El Festival de Cine de Cannes de este año comenzó con muchos expertos y críticos especulando que fue un mal año para la competencia. Sí, hubo algunos títulos importantes de nombres famosos, pero pocos parecían verdaderos contendientes a la Palma de Oro. Todo eso cambió, de manera algo sorprendente, en los últimos días del festival, cuando de repente se estrenó un tema tras otro y la carrera se calentó. Al final, terminó siendo una de las programación de Cannes más interesantes de los últimos años, tanto por la competencia como por las numerosas secciones paralelas del festival. Aquí están las 12 mejores películas que vimos en Cannes este año.

El segundo largometraje del cineasta galés zambiano Rungano Nyoni, Sobre convertirse en gallina de Guinea es completamente singular, una comedia surrealista y oscura sobre secretos familiares y la forma en que las personas cierran filas y encubren cosas para protegerse unos a otros, pero finalmente terminan perpetuando un daño grave. Vemos todo esto a través de los ojos de Shula (Susan Chardy), quien, vestida inexplicablemente con el disfraz de “La Lluvia” de Missy Elliot, pasa junto al cadáver de su tío al costado de la carretera. Ella llama a su padre para hacérselo saber, completamente inexpresiva e impasible ante todo el asunto. En la siguiente procesión fúnebre, aprendemos qué clase de hombre era realmente el tío de Shula: todas las mujeres de la familia de las que abusó y los hombres y mujeres por igual que giraron la cabeza y lo protegieron de las consecuencias. Es una película inquietante, pero llena de humor absurdo y un estilo visual distintivo que anuncia a Nyoni como un verdadero talento.

Ganador del premio del jurado Emilia Pérez es una película increíblemente audaz que parece como si Pedro Almodóvar hubiera rehecho Señora. Doubtfire como un abrasador drama criminal musical. Están sucediendo tantas cosas en esta película (narrativa, estructural, musical, teatral y política) que casi no debería funcionar, lo que hace que su calidad sea aún más impresionante. La historia, que Jacques Audiard adaptó libremente de la novela de Boris Razon Écoute, comienza con Zoe Saldaña como Rita, una talentosa abogada defensora criminal que está abrumada, mal pagada y espiritualmente perdida. Un día, recibe una llamada telefónica de un poderoso extraño que resulta ser un capo del cartel llamado Manitas (Karla Sofia Gascón). Manitas tiene una petición secreta y extremadamente lucrativa para Rita: ayudarlo a desaparecer de su vida, incluidos sus hijos y su esposa, Jessi (Selena Gomez), y someterse a una cirugía de confirmación de género para vivir como mujer. Lo que sigue es operístico en todos los sentidos, a veces melodramático, desgarrador e infinitamente mutativo. Saldaña y Gómez hacen algunos de sus mejores trabajos, y Gascón, una recién llegada a la industria cinematográfica que anteriormente ha hecho telenovelas en su España natal, es una revelación total.

Mikey Madison me robó el corazón en Pamela Adlon Mejores cosas como su enojada y malhumorada hija adolescente, Max. Ella es de alguna manera incluso mejor en Añorala última entrada de Sean Baker ganadora de la Palma de Oro en su canon de comedia dramática sobre trabajadoras sexuales (Starlet, Mandarina, Cohete Rojo). Madison interpreta el papel principal, una stripper de Brighton Beach con un chip de Brooklyn en el hombro, un gran sentido del humor y una esperanza secreta de un romance maravilloso. Vanya (Mark Eydelshteyn), el hijo fallido de un oligarca ruso, la contrata como «mi novia cachonda de la semana», y pronto los dos están perdidamente enamorados y se dirigen a Las Vegas para una fuga alimentada con ketamina. Sin embargo, esto no es un cuento de hadas; Una vez que los padres multimillonarios de Vanya se enteran de lo sucedido, envían a sus matones tras Anora y Vanya, quienes huyen ante la primera señal de conflicto. La película se vuelve frenética, Fuera de horas equipo desde allí con Anora y los rusos persiguiendo a Vanya por todo Coney Island, incluso de regreso a su club de striptease (poblado por varias strippers increíbles de la vida real). El final presenta un sorprendente golpe emocional por parte de Madison, quien estaba entre las favoritas para ganar el premio a Mejor Actriz en el festival.

Es difícil hacer una gran película navideña, y mucho menos una que se estrene en mayo en medio de un festival de cine famoso y pretencioso, pero esta me robó el corazón con su nostalgia desenfrenada, humor y calidez genuina. Tyler Taormina Nochebuena en Miller’s Point Sigue a una familia de Long Island durante lo que podría ser la última fiesta de Nochebuena en la casa de su amada matriarca, entretejiendo conversaciones, momentos tranquilos, romances, discusiones y pequeñas y extrañas misiones secundarias. No “sucede” mucho, pero las vibraciones son increíbles.Fanny y Alejandro se encuentra con el indie amor en realidad sin todo el sexismo endémico. El casting está lleno de sorpresas sutiles: Michael Cera aparece como un policía silencioso y lujurioso; Francesca Scorsese interpreta a una prima suburbana.

Segunda película de la guionista y directora francesa Coralie Fargeat tras el thriller de 2017 Venganza, Esta fábula explícita de terror corporal sigue a Demi Moore como una estrella al estilo Jane Fonda llamada Elisabeth Sparkle, que está siendo despedida sin ceremonias de su puesto de décadas como presentadora de un exitoso programa de ejercicios diurno. En lugar de desvanecerse en la oscuridad a la que ha sido condenada, Elisabeth apuesta por una droga del mercado negro llamada Sustancia, que hace que Margaret Qualley salga disparada de su espalda. El resto de la película avanza de forma igual de sangrienta y salvaje, un grito de rabia en forma cinematográfica. Reseñas de La substancia Se han mezclado con críticos que no están de acuerdo sobre si la película es una obra explícitamente feminista o es tan objetivante como la industria que critica, e incluso yo todavía estoy luchando con esa pregunta. Pero no puedo dejar de pensar en ello.

El director chino Jia Zhangke ha estado trabajando en esta película durante los últimos 20 años, aunque originalmente no estaba seguro de cómo se vería. Filmada en 2001, 2007, 2017 y 2022, la película narra las vidas de dos amantes (Zhao Tao y Li Zhubin) de la ciudad nororiental de Datong a medida que se distancian geográfica y emocionalmente durante un período sísmico en la historia moderna de China. Frente al fascinante y discreto drama de la película (la actuación sin palabras de Zhao es uno de los giros más conmovedores que he visto en los últimos años), Jia muestra, a través de material documental de época filmado por sus equipos durante este tiempo, la forma en que ha cambiado la relación del país con Occidente. . Piensa en ello como si Niñez, pero no solo narra el cambio de una persona, sino de toda una nación y una cultura. Esta es una obra maestra de uno de los grandes directores del mundo.

Ganadora del premio al Mejor Director, la del cineasta portugués Miguel Gomes Grand Tour fue una de varias entradas de este año que utilizaron resmas de material documental de maneras interesantes. Una pareja británica que está a punto de comprometerse se separa cuando el hombre deja su puesto como administrador británico en Birmania y comienza un viaje descarriado y a la deriva a través del este de Asia, arrastrado de un lado a otro por la fortuna y un deseo persistente de alejarse de su inminente matrimonio. . La mujer está cómicamente decidida e incapaz de aceptar un no por respuesta; ella sigue su camino con determinación feroz. La película está ambientada en 1918, pero en cada paso del camino, Gomes utiliza material documental contemporáneo para ubicarnos en un contexto onírico más amplio en el que el pasado y el presente se confunden. Los narradores que hablan en el idioma de cada país retoman la historia a medida que cruza fronteras, incorporando mitos y rituales locales para crear algo parecido a una fábula posmoderna: una sobre cómo dos almas con actitudes completamente diferentes hacia la vida terminan en el mismo viaje. Dolorosamente bella y misteriosa, como todas las películas de Gomes.

La película ganadora del Gran Jurado de Payal Kapadia analiza la vida de dos enfermeras que viven juntas en un apartamento estrecho en Mumbai, cada una tratando de navegar relaciones inciertas: una está enamorada de un joven musulmán de una familia devota; la otra no ha sabido nada de su marido, trabajador migrante, desde hace años. Al menos tienen un lugar donde quedarse, a diferencia de una amiga mayor que también trabaja en el hospital y corre peligro de perder su casa. La ciudad abarrotada y sin dormir los invade a su alrededor, filmada por Kapadia en cautivadores pasajes documentales (un motivo estilístico común en Cannes este año, en caso de que no lo hayas notado). Con el tiempo, sus mundos cambian de maneras inesperadas e irreales que llevan esta película inquietante y compasiva al reino del realismo mágico.

A primera vista, la película de Matthew Rankin parece algo que los fanáticos del cine aprecian mejor, pero sospecho que resonará mucho más allá de las filas de los pálidos y puntiagudos. En Lenguaje universalWinnipeg e Irán, la versión ligeramente inclinada del mundo, se han fusionado. Todo el mundo habla farsi. Cantan canciones persas. Beben el té poniéndose primero un terrón de azúcar en la boca. La película de Rankin se desarrolla con una mezcla deliciosamente desorientadora de realismo poético (que naturalmente recuerda la Nueva Ola iraní), vuelos de comedia surrealista y una desolación irónica e inexpresiva. Es una película magnífica, que resulta cálida y familiar incluso cuando nos damos cuenta de lo sorprendentemente original que es.

Con Rumores, el legendario director canadiense Guy Maddin, en colaboración con sus colaboradores habituales, Evan y Galen Johnson, ha realizado la que puede ser su película más divertida hasta la fecha. Pero como siempre ocurre con Maddin, el humor está algo enrarecido. Rumores Sigue a los líderes del G7 mientras se pierden en un bosque alemán y son acosados ​​por misteriosas figuras antiguas mientras son consumidos por sus propias y extrañas pasiones. Afortunadamente, Maddin y los Johnson desarrollan efectivamente su historia, por ridícula y absurda que sea, de modo que estas constantes críticas a nuestros líderes ineficaces se fusionan en algo significativo y alarmante. Rumores Comienza centrándose en cómo el capullo del liderazgo es al mismo tiempo un privilegio y una maldición para estas personas. Al final, entendemos que los que realmente estamos condenados somos el resto de nosotros. Pero el hecho de que nos ahoguemos con la risa no significa que no sigamos riéndonos.

Paolo Sorrentino ha visto todas vuestras opiniones sobre la mirada masculina y ha decidido contrarrestarlas con una película sobre la vida de una mujer trascendentalmente hermosa. Ese es el lema provocativo, supongo. Pero en verdad, partenope Se trata menos de una persona hermosa que de nuestra idea de la belleza misma tal como se refleja, proyecta, encarna y percibe. En esta película episódica, Partenope (interpretada durante la mayor parte por Celeste Dalla Porta) entra en contacto con una serie de figuras: jóvenes amantes, una actriz anciana, un gángster, un sacerdote de mala calidad y (en un interludio extraño y encantador) un John Cheever, muy borracho, interpretado por Gary Oldman. Algunos la codiciarán, una pareja no se atreverá a hacerlo, pero todos la adorarán en algún nivel. Y ninguno será completamente sincero u honesto con ella porque hay algo fundamentalmente fulminante y alienante en estar en su presencia: es una cortina emocional que, a lo largo de su vida, Partenope lucha por romper. Llega a sentirse como un avatar de las ideas mismas de juventud y posibilidad, lo que también la convierte en un avatar de lo opuesto a esas cosas: la idea de que la vida eventualmente nos pasa a todos de largo. Al crear una película sobre una persona hermosa, Sorrentino nos recuerda que, en nuestros recuerdos, todos fuimos hermosos alguna vez.

George Miller furiosa se siente como un contrapunto personal, quizás necesario, a las euforias de su película anterior en el Mad Max saga, Camino de furia. Esa obra maestra de 2015 fue tan conmovedora que era fácil perder de vista el panorama más amplio y triste. furiosa – sombrío, firme y sumamente retorcido – es un recordatorio de que se supone que nada de esto es realmente genial. “Ya estamos muertos, Little D, tú y yo”, le dice Dementus, el sádico señor de la guerra interpretado por Chris Hemsworth, a la vengativa Furiosa interpretada por Anya Taylor-Joy en un momento al final de la película, usando el apodo que le puso cuando era niña. Estos son el Fin de los Tiempos y ellos son las Personas del Fin. Esta serie nació bajo el signo del dolor y sigue viviendo allí.

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El periodista y escritor Franz-Olivier Giesbert es el invitado de “La grande entrevista”. Al micrófono de Romain Desarbres, vuelve al debate entre el primer ministro Gabriel Attal y el presidente del Rally Nacional Jordan Bardella, que tuvo lugar este jueves por la noche en France 2.

Este fin de semana se celebró el Gran Premio de Miami, una carrera de Fórmula Uno que se ha convertido en un evento muy animado para que las celebridades lo vean y lo vean. Puede que Taylor Swift no haya aparecido, pero A$AP Rocky y Rihanna estuvieron allí para organizar un evento de PUMA para celebrar la última colaboración de A$AP con la marca; Travis Kelce aceptó un brazalete de la amistad de un fan; y Tom Brady pasó para pasar el rato con Jeff Bezos antes de su divertido e incómodo asado en Netflix. Incluso Donald Trump apareció, causando revuelo, y pasó el rato en el garaje de McLaren. Aquí están los atletas, modelos, músicos e influencers vistos disfrutando de carreras de autos en Miami este fin de semana.

Independientemente de lo que piense sobre «The Last Stand», es innegable que la película continuó la racha de victorias financieras de los X-Men, así que ¿por qué detenerse ahí? Esa era la mentalidad de la productora ejecutiva Lauren Shuler Donner cuando comenzó las negociaciones con el elenco para regresar para una cuarta película. Sin embargo, la producción de las próximas películas de X-Men, lo que se convirtió en «X-Men Origins: Wolverine» y la precuela de Magneto, que luego se desechó (llegaremos a eso), estaba destinada a retrasar las cosas. Era difícil prever si Donner sería capaz de reunir a su elenco repleto de estrellas para otra entrega, y mucho menos pagarlas.

Le tomó algunos años pero, en 2011, Donner confirmó con Empire (a través de WhatCulture!) que había presentado un tratamiento para «X-Men 4», que se relacionaba directamente con «X-Men 5», y Fox se mostró muy receptiva. . ¿Entonces qué pasó? Ninguno de los involucrados ha dicho la razón exacta, sin embargo, la historia habla por sí sola. Bryan Singer fue elegido para producir «X-Men: The Last Stand», dirigida por Matthew Vaughn, a quien se le propuso dirigir «X-Men 4» después de eso.

«X-Men 4» habría utilizado el arco cómico de «Días del futuro pasado» como punto de partida para incorporar tanto al elenco antiguo como al nuevo, generando una nueva trilogía de películas. Cuando las diferencias creativas relacionadas con un plan para engañar a la estrella de la franquicia Halle Berry llevaron a la partida de Vaughn en «The Last Stand», el viejo y confiable Singer fue el reemplazo obvio, a pesar de que también dejó «The Last Stand». Por supuesto, Vaughn terminó dirigiendo «X-Men: First Class» de todos modos, y todo lo que Fox quería de una posible cuarta y quinta película de la franquicia «X-Men», lo sacaron de la eventual «Días del futuro pasado». «adaptación dirigida por Singer.

Por más salvajes que parezcan esos dos guiones anteriores de «Halloween 6», tenga en cuenta que el «Halloween 6» real existe en dos versiones tremendamente diferentes: el estreno en cines y la versión del productor. Ninguno de los dos es muy bueno a menos que seas un fanático acérrimo, y la inclinación hacia el terror de Cult of Thorn finalmente terminaría con la línea de tiempo para siempre. Son películas raras, lo contrario de lo que Akkad quería, así que, naturalmente, la necesidad de más en forma de algún tipo de «Halloween 7» resultó no menos desafiante que cualquier secuela desde la primera.

La idea de la secuela de Daniel Farrands amplió aún más el Culto de la Espina. Según «Taking the Shape II», su «Halloween 6» se lanzó con una secuela en mente, aunque las reescrituras extensas hicieron que su propuesta de seguimiento fuera discutible. Los personajes que se necesitaban vivos ahora estaban muertos, y se suponía que Laurie Strode regresaría de entre los muertos para salvar a su hija. En cambio, Akkad quería seguir adelante, no más secuelas directas, y contrató a Robert Zappia para que lo intentara. Su slasher ambientado en la escuela tiene muchas escenas estelares, incluida una masacre en una piscina, aunque se planeó como directo a video. No hubo personajes que regresaran, ni Haddonfield y, lo más importante, un segundo asesino por completo.

Sin embargo, Jamie Lee Curtis quería regresar para el aniversario de la serie, y pronto se involucraría, trayendo con sus nuevos escritores, incluido el escritor de «Scream» Kevin Williamson, nuevos tratamientos, arbitraje WGA y un «Halloween H20» (visto arriba). ) que conserva más ideas de Zappia de las que habíamos visto en proyectos abandonados en el pasado. Por sus esfuerzos, Zappia recibió crédito tanto por la historia como por el guión.

El amor por «Matilda la Musical» tampoco es exclusivo del cine, con dos Los artistas sustitutos de Broadway, Gabriella Pizzolo y Brooklyn Shuck, ahora protagonizan algunos de los programas de televisión sobrenaturales más importantes que se emiten actualmente. Pizzolo es una chica incondicional de Broadway que también actuó en «Fun Home» y «Sunday in the Park with George», pero se convirtió en un nombre familiar cuando asumió el papel de Suzie Bingham en «Stranger Things». la novia científica de Dustin Henderson (Gaten Matarazzo, otro chico de Broadway) con un profundo amor por «La historia interminable». Actualmente también desempeña un papel recurrente en «Pretty Little Liars: Original Sin» como Angela Waters, un programa melodramático para adolescentes que también funciona como una serie de terror.

Asimismo, su compañero «notable reemplazo de Broadway» Brooklyn Shuck interpreta a Lynn Bouchard en el drama sobrenatural «Evil» de CBS/Paramount+. Ella es la mayor de cuatro hijas del protagonista del programa, y ​​los hermanos son como una versión más divertida y revoltosa de las hermanas March en «Mujercitas». The Daily Beast informó que las cuatro hermanas son las únicas en el set a las que se les permite improvisar verdaderamente durante las escenas, lo que significa que la experiencia teatral de Shuck ciertamente es útil. Y luego está la inglesa Eleanor Worthington Cox, una de las famosas sustitutas de «Matilda» durante la producción del West End, que todavía se dedica principalmente a la interpretación teatral, pero ha incursionado tanto en el cine como en la televisión. En particular, Cox interpretó a Janet Hodgson en la serie dramática de terror «The Enfield Haunting», donde fue nominada al Premio de Televisión de la Academia Británica a la Mejor Actriz de Reparto. Si «The Enfield Haunting» te suena familiar, esta es una dramatización de la historia que sirvió de base para «The Conjuring 2».

Estas menciones son solo las artistas de Matilda que son fácilmente identificables porque sus producciones fueron lo suficientemente destacadas como para encontrarse en línea y no tienen en cuenta las numerosas producciones regionales, comunitarias y educativas que también podrían haber sido el trampolín para los jóvenes artistas de terror. . Que esto sea una lección para todos nosotros: si un joven actor puede fingir de manera creíble que mueve objetos con su mente en el escenario, será genial en una película de terror.

Nunca es bueno recomendar una comedia diciendo que te hace llorar, pero de alguna manera azulado, una comedia para niños, se siente más real y más veraz que cualquier otra cosa en la televisión. Veo mucho de mí en los triunfos y fracasos de Bandit mientras intenta criar a sus dos hijas. Asiento con la cabeza ante todas sus tácticas de crianza fallidas que, lo admito, también he probado con mis dos hijos. Y luego, al final de tantos episodios, me daré cuenta de que la parte delantera de mi camiseta está mojada de lágrimas porque he estado llorando.

No puede haber mucha gente que no esté familiarizada con azulado, la serie de televisión infantil más importante del planeta, si no la serie más importante en general. Cada episodio de siete minutos es una comedia de situación sobre los Heelers, una familia de perros antropomórficos que viven en Brisbane, Australia. Bluey y su hermana menor Bingo viven con sus padres Bandit y Chilli. El programa comenzó centrándose en los momentos de juego que los niños tendrían entre ellos o con sus padres. Pero rápidamente se expandió para crear un mundo rico en la línea de Los Simpsons, con historias de toda una ciudad. Ahora puede relegar regularmente a los Heelers a un segundo plano para centrarse en el profundo elenco de personajes del programa.

Cerró su tercera temporada con “The Sign” del domingo pasado, un episodio (comparativamente) épico de 28 minutos y esta semana con “Surprise”, una pequeña y dulce posdata. El largo tiempo de ejecución del primero se describió como un ensayo para cualquier posible película de Bluey, concluyendo varias de las historias del programa. Se centra en una boda que tiene lugar en la casa de los Heeler a la sombra del plan de la familia de mudarse a otra ciudad. No voy a desvelar mucho más que decir que “The Sign” es una historia sobre la magnitud del cambio y cómo afecta tanto a padres como a niños. Gran parte se centró en la decisión de Bandit de mudarse en busca de un trabajo mejor remunerado y la forma en que eso afectó a Chilli y a las dos niñas. Es un tema complicado, especialmente porque pone de relieve que los padres a menudo sólo quieren hacer lo mejor para sus hijos.

Mientras tanto, “Sorpresa” se centra más en la lucha mundana de Bandit al intentar jugar dos juegos diferentes con sus hijas al mismo tiempo. Por mucho que Bluey quiera que sean solo siete minutos de diversión tonta, no puede evitar ser honesto sobre el trabajo emocional y físico de la crianza de los hijos. Lo único que Bandit quiere hacer es sentarse y ver deportes en la televisión, pero sus hijas no le permiten ese lujo. Lo persiguen por toda la casa, lo obligan a fingir que le enseña a una pelota de tenis a andar en bicicleta y luego le arrojan pelotas de ping pong disparadas con un lanzador de juguetes. (azul Me complace resaltar la frecuencia con la que Bandit recibe un golpe en la ingle como consecuencia del juego que estén jugando las niñas).

La recompensa de todo ese esfuerzo llega en el último medio minuto del episodio, que es cuando comencé a sollozar. Por mucho que pueda presentarse como un limpiador del paladar después de la escala y el peso emocional del episodio anterior, los momentos finales ofrecen un golpe real (aunque agradable) en el estómago. No puedo evitar sentir muchos paralelos en la vida de Bluey y la de mi propia hija (de edad similar), y también sentir mucho parentesco con Bandit. Si soy una centésima parte de un buen padre como este tonto perro de dibujos animados que a menudo se equivoca, entonces sentiré que he hecho un buen trabajo.

Se ha especulado que esta tercera temporada podría ser el final de Bluey. informó la incertidumbre sobre el futuro del creador Joe Brumm en el programa, aunque el productor Sam Moor ha dicho que continuará de alguna forma. Cualquier retraso también correría el riesgo de que los niños actores, que permanecen en el anonimato por su propia seguridad, envejezcan y no puedan desempeñar sus papeles. Pero en muchos sentidos, azulado no poder no continuar dado que el programa es ahora una fuente de ingresos multimillonaria para la BBC, que posee una gran parte de los derechos del programa.

No quiero despedirme de Bluey and the Heelers, y preferiría que mantuvieran el elenco como está y los dejaran crecer junto a Bandit y Chilli. Eso, para mí, sería algo honesto, en lugar de caer en la falsificación que persigue a tantos programas de televisión que enfrentan este problema. Pero si tienen que irse, elegiré recordar azul Tres temporadas perfectas a través de los altibajos de la paternidad.

Cartera fría

Hay una razón por la que Steven Soderbergh otorgó dinero a este pequeño y desagradable thriller para terminar su postproducción: Cutter Hodierne. Cartera fría es una evocadora porción de sátira social y pesadilla. En esencia, la historia tiene un peso casi bíblico cuando tres merodeadores y merodeadores de Reddit (Raúl Castillo, Tony Cavalero y Melonie Diaz) deciden vengarse de un multimillonario cripto hermano (Josh Brener) que defraudó a los usuarios de su casa de cambio de divisas en línea. Pero cuando irrumpen en su casa y lo atan para extorsionarlo, todavía terminan jugando sus juegos uno por uno, y él los pone uno contra el otro. El siglo XXI en pocas palabras.

Cuco

Cuco y Inmaculado Fue una gran función doble para mí en SXSW. Ambos se adentran en el territorio loco por el cual estoy aquí, y ambos protagonizan Euforia Actrices que aportan todo su poder a extravagantes películas de terror. En este caso, es Hunter Schafer como una adolescente que es desarraigada de su hogar en los Estados Unidos a un resort en los Alpes alemanes dirigido por un científico loco, interpretado por Dan Stevens, que claramente disfruta de ser deliciosamente espeluznante, y con una especie de criatura deambulando. la zona. Cuanto menos se hable del argumento de esta película, escrita y dirigida por Tilman Singer (Luz), mejor. Y, francamente, cuanto menos sepa sobre la naturaleza particular de los pájaros cuco, mejor. Cuco Es súper extraño e inmensamente visible. Y el trío de Singer, Schafer y Stevens son muy convincentes juntos, y me quedé con ganas de otra colaboración de ellos.

Correo muerto

Los cineastas Kyle McConaghy y Joe DeBoer profundizan en el terror de baja fidelidad y las emociones neo-noir de los 80 con su película independiente que cambia el género. Correo muerto. La película comienza con un hombre (Sterling Macer Jr.) que intenta desesperadamente enviar una carta alterando a alguien antes de ser brutalmente sometido, preparando el escenario para un misterio obsesivo. Cuando el investigador de cartas muertas Jasper (Tomas Boykin) recibe la carta, se propone aprender más sobre la siniestra nota antes de encontrarse con un extraño hombre llamado Trent (John Fleck), que recientemente se ha convertido en vecino de Jasper.

Correo muerto es realmente una película sobre la obsesión, con cada uno de sus personajes principales obsesionados con cosas diferentes, algunos llegando a extremos asesinos para mantener sus intereses. La película también es una carta de amor a una era más analógica, desde elementos de la trama como la instrumentación electrónica hasta su evocador diseño de sonido y banda sonora. Temperamentales y liderados por un elenco impresionante que opera en la cima de sus poderes, Correo muerto es todo asesino, sin relleno, que atrae al público cada vez más hacia el oscuro misterio en su esencia.

Camino del desierto

El desierto puede ser un espacio imponente y expansivo, pero también aterradoramente abrumador y capaz de guardar sus propios secretos oscuros y siniestros. Esta sensibilidad está en el centro de Camino del desierto, un thriller independiente simple y mezquino escrito y dirigido por Shannon Triplett como su primer largometraje. La película se centra en una joven, interpretada por Kristine Forseth, cuyo coche se avería en medio de un viaje por el suroeste de Estados Unidos cuando sale de Los Ángeles. Mientras espera ayuda, la mujer se ve desanimada por una variedad de figuras extrañas en el desierto que la rodea, incluido el encargado de una gasolinera cercana (Max Mattern), y su situación se vuelve más desgarradora a medida que se pone el sol.

Saltando rápidamente a la inquietante premisa, Camino del desierto tiene un ritmo tenso y mantiene a su audiencia desequilibrada a medida que aumenta lo que está en juego y lanza muchas curvas narrativas para mantener a los espectadores alerta. En el centro del escenario de la película están Triplett y Mattern, con Triplett capturando perfectamente la ansiedad que surge con las circunstancias cada vez más espantosas de su personaje, junto con los actores veteranos Frances Fisher y Beau Bridges en papeles secundarios memorables. Con sus sorprendentes florituras, cuanto menos detalles se conocen Camino del desierto entrando, mejor. En lugar de eso, saboree los giros y vueltas y la cinematografía absolutamente hermosa del desierto del suroeste.

South by Southwest ha sido durante mucho tiempo un puerto de celebridades bulliciosas, pero la programación de este año estuvo especialmente repleta de estrenos de primer nivel. Cuando los espectadores llenaron las calles cercanas al majestuoso Teatro Paramount de Austin para vislumbrar a Ryan Gosling y Emily Blunt cuando llegaban para El chivo expiatorio En la caja de una camioneta, los vítores que siguieron se pudieron escuchar hasta Los Ángeles. Sydney Sweeney desveló la pesadilla de terror católica Inmaculado con la ayuda de un espeluznante coro de monjas. Conmovidos por las reacciones del público en tiempo real ante sus películas, Dev Patel y Anne Hathaway se secaron las lágrimas. «No tienes idea del regalo que nos acabas de dar con tu capacidad de respuesta al estar tan conectado con cada pequeño matiz de esto», dijo Hathaway en el escenario después La idea de ti terminó. «Nunca olvidaré esta proyección».

Esa es la manera SXSW. Si buscas las hordas de festivales más entusiastas del planeta, no hay mejor plataforma de lanzamiento. Ciertamente funcionó para Todo en todas partes y a la vez, la eventual ganadora de Mejor Película que se estrenó en SXSW, un nivel alto que el festival perseguirá para siempre. Pero la exhibición no se limitó a películas de estudio con planes de estreno ya preparados. También brillaron muchos títulos más pequeños que esperaban la distribución de tierras. Aquí hay 12 películas de diversa talla que merecen ser éxitos este año.

Si hay algo que SXSW va a hacer es programar un exceso de comedias tan ruidosas que los chistes quedan ahogados por la risa del público. El mejor destructor de tripas de este año fue chicas, El primer proyecto de acción real de Pamela Adlon desde Mejores cosas. Es a la vez una historia de maternidad y una historia de amistad sobre mejores amigas de toda la vida (Ilana Glazer y Michelle Buteau), una de las cuales está casada y tiene hijos y la otra es soltera pero queda inesperadamente embarazada. En una especie de reversa Niño obvio, ella opta por quedarse con el bebé, para desconcierto de su mejor amiga. Glazer coescribió el guión con Ciudad ampliaJosh Rabinowitz, y su ADN cómico (diálogos rápidos, humor grosero, falta de objetivo milenaria) están por todas partes en esta joya. chicas pregunta cómo es la compañía adulta una vez que el botín de la juventud se ha disuelto. La respuesta es dulce y divertida.

Neón se lanzará chicas el 17 de mayo.

La manada de lobos La directora Crystal Moselle formó pareja con el curador de arte Derrick B. Harden, quien apareció en un episodio de su programa de HBO. betty, para hacer este diario de viaje improvisado sobre un agente del caos nacido en Brownsville. Cuando Khalid (Harden) se fuga a Bulgaria para conocer a su nueva «mamá de azúcar», se encuentra con un pequeño problema: ella murió apenas unas horas antes de su llegada. ¿Qué puede hacer un estadounidense arruinado que perdió su pasaporte y no habla ni una pizca de búlgaro? Ajetreo. Harden se abre paso con encanto a través de esta comedia de errores, que se convierte en un romance en ciernes cuando Khalid abre un café inspirado en Brooklyn (léase: vende té matcha) con la ayuda de una comprensiva local (Irmena Chichikova).

El mar Negro está buscando distribución.

Fácilmente la película más hermosa de SXSW, el debut de Tracie Laymon ganó el premio del jurado al largometraje narrativo y pronto se ganará tu corazón. Barbie Ferreira ofrece una actuación encantadora como Lily, una aparentemente despreocupada que complace a la gente y que probablemente enviará mensajes de texto «¡no hay problema!» incluso si ella realmente quiere decir «PIERDE MI NÚMERO, Idiota». Cuando su padre ensimismado (Tercera roca del sol‘s French Stewart) la descarta, Lily se hace amiga de otro Bob Trevino (John Leguizamo) en Facebook. Muy pronto, se convierte en una figura paterna sustituta. Puede sonar empalagoso, pero esta comedia de dos almas perdidas trasciende sus convenciones con personajes fuertemente definidos y un guión divertido.

A Bob Treviño le gusta está buscando distribución.

Hasta ahora, Alex Garland se ha posicionado como un genio de la ciencia ficción, lo que hace que la absoluta plausibilidad de Guerra civil tanto más discordante. La trama está ahí en el título. Evitando los clichés de “izquierda versus derecha” que se esperan de una película sobre la desunión nacional, Garland imagina unos Estados Unidos desgarrados por un presidente autoritario (Nick Offerman) que ha convertido el país en una gran zona militar después de la secesión de Texas y California. Centrándose en cuatro periodistas que viajan en camioneta a Washington, DC, la película es principalmente un estudio itinerante de personajes, hasta que llegan a la capital para un tercer acto explosivo y distópico. Este es el lanzamiento más caro de A24 hasta la fecha y lo demuestra: volar el Monumento a Lincoln no es barato.

A24 se lanzará Guerra civil el 12 de abril.

Dos días después de cantar «I’m Just Ken» en los Oscar, Ryan Gosling apareció en SXSW para destapar otra habitación. El chivo expiatorio es una flexión de longitud de función. Gosling era un titán de la comedia mucho antes Barbie (ver: Amor estúpido loco; Los buenos chicos; todos los programas de entrevistas en los que ha aparecido), y Hollywood finalmente se ha puesto al día. En la nueva versión de David Leitch del programa de televisión de los años 80 sobre especialistas que también son cazarrecompensas, Gosling interpreta a un coreógrafo de acción bromista que hará cualquier cosa por su verdadero amor (Emily Blunt), incluso cazar al actor rebelde (Aaron Taylor-Johnson) secuestrando su debut como directora. El chivo expiatorio es una acción llena de adrenalina que complace al público, una dulce comedia romántica, una oda al trabajo de acrobacias agotador y una explosión de carisma de estrella de cine.

Universal Picture se estrenará El chivo expiatorio el 3 de mayo.

Es exactamente lo que esperas de una película en la que Anne Hathaway se enamora de un cantante de una boy band que conoce mientras usa el baño en Coachella: lindo, juguetón, absolutamente inverosímil. es de hathaway Notting Hillsu Cómo Stella recuperó su ritmo. Algunas personas esperan toda su vida por un momento como este. Su perseguidor (Nicholas Galitzine, la estrella en ascenso de Fondos y Rojo, blanco y azul real) es un tipo de Harry Styles perseguido por los paparazzi, lo que presenta una propuesta compleja para que la considere un dueño mayor, divorciado de una galería de arte de Silver Lake y con una hija adolescente (Ella Rubin). Michael Showalter dirigió La idea de ticon Jennifer Westfeldt adaptando la primera novela de Robinne Lee.

Prime Video se lanzará La idea de ti el 2 de mayo.

Aquí hay un Dev Patel completamente nuevo. Este es Dev Patel, el director, Dev Patel, el héroe de acción, y Dev Patel, el rompecorazones. El vió John mecha y dijo: «Sólo espera». Retumbando a través de una metrópolis india ficticia sobrecargada de conflictos políticos, Hombre mono sigue a un luchador clandestino decidido a vencer a los autoritarios corruptos que mataron a su madre. Incluso cuando la historia de fondo se confunde, los fuegos artificiales nunca cesan. En un momento, Patel le clava un cuchillo en la garganta a un tipo con la boca. Es el tipo de atracción imponente y emocionante que hace que muchas de las películas de acción actuales parezcan perezosas.

Universal Pictures estrenará Hombre mono el 5 de abril.

El apogeo de MoviePass a finales de la década de 2010 (por 10 dólares al mes, los suscriptores podían ver una película por día) era demasiado bueno para durar, pero no tenía por qué ser así. La caída de la empresa se produjo después de que los ejecutivos blancos expulsaran a los dos fundadores negros y trataran de crecer a un ritmo irresponsable. Director Muta’Ali Muhammad (Casio X: convertirse en Ali) describe los humildes orígenes de MoviePass, detalla lo que alguna vez fue un futuro prometedor y habla del egoísmo que precipitó su desaparición. La película es un complemento adecuado para el documental WeWork de hace unos años o, en realidad, para cualquier exposición del siglo XXI sobre una corporación de moda manchada por líderes que ven el poder como un solo partido.

HBO saldrá al aire MoviePass, MovieCrash después en este año.

Manifestemos un gran momento Mary-Louise Parker, ¿de acuerdo? Protagoniza junto a Ayo Edebiri esta comedia dramática en bucle temporal del guionista y director Bernardo Britto, reviviendo la última semana de su vida una y otra vez como una científica de Miami que posee una misteriosa pastilla azul que la devuelve al principio. El metafísico de Edebiri podría tener el secreto para escapar de esta repetición, pero como la mayoría de las películas en bucle temporal, en realidad se trata del vínculo que forman a lo largo del camino. britto da Bucle omnidireccional un encanto melancólico que se alinea perfectamente con el cansancio del mundo característico de Parker.

Bucle omnidireccional está buscando distribución.

Hierba gatera para cualquiera que deambulara por los concurridos centros comerciales de los años 90, el afectuoso documental de Jeremy Workman trata sobre un grupo de amigos de Providence que hicieron de uno su hogar. Gracias a una peculiaridad de la arquitectura, localizaron un nicho al que nadie más podía acceder y lo reclamaron para ellos. El grupo transformó un centro consumista en un santuario privado, oponiéndose a la gentrificación que amenazaba el espíritu artístico de la capital de Rhode Island. Afortunadamente para Workman, también capturaron todo con una videocámara, incluidos los espacios reducidos que se convirtieron en su instalación artística en evolución. Apartamento secreto del centro comercial logra criticar y romantizar la cultura de los centros comerciales que parece pintoresca en la era de Amazon, pero que en realidad es un testimonio del ingenio juvenil: ese período de la vida en el que tienes el tiempo y el descaro de tratar un proyecto favorito como una vocación superior. .

Apartamento secreto del centro comercial está buscando distribución.

¿Qué te parece esto de la intriga corporativa? En 2019, los gerentes de la alta dirección de eBay iniciaron una elaborada campaña de acoso dirigida a dos periodistas que dirigían un blog especializado centrado en las prácticas del gigante del comercio electrónico. Los ejecutivos molestos enviaron un feto de cerdo y cucarachas vivas a la casa de la pareja, los acecharon y les enviaron amenazas de muerte apenas veladas. Pero eso es sólo el comienzo de la historia. Lo que ocurrió dentro de eBay para inspirar tal persecución es igualmente sorprendente. Directora Jenny Carchman (Chisme, El cuarto poder) lo presenta como una saga de crímenes reales, que es más o menos lo que era.

Lo que sea necesario está buscando distribución.

Este cariñoso documental es una maravilla por varias razones. En primer lugar, Allee Willis fue la compositora más prolífica de la que jamás hayas oído hablar, con créditos que incluyen “September” de Earth, Wind & Fire, “Stir It Up” de Patti LaBelle, el Amigos tema y Broadway El color morado musical. En segundo lugar, tuvo un desfile de amigos famosos con anécdotas divertidas sobre su vida, desde Paul Reubens y Michael Patrick King hasta Pamela Adlon y Lily Tomlin. Y, por último, era una lesbiana judía amante de la diversión que veía su vida como un proyecto artístico interminable, documentando gran parte de él como una especie de proto-reality show. Willis murió en 2019, pero el director Alexis Spraic resucita su espíritu para un tributo contagioso.

El mundo según Allee Willis está buscando distribución.

Karan Soni y Jonathan Groff protagonizan la tierna comedia romántica gay Un buen chico indio. El documental premiado Aldea del Gran Robo encuentra a dos actores desempleados montando una producción de Shakespeare dentro del videojuego Grand Theft Auto. Alice Lowe, quien dirigió la de 2017 prevenirsigue teniendo un romance con el chico equivocado mientras recorre siglos en esta imaginativa comedia. Acosador del tiempo. Y Inmaculado (estrenada el 22 de marzo) tiene un final asombrosamente emocionante que compensa la trama poco elaborada de la película.

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¿Recuerdas cuando a los cineastas artísticos se les permitía ser extravagantes y no tenían que modificar su trabajo para apaciguar a los crueles dioses de los algoritmos? Pocos cineastas son tan únicos como el director chileno-francés Alejandro Jodorowsky, cuyo intento de adaptar «Dune» es tan notoriamente salvaje, que se realizó un documental de 2014 que narra el proyecto fallido y es una visita obligada para los fanáticos de las películas de «Dune». Dirigida por Frank Pavich, «La duna de Jodorowsky» analiza la preproducción realmente increíble de una película que nunca existió, con el propio Jodorowsky en el centro. Si hubiera cumplido su deseo, «Dune» habría sido una epopeya de ciencia ficción de 14 horas de duración con su hijo Brontis («El Topo») en el papel principal de Paul Atreides. Nepotismo, claro, pero el resto del elenco de sus sueños era igual de salvaje.

Jodorowsky quería a Salvador Dalí como Shaddam IV (a quien le habrían pagado 100.000 dólares por hora de rodaje), Amanda Lear como la princesa Irulan, Orson Welles como el barón Vladimir Harkonnen, Gloria Swanson como la reverenda madre Gaius Helen Mohiam, David Carradine como el duque Leto Atreides, Geraldine Chaplin como Lady Jessica, Alain Delon como Duncan Idaho, Hervé Villechaize como Gurney Halleck, Udo Kier como Piter De Vries y Mick Jagger como Feyd-Rautha, con música de Pink Floyd. Jodorowsky gastó 2 millones de dólares del presupuesto previsto de 9,5 millones de dólares sólo en preproducción y, después de tres años de desarrollo, todo se vino abajo. HR Giger había sido contratado para diseñar el Castillo Harkonnen basándose en los guiones gráficos de Moebius (recordad esto para más adelante) que nunca llegaron a buen término. Dan O’Bannon, quien iba a dirigir el departamento de efectos especiales, fue hospitalizado después de que el proyecto murió y escribió una serie de guiones después, incluido el guión que se convertiría en «Alien».

Este tejido conectivo resulta útil porque, en 1976, Dino De Laurentiis obtuvo los derechos de la novela de Frank Herbert y encontró al director perfecto para el trabajo.