EXCLUSIVO: Después de ver su ópera prima Palimpsesto ganar un Premio Especial HFPA en el Festival de Cine de Venecia, la escritora y directora finlandesa Hanna Västinsalo encontró su siguiente proyecto en Fuego fatuo.

La película, cuya producción está prevista para este otoño, amplía la narrativa del cortometraje de 2009 que le valió a Västinsalo una invitación para estudiar dirección en AFI. Ambientada en la Finlandia del siglo XIX, la historia sigue a Elina, una joven valiente que desafía la oscuridad de sus circunstancias y elige la resiliencia antes que la desesperación. Cuando los enigmáticos espíritus del agua le ofrecen la oportunidad de redimirse, se embarca en un viaje tumultuoso, navegando por las complejidades de la maternidad y la supervivencia en un contexto de tiempos cambiantes y decisiones implacables.

Västinsalo escribió el guión con Cyril Abraham, quien producirá para Thinkseed Films en Finlandia. Reel Suspects se encarga de las ventas fuera de Finlandia.

Matteo Lovadina de Reel Suspects afirmó: “Estamos increíblemente emocionados de embarcarnos en este viaje con Hanna Västinsalo para su segundo largometraje. Su distintiva voz como directora, junto con un guión cautivador, se alinea perfectamente con nuestro compromiso de ofrecer películas de género elevado que traspasen los límites y provoquen el pensamiento”.

Estrenada en 2022, el primer largometraje de Västinsalo Palimpsesto es una historia de ciencia ficción sobre dos compañeros de cuarto ancianos que son seleccionados al azar para un ensayo de terapia genética que rejuvenece sus cuerpos manteniendo intactos sus recuerdos. Después de recibir una prestigiosa beca de Biennale College Cinema para realizar la película, el multiguión fue seleccionado para participar en el programa de residencia de HFPA y Film Independent en Los Ángeles.

El trabajo anterior de Västinsalo incluye los cortos. hombre bajo novia y canción de útero, que fueron nominadas respectivamente a Mejor Historia de VR en Venecia 2020 y Mejor Película de Realidad Virtual en el Festival de Cine Independiente de Nueva York de 2019. La cineasta se matriculó en AFI después de obtener su doctorado. en genética molecular de la Universidad de Helsinki, y hasta ahora su trabajo ha recibido premios y subvenciones de la Fundación de Cine Finlandés, la Fundación de Cultura Finlandesa, la Fundación Alfred P. Sloan, Oskar Öflunds Stiftelse y la Fundación Finlandia.

Västinsalo está representado por Bernie Cahill y Jon Kanak de Activist Artists Management, quienes están adjuntos a Fuego fatuo como productores ejecutivos.

El Festival de Cine de Venecia homenajeará al director y guionista australiano Peter Weir (La sociedad de los poetas muertos, El show de Truman, Maestro y comandante) con su León de Oro honorífico en su próxima 80ª edición.

Al aceptar el honor, Weir dijo: “El Festival de Cine de Venecia y su León de Oro son parte del folklore de nuestro oficio. Ser galardonado con el trabajo de toda una vida como director es un honor considerable”.

Nacido en agosto de 1944, Weir fue una de las figuras fundamentales del cine australiano de la Nueva Ola de los años 70. Comenzó su carrera en 1969 cuando aceptó un trabajo como director en la Commonwealth Film Unit, financiada por el gobierno. Weir se independizó en 1973 y dirigió su primer largometraje, el cómico-horror. Los coches que se comieron París (1974), que también escribió. Ganó una audiencia internacional con Picnic en Roca Colgante (1975), seguido de La última ola (1977), del que también coescribió el guión. El drama de la Primera Guerra Mundial Galípoli (1981), basada en una historia de Weir y protagonizada por Mel Gibson, ganó ocho premios del Australian Film Institute y pulió la reputación internacional de Weir. Su última producción australiana, que coescribió y dirigió, fue El año de vivir peligrosamente (1982), un drama ambientado en Indonesia en la época del derrocamiento del presidente Sukarno y protagonizado por Gibson y Linda Hunt.

En 1985 Weir dirigió su primera película en Hollywood, Testigo, por la que recibió su primera nominación al Oscar al mejor director. La película también obtuvo el Oscar al mejor guión original y mejor montaje. Weir continuó ganando elogios con películas como Sociedad de Poetas Muertos (1989) y El show de Truman (1998). Ambas películas se estrenaron en el Festival de Cine de Venecia. Weir luego dirigió Maestro y comandante (2003). Estas tres películas le valieron a Weir nominaciones al Oscar al mejor director. Sus otras películas incluyeron La Costa de los Mosquitos (1986), Tarjeta verde (1990), Valiente (1993), y El camino de vuelta (2010).

«En sus películas, Weir combina reflexiones sobre temas personales y la necesidad de llegar a la mayor audiencia posible», dijo el director de Venecia, Alberto Barbera. “A pesar de la diversidad de los temas que aborda, no es difícil descubrir una constante en su obra cinematográfica atrevida, rigurosa y espectacular: una sensibilidad que le permite abordar temas de gran actualidad, como la fascinación por la naturaleza y sus misterios, la crisis de los adultos en las sociedades consumistas, las dificultades de educar a los jóvenes sobre la vida, la tentación del aislamiento físico y cultural, pero también la tentación de los impulsos aventureros y el instinto de rebelión. Celebrando su gusto por la narración y el romanticismo innato, Weir ha reforzado su propio papel en el establishment de Hollywood, manteniendo al mismo tiempo su distancia de la industria cinematográfica estadounidense. Testigo, Costa de los Mosquitos, Sociedad de Poetas Muertos, Valiente, El show de Trumany Maestro y comandante son las principales etapas de una carrera artística que ha conservado su integridad subyacente, hasta el éxito comercial de las películas que ha realizado”.

El Festival de Cine de Venecia 2024 se celebrará del 28 de agosto al 7 de septiembre.

Isabelle Huppert presidirá el jurado principal del próximo Festival de Cine de Venecia.

El venerado actor francés tiene una relación de larga data con el Lido, habiendo ganado el premio de Venecia.
Coppa Volpi dos veces a la mejor actriz, primero por “Historia de mujeres” en 1988 y posteriormente por “La Cérémonie” en 1995, ambas dirigidas por Claude Chabrol.

Huppert, que ha realizado un total de ocho películas con Chabrol, también tiene una estrecha relación con el Festival de Cine de Cannes, donde en 1978 ganó la estatuilla a la mejor actriz por “Violette” de Chabrol. En 2001, Huppert ganó su segundo premio a la mejor actriz en Cannes por su espectacular interpretación de una profesora de música sadomasoquista en “El piano” de Michael Haneke. En 2005, Huppert fue honrada en Venecia con un León de Oro Especial por su papel principal en “Gabrielle”, el drama de época de Patrice Chéreau sobre un matrimonio que implosiona.

En 2017 obtuvo su primera nominación al Premio de la Academia por su papel de víctima de violación que rastrea a su agresor en “Elle” de Paul Verhoven, por la que también ganó un Globo de Oro y un Premio Independent Spirit. En 2022, Huppert fue homenajeado en el Festival de Cine de Berlín con un Oso de Oro honorífico.

“Isabelle Huppert es una actriz inmensa. Exigente, curioso y de gran generosidad”, afirmó en un comunicado el director artístico de Venecia, Alberto Barbera.

“Musa de numerosos grandes cineastas, nunca ha eludido la invitación de directores jóvenes o no tan famosos que han visto en ella a la intérprete ideal de sus historias”, señaló Barbera.

“Su enorme voluntad de arriesgarse constantemente, signo de su inteligencia fuera de lo común, junto con su capacidad de mirar el cine más allá de las fronteras geográficas y mentales, la convierten en una presidenta del jurado ideal en un festival abierto al mundo entero como como el Festival de Cine de Venecia”, añadió Barbera.

“Le estamos muy agradecidos por aceptar el cargo, conscientes de los múltiples compromisos en cine y teatro que afrontará en los próximos meses”, concluyó.

Huppert destacó su “larga y hermosa historia” con el festival. “Convertirse en espectador privilegiado es un honor”, ​​afirmó. “Más que nunca, el cine es una promesa. La promesa de escapar, de perturbar, de sorprender, de mirar bien el mundo, unidos en las diferencias de nuestros gustos e ideas”.

La 81ª edición de Venecia se celebrará del 28 de agosto al 28 de septiembre. 7

Los Giardini de Venecia son algo así como el Jardín del Edén para el arte. Si no fuera por el principio de exposición campestre. ¿Qué país envió a qué artistas a la carrera? ¿Qué pabellón es el mejor? La caída en desgracia en este paraíso es que cada dos años las naciones del mundo utilizan la bienal de arte para comercializar sus talentos artísticos.

Muchos consideran que el concepto está obsoleto. Esto se refleja en el hecho de que cada vez más pabellones nacionales se centran en cuestiones nacionales. Una enorme cabeza de dragón chino frente al pabellón nórdico, que comparten Finlandia, Suecia y Noruega, anuncia que esta vez todo es un poco diferente. Lap-See Lam ha transformado el espacio expositivo en un bosque de bambú. Allí se representa una ópera china. El artista nació en Estocolmo, pero tiene raíces en Hong Kong.

El pabellón suizo también hace tiempo que dejó de seguir la idea de un concurso de talentos nacional. El director de Pro Helvetia subrayó en la inauguración que no se trata de expresarse. «Nunca nos fijamos en los pasaportes a la hora de elegir un candidato», afirma Philippe Bischof. El artista que esta vez actúa en el pabellón nació en Ginebra, pero creció en Brasil, donde ahora vive y trabaja. Guerreiro do Divino Amor es su nombre artístico.

Guerreiro mira a Suiza desde fuera. Y hasta cierto punto es un espejo para los suizos. ¿Qué caracteriza realmente a un suizo?, se pregunta uno, tumbado bajo la gran bóveda, en cuyo techo parpadea la videoinstalación «El milagro de Helvetia». En él, Suiza se presenta como un mundo de fantasía bastante extraño. Guerreiro exagera lo supuestamente típico suizo y juega con clichés. Lo hace con humor. Y hace sonreír a muchos visitantes.

Según el artista, deberías estar un poco alienado de tu propia identidad. Por eso, en la Bienal de este año no se puede evitar pensar no sólo en el arte sino también en las identidades nacionales. Cuando uno va de un pabellón nacional a otro, rápidamente se da cuenta de que, como suizo, aquí es ante todo un extraño. Y estás en la mejor compañía. Como visitante de la Bienal, estás rodeado de extraños. En el mejor de los casos, la comunidad artística internacional ofrece un sustituto del hogar.

La parte marginada

Todo esto encaja bastante bien con el lema de la 60ª edición. “Stranieri Ovunque – Extranjeros por todas partes”. Strangers Everywhere es el título de la exposición central, que tiene lugar en el pabellón principal de los Giardini y en las salas de exposiciones del Arsenale. Fue ideado por el director de la Bienal de este año, Adriano Pedrosa.

El organizador de la exposición, nacido en Río de Janeiro, invitó a su gran muestra a artistas de todos los continentes considerados extranjeros, inmigrantes, emigrantes, exiliados y refugiados. Esto parece un poco congraciador con el espíritu de la época. Pero, ¿en qué más quiere centrarse en temas particularmente populares después de que la última bienal de arte ya estuvo dominada por mujeres? El curador también ve a los artistas homosexuales y queer como extraños; de hecho, cualquier forma de outsiderismo.

Al hacerlo, Pedrosa presta un buen servicio, intencionadamente o no. El arte como cuerpo extraño, como parte excluida de la sociedad: esa fue alguna vez la idea de la modernidad. El arte representaba la trascendencia del sujeto, la eliminación de los límites de la identidad, la salvación de la alienación en la vida laboral cotidiana. Eso la hizo sospechar. Los nazis rápidamente se dieron cuenta de esto. Y como resultado, muchos artistas fueron difamados como “degenerados” y perseguidos.

Pero el artista contemporáneo ya no es un terror para los ciudadanos. Puede que el arte todavía genere titulares como provocación, pero es cada vez más raro. El arte ha perdido en gran medida su misterio y ya no representa un mundo extraño. Más bien, se ha convertido en parte del ocio y del estilo de vida. Esto es particularmente evidente en Venecia, donde las cenas y fiestas de inauguración son una parte integral de la feria de arte bienal. El arte se ha convertido en parte de una enorme industria cultural y en el bien de consumo de un insaciable mercado del arte.

Por eso casi se agradece encontrarse por una vez con arte exclusivamente “extranjero”, arte desconocido que no ha visto en todas partes o quizás nunca. El encuentro con el extraño: esa es la verdadera aventura del arte. En la exposición principal te sumerges en muchos mundos extraños de imágenes.

Comienza en el pabellón central con una impresionante instalación de fotografía y vídeo. Proviene de la artista egipcia Nil Yalter, que ahora ha recibido el León de Oro en la Bienal de Arte por la obra de su vida. Bajo el título “El exilio es un trabajo duro”, cientos de inmigrantes miran hacia nosotros. Sus rostros dicen mucho sobre la difícil situación en un país extranjero.

Otra sala está dedicada a los artistas italianos del siglo XX que vivieron en diáspora en Europa, América, Asia o África. Cesare Ferro Milone es uno de ellos. Vivió en Bangkok en la década de 1920 y representó en sus pinturas la vida cotidiana en Tailandia, entonces todavía llamada Siam. Su retrato de una célebre bailarina de la corte real fue creado en 1925. Envuelta en preciosas túnicas, nos mira con una mirada orgullosa pero también un tanto inquisitiva: un rostro de un mundo bastante extraño y lejano.

Extraño en la patria

Entre otras cosas, también se muestran obras de indígenas de diferentes continentes. Como personas desplazadas y excluidas, a menudo se convirtieron en extraños en su propia patria. Entre ellos se incluyen artistas de un colectivo de mujeres maoríes de Nueva Zelanda. Han dotado al techo de la sala inaugural del Arsenale de una instalación deslumbrante, minimalista y atemporal realizada con fibras tradicionales que recuerda al mejor diseño contemporáneo.

En esta exposición, muchas obras probablemente se descubran como arte serio. Pero estos también serán absorbidos por el mercado tarde o temprano. Lo que antes permanecía al margen de la escena artística internacional ya no será tan extraño después de esta bienal. Pero esta edición es definitivamente buena para ampliar tus horizontes.

Fuera de la Bienal, en la Osteria alla Tana, situada a la entrada del Arsenale, destaca un cuadro que parece un cuerpo extraño entre las vedutas kitsch venecianas colgadas en marcos dorados en las paredes. Es un arte popular ingenuo, como se puede ver en todas partes en esta bienal. La pintura muestra a mujeres con vestidos coloridos trabajando en el campo. La imagen, así como todo el personal del restaurante, proceden de Bangladesh. Aquí también eres un extraño entre extraños.

La Bienal de Arte de Venecia se prolongará hasta el 24 de noviembre.

No hay paso delante del pabellón nacional de Israel en los Jardines de la Bienal de Venecia. Activistas pro palestinos se han apoderado de la explanada frente al edificio de exposiciones junto al pabellón de Estados Unidos. El lugar está cubierto de folletos rojos. Los escritos incendiarios acusan a Israel de genocidio. Mientras tanto, los activistas envueltos en banderas palestinas y pañuelos de Arafat cantan en voz alta lo que ahora se puede escuchar en manifestaciones de este tipo en todas las ciudades europeas: “Del río al mar” es un eslogan que niega a Israel el derecho a existir.

Tres soldados custodian las puertas del pabellón. Estos permanecen cerrados. Sin embargo, no como resultado de la protesta de activistas antisemitas de la organización Art Not Genocide Alliance. Más bien, son los propios responsables del pabellón los que descartan temporalmente abrirlo, como anunciaron en un comunicado colgado en la puerta: «El artista y los curadores del pabellón israelí abrirán la exposición tan pronto como se llegue a un acuerdo sobre una alto el fuego y liberación de rehenes».

Establecer una señal

Sin embargo, cualquiera que esperara que esta decisión quitara el viento a los agitadores antiisraelíes estaba equivocado. La artista israelí Ruth Patir, que diseñó el pabellón israelí para la 60ª Bienal de Arte de Venecia, dijo al New York Times que no estaba nada contenta con su decisión, pero consideraba importante el cierre. Aunque la Bienal es una gran oportunidad para una artista joven como ella, la situación en Gaza es “mucho más grande que yo”, y cerrar el pabellón es su única forma de comprometerse a un alto el fuego.

Es un pequeño consuelo que la acción de la artista siga atrayendo cierta atención internacional, incluso si su arte no puede verse o sólo a través de las ventanas del edificio de exposiciones. Por negarse a abrir el pabellón, Patir recibe duras críticas en Israel. Esto es especialmente cierto después del ataque con drones de Irán a Israel. El gobierno israelí pagó la mitad del coste del pabellón. No fue informada de la protesta del artista y de las dos comisarias Tamar Margalit y Mira Lapidot.

Nada nuevo

Miles de trabajadores culturales ya habían firmado en febrero la carta abierta de la organización activista Art Not Genocide Alliance. Pidió que Israel fuera excluido de la exposición de arte nacional en Venecia. El pabellón de Israel fue descrito como el «pabellón del genocidio». Cualquier representación oficial de Israel en el escenario cultural internacional es un respaldo al «cruel sistema de apartheid» de Israel y al «genocidio en Gaza», decía la petición.

No hubo mención de las atrocidades cometidas por Hamás el 7 de octubre. Incluso ahora, nada de esto se puede encontrar en los folletos que circulan por ahí. Los activistas critican el cierre del pabellón israelí por parte del artista israelí y de los curadores como un gesto vacío y oportunista “dirigido a la máxima cobertura mediática”.

El tumulto actual no es nada nuevo en la historia del pabellón israelí. En 1982, después de que Israel invadiera el Líbano, los comunistas italianos detonaron una bomba frente al edificio. En 2015, el pabellón incluso fue ocupado por activistas pro palestinos.

No está claro si la contribución de Ruth Patir a la Bienal “(M)otherland” podrá exhibirse antes de que finalice la Bienal en noviembre. El artista se ocupa de antiguas estatuas de fertilidad de la antigua Palestina. Critica así la presión que hoy se ejerce sobre las mujeres para que sean madres. En un vídeo animado muestra las figuras de terracota durante una procesión de demostración. Estas figuras femeninas, a menudo fragmentadas, a algunas de las cuales les falta cabeza y extremidades, recuerdan inevitablemente la masacre de Hamás del 7 de octubre.

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