólo en términos de taquilla sino en términos de huella cultural», dice Paul Dergarabedian, analista senior de medios de Comscore. «Pero no está claro cuál es el cálculo para decidir qué es apropiado en una sala de cine y qué debería ir directamente en la plataforma de Apple».

El negocio de los estudios de Apple todavía está en su infancia. Pero apenas cuatro años después de su apuesta por Hollywood, el titán tecnológico ha alcanzado la cima del éxito en premios, ganando el Oscar a la mejor película por “CODA” (una hazaña que Netflix aún no ha replicado), así como 46 premios Emmy, incluido el premio Michael J. Documental de Fox “Still”.

Y Apple no es la única que gasta descontroladamente. Según documentos presentados por la Comisión de Cine de California, Netflix gastó al menos 166 millones de dólares en “Rebel Moon”, en dos partes, de Zack Snyder. Pero esa cifra sólo refleja el gasto “calificado”, que se define como salarios por debajo de la línea a los trabajadores de California y pagos a proveedores del estado y no incluye acuerdos de talento o marketing. El costo real probablemente sea mucho más alto para dos películas que ciertamente no igualarán las 10 nominaciones al Oscar que obtuvo “Killers”, dado que la primera entrega recibió una frialdad por parte de los críticos. (“Rebel Moon – Part One: A Child of Fire” tiene una pésima calificación de 21% en Rotten Tomatoes). Asimismo, Amazon gastó 75 millones de dólares en el thriller psicológico “Saltburn”, que ha recaudado 21 millones de dólares en taquilla en todo el mundo y fue excluido en el frente de las nominaciones al Oscar.

Un agente destacado dice que se está produciendo una corrección del rumbo de los presupuestos en toda la empresa, incluso en Apple. «La carrera armamentista hizo que toda esta gente gastara estúpidamente de más, y ahora están empezando a recortar gastos», dice el agente.

Apple ya ha comenzado a diversificar su cartera de películas. El estudio está produciendo una película de Fórmula Uno protagonizada por Brad Pitt y ha dado luz verde al thriller de Paul Greengrass “The Lost Bus”, con Matthew McConaughey a la cabeza. Aunque la película de Fórmula Uno rondará los 200 millones de dólares, “Lost Bus” no estará en esa estratosfera. Apuestas más modestas en proceso incluyen la comedia negra “Outcome”, protagonizada por Keanu Reeves, Cameron Diaz y Jonah Hill, este último también coescrito y director; una película biográfica de Little Richard producida por Imagine Entertainment de Ron Howard y Brian Grazer; y un documental sobre el corredor de Fórmula Uno Lewis Hamilton. Es probable que el documento de Hamilton esté programado para lograr una sinergia óptima con el proyecto Pitt en 2025.

Quizás el mayor interrogante gira en torno a la estrategia de Apple para llevar películas a los cines. Para sus primeros tres lanzamientos amplios, Apple se asoció con un estudio importante para comercializarlos y distribuirlos: Paramount (“Killers”), Sony (“Napoleon”) y Universal (“Argylle”). Pero la empresa podría simplemente comprar su camino para tener un aparato completo de marketing y distribución de películas.

«Hay mucha presión para que Apple adquiera un estudio importante», dice Ives. «Sigo pensando que hay más del 50% de posibilidades de que adquieran uno en los próximos 12 a 18 meses».

Star Trek: DescubrimientoLa última temporada se acerca rápidamente y los espectadores pronto podrán ver el final de Michael Burnham y el resto de la serie. Descubrimiento multitud. Afortunadamente, la cancelación sorpresa de la serie por parte de Paramount+ llegó con la oportunidad de filmar un final, pero hacerlo fue más complicado de lo que los lectores podrían pensar. CinemaBlend se reunió con Sonequa Martin-Green y descubrió por qué el rodaje fue estresante y, al mismo tiempo, valió la pena.

Laura Hurley de CinemaBlend habló con la estrella Sonequa Martin-Green en el SCAD TV Fest y le preguntó sobre traer Star Trek: Descubrimiento hasta el final con las escenas finales adicionales que el elenco y el equipo volvieron a filmar. Cuando se les preguntó si hubo alguna dificultad para lograr que la parte final se armara, confirmaron que hubo algunos «casos cercanos» que podrían haber evitado que sucediera, diciendo:

John no estuvo presente en la ceremonia celebrada en el teatro Peacock de Los Ángeles, pero el productor ejecutivo Ben Winston aceptó el premio (de Tina Fey y Amy Poehler con el disfraz completo de «Weekend Update», nada menos) en su nombre, comenzando diciendo «Muchas gracias. No soy Elton John, no lo soy». Winston pareció comenzar a decir que John había sido operado de la rodilla, antes de tranquilizar rápidamente a los espectadores: «Está absolutamente bien». Continuó reconociendo el momento histórico y diciendo:

«Sabíamos que este espectáculo sería histórico porque iba a ser el último espectáculo de gira de Elton en América del Norte. Sabíamos que sería histórico porque era la primera transmisión global en vivo de Disney. No sabíamos que iba a ser histórico porque Iba a ganar a un hombre que ha creado la banda sonora de nuestras vidas, que ha hecho tantas cosas buenas por la sociedad, que son todos nuestros héroes; no sabíamos que le íbamos a ganar un EGOT».

John compartió su propia declaración según Town & Country, agradeciendo a todos los que lo apoyaron y señalando que «Esta noche es un testimonio del poder de las artes y la alegría que trae a todas nuestras vidas». El músico ahora se une a un pequeño club con solo otros 19 miembros, incluidos sus compañeros músicos Jennifer Hudson y John Legend.

Pero el ataque de los chimpancés no es el único episodio en el que los animales cometen violencia contra los humanos. También está la adaptación de Flanagan de «The Black Cat» de Edgar Allan Poe. En el episodio, Napoleón Usher (Rahul Kohli) ataca y mata al gato de su novio, Plutón. Entrando en pánico, reemplaza al gato con uno parecido, solo para darse cuenta de que el nuevo gato es bastante violento y astuto. Eso marca el comienzo de un juego del gato y el ratón (ja) entre los dos, con Napoleón derribando su apartamento buscando al gato detrás de las paredes, tratando de vengarse después de perder un ojo. Al final, le mutilan la cara y, finalmente (de forma algo accidental) salta de un balcón y muere en un ataque de rabia.

En la historia original de Poe, el protagonista mata a su primer gato, llamado Plutón, pero el segundo sobrevive cuando es atrapado por la policía, después de matar a su esposa. Excepto que eso no es lo que sucede en «La caída de la casa Usher». Ninguno de los gatos muere y es posible que los fanáticos se hayan perdido ese detalle.

Mike Flanagan tomó Gorjeo para tranquilizar a los amantes de los animales. «En MI versión, se revela que matar al gato es una alucinación. En MI versión, el gato está vivo y coleando. Entonces, ¿quién odia a los gatos?» Dijo Flanagan. Cuando un lector preguntó cómo darse cuenta de que Plutón está vivo, dio más detalles.

«Por eso le dimos tanta importancia al hecho de que Plutón llevaba un collar Gucci y el nuevo gato no», continuó. «Mira al gato en la toma final del episodio, que lleva el collar… y la bañera vacía, lo que significa que TODA la violencia animal fue imaginada».

Terminen, gente; campo estelar ha sido resuelto. Puedes guardar tus pequeñas naves, tus Ebon Hawks y tus Serenities, porque alguien finalmente ha cumplido lo que, creo, debe ser el verdadero propósito del juego: crear un Destructor Estelar volador del tamaño de Connecticut.

Como descubrió GamesRadar, el Starfield Star Destroyer de DotElectronic7174 debe ser el pináculo de la nave. Otros jugadores, naturalmente, han intentado recrear la icónica nave imperial de las películas de Star Wars en Starfield desde el día 1, pero este es el más impresionante que he visto hasta ahora.

Mi versión de un destructor estelar de r/StarfieldShips

«Mission: Impossible» presenta regularmente este tipo de gambitos engañosos, pero lo que hace que este sea tan memorable es que estamos en la oscuridad tanto como lo está la marca del FMI. La aparición de Blitzer también aporta verosimilitud a la falsificación. Dado que es un presentador de noticias real, nos inclinamos a confiar más en su presencia que si fuera un presentador de televisión ficticio en la escena.

Como resultado, la mayor parte del cameo de Blitzer es una pantalla dentro de una pantalla; solo aparece físicamente cuando Benji se acerca a Ethan y Luther y luego se quita dramáticamente la máscara frente a Delbruuk. En el comentario de audio de «Fallout», Cruise y el director Christopher McQuarrie revelaron que le dieron a Blitzer la máscara como regalo:

MacQuarrie: «[Wolf Blitzer] fue tan encantador. Y le dimos una máscara. Le enviamos como regalo una máscara de lobo».

Cruise: «Es fantástico. En una caja transparente».

McQuarrie: «Sí, en una caja transparente».

Cruise: «Tiene su propia máscara de lobo».

Eche un vistazo a la máscara con algunas fotos detrás de escena. aquí. Ahora, dado que la tecnología de Hollywood no está a la altura de las del FMI, la máscara de utilería Wolf Blitzer no es tan asombrosamente realista como se supone que debe ser en la película. Tome nota de los puntos negros, que son marcadores de mejora digital. Aun así, la tactilidad de la máscara es innegable. Uno solo puede preguntarse si Blitzer se quedó con el recuerdo. No me puedo imaginar guardando una copia de látex en una caja de mi propio rostro en un estante, pero tampoco he llegado a interpretarme a mí mismo en un éxito de taquilla de Hollywood. Con un nombre como «Wolf Blitzer», el hombre definitivamente pertenece al cine.