El cine noruego ha estado disfrutando de un momento últimamente, con el placer de la multitud de Joachim Trier La peor persona del mundo tirando hacia arriba Conduce mi coche en la carrera de los Oscar y la de Kristoffer Borgli Harto de mí labrándose una reputación en el circuito de festivales. la hipnosisel primer largometraje de Ernst de Geer, se ubica en algún lugar entre los dos, creando un drama de relación divertida e irregular que se inclina hacia algunos molinos de viento muy modernos (entrenadores, gurús, nuevas empresas tecnológicas, talleres que involucran el pensamiento del cielo azul) dentro de un marco similar al drama danés de 2008 de Kristian Levring no me temasen el que la personalidad de un hombre cambia después de volverse adicto a una droga experimental. la hipnosis no bastante sigue el curso melodramático de esa película, pero se plantean pensamientos similares sobre la mente humana.

Los dos protagonistas son André (Herbert Nordrum) y Vera (Asta Kamma August), una joven pareja de clase media que está lanzando una aplicación de bienestar para mujeres llamada Epione, en honor a la diosa griega de la salud, basada en las experiencias de Vera al crecer como hemofílica. La pareja está emocionada de ser invitada a un fin de semana llamado Shake Up, dirigido por el condescendiente pero extrañamente carismático Julian (David Fukamachi Regnfors), donde tendrán la oportunidad de presentar su proyecto a un panel de posibles patrocinadores ricos, y Vera piensa que este sería un buen momento para abordar su hábito de fumar. Esto lo hace visitando a un hipnoterapeuta, que profundiza en su personalidad y sus problemas («Siento que te estás conteniendo»), y plantea el interesante concepto de que «tal vez fumar no es tu problema».

Para una película llamada la hipnosisesta escena es relativamente breve, pero el título proyecta una larga sombra sobre la película como si se llamara El arma de Chéjov y establece una anticipación, o más bien una expectativa, que va en contra de lo que la película hace mejor. Que es explorar la dinámica de una pareja que, habiendo establecido juntos un negocio viable y totalmente ético, de repente se encuentran en desacuerdo cuando se trata del proceso de entregarlo. André, acostumbrado a que su pareja sea más maleable, no se toma bien cuando Vera comienza a responderle, especialmente cuando sabotea el intento de André de impresionar a Julian afirmando haber leído un libro que él le había recomendado. «Fue tan malditamente aburrido», lo reprende. “Realmente exigía que realmente leer eso”, responde André, algo desesperado, antes de que Vera le recuerde que en realidad nunca lo terminó.

Julian es una figura clave en la película, ya que es realmente él, y no el eventual patrocinador del proyecto, el que se convierte en el foco de atención, o tal vez sea solo el enfoque de André. Después de la sesión de hipnosis, Vera parece haberse convertido en una persona completamente nueva, alguien completamente impredecible. En las sesiones de grupo, ella inventa un perro imaginario en broma, con el que André y otros están de acuerdo, hasta que se convierte en algo mucho más oscuro (y, para ser honesto, un poco demasiado incluso para ser sostenido por la comedia hasta ahora viable de la película). de malestar). André responde de una manera que solo podría ser cómica en un escenario escandinavo o nórdico drogando a Vera sólo lo suficiente para que se pierda el evento principal de lanzamiento.

Lamentablemente, aunque, y esto es bastante inusual y algo que se debe atesorar en estos días, la hipnosis tiene todos los elementos para lo que está tratando de hacer, simplemente no llega a un final satisfactorio. A medida que se desarrolla la historia, el interés inicial es con Vera y su nueva personalidad sin filtros, pero luego André inesperadamente se convierte en el centro de atención de la segunda mitad, tratando de rescatar lo que queda de su sueño (la actuación discreta de Nordrum le valió el premio al Mejor Actor del festival, que de ninguna manera era una opción obvia). Pronto queda claro que va a ser difícil reconciliar las trayectorias de estos dos personajes de manera convincente e, inevitablemente, la película realmente no lo logra. Pero la película de De Geer al menos se adentra en las áreas grises del comportamiento humano y, al igual que los Triers (Joachim y Lars Von), hace que hurgar en las costumbres obvias de la clase media sea un deporte inesperadamente divertido para el espectador.

Título: la hipnosis
Festival: Karlovy Vary (Concurso Globos de Cristal)
Director: Ernst de Geer
Guionistas: Mads SteggerErnst De Geer
Elenco: Herbert Nordrum, Asta Kamma agosto
Tiempo de ejecución: 1 hora 38 minutos
Agente de ventas: Películas de tótem

Salaud Morisset, con sede en Berlín y París, un equipo líder en producción y distribución de cortometrajes, ha adquirido dos largometrajes para ventas mundiales, uno seleccionado por el Festival de Cine de Karlovy Vary y el otro por el Festival de Cine de Locarno, a medida que la compañía acelera las ventas de largometrajes. y producción

Salaud Morisset se ha hecho con los derechos de venta mundiales del largometraje documental de Cyril Aris «Dancing on the Edge of a Volcano», que se estrenó en la competición principal de Karlovy Vary esta semana, y del largometraje de ficción de Una Gunjak «Excursion», que acaba de anunciarse como la apertura de Sección Cineastas del Presente del Festival de Cine de Locarno. Salaud Morisset, que también es coproductor de “Excursion”, tiene como objetivo continuar fomentando las sinergias entre sus operaciones de producción y ventas a medida que se compromete con una lista completa de proyectos destacados.

Salaud Morisset también continuará manejando cortos seleccionados y representa los derechos internacionales de «Dammi» de Yann Demange («Blade», «Top Boy», «Lovecraft Country»), protagonizada por Riz Ahmed. “Dammi” también se dirige a Locarno, donde la película se proyectará en la Piazza Grande en la noche de apertura del festival, y el impacto en la carrera de Ahmed será honrado con el Premio a la Excelencia del festival. “Dammi” es una producción de AMI Paris y Vixens en coproducción con Wayward Films.

Salaud Morisset fue fundada por François Morisset en 2012 y rápidamente se ganó una reputación en el sector del cortometraje como productora, distribuidora y promotora de premios. Su trayectoria con cortometrajes incluye un Oscar en la categoría de cortometraje de acción en vivo por “Skin” de Guy Nattiv en 2019, así como varias nominaciones en la categoría de cortometraje de acción en vivo de los Oscar y un Premio del Cine Europeo. También representó las ventas de cortometrajes recientes de grandes directores como Jonathan Glazer («The Fall», «Strasbourg 1518») y Yorgos Lanthimos («Nimic»).

Salaud Morisset también ha sido fundamental en la difusión de nuevos talentos, trabajando en cortos que ayudaron a romper las carreras de directores como Molly Manning Walker («How to Have Sex»), Ali Asgari («Terrestrial Verses») y Wei Shujun ( “Only the River Flows”) – todos los cuales tenían películas en la selección oficial de Cannes este año. Otros directores notables en el catálogo anterior de Morisset incluyen a Ladj Ly, cuyo cortometraje “Los Miserables” fue manejado por Salaud Morisset antes de que Ly pasara a dirigir la versión cinematográfica.

Morisset también cuenta con relaciones de larga data con otros talentos de la lista A a través de cortometrajes. La compañía trabajó con Oscar Isaac en el corto nominado al Oscar de Elvira Lind «The Letter Room» y con Tom Holland en el corto «Last Call», que se estrenó en Tribeca. Morisset se mantiene regularmente en contacto con las cuatro grandes agencias de talentos. Fue invitado a unirse a AMPAS en 2021 y actualmente forma parte del comité ejecutivo de cortometrajes y largometrajes de animación.

La experiencia previa de Morisset en largometrajes incluye un tiempo con la distribuidora alemana DCM Film Distribution, donde comenzó en adquisiciones en 2012, y finalmente se convirtió en jefe de finanzas y parte del consejo de administración de DCM, desempeñando un papel activo en la adquisición y distribución de títulos como como «Moonlight», «I, Tonya» y «Carol».

Por el lado de la producción, Salaud Morisset ha producido más de una docena de cortometrajes y tiene ejecutivos de producción en París y Berlín.

“Excursion” de Gunjak, coproducida a través del brazo de París, es su primer largometraje terminado.

Su próxima lista incluye proyectos en desarrollo de varios otros directores cuyos galardonados cortometrajes manejaron, como Georgi M. Unkovski, cuyo corto «Sticker» Salaud Morisset llevó a Sundance, y Damian Kocur, cuyo primer largometraje «Bread and Salt». se estrenó en la sección Horizons de Venecia el año pasado. Salaud Morisset también está a bordo para coproducir el próximo largometraje de Gunjak.

Mientras su empresa se prepara para un verano ajetreado y se compromete a dar el gran salto de los cortos a los largometrajes, Morisset compartió su visión de la empresa con Variedad:: “Nuestra filosofía es enfocarnos en directores futuros e historias muy contemporáneas. Nos gusta cuando esas historias tienen un ángulo positivo. Con nuestro enfoque selectivo, solo unas pocas películas al año, hemos construido relaciones sólidas y duraderas con nuestros talentos a través de cortometrajes, por lo que tiene mucho sentido en este momento apoyarlos con la misma energía y altos estándares en sus largometrajes.

“En los últimos años, también apoyamos activamente a nuestra comunidad de directores en su transición a las funciones aprovechando nuestra experiencia, contactos con productores, agentes de ventas y agencias de talento. Ahora lo estamos haciendo oficial y nos lanzamos a estos proyectos con ellos. Este enfoque colaborativo es la base de cómo y qué proyectos decidimos abordar”.

Las fortalezas de Salaud Morisset también incluyen relaciones con distribuidores clave, habiendo vendido cortometrajes y paquetes de múltiples películas a A24, Netflix, HBO, Showtime, BBC, MUBI, Disney+, Canal+ y Criterion, entre otros. El gran equipo de Salaud Morisset, una plantilla de 11 personas repartidas entre Berlín y París, garantiza que la empresa pueda maximizar la exposición y los ingresos de cada película.

NUEVAS ADQUISICIONES Y INICIO DE LA LISTA DE VENTAS DE CARACTERÍSTICAS

“Dancing on the Edge of a Volcano” es el segundo largometraje documental dirigido por Cyril Aris. La película comienza después de la catastrófica explosión del 4 de agosto de 2020 en Beirut, donde un equipo de filmación se enfrenta a un serio dilema: ¿deberían desafiar el caos y seguir adelante con el rodaje de su película o rendirse ante las múltiples crisis que se están extendiendo por todo el país? “Dancing on the Edge of a Volcano” captura su incesante batalla por seguir haciendo cine en una ciudad destrozada.

La coproducción Alemania/Líbano está producida por Katharina Weser para Reynard Films y Myriam Sassine para Abbout Productions.

El primer largometraje documental de Aris, «The Swing» (2018), también se estrenó en el Festival de Cine de Karlovy Vary y ganó premios en Roma, El-Gouna y Londres. Su último cortometraje de ficción, “The President’s Visit” (2017), se estrenó en el Festival de Cine de Toronto.

Aris estudió en la Universidad de Columbia en Nueva York y ha enseñado Cine en Columbia, NHSI en la Universidad Northwestern y Barnard College.

Aris también es conocido como el editor de “Costa Brava, Líbano” (2021), dirigida por Mounia Akl, que se estrenó en el 78º Festival de Cine de Venecia, ganó el premio NETPAC en Toronto y el premio del público en el BFI London Film Festival.

Morisset señaló: “He sido un gran admirador de las obras de Cyril Aris desde que descubrí ‘La visita del presidente’ en Toronto. Me quedé impresionado con ‘Dancing on the Edge of a Volcano’, su retrato del Líbano y su visión de la poderosa resiliencia de la humanidad y del arte”.

“Excursion” es el primer largometraje de Una Gunjak, la directora nacida en Sarajevo más conocida por su cortometraje “The Chicken”, ganador del Premio del Cine Europeo al Mejor Cortometraje Europeo en 2014, entre más de 60 premios internacionales. “The Chicken” se estrenó en la Semana de la Crítica de Cannes, antes de proyectarse en festivales como Sundance, Palm Springs, donde ganó el premio al Mejor Cortometraje, y New Directors/New Films de Nueva York. Gunjak se graduó de la Escuela Nacional de Cine y Televisión del Reino Unido.

“Excursion” está ambientada en la ciudad natal de Gunjak, Sarajevo, donde una adolescente que busca validación afirma que tuvo relaciones sexuales por primera vez durante un juego de “verdad o reto” entre estudiantes de secundaria. Atrapada en su propia mentira, inventa un embarazo y se convierte en el centro de una controversia que se sale de control.

“Excursion” es una coproducción de Bosnia/Croacia/Serbia/Francia Noruega/Qatar producida por SCCA/pro.ba (Amra Bakšić Čamo, Adis Đapo), Nukleus film (Siniša JURIČIĆ), Baš Čelik (Jelena Mitrovic), Salaud Morisset (François Morisset) y Mer Film (Gary Cranner).

Morisset agregó: “El corto ‘The Chicken’ de Una Gunjak fue un gran avance para nosotros hace casi 10 años. Su primer largometraje, ‘Excursion’, explora cómo la presión social envía a una mujer joven a una espiral de mentiras. Cuestiona cómo el colectivo influye en la forma en que los jóvenes de hoy abordan el amor y la intimidad. ‘Excursion’ confirma que Una Gunjak es uno de los talentos más prometedores y perspicaces de su generación».

En el concurso del Festival de Cine de Karlovy Vary, «Nunca hemos sido modernos», el director checo Matej Chlupacek aborda tanto los peligros de las burbujas utópicas como el poder de la fe inquebrantable en los conceptos de género tradicionales.

La historia, ambientada en una ciudad empresarial eslovaca construida por un industrial visionario, tiene lugar en vísperas de la Segunda Guerra Mundial, cuando un misterioso asesinato amenaza con trastornar a la comunidad idealizada. La esposa del director de la fábrica, Helena, interpretada por Eliska Krenkova, es una aspirante a médica que pronto dará a luz. Pero su futuro prometedor se ve repentinamente oscurecido por el descubrimiento del cuerpo de un bebé intersexual recién nacido en el patio de la fábrica.

Todos estos elementos pueden parecer una carga pesada para un joven cineasta independiente que evitó la escuela de cine y cuyo último esfuerzo por hacer una película fue hace una década, «Touchless», realizada cuando era un guionista y director debutante de 17 años.

Pero Chlupacek apenas se ha estado escondiendo trabajando en borradores de guiones mientras realiza trabajos ocasionales desde entonces. Ya es un productor multiplataforma experimentado, ha estado ocupado con la televisión checa y programas de transmisión durante años y ya está en negociaciones con una plataforma importante para obtener más.

Sus créditos incluyen la versión checa de la franquicia internacional de cable «In Treatment» y el thriller criminal de 2020 «Rats», entre otros proyectos.

Así que las audaces elecciones de Chlupacek en «Nunca hemos sido modernos» y su particular interpretación de una historia histórica de «qué pasaría si…» no son tan sorprendentes como podrían parecer. El cineasta tiene claro lo que quiere hacer y cómo.

Y el enfoque de Chlupacek para crear la apariencia del mundo es típico de su trabajo poco convencional.
«Rodamos en 35 y usamos miniaturas», dice. El aspecto distintivo del escenario, inspirado en la vida real del magnate checo de fabricación de calzado Tomas Bata y su ciudad industrial modernista construida en Zlin durante los años anteriores a la guerra, se logró después de extensas pruebas con efectos en la cámara, dice.

“Estamos creando una ciudad que no existe”, explica Chlupacek. Una buena parte de la magia está hecha a mano, pero VFX es otro componente esencial, dice, y agrega: «Tenemos un colorista increíble». Entre esa experiencia y el trabajo del diseñador de producción Henrich Boraros, «We Have Never Been Modern» logra una apariencia y una sensación notables.

Con miniaturas construidas a escala 1:7, Chlupacek se inspiró en las técnicas que alguna vez fueron comunes de Industrial Light & Magic de George Lucas en «Star Wars» o en el antiguo maestro de ciencia ficción checo Karel Zeman. Las miniaturas se combinaron en piezas construidas a escala humana para que los actores se pararan y tocaran.
El equipo experimentó con renderizado 3D y otras técnicas CGI pero, dice el director, ese método “nunca se tradujo de alguna manera en lo que yo quería”.

Los cineastas también realizaron varias proyecciones de prueba, un fenómeno que aún no es común en la República Checa, para asegurarse de que todo funcionara visualmente con el público, dice Chlupacek.

Además, el proyecto tardó cuatro años en desarrollarse y costó casi 3,7 millones de dólares, una cifra que también supera con creces la norma para una función independiente en este territorio.

El director de fotografía Martin Douba aportó otro nivel a las imágenes, dice el director, en un proceso que describe como altamente colaborativo.

“Teníamos la intención de hacer un tipo de película histórica moderna, así que optamos por el enfoque de la cámara de mano para que pareciera una película independiente”.

En cuanto al período tenso en el que se desarrolla la película, Chlupacek dice que vio un paralelo entre los tiempos modernos, en los que es demasiado fácil cerrar las señales de peligro desde el exterior de nuestros cómodos hogares, y los de la Primera República de Checoslovaquia.

“Creo que es muy similar a los días en los que vivimos ahora, teniendo estas vidas increíbles, nada nos molesta directamente, y es realmente color de rosa. En 1937 era lo mismo: no sabían que se avecinaba algo trágico. Estás viendo a alguien que puede no existir en el próximo año. O tendrán que cambiar su forma de vida por completo. Eso fue algo que realmente me interesó”.

La primera señal de grietas en la vida ideal llega con el descubrimiento del bebé asesinado en la fábrica, y la anatomía intersexual del niño señala un camino a lo largo de historias que son aún más oscuras.

“El tema intersexual es muy fuerte en la película”, dice Chlupacek, “pero también representa algo nuevo que llega a la vida de las personas que viven de acuerdo con sus reglas estrictas”.

Romper las reglas es algo que siempre le ha interesado a este cineasta, dice, y es un camino que planea seguir explorando.

“Siempre quise provocar a la gente”, admite. “Siempre quise traer algo que no es de ellos, y ponerlo sobre la mesa y ver cómo reaccionan. Y este increíble guión de Miro Sifra reflejó, sentí por primera vez, algo que quería hacer”.

En un festival del tamaño y la estatura del Karlovy Vary de la República Checa, los nuevos descubrimientos son algo cotidiano. Pero es raro que al final del festival, uno de los nombres emergentes más emocionantes sea el de un cineasta que murió hace 27 años y que ha languidecido en una relativa oscuridad, ciertamente en el mundo anglófono, desde entonces. Y, sin embargo, aquí estamos, al final de una retrospectiva de 11 películas de Yasuzo Masumura, la más grande de su tipo jamás montada en un festival de cine internacional, que ha resultado, en una palabra, reveladora.

No es solo en términos de quitarle el polvo a este catálogo de cineastas extraordinario e injustamente pasado por alto, sino también en el sentido más amplio de ser un modelo ejemplar de cómo conectar una audiencia regional joven y vibrante con la historia del cine global. Cada minuto nace un aficionado al cine clásico, pero este año en Karlovy Vary se podía sentir cómo sucedía en tiempo real durante las proyecciones de Masumura «A Cheerful Girl» (1957), «Hoodlum Soldier» (1965), «Spider Tattoo (1966) y así sucesivamente.

La selección, comisariada por el programador de Karlovy Vary Joseph Fahim, representa solo la punta del iceberg de 60 títulos de la filmografía de Masumura y es notable por cómo, en casi una docena de largometrajes, el director rara vez se repite. Abarcando los géneros de melodrama, sátira, comedia de amigos, erótica, explotación, sala de audiencias, espionaje (industrial y político), mayoría de edad y géneros románticos, presentados en pantalla panorámica en blanco y negro nítidamente restaurada y en tecnicolor vívido y magníficamente impactante, el programa es diversa, pero nunca menos que salvajemente entretenida.

Como tal, parece que Fahim ha dado con una especie de Santo Grial retrospectivo, pero la historia comenzó en un viaje en automóvil camino al Festival de Cine de Venecia el año pasado con el director artístico de Karlovy Vary, Karel Och. “Karel maneja y yo solo lo acompaño de Praga a Venecia”, me dice Fahim mientras nos sentamos en la terraza del Hotel Termal en medio del alegre alboroto que llega todo el día y la mayor parte de la noche desde los bares al aire libre en el parque más allá. “Hablamos de todo en nuestras vidas y luego llegamos a un punto en el que nos aburrimos porque son nueve horas y Karel tiene que permanecer despierto. Entonces, ¿de qué hablar ahora? Hablemos de retrospectivas”.

“Justo antes de Venecia el año pasado había visto dos películas de Masumura: ‘The Black Test Car’ y ‘Giants and Toys’”, continúa. “Y luego, por pura coincidencia, descubrimos que el próximo año es el centenario de Masumura. Pensamos que probablemente habrá un redescubrimiento de este tipo, así que deberíamos hacerlo antes que los demás. Así que solo quiero decir, para que conste, el próximo año, cuando todos hagan retrospectivas de Masumura, ¡lo hicimos primero!

Fahim está bromeando, pero hay una sensación palpable sobre el terreno de que Karlovy Vary se ha ganado el derecho a la asociación. “El tipo nunca llamó mucho la atención: hubo una entrevista de Cahiers hace mucho tiempo y [critic] Jonathan Rosenbaum escribió un artículo sobre él a finales de los 90, pero debido a la falta de literatura, todavía queda mucho por desempacar y descubrir sobre él”, dice Fahim. “Todavía hay algunas películas suyas que no he podido conseguir y me muero por ver”.

Por supuesto, la pregunta clave es por qué Masumura ha permanecido fuera del radar durante tanto tiempo. “A diferencia de Kurosawa, a diferencia de Mizoguchi, Oshima e Imamura, sus películas no viajaban fuera de Japón, por lo que simplemente lo descartaron”, dice Fahim. “Lo que no puedo entender es por qué alguien como [Seijun] Suzuki, que también es muy de género, muy genial, también se ocupó de los elementos de explotación, ¿por qué era mucho más famoso?… La política de Masumura era tan directa, tiene un estilo visual tan fuerte y hay una filosofía muy fuerte detrás de cada película, ya sea sobre la militarización de Japón o la relación de las mujeres con el sexo, o el sexo como herramienta de individualización… Siento que el abandono dice más sobre los prejuicios de la cultura cinematográfica y la academia cinematográfica que sobre las películas”.

Sin duda, es cierto que las películas en sí mismas son un paraíso para los cinéfilos, ya que contienen una gran cantidad de subtexto y contexto, pero siguen siendo, como atestiguan las salas repletas del festival, infinitamente accesibles. ¿Cómo Fahim, que también fue comisario de las dos últimas grandes retrospectivas de Karlovy Vary, logró aterrizar en una fórmula tan exitosa para promocionar películas a menudo oscuras para el público general de Karlovy Vary? Se encoge de hombros con asombro. “Mira, no esperábamos tener el éxito que tuvimos con las retrospectivas de Youssef Chahine y World Cinema Foundation. El público de Karlovy Vary está abierto a cosas nuevas: ha sucedido con cada una de las retrospectivas que hemos hecho. Hay una gran hambre de descubrimiento aquí. De verdad, creo que hay pocos lugares en el mundo como este. Y también hay algo muy contemporáneo en Masumura, muy accesible, y nuestro público es lo suficientemente perceptivo e inteligente como para responder a eso”.

Debe haber sido gratificante para Kadokawa Corporation, los titulares de los derechos que han suministrado a Karlovy Vary todas las copias, muchas de ellas en un estado prístino y recientemente restaurado. “Tuvimos suerte con Masumura y los japoneses”, confirma Fahim, “porque realmente saben cómo cuidar sus películas”. “No es que nosotros buscado para robarle el impulso a todos los demás”, objeta Och más tarde en referencia al aniversario del próximo año. “Kadokawa se sugirió a sí mismos que Karlovy Vary sería la plataforma de lanzamiento de una retrospectiva que esperan que se extienda el próximo año. Y, con un representante aquí que ha asistido a las 33 proyecciones hasta el final, están realmente satisfechos con la forma en que se ha promocionado y asistido”.

Antes de ese viaje en automóvil, el propio Och nunca había visto ninguna película de Masumura. “Joseph hizo que todo el equipo de programación viera varias de sus películas a lo largo del año y todos nos enamoramos”, dice Och. “Era todo un mundo del que nunca habíamos sido conscientes. Quiero decir, ¿cómo puede una película sobre dos empresas de automóviles que luchan por un prototipo [‘The Black Test Car’] ser tan emocionante y tan complejo? Masumura es una prueba de que el cine convencional puede ser tan progresista y audaz”.

Para Och, las impresionantes audiencias son el resultado de más de una década de trabajo preliminar. “Sentí que había un hueco en el mercado en 2004/5 cuando me hice cargo del capítulo retrospectivo. Comenzamos con Sam Peckinpah y John Huston y Cassavetes, para lo cual también trajimos delegaciones importantes y celebridades relacionadas. Y comenzó a enviar la señal de que las películas clásicas se celebran en Karlovy Vary, mucho antes de que Joseph se uniera a la banda, con su vasto conocimiento del cine que no es de los sospechosos habituales”. El enfoque clásico de un festival puede ser «como un faro», dice Och, recordando el «momento de humildad cuando el Institut Lumière en Lyon contactó a nosotros sobre nuestro Larisa Shepitko retro. Entonces supimos que realmente éramos parte de un círculo de festivales y cinetecas que admiramos mucho, a los que podemos hacer nuestra pequeña contribución”.

Habiendo tenido este nivel de éxito con algo tan aparentemente fuera del campo, ¿cómo ve Och el futuro de los segmentos de clásicos de Karlovy Vary? “Es fácil emocionarse por ser un lugar que ‘descubre’ algo”, reflexiona. “Pero debemos tener cuidado de no expandirlo demasiado a expensas de todas nuestras otras secciones, eso podría ser la muerte. Aún así, probablemente la próxima vez, no será otro tributo a Milos Forman, por mucho que lo amemos, porque ahora es demasiado esperado. Así que espero con ansias otro viaje a Venecia con Joseph…”.

El 57º Festival Internacional de Cine de Karlovy Vary (del 30 de junio al 8 de julio) llegó a su fin esta noche con una ceremonia de premiación que otorgó dos premios clave al drama búlgaro contemporáneo. Lecciones de Blaga (Urotcita Na Blaga) del director Stephan Komandarev.

La tercera película de la trilogía del director sobre los males sociales de su país se centra en una anciana engañada por una estafa telefónica.

Entre los ganadores de la noche también se encontraban los de Vincent Perez El filo de la espada (Une Affaire D’honneur), que se llevó a casa el premio del público, y el cineasta Babak Jalali, que se llevó a casa el premio al mejor director por la película Fremont.

Hubo dos premios en la noche para Ernst De Geer’s la hipnosis (Hipnosis) mientras que el máximo galardón de la industria de 90.000 euros fue para la película checa No soy todo lo que quiero ser (Ještě nejsem, kým chci být), que se encuentra actualmente en el cargo.

Como se reveló anteriormente, Russell Crowe recibió un Globo de Cristal por su destacada contribución al cine mundial, y hubo Premios del Presidente del Festival para Alicia Vikander, Ewan McGregor y Robin Wright.

El Lista llena de ganadores y jurados están a continuación:

CONCURSO GLOBO DE CRISTAL

JURADO DEL GLOBO DE CRISTAL

Dora Bouchoucha, Túnez

Patricia Clarkson, Estados Unidos

John Nein, Estados Unidos

Olmo Omerzu, República Checa / Eslovenia

Barry Ward, Irlanda

GRAN PREMIO – GLOBO DE CRISTAL (25 000 USD)

El premio económico es compartido a partes iguales por el director y el productor de la película premiada.

Lecciones de Blaga / Urotcite na Blaga

Dirigida por: Stephan Komandarev

Bulgaria, Alemania, 2023

PREMIO ESPECIAL DEL JURADO (15 000 USD)

El premio económico es compartido a partes iguales por el director y el productor de la película premiada.

Redes vacías / Toorhaye khali

Dirigida por: Behrooz Karamizade

Alemania, Irán, 2023

PREMIO AL MEJOR DIRECTOR

Babak Jalali para la película Fremont

Estados Unidos, 2023

PREMIO A LA MEJOR ACTRIZ

Eli Skorcheva por su papel en la película Blaga’s Lessons / Urotcite na Blaga

Bulgaria, Alemania, 2023

PREMIO AL MEJOR ACTOR

Herbert Nordrum por su papel en la película The Hypnosis / Hypnosen

Suecia, Noruega, Francia, 2023

MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO

Bailando al borde de un volcán

Dirigida por: Cyril Aris

Alemania, Líbano, 2023

PREMIO DEL PÚBLICO PRÁVO

El filo de la espada / Une affaire d’honneur

Dirigida por: Vicente Pérez

Francia, 2023

CONCURSO PRÓXIMA

JURADO PROXIMA

Dana Linssen, Países Bajos

Marija Razgutė, Lituania

Šimon Šafránek, República Checa

Bárbara Wurm, Austria

Meng Xie, República Popular China

GRAN PREMIO PROXIMA (15 000 USD)

El premio económico es compartido a partes iguales por el director y el productor de la película premiada.

Nacimiento

Dirigida por: Yoo Ji-young

Corea del Sur, 2022

PREMIO ESPECIAL DEL JURADO PROXIMA (10 000 USD)

El premio económico es compartido a partes iguales por el director y el productor de la película premiada.

guras

Dirigida por: Saurav Rai

India, Nepal, 2023

MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO

Brutal Heat / Brutální vedro

Dirigida por: Albert Hospodářský

República Checa, República Eslovaca, 2023

GLOBO DE CRISTAL POR CONTRIBUCIÓN ARTÍSTICA DESTACADA

AL CINE MUNDIAL

Russel Crowe, Nueva Zelanda

PREMIO DEL PRESIDENTE DEL FESTIVAL POR LA CONTRIBUCIÓN A LA CINEMATOGRAFÍA CHECA

Daniela Kolářová, República Checa

PREMIO DEL PRESIDENTE DEL FESTIVAL

Alicia Vikander, Suecia

Ewan McGregor, Reino Unido

Robin Wright, Estados Unidos

PREMIOS NO ESTATUTARIOS

PREMIO DEL JURADO ECUMÉNICO

Desde 1994, el Jurado Ecuménico ha premiado películas de la Competencia Globo de Cristal que muestran una alta calidad artística al tiempo que cuestionan los valores sociales, políticos, éticos y espirituales. Promueve directores que enfaticen la búsqueda de la verdad, la justicia y la esperanza de acuerdo con los evangelios cristianos.

EL JURADO ECUMÉNICO

Hana Ducho, República Checa

Anna Grebe, Alemania

Hermann Kocher, Suiza

GRAN PREMIO DEL JURADO ECUMÉNICO

Lecciones de Blaga / Urotcite na Blaga

Dirigida por: Stephan Komandarev

Bulgaria, Alemania, 2023

RECOMENDACIÓN DEL JURADO ECUMÉNICO

Ciudadano Santo / Mokalake Tsmindani

Dirigida por: Tinatin Kajrishvili

Georgia, Francia, Bulgaria, 2023

PREMIO ETIQUETA DE CINE DE EUROPA

Desde 2003, el sello Europa Cinemas ha sido otorgado a una película europea por un jurado de exhibidores de Europa Cinemas en cinco festivales europeos. Su objetivo es aumentar la vida útil de la promoción, circulación y exhibición de las películas ganadoras. El Sello Europa Cinema premia la mejor película europea de los concursos Crystal Globe y Proxima.

JURADO DEL ETIQUETA EUROPA CINEMAS

Anna-Lena Arreborn, Suecia

Ilona van Heeckeren, Países Bajos

Jörg Jacob, Alemania

La Hipnosis / Hypnosen

Dirigida por: Ernst De Geer

Suecia, Noruega, Francia, 2023

PREMIO FIPRESCI

El Jurado de la Federación Internacional de Críticos de Cine otorga dos Premios FIPRESCI: a una película del Concurso Globo de Cristal ya una película del Concurso Próxima, a las obras que mejor promuevan el arte cinematográfico y fomenten el cine nuevo y joven.

JURADO FIPRESCI

Jana Bébarová, República Checa

Max Oliver Borg, Suiza

Engin Ertan, Turquía

Cerise Howard, Australia

Hamed Soleimanzadeh, Alemania

Jan Storø, Noruega

El premio FIPRESCI a la mejor película en la Competición Globo de Cristal

La Hipnosis / Hypnosen

Dirigida por: Ernst De Geer

Suecia, Noruega, Francia, 2023

El premio FIPRESCI a la mejor película en la Competición Próxima

Imagen

Dirigida por: Olga Chajdas

Polonia, Países Bajos, República Checa, 2023

GANADORES DE KVIFF EASTERN PROMISES: TRABAJOS EN CURSO, TRABAJOS EN DESARROLLO: LANZAMIENTO DE CARACTERÍSTICAS Y PRIMER CORTE+ TRABAJOS EN CURSO EN KARLOVY VARY IFF 2023

KVIFF Eastern Promises 2023, el mercado cinematográfico del festival, presentó un total de 27 proyectos cinematográficos en 3 programas durante la 57.ª edición del IFF de Karlovy Vary.

OBRAS EN CURSO

JURADO

Óscar Alonso, España

Nadia Ben Rachid, Francia

Agustina Chiarino, Uruguay

Petr Tichý, República Checa

Esra Demirkiran, Turquía

Works in Progress es una plataforma para largometrajes y documentales en etapa de postproducción o producción tardía de Europa Central y del Este, los Balcanes, la antigua Unión Soviética, Medio Oriente y África del Norte, que se estrenará después de Karlovy Vary. IFF. Se presentaron un total de 11 proyectos. El ganador recibió un premio consistente en servicios de postproducción de UPP y Soundsquare. Además, dos proyectos recibieron 5.000 EUR cada uno para su posterior desarrollo, uno patrocinado por TRT Sinema y otro por Barrandov Studio.

PREMIO AL DESARROLLO DE LA POSTPRODUCCIÓN WORKS IN PROGRESS (90.000 EUR)

No soy todo lo que quiero ser / Ještě nejsem, kým chci být Dirigida por: Klára Tasovská República Checa, Eslovaquia, Austria

PREMIO WORKS IN PROGRESS TRT (5.000 EUR)

Sabroso / Gardute

Dirigida por: Egle Vertelyte

Lituania, Estonia

PREMIO WORKS IN PROGRESS KARLOVY VARY IFF (5.000 EUR)

Bikechess / Bikechess Dirigida por: Assel Aushakimova Kazajstán, Francia, Noruega

TRABAJOS EN DESARROLLO – LANZAMIENTO DE CARACTERÍSTICAS

Danijel Hočevar, Eslovenia

José Fahim, Egipto

Simone Baumann, Alemania

Para esta plataforma, KVIFF se ha asociado con el programa de desarrollo de proyectos y guiones del Instituto Midpoint, así como con el mercado de coproducción When East Meets West y el Festival de Cine de Trieste. Juntos han presentado 8 proyectos que han pasado por el desarrollo y la tutoría dentro del programa Feature Launch. El jurado ha otorgado un premio en efectivo de 10 000 EUR, patrocinado conjuntamente por MIDPOINT, Barrandov Studio y KVIFF, para un mayor desarrollo del proyecto.

PREMIO OBRAS EN DESARROLLO (10.000 EUR)

Vuelo desde Kabul / Let z Kábulu

Dirigida por: Sahraa Karimi

Eslovaquia

PREMIO CONECTANDO COTTBUS

JURADO

Marjorie Bendeck, República de Honduras

Katharina Stumm, Alemania

Excavadoras / Ekskafis Dirigida por: Argyro Nicolaou Chipre

PREMIO LABORATORIO DE RÓTERDAM

JURADO

Facundo Lema, Países Bajos / Argentina

El premio es para Tomáš Pertold, productor de la película God Break Down the Door / Bože, rozraz dveře

República Checa

PRIMER CORTE+ OBRAS EN CURSO

JURADO

Esra Demirkiran, Turquía

Francesca Tiberi, Italia

Marge Liiske, Estonia

First Cut+ es un programa creado para impulsar la competitividad y comerciabilidad de largometrajes que previamente participaron en First Cut Lab. El programa se lanzó en 2020 a través de una estrecha cooperación con dos plataformas dinámicas y bien establecidas de la industria cinematográfica: When East Meets West de Trieste y Eastern Promises Industry Days de Karlovy Vary IFF. Cada año, promueve una cartera de 16 largometrajes de ficción en la etapa de postproducción, ocho de ellos se presentaron aquí en Karlovy Vary.

PREMIO TRT PRIMER CORTE+ (5.000 EUR)

allen sol

Dirigida por: Harley Chamandy

Canadá, Estados Unidos

La historia criminal búlgara “Blaga’s Lessons” de Stephan Komandarev obtuvo el premio mayor y $25,000 en el 57º Festival de Cine de Karlovy Vary el sábado, coronando una semana de celebración del cine de arte, las estrellas y el trabajo global audaz.

Con proyecciones agotadas que van desde Russell Crowe presentando «Master and Commander: The Far Side of the World» hasta raras obras maestras japonesas de Yasuzo Masumura y un homenaje a la actriz Daniela Kolarova, el público checo demostró una vez más estar hambriento de todo tipo de películas. no puede experimentar en ningún otro lugar.

El premio especial del jurado de la competencia Crystal Globe, junto con $ 15,000, fue para «Empty Nets», una cruda historia de amor germano-iraní dirigida por Behrooz Karamizade.

Los honores al mejor director fueron para Babak Jalali, un director y escritor iraní-británico, cuyo largometraje negro en blanco y negro «Fremont», coescrito con Carolina Cavalli, narra la búsqueda de un refugiado afgano que lucha por una noche de sueño y posiblemente amor. . La película está protagonizada por la refugiada afgana de la vida real Anaita Wali Zada ​​en una imponente actuación de debut.

El premio a la mejor actriz fue para Eli Skorcheva por su papel en «Blaga’s Lessons», que también ganó el premio del jurado ecuménico, mientras que Herbert Nordrum se llevó el premio al actor por su interpretación excepcional en «The Hypnosis», un cuento sueco-noruego-francés de Las ambiciones de las startups digitales se descarrilaron.

“The Hypnosis”, dirigida por Ernst De Geer, también ganó el Etiqueta Europa Cinemas como mejor película europea en el festival, según lo seleccionado por un jurado de tres exhibidores de Europa Cinemas Network.

El público votó «The Edge of the Blade», un cuento de duelo francés con una versión feminista de Vincent Perez, su primera opción, mientras que el jurado de la sección Proxima dio su visto bueno a «Birth», un drama de relaciones de Corea del Sur de Yoo Ji-young. El premio especial del jurado de Proxima fue para la entrada India-Nepal de Saurav Rai, “Guras”, un encantador cuento de Darjeeling sobre una niña y su perro.

Las dos películas checas en la competencia principal, «Nunca fuimos modernos» y «Una persona sensible», despertaron interés, la primera por su estilo visual único y su interpretación de una historia de detectives intersexuales, la otra por su road movie vigorizante y caótica. carácter distintivo.

Más de 10.000 visitantes llenaron los cines de Karlovy Vary este año, una multitud aproximadamente igual a la del año pasado, para ver 185 películas, con 36 estrenos mundiales en 445 proyecciones.

La sección Eastern Promises del festival proyectó una sólida colección de trabajos en progreso, incorporando programas de capacitación y entrenamiento con Feature Launch, First Cut + y otros proyectos de desarrollo de la industria, otorgando premios a los cineastas primerizos y a aquellos que comienzan a trabajar en el escenario mundial.

El mercado cinematográfico del festival mostró 27 proyectos cinematográficos en tres programas a 942 profesionales del cine, incluidos compradores, distribuidores y programadores del festival.

Ganadores del 57º Festival de Cine de Karlovy Vary

Gran premio globo de cristal

“Blaga’s Lessons” (Bulgaria, Alemania)

Dirigida por Stephan Komandarev

Premio especial del jurado

“Redes vacías” (Alemania, Irán)

Dirigida por Behrooz Karamizade

mejor director

Babak Jalali, “Fremont” (Estados Unidos)

Mejor actriz

Eli Skorcheva, “Blaga’s Lessons” (Bulgaria, Alemania)

Mejor actor

Herbert Nordrum, “La hipnosis” (Suecia, Noruega, Francia)

Mención especial del jurado

“Dancing on the Edge of a Volcano” (Alemania, Líbano)

Dirigida por Cirilo Aris

gran premio proxima

«Nacimiento» (Corea del Sur)

Dirigida por Yoo Ji-young

Premio especial del jurado Proxima

“Guras” (India, Nepal)

Dirigida por Saurav Rai

Mención especial del jurado

“Brutal Heat” (República Checa, Eslovaquia)

Dirigida por Albert Hospodarsky

Gran premio del jurado ecuménico

“Blaga’s Lessons” (Bulgaria, Alemania)

Dirigida por Stephan Komandarev

Elogio del jurado ecuménico

“Ciudadano Santo” (Georgia, Francia, Bulgaria)

Tinatin Kajrishvili

premio FIPRESCI

“La hipnosis” (Suecia, Noruega, Francia)

Dirigida por Ernst De Geer

Premio FIPRESCI, sección Proxima

“Imago” (Polonia, Países Bajos, República Checa)

Sello Cines Europa

“La hipnosis” (Suecia, Noruega, Francia)

Dirigida por Ernst De Geer

La directora danesa emergente Amalie-Maria Nielsen ha sido anunciada como la primera ganadora de una nueva beca con sede en Los Ángeles, creada en colaboración con el Festival Internacional de Cine de Karlovy Vary (KVIFF), la agencia de talentos UTA ​​y la empresa de gestión Range Media Partners.

La beca, que es una empresa conjunta entre European Film Promotion (EFP) y Allwyn, un operador de lotería multinacional líder, está reservada para uno de los cineastas que participan en la iniciativa anual Future Frames de EFP que apoya el talento europeo emergente en KVIFF.

Nielsen participó en la edición de este año con su cortometraje El cambio sobre una joven que descubre su identidad de género en el contexto de un hogar para niñas descarriadas.

El trabajo originalmente se estrenó mundialmente en la línea de cortometrajes Generation Kplus de Berlín este año y también fue nominado para el premio Teddy.

La red EFP, que reúne institutos de promoción cinematográfica de 37 países de toda Europa, lanzó la iniciativa Future Frames en KVIFF en 2015.

La iniciativa apoya a diez estudiantes de cine y recién graduados de escuelas de toda Europa con un programa hecho a medida, que abarca capacitación, creación de redes y promoción para impulsar sus carreras cinematográficas internacionales.

Los participantes son recomendados por las organizaciones miembros de EFP y luego seleccionados por el equipo de KVIFF.

Bajo la nueva beca, Nielson pasará un mes en Los Ángeles aprendiendo y trabajando con profesionales allí, a través de un programa dedicado de tutoría, seguimiento y capacitación.

“Future Frames envía un fuerte mensaje sobre el poder del cine para conectar a las personas a través de las fronteras y estoy muy emocionado de viajar a Los Ángeles para aprender de algunos de los mejores de la industria y representar aún más el cine europeo en el extranjero”, dijo Nielsen.

Robert Chvátal, director ejecutivo de Allwyn, comentó: «En nombre de toda la familia Allwyn, felicito a Amalie Maria Nielsen por recibir la primera beca Future Frames en Los Ángeles, que es un testimonio tanto de la fuerza de El cambio como película y su talento creativo”.

El amor es mutuo entre Patricia Clarkson y la ciudad balneario checa de Karlovy Vary.

En 2019, el Festival Internacional de Cine de Karlovy Vary honró a la actriz con su premio Crystal Globe a la trayectoria. Después de una cálida recepción por parte del festival y de los cinéfilos locales, Clarkson regresa este año como miembro del jurado de la competencia principal.

Cuando presentó una proyección de Mónica, el drama protagonizado por la actriz transgénero Trace Lysette y ella, en el Teatro Municipal de Karlovy Vary el domingo, nuevamente fue recibida con una ola de aplausos y reconocimiento. “Estoy pensando en mudarme a Karlovy Vary para que podamos pasar el rato aquí juntos”, dijo Clarkson a la audiencia.

El festival subrayó la relación especial con Clarkson, diciendo: “El Festival de Karlovy Vary tradicionalmente ha fomentado una relación cordial con sus estrellas, sin embargo, es un evento raro y especial cuando una celebridad también aprecia los lazos con la atmósfera y el público del festival”.

Mientras veía películas de competencia, Clarkson se tomó un tiempo para una entrevista con El reportero de Hollywoodcompartiendo cómo elige los roles, discutiendo Mónicaque presentó en Karlovy Vary, y liriosu próxima película sobre la activista de pago justo Lilly Ledbetter.

Robin Wright será honrada por el festival de Karlovy Vary dentro de unos días, y usted trabajó con ella en Castillo de naipes. Has trabajado con tantos grandes nombres, ya sean actores o talentos detrás de la cámara. ¿Alguien con quien todavía te encantaría trabajar?

Tantos, que sinceramente no sabría por dónde empezar. Pero cuando miro a las personas extraordinarias con las que he trabajado, desde productores y directores hasta actores, me siento noqueado. He tenido mucha suerte en el cine, la televisión y el teatro.

Y tengo este gran proyecto de teatro en Londres. estoy haciendo [Eugene O’Neill’s] Viaje de un día largo hacia la noche frente a Brian Cox. Sabes [the play’s family matriarch] María Tyrone? ¡Tráela, bebé! mis dos hijos pequeños [played by Alex Lawther and Daryl McCormack] son increíbles Así que estoy abrumado. Y Jeremy Herrin es el director.

Pero recientemente trabajé con Andrea Pallaoro, que es un director notable, notable. Y lo trajo todo para Mónica. Pasé un tiempo extraordinario filmando esa película. Y estoy tan contenta de que ya esté disponible en el mundo. Es un privilegio ser parte de esa hermosa película.

¿Cómo eliges tus papeles?

Lo que es importante para mí es la calidad de la pieza, no se trata del tamaño. me encantaba estar en Ella dijo en este pequeño papel, pero interpretando a esta formidable y brillante mujer [New York Times investigations editor Rebecca Corbett], alguien a quien venero. Y se trata de la calidad del proyecto y del director.

No se me perdió con Mónica que una actriz transgénero llegaría a protagonizar la película. Ella no era el personaje secundario. Era. Ella dirigiría la película. Y eso fue muy importante para mí. Ese fue un «sí» fácil.

Tengo esta hermosa película sobre [anti-employment discrimination activist] Lilly Ledbetter se acerca. Y eso fue fácil. ¿Quién no quiere interpretarla, una de mis heroínas? Soy una de cinco hijas con una madre que dirigía una ciudad. Lilly Ledbetter es una dama única en un millón. Me ofrecen estas piezas formidables, estas piezas que me llevan a lugares que no estoy muy seguro de poder hacer. Como algunas de las escenas de Mónica. Esa escena en la que estoy llorando por mi mamá. Cuando piensas en esa escena, cuando la ves en el papel, y luego llega el día y dices: Oh, este es el día en que tengo que llorar por mi madre. Y solo tienes que dejarlo todo ir, tienes que ir a los lugares que te requieren como actriz. Y nunca se pone fácil y nunca debería ser fácil.

¿Consigues meterte en un papel y luego lo dejas atrás? ¿O los papeles y el material se quedan contigo durante mucho tiempo?

Tuve que pasar a otra cosa después Mónica, así que eso fue bueno. pero me perdí Mónica, Extrañé la belleza del set, Andrea Pallaoro y Trace. Se convirtieron en mi familia, por lo que extraño la cercanía de todo eso. Y amaba a mi colega actriz Adriana Barraza, una de las mejores actrices mexicanas vivas de todos los tiempos. Y aquí me pongo a trabajar con ella todos los días. y Josué Close. Se parece tanto a mi hijo. Podría haberlo dado a luz. y la hermosa emily [Browning]. Me vuelvo muy cercano a la gente. Creo que solo puedes fingir tanto como actor. Realmente tienes que tener amor y respeto y tener una conexión real con la gente. No soy metódico, pero tengo mi propio método y eso requiere que no tenga que llegar tan lejos. Necesito tener el amor y el cariño cerca.

Cuéntame un poco más sobre lirio, la película de Lilly Ledbetter. ¿Sabemos dónde y cuándo sale eso?

No estamos seguros de hacia dónde nos dirigimos, acabamos de terminar la película. Y ahora la publicación está lista, incluso hay una hermosa canción de himno al final: hermosa. Así que estamos esperando a ver a dónde vamos con eso.

Mi madre estaba abrumada de que yo interpretara a la gran Lily Leadbetter, como te puedes imaginar. Es casi contemporánea de mi madre. Envejezco de 40 a 73 en ella. Ahora, me envejecen un poco en los 40. Pero a medida que avanzo a través de las edades, 74 fue más fácil (risas). Es una película sobre los actos heroicos de una mujer, y cómo ella seguía siendo derribada, repetidamente. Y siguió levantándose y, finalmente, personas muy importantes en Washington comenzaron a darse cuenta: «Espera, esto es extraordinario». Y el presidente Obama, uno de mis héroes personales, la puso en el centro de atención de la manera más hermosa posible. [signing as his first piece of legislation the Lilly Ledbetter Fair Pay Act].

Ella tiene tal corazón y alma y modestia e ingenio. Ella es realmente atrevida. Y tiene un poco de vanidad, que también me gusta. Sí, se tiñó el cabello de platino y se convirtió en una especie de bomba más adelante en la vida. Quiero decir, ella era una mujer hermosa. Y fue un privilegio tocar eso. Tengo grandes esperanzas. Creo que es una película que se proyectará en todo Estados Unidos. Creo que las mujeres de todo nuestro país, mujeres de todas las edades, entenderán mejor a Lilly Ledtter. Cualquier mujer en un lugar de trabajo o cualquier mujer que haya estado en un lugar de trabajo y ahora esté jubilada entenderá esto.

¿Qué tan importante es para ti retratar personajes que puedan ser modelos a seguir o motivar a las personas?

Es agradable porque he jugado algunos domésticos. [roles], Objetos afilados y Mónica, y ahora llego a ser una potencia. Y me encantó cada minuto. Mi madre es política. Me crié en un hogar político. Mi madre dirigía la ciudad de Nueva Orleans, era presidenta del consejo de la ciudad. Así que me encanta poder jugar como una potencia, especialmente saliendo Mónica, interpretando a este tipo de personaje moribundo, hermoso y frágil, una mujer que realmente encuentra la gracia, el amor y la aceptación en los momentos finales de su vida. Y pasé de eso a una mujer que luchó por todo, desde que nació. Hay algunos monólogos en esta película que noquearán a la gente.

Ella es de Possum Trot, Alabama, y ​​tengo su acento. Crecí en Nueva Orleans, pero tenía parientes de Alabama y parientes de Mississippi. Ese acento no me era del todo extraño. ¡Gracias a Dios!

También interpretas a una fuerte protagonista femenina en las series AGC y Lionsgate. Gris, sobre una espía que regresa del frío después de 20 años escondida e intentando evitar a los agentes del gobierno que sospechan que es una traidora. ¿Alguna noticia sobre eso?

Estamos esperando a ver a dónde va eso. Esa es la dama más sexy jamás escrita. Juan McLaughlin [the writer], le debo todo por hacerme objeto de deseo. ¡Dios lo bendiga! Está dirigida por el gran director canadiense Ruba Nadda con quien trabajé en Hora de El Cairo (2009).

En Gris, interpreto a esta espía realmente dura, esta mujer que estaba en lo más alto de su juego, que desapareció de sus hijos y de su esposo durante 20 años. Y el gran Rupert Everett, el gran Rupert Everett. ¿Ya dije genial? Está interpretando a un estadounidense con un perfecto acento estadounidense. ¡Perfección! Y lleva su personaje a nuevos lugares. Él hace de cabeza de esta especie de rama de la CIA. Él sabe dónde encontrarme. Y me persigue porque soy un experto en Corea del Norte. Me encuentra, y creo que sabe que quiero volver a casa, quiero volver a entrar. Y vuelvo a la refriega. Pero soy un cabrón. Es una parte muy emotiva, pero también es muy dura. Y muy sexuales. Y muy divertida, tiene su propio sentido del humor. El gran Shawn Doyle, el hombre más sexy, es otro gran personaje. Hay actores canadienses increíbles. ¡Lo mejor de Canadá está en esto! Y luego está la hermosa Lydia West, la joven y deslumbrante actriz británica que interpreta a mi coprotagonista.

No es realmente un programa de espionaje. Lo es, pero es un estudio de personajes. Se acerca mucho más al gran show que hizo Helen Mirren hace tiempo [Prime Suspect]. No es el gato y el ratón. Se trata de estos espías y el costo que tiene ser un espía en tu vida. No se trata de los tiroteos.

Hablando de mujeres fuertes: ¿Cuál es su opinión sobre cuánto progreso ha logrado Hollywood en la lucha contra la misoginia, la discriminación por edad y el sexismo?

Se está marchitando, se está desvaneciendo. La misoginia se puso tanto de relieve, por supuesto, con Harvey [Weinstein] y muchas otras personas, muchas, muchas. Los pesos pesados ​​cayeron. Y los vimos caer, uno por uno. Cómo caen los poderosos. Como mujeres, nos quedamos de brazos cruzados y observamos: boom, boom, boom, y todas dijimos «¡adiós!» Hemos terminado. Todavía hay indicios de ello aquí y allá. Sabes que no corriges problemas de siglos de antigüedad en una década, pero ahora estamos realmente empoderadas como mujeres, realmente tenemos algo que decir.

No solo vas a hacer películas protagonizadas por chicas jóvenes. Las mujeres mayores, como Jamie Lee Curtis y Helen Mirren, son ahora las personas más atractivas que trabajan en Hollywood. ¡Hurra! ¿Quién ganó todos los premios el año pasado en televisión y cine? Eran mujeres mayores de 50 años. ¡Vamos!

¿Qué más puedes decir sobre todos estos vehículos conducidos por mujeres y piezas de plomo para mujeres que hemos visto?

Mujeres en grandes partes. Sí. Mujeres dueñas de la noche, dueñas del día. Mujeres por las que la gente está presionando. Y no todos somos héroes. No todos somos santos. Pero son historias impulsadas por mujeres. Son historias en las que seguimos siendo sexys, vivas, potentes, fabulosas o asesinas, feas en el sentido sureño de la palabra, que es mi favorita. Mi madre decía: “Patty, no seas fea”. Significa: No seas grosero, no seas maleducado.

Nos hemos puesto en marcha. Y no vamos a volver. No estamos dando la vuelta. Soy una de muchas, muchas, muchas mujeres ahora en Hollywood. Estoy haciendo los protagonistas, estoy haciendo maravillosos personajes secundarios, en cine, televisión, teatro. Estoy listo. Todavía estamos yendo hacia adelante.

Sé que tengo que terminar y dejarte continuar con otro trabajo. ¿Algo más que quieras compartir o mencionar?

Cuanto amo este festival. Llegar aquí hace cuatro años y recibir el Globo de Cristal fue uno de los momentos más hermosos de toda mi carrera. Este festival está dirigido por expertos. Ser miembro del jurado es difícil, pero no hice una promesa vacía. Pasé un tiempo tan hermoso aquí siendo honrado. Dije que volveré y estaré en el jurado. Y probablemente dijeron, «sí, sí». ¡Aquí estoy!

No puedo decirte lo que significó para mí ir a presentar Mónica aquí. El teatro estaba repleto. Quiero decir que no había un solo asiento vacío en ese teatro a la una de la tarde. Este festival es cercano y querido para mi corazón. Me encanta estar en Karlovy Vary. Firmé tantos autógrafos, y firmaré un millón más. Y amo a cada uno de ellos.

La comedia negra de Assel Aushakimova sobre el periodismo en Kazajstán «Bikechess» ganó el premio Works in Progress del Festival de Cine de Karlovy Vary, que se presenta como parte de la sección de industria del festival, Promesas del Este. La sección se centra en proyectos de largometrajes de Europa Central y del Este, los Balcanes, la antigua Unión Soviética, Oriente Medio y el Norte de África.

La película kazaja sigue a Dina, que trabaja como periodista para la estación de televisión nacional. Las historias que le piden que informe son cada vez más absurdas y llenas de elogios para el gobierno. Su vida amorosa se limita a unos encuentros secretos con su camarógrafo casado. Dina cuida a su hermana pequeña, una activista lesbiana, que regularmente tiene problemas con las autoridades.

El jurado dijo: “Al señalar a través de ojos cómicos el absurdo al que puede llegar el estado para ocultar problemas más profundos, el jurado realmente aprecia la nueva mirada del director a la ética del periodismo”.

La película está producida por Antoine Simkine en Les Films d’Antoine (Francia), junto con Alma Pictures (Kazajstán) y Maipo Film (Noruega).

El premio Works in Progress TRT fue para “Tasty”, dirigida por Egle Vertelyte y producida por Lukas Trimonis en In Script de Lituania.

La película lituana sigue a las mejores amigas Ona y Saule, quienes son cocineras apasionadas, pero están atrapadas trabajando en Tasty, una cantina local. Saule los inscribe en un concurso de cocina de la televisión nacional y miente sobre su experiencia culinaria. A pesar de ser visto como una broma, su popularidad se dispara en las redes sociales. Cuando Ona se convierte en la favorita de la audiencia, la tensión entre los amigos aumenta.

El jurado dijo que premiaba al cineasta “por transmitir en una comedia culinaria un acercamiento crítico al mundo actual, que exalta el empaque exagerado en la vida cotidiana y las redes sociales, y presenta la verdadera amistad como el plato más delicioso”.

El Premio al Desarrollo de la Postproducción Works in Progress fue para el documental checo “No soy todo lo que quiero ser”, dirigido por Klára Tasovská y producido por Tasovská y Lukáš Kokeš.

La película está ambientada tras la invasión soviética de Checoslovaquia en 1968 y se centra en un joven fotógrafo. Se esfuerza por liberarse de las limitaciones del régimen autoritario soviético y se embarca en un viaje salvaje hacia la libertad, capturando sus experiencias a través de su fotografía.

El jurado dijo que “encuentra emocionante este proyecto sobre la libertad personal, ya que todos los elementos de la historia del pasado resuenan hoy y definitivamente pueden inspirar a todos”.

La película está siendo producida por Somatic Films (República Checa), Nutprodukcia (Eslovaquia) y Mischief Films (Austria).

El jurado de Works in Progress estuvo compuesto por Esra Demirkiran, coordinadora de festivales de TRT Sinema, Petr Tichý, CEO y presidente de Barrandov Studio, Oscar Alonso, gerente de festivales de Latido Films, Nadia Ben Rachid, editora de cine, y Agustina Chiarino, productora de Cine Bocacha.

El premio Works in Development Award fue para “Flight From Kabul”, dirigida y escrita por Sahraa Karimi, y producida por la eslovaca Wanda Adamík Hrycová de Wandal Production.

La película es descrita por el director como “un testimonio cinematográfico del colapso de los sueños de las mujeres afganas y la erosión de los valores democráticos por el resurgimiento de los talibanes”.

Basada en las propias experiencias de Karimi, la película se centra en Zibaa, un cineasta afgano y director del Fondo Nacional de Cine, que recientemente se comprometió con Samir, el amor de su vida. Sus planes de boda se destruyen cuando los talibanes se apoderan de Kabul, y Zibaa se enfrenta a una decisión que le cambiará la vida. Como conocido activista antitalibán y empleado del gobierno, la vida de Zibaa está en peligro. Mientras Samir sugiere escapar al sur conservador y dominado por los hombres por seguridad, la cuñada de Zibaa le ruega que abandone el país y se lleve a sus hijas con ella. Atrapada entre su amor por Samir y el futuro de sus sobrinas, Zibaa solo tiene una hora para tomar una decisión.

El jurado elogió el proyecto por su “visión audaz, audacia política y narración emprendedora”, y agregó que era un proyecto que “explora un pueblo y un lugar que rara vez se ven en la pantalla; los que han sido decepcionados por los políticos occidentales que permanecieron ociosos mientras los poderes de la oscuridad se aventuraban a devastarlo frente a los ojos apáticos y complacientes del mundo”.

El jurado del Premio Works in Development estuvo compuesto por Danijel Hočevar, productor de Vertigo y mentor en MIDPOINT Feature Launch, Joseph Fahim, crítico de cine, programador y conferenciante, y Simone Baumann, directora de German Films.

El premio Connecting Cottbus fue para «Excavators» de Chipre, dirigida y escrita por Argyro Nicolaou, y producida por Constantinos Nikiforou y Minos Papas.

El premio Rotterdam Lab fue para Tomáš Pertold, productor del proyecto checo «God Break Down the Door».

El premio TRT First Cut+ fue para “Allen Sunshine” (Canadá, EE. UU.), dirigida por Harley Chamandy y producida por Chantal Chamandy.

Lo invisible y lo obsceno son el tema del inquietantemente brillante horror psicológico de Pascal Plante. Habitaciones Rojas, que toma un género usado en exceso, la película de asesinos en serie, y una técnica a menudo mal utilizada, el oscuro surrealismo de Lynchian, y de alguna manera alquimiza los dos en algo nuevo y original. Sin duda, es carne fuerte (el encuadre del drama de la corte es engañoso, ya que esta no es realmente una película sobre la justicia), pero el estado de culto de boca en boca atrae y una vida nocturna saludable en el circuito del género está asegurada.

Gran parte de la trama ya ha sucedido cuando comienza la película. Mientras los créditos de apertura carmesí se deslizan sobre la lente azul acerada de Vincent Biron, una joven llamada Kelly-Anne (Juliette Gariépy) se despierta y toma un autobús hacia un edificio alto y estéril. En el interior, el marco cobra vida con color cuando Kelly-Anne pasa por seguridad y toma asiento en una sala de audiencias brillante, blanca e iluminada con fluorescentes. En el juicio está Ludovic Chevalier (Maxwell McCabe-Lokos), también conocido como El demonio de Rosemont, quien está acusado de los brutales asesinatos de tres niñas de entre 13 y 16 años. Lo que le da notoriedad a Chevalier es la naturaleza de sus crímenes: las víctimas. fueron brutalmente torturados antes de ser asesinados, y en beneficio de una audiencia que pagó y vio cómo sucedía, en vivo, en la dark web.

El discurso de apertura del fiscal expone la cruda brutalidad del caso, con el impávido Chevalier, confinado a un estuche de metacrilato, observando desde un costado. El caso se basa en dos videos gráficos de media hora, ya que el tercero no se puede encontrar, pero el equipo de defensa de Chevalier afirma que es un hombre agraviado, «un ciudadano modelo» que nunca ha tenido problemas con la ley en todos sus 39 años. tierra. La falla principal en el argumento de la fiscalía, agregan, es que no han pasado cantidades sospechosas de dinero a través de su cuenta, y no ha mostrado signos de vivir más allá de sus posibilidades.

A pesar de la abrumadora cantidad de evidencia circunstancial, no todos están convencidos de la culpabilidad de Chevalier. En su segundo día en el juicio, Kelly-Anne conoce a Clémentine (Laurie Babin), una seguidora asesina que se ha enamorado de Chevalier, alegando que los videos fueron falsos y que el juicio es «un gran espectáculo». Los dos se convierten en aliados poco probables, pero el equilibrio de poder de su amistad se altera cuando se cierra la sala del tribunal mientras se muestran los dos videos «snuff» existentes en el tribunal. Kelly-Anne no solo los ha visto ya, sino que también los tiene en una memoria USB. Clementine suplica verlos y, cuando lo hace, la crueldad de lo que ve hace que reevalúe sus elecciones de vida y se vaya a casa.

Kelly-Anne, sin embargo, sigue apareciendo en la sala del tribunal. ¿Pero por qué? Esto, no las motivaciones del asesino claramente desquiciado, quienquiera que resulte ser, es el núcleo de este thriller sombríamente imaginativo. A lo largo de la primera hora, queda claro que algo no anda bien en el caso Chevalier; los artículos periodísticos hablan de «una pieza faltante» en el rompecabezas, y el escurridizo tercer video ha adquirido un estatus mitológico en línea. ¿Kelly-Anne tiene la clave y, si la tiene, es cómplice? La tensión aumenta lentamente hasta que se vuelve casi insoportable, culminando en una escena de pesadilla en la que Kelly-Anne, con cabello rubio recién teñido, se coloca lentes de contacto azules y se quita el abrigo para revelar que lleva puesto un uniforme escolar del mismo tipo. usado por la tercera y última víctima, a quien tiene un extraño parecido. Cuando los alguaciles se la llevan, Chevalier, que antes estaba impasible, levanta la vista y saluda.

De nuevo, ¿por qué? Plante nunca revela del todo, sino que superpone la película con suficientes matices para que comencemos a tener una idea del estado emocional de Kelly-Anne. Su carrera como modelo, junto con la partitura claramente europea de Dominique Planet, tal vez un guiño sutil al estilo italiano. giallo — recibe un golpe cuando incluso el sitio web fetichista Soñar para Atreverse cancela una sesión de fotos, citando rumores sobre sus intereses «extremos», una referencia oblicua al BDSM. En cuyo caso, uno puede leer la película como una historia sadomasoquista de una mujer que de alguna manera ha cosificado y consumido al asesino. y la víctima, una dualidad que contrasta su amabilidad con Clémentine con una incognoscible capacidad de depravación que ella vive en el ciberespacio.

Significativamente, el identificador en línea de Kelly-Anne es Lady of Shalott, una referencia al poema de Tennyson sobre una mujer en la época artúrica que fue maldecida para que solo pudiera ver el mundo exterior reflejado en un espejo. El espejo de Kelly-Anne es la red oscura, y la actuación apasionante y gélida de Gariépy hace que dos horas en su presencia extraña pero extrañamente enfocada sean tanto desconcertantes como inolvidables.

Título: Habitaciones Rojas
Festival: Karlovy Vary (Concurso Globos de Cristal)
Director/guionista: Pascual Planté
Elenco: Juliette Gariépy, Laurie Babin, Elisabeth Locas, Maxwell McCabe-Lokos
Tiempo de ejecución: 1 h 58 min
Agente de ventas: Películas de némesis